La semana pasada, la carrera de Tricky inició una nueva etapa cuando publicó su álbum debut con Skilled Mechanics, un nuevo proyecto colaborativo con DJ Milo y Luke Harris, el cual tiene un sonido obscuro, lleno de capas y cinismo. Y el nombre en sí lo deja bastante claro: 

“Viene de un documental sobre espionaje. Había un agente ex-CIA en este programa que hablaba sobre asesinos que eran enviados por los Estados Unidos a otros países para empezar revoluciones y derrocar gobiernos. Los llamaba ‘skilled mechanics’. Pensé que era un gran nombre para alguien que básicamente era un asesino. Simplemente se me quedó en la cabeza.”

En fin, uno de los mejores temas de ese proyecto, “Boy”, acaba de recibir un remix de parte de Riddla, dejándolo extra mugroso. Una mezcla de grime con beats incesantes y crujientes, y contenido lírico intenso escupido por Tricky en su inigualable acento del West Country. Revuélquense en esa mugre aquí abajo:

 

 

Let it be known....... #KanyeWest hit @BigBoy to clear the air about all the recent drama around him! Tune in tomorrow 6:25am! ....Yes, that's the "tracklist" notepad before everyone tagged it! #instarepost20

A video posted by Big Boy (@bigboy) on Feb 3, 2016 at 9:05pm PST

En la mañana, Kanye West apareció en el programa de radio de Big Boy, en la estación Real 92.3 en Los Ángeles, para hablar sobre su nuevo álbum, y siendo como es, Yeezy también se puso a hablar de mil cosas más. Pero lo primero que tienen que saber es que, cuando le preguntaron si Waves era el título real del álbum, él contestó "No tenemos un nombre todavía." Chingón. 

A lo largo de la entrevista, Kanye dijo que el álbum era un “disco de gospel con muchas groserías,” resaltando su colaboración con el cantante de gospel Kirk Franklin. Big Boy también le preguntó sobre su pelea con Wiz Khalifa la semana pasada. Kanye explicó que vio las iniciales de su esposa, Kim Kardashian, en el Twitter de Wiz, y decidió ir tras de él. "Vi las iniciales de mi esposa y reaccioné.” Pero aparentemente todo está bien, y resaltó que esa foto que se tomaron Kim y Amber Rose el fin de semana es real. “Estaban en casa de Kris.”

Para terminar, Big Boy le hizo la pregunta que todos deseamos hacerle: ¿Realmente la alberca de Drake es más grande que la de Kanye, como lo presume el primero en su sencillo más reciente, "Summer Sixteen"? Kanye tuvo una respuesta: "Tengo tres albercas." Escuchen abajo.

Puedes pedir el nuevo álbum de Kanye en su página al comprar boletos para su listening party en Madison Square Garden. Hoy por la mañana, Kanye estuvo activo en Twitter para anunciar:

It was always a dream to have a listening party at Madison Square Garden

— KANYE WEST (@kanyewest) February 4, 2016

It was always a dream to show my collection at Madison Square Garden

— KANYE WEST (@kanyewest) February 4, 2016

On February 11th these dreams come true

— KANYE WEST (@kanyewest) February 4, 2016

Ahí nos vemos.

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Mercedes Nasta en la presentación de Basalto, en el Museo Tamayo. Todas las fotos por Daniel Patlán.

Desde el momento en el que se subió sobre el escenario con Disco Ruido por primera vez en el 2008, en el festival MxBeat, Mercedes Nasta fue adquiriendo una reputación por ser una de las vocalistas más originales e interesantes de la escena musical en México. Su aguda y controversial voz era completamente distinta al resto, y su presencia sobre el escenario, llena de energía y extraños bailes y disfraces, fue parte de las razones por las que la banda fue consiguiendo una gran cantidad de seguidores en sus presentaciones en directo, en festivales como el Vive Latino y el Corona Capital.

Después de publicar Sistema Solar, el álbum debut de Disco Ruido, Mercedes y la banda se fueron separando gradualmente, y de ser la vocalista principal, ahora sólo es una colaboradora más en un roster de vocalistas que incluye a Ale Moreno, de Ruido Rosa, y a Mau García, de Costera. Sin embargo, fue justo después de haber publicado Sistema Solar que Mercedes empezó a trabajar en lo que se convertiría en su debut como solista, Basalto, el cual estrenó hace una semana en el Museo Tamayo, en una presentación íntima que además incluyó una degustación de comida inspirada por el álbum, en un platillo creado por la chef Ithaka Roddam.

Basalto es un álbum completamente distinto no sólo a lo que había hecho con Disco Ruido, sino a la música saliendo de la escena hoy en día: melodías en su mayoría tranquilas, inspiradas por una gran variedad de géneros: de la cumbia al danzón a la electrónica y el ambient, y que además suena completamente distinto en las presentaciones en vivo gracias a la banda que la acompaña. 

Antes de la presentación de Basalto platicamos con Mercedes sobre cómo se fue gestando su proyecto, el álbum, y cómo percibe el futuro a corto y largo plazo. Escuchen Basalto a continuación, y lean la entrevista abajo.

NOISEY: Empecemos desde el principio: ¿cómo fue que te uniste a Disco Ruido?
Mercedes Nasta: Yo me di cuenta que podía rapear en el 2007 haciendo poemas, que es lo que llevo haciendo toda mi vida. Y me acuerdo que los escuché en una fiesta, me gustó mucho cómo tocaban, entonces empecé a ir a bailar cada vez que tenían un show. Al final me terminé haciendo amiga de ellos y un día Peto me preguntó qué era lo que estaba haciendo —yo no tenía idea de que tenían este proyecto en versión live, esa parte nunca la había escuchado. Le conté que era intern en Harper’s Bazaar, que estaba estudiando Comunicación y que estaba empezando hacer rap, y me dijo “A ver” y tal cual, le rapeé [ríe]. Después fuimos con Julián, y le dijo “Mira, ella rapea, podría ser nuestra rapera”. Fue así como me invitaron, mi primer concierto con ellos fue en el MX Beat del 2008, y yo estaba rayada, había cinco mil personas…

Me subí al escenario, y escribí sobre algunos beats que ellos ya tenían, algunas rimas, y además improvisaba en algunas partes. En ese momento yo estaba encontrando esta personalidad artística y ellos me dieron toda la libertad. Después, justo ayer estaba revisando un disco que tenía de archivos viejos y me encontré con “Hippie.mp3”, que luego fue la pista de “Mrs. Love”. Me acuerdo que en ese entonces me dijeron, “Esta es la pista, a ver si le haces un rap encima” y bueno, me encantó encontrármelo por que esa fue la primera rola que yo hice ya formalmente para ellos.

Esa rola quizá siga siendo el éxito más grande de Disco Ruido.
Sí, fue un gran éxito. Fue como todo un suceso. La pasaban en el radio todo el tiempo, la ponían en restaurantes. La verdad fue todo un happenning. Ahí logré darme cuenta que podía hacer canciones y empezó el proceso de componer Sistema Solar, que es todo un viaje, y ya… a partir de ahí empecé a componer casi diario. Me encanta.  

Qué pasó después. ¿Seguiste con Disco Ruido? ¿Cómo empezaste a componer para tu proyecto solista?
Sí, por ejemplo “Magnetic Pluto”, que es una de las canciones de Sistema Solar, es del tipo de cosas que yo empecé hacer desde los cinco años, que eran algo así como lullabies, y luego decidí convertirlas en mi proyecto solista. Me acuerdo que esa canción la pensaba como esta otra cosa. Al final terminé enseñandosela a Julián y se convirtió en una canción de Disco Ruido, pero yo ya tenía ese bicho de hacer mi proyecto aparte. Algo más femenino, más low tempo, más tranquilo, menos electrónico.

¿Cuando fue que pensaste que querías hacer algo por tu cuenta?
Casi a la par, había muchas canciones que yo quería hacer pero que no funcionaban con lo que Disco Ruido traía. Pero como no tenía muchas habilidades de componer, más allá de grabarme con un teléfono, que en ese entonces —hace siete años— eran muy precarios, las grabaciones eran muy malas, entonces siempre terminaba acudiendo con Julián para que me ayudara con las rolas. Así fue como salió Sistema Solar, que le fue increíble, y luego comenzamos hacer otro disco que se llamaba, bueno, yo le había puesto, Edad Media, pero justo a la mitad de eso, ellos tomaron el camino electrónico y entonces eso quedó al aire. Se fueron de gira con Vox Humana y empezaron a grabar cosas en otro estudio. Yo conocí a Chango, de Grabaciones Jamaica, le platiqué que quería hacer unas rolas y él me dijo “Va, pues yo te ayudo”.

Fue ahí cuando empezamos hacer “Paracutín”, donde me di cuenta que había todo un camino; podría decirse que esa fue la verdadera revelación. 
Cuando empecé hacer “Paracutín” no sabía que era cumbia; sabía que quería hacer algo así desde “Prisma” de Sistema Solar, que mi intención inicial era que fuera en ese estilo, pero que terminó siendo algo rock. Y “Paracutín” era una cosa súper low tempo, radioheadesca—que ahora en vivo así la toco— pero en el estudio Jamaica hacen mucho cumbia, entonces un día le pusimos un ruido del estilo y me clavé con eso, y quedó como cumbia.

Al final terminé con todos estos ritmos latinos, este acercamiento al danzón y también una cuestión pop dark. No es que yo estuviera haciendo un ritmo, sino que yo estaba buscando hacer piezas musicales independientes que al final tienen una estructura similar, que son los mismos acordes, pero en cada una fui encontrándole el matiz.

¿Cuándo fue que te pusiste a darle en serio a tu proyecto solista?
“Paracutín” fue en el 2013; la empecé a componer en el 2012 y la hice a la par de “Alegría”, que con ellos ya no salió. Yo dije “Bueno, si ya no va a salir, pues entonces voy a usarla para contar la misma historia pero diferente”, y eso fue “Paracutín”.

¿Cuándo fue la primera vez que la tocaste en vivo?
En el 2012, una amiga mía se casaba en Oaxaca y lo que ella más quería era que yo cantara en su boda, porque era súper fan de lo que hacía con Disco Ruido, pero justo como ya no estaba en eso, dije “En vez de tocar ‘Mrs Love’, voy a tocar algo propio.” Tuve un deadline muy corto, terminé una primera versión de “Paracutín” para ese día. Yo estaba muy emocionada porque iba a ser en el Jardín Etnobotánico, que es un lugar increíble para hacer un performance; un amigo se disfrazó de viejito y otra amiga bailaba. Ese mismo año unos meses antes, en Yucatán, un amigo me invitó hacer un performance en una hacienda, y lo que hice ahí fue una improvisación con un cachito de una rola de Sebastián Telier. Ahí fue donde empecé con esta onda del performance.

Después me puse hacer “Petit Prince” y también la estrené en Oaxaca en el verano del 2013 en un viaje de Mezcal Amores, y así seguí. Me di cuenta que el proceso podía avanzar más y yo tenía las herramientas para componer, así que decidí estudiar un intensivo de producción en Londres, que me sirvió muchísimo porque ahora tengo un estudio de producción en mi casa y me sé grabar y todo, fue una gran apertura para mi creatividad.

¿Qué instrumentos sabes tocar?
En realidad toco muy poco piano, y no sé tocar muchos instrumentos, pero grabo mis ideas en un teclado midi y luego las interpretan los músicos, que fueron como la tercera o cuarta etapa del disco. Cuando regresé entré con esta idea de que el disco podía crecer de manera acústica me encontré con estos músicos, que son Juan García, que toca el contrabajo, Ramón del Buey, que toca el órgano, y Darío Bernal, que toca las percusiones. Así fue como salió esta cosa medio pop con acústico. Por eso tardé tanto, porque hasta que estaban todos los demos decidí grabar todo.

¿Cómo fue el proceso de grabación?
El proceso siempre fue: yo les enseñaba los demos, pero tenían la libertad de hacer lo que quisieran, porque son músicos increíbles. A veces me proponían líneas de piano distintas o acordes diferentes a los que yo tenía planeados, entonces digamos que las canciones eran mías, pero ellos les iban aportando cosas distintas que las complementaban.

¿Tuviste un productor para este disco?
Tuve dos productores. Chango me ayudó con “Paracutín”, “Petit Prince” y “Bailaré”, que es otra cumbia medio reggae, pero son como estos procesos de co-producción en el que básicamente todas las ideas son mías, pero con la idea musical sí soy muy estricta. Este disco salió de mi cabeza y yo ya venía con una idea; yo quería que sonara justo como yo quería. Igual en el futuro sí se me antoja ir con un productor y ver qué hace, pero para esta ocasión quería yo hacerlo sola.

En la otra parte trabajé con Benjamin Schwartz, que hace música de concierto, y su acercamiento fue de gran ayuda para saber qué amplificador usar, qué efecto ponerle a mi voz, con qué micrófono grabar. Él es súper minucioso, entonces el valor de producción cambió y lo enriqueció mucho. Él tiene una banda que se llama Klezmerson, y su estilo es muy melódico, muy instrumental. Eso le dio otra dimensión al disco que no me esperaba, fue una gran sorpresa.

De cuando subiste “Paracutín” a tu Soundcloud a ahora que ya hay un disco pasó mucho tiempo…
La verdad es que yo no tenía idea de que iba a ser tanto tiempo, yo creía que en 2013 iba a sacar el disco, el cual iba a tener cinco canciones —era como un EP. Había muchas ideas; sabía que también podía ser un disco, pero cuando uno se mete en estos procesos independientes, no sabes cuánto te va a costar, si la gente va a tener disponibilidad y etc… Por eso fue un gran aprendizaje. Lo que sí es que siempre supe lo que era el disco: un día tuve esta visión de lo que quería crear, que para mí fue muy importante, porque fue la visión de lo que iba a ser mi obra. Ahora creo que esta obra vive y que tiene un ecosistema de sonidos y melodías.

Portada de Basalto

¿Por qué decidiste ponerle Basalto?
Desde hace mucho tiempo tengo esta fijación con los volcanes, es todo un rollo. El basalto es la lava cuando se enfría, entonces era un poco esta metáfora de haber sido lava, del fuego, la creación y el primer momento de una manifestación de vida. Algo muy incendiario desde la música hasta mi personaje en el escenario. Me pareció que después de ese dibujo de la galaxia era necesario llegar a la Tierra, y el volcán se relacionaba muy bien con mi proceso musical y sentimental en ese momento. Además, esa piedra representa —unos años después— lo que constituyó el sur de la ciudad y su modernismo, ya que también la arquitectura tiene mucho que ver con el disco.

Otra cosa que tiene mucho que ver es que parte de mi familia creció en el Pedregal. Al principio el proyecto se llamaba Horacio, no Mercedes Nasta, que es el nombre de mi abuelo. Además el Pedregal lo diseñó Barragán, entonces por ahí también viene un poco de eso; es regresar a todas esas referencias que uno sabe que tiene, pero que de alguna forma tiene que concretar artisticamente para sacarlas, contemplarlas y hacer algo bello de ellas.

A su vez, la representación de la piedra me gusta mucho porque se originó de una forma distinta; su porosidad es distinta y su color me encanta. Además no pesa, es liviana, entonces da esa sensación de que musicalmente flota. La primera vez que fui DJ el proyecto se llamaba Obsidiana, que es un vidrio volcánico, entonces esta obsesión viene de la misma corriente de evolución geológica que siempre está presente en lo que hago.

¿Cómo distingues tú entre la Mercedes Nasta ordinaria, la Mercedes Nasta de tu proyecto musical y la Mercedes Nasta de Disco Ruido? ¿Encuentras una diferencia?
Pues no es para nada la misma persona, pero es muy interesante porque las tres deberían estar en armonía, pero no siempre están. Por ejemplo, la “Mercedes Nasta” con la Mercedes ordinaria se llevan muy bien, porque podría decirse que mi proyecto musical es el espejo de una visión artística muy peculiar y con ello puedo controlarlo casi en un 100%. Es mi visión, ¿sabes?

Yo quería estudiar cine y me gradué de eso, pero al final terminé haciendo música. Por lo mismo siempre he tenido esa inquietud y trato de hacer siempre videos —de hecho habrá videos para cada una de las canciones del disco. Me gusta conocer directores, involucrar a mis amigos en el proyecto (que casi siempre están en el mismo medio), hablar de las historias que me interesan, y aprendes mucho de ti cuando algo está reflejando las partes que más te gustan de ti, pero a la vez siempre están ahí los fantasmas y se manifiestan tus miedos.

Mercedes de Disco Ruido siempre fue, o es, una cuestión en donde hay un tema de subirse al escenario a perder la noción del espacio y el tiempo para bailar de una forma que no hago más que ahí. Ahora es distinto porque me salí y luego regresé, entonces ya soy un poco más tímida, pero en ese entonces era una cosa chamánica en donde sacaba mis demonios... Hice muchos exorcismos personales en el escenario de Disco Ruido.

En tu proyecto solista no tienes la misma personalidad sobre el escenario, ¿no?
Pues no, no es lo mismo a tus tempranos veintes que a finales. La Mercedes Nasta de mi proyecto es de los 26 para acá, en donde sigo en los veintes pero en una versión mucho más madura. Se siente mucho más seguro y consciente de sí mismo, demás de que la música es muy diferente. Disco Ruido era un deschongue y era también un reflejo de cómo era yo a esa edad, en ese momento, ¿me entiendes? Iba a todos los conciertos, iba a todos los lugares, tenía muchísima energía. Yo venía de Querétaro, que es contexto súper diferente, entonces descubrir la Ciudad de México fue euforia, y Disco Ruido era parte de eso. Además era un momento muy particular en la escena: comenzaban los festivales, venían DJ’s de todas partes del mundo, había mucho entusiasmo —y no es que haya parado ahora, pero en ese momento yo estaba fascinada con todo lo que estaba pasando. Era estudiante, entonces era mi hobbie, era un gran hobbie, era pura manifestación y además era una etapa en la que estaba descubriendo muchas cosas de mí. Estaba haciéndole un exorcismo a mi pasado. Uno nunca deja de tener catarsis, pero en ese momento subirme al escenario era algo que me liberaba completamente y esa etapa se manifestaba con mi pelo, mi vestimenta, cómo cantaba y era increíble, no lo cambiaría jamás. Pero creo que ahora estoy en un momento distinto.

A lo largo de todo este tiempo, también te has clavado en la onda del performance, y hablabas de eso hace rato. ¿Cómo se transmite eso en tu personalidad sobre el escenario? Sobre todo ahora que te presentas en solitario. ¿Es algo que te gusta hacer, sigues haciendo o es algo que has dejado a un lado?
Creo que siempre va a existir esta cuestión porque por lo menos en mi caso, cuando se trata de una cuestión artística, se representa a través del performance. La cual sí ha cambiado con el tiempo; antes era una cuestión mucho más corporal, pero no era algo que se cruzaba con la música, ni con los visuales ni nada, y ahora la cosa es mucho más teatral. Ahora está esta línea en donde si yo voy a cantar, entonces voy tomar un espacio en una galería, y voy a decidir cómo se va a ver, de qué color va a ser, qué se va a servir, cómo va a sonar, ¿no? Es ir agarrar estos espacios lindos dentro de la ciudad. Me gusta mucho, por ejemplo, la comida, y es algo que no he involucrado a mi música, entonces ahora quiero invitar a una chef que vaya con esta cosa de a qué sabe el espectáculo.

Tu proyecto solista no es algo tan pop como Disco Ruido, que puede estar más cercano a algo comercial. Entonces ¿cómo planeas tus presentaciones? ¿Cuál es tu intención al momento de presentar tu música? Y ¿esto no representa un obstáculo en el sentido de la remuneración económica?
Pues en general este álbum no está pensado como una cosa comercial, nunca se concibió así, nadie me dijo cómo tenía que sonar o qué es lo que tenía que hacer. Las canciones duran entre seis y doce minutos. La presentación de Basalto siempre va a ser algo único, íntimo, y la generación de dinero será mínima, pero esa no es la intención. Esta es una idea muy loca que tenía muchas ganas de hacer y si se vende, qué padre. [El disco] va a costar como cien pesos, y vamos hacer un vinil de colección y sí, igual hay cosas que pueden llegar a ser rentables, pero no es esa la intención.

¿Y a futuro cómo lo ves?, ¿Te ves viviendo de esto?
Esto lo financié poco a poco con dinero que iba juntando y no sé, no he pensado mucho en el futuro. Definitivamente podría hacer un disco comercial más adelante porque sé hacer canciones así, y no le cierro las puertas a eso. Pero en este disco en especial, [la falta de ganancias] no es algo de lo que yo me vaya a decepcionar. Es más como un proyecto artístico; el primer concierto fue gratis, ¿me entiendes? Hay muchos espacios culturales en los que me interesa tocar y por las características de esos espacios no puede siempre uno… No sé, es como esta onda de inventar situaciones y que la gente se involucre. Ya veremos qué pasa.

¿Cómo proyectas este año en cuanto a este trabajo y los demás proyectos que tienes?
Pues al final Basalto lo partí a la mitad y solo hay nueve canciones, entonces todas estas canciones que sobraron quiero incluirlas en otro disco.

¿Va a ser un volumen dos?
No creo, me gusta que cada proyecto tenga su vida y su nombre. No siento que tenga que hacer una segunda parte de esto, pero como de Sistema Solar a Basalto hubo una historia que los unió —sobre todo en las letras y en la historia que cuenta, no tanto en los ritmos—, creo que va a pasar lo mismo con el siguiente. Yo sé que yo soy escritora, porque todas mis manifestaciones desde niña han sido en letras, desde siempre he escrito poemas, diario escribo, tengo por ahí una novela que estoy trabajando, siempre he tenido diarios. Escribo mis sueños todos los días, entonces es parte de esa narrativa que se está manifestando musicalmente. Entonces ahí está... Parte de mi plan de este año es grabar otro disco; no creo que salga este año, porque quiero darle su tiempo a Basalto, pero sí voy a ser mucho más organizada con mis tiempos para que las cosas salgan cuando quieres que salgan. Hay dos ideas, no sé si quiero hacerlo en español o en inglés, tengo material para los dos. Pero mi intención concreta es tener un concierto cada mes. Si tiene que ser en una casa, no importa. Si hay más de uno al mes está increíble, si hay gira mejor, pero al final me gusta involucrarme mucho con la producción, ir hacer scouting al lugar, a veces consigo el alcohol, como es mi proyecto demanda ese tiempo, entonces yo sé que una vez al mes tengo algo. Y está padre también para la gente porque ellos ya saben a través de mis redes que una vez al mes va haber algo.

¿Qué buscas que la gente experimente cada vez que te vea en vivo?
De entrada que lo disfruten, que se te muevan cosas internas, que haya algo de lo que digo o lo que canto que… hay mucho espacio, cuando el contrabajo hace un solo.. como espacios musicales que provocan, o a mí me parecen muy provocadores pero sutiles. Mucho del proyecto en vivo es que estoy con unos grandes músicos y pues también se trata que la gente escuche los instrumentos porque hay mucha improvisación.  

Ve el resto de las fotos de la presentación de Basalto aquí abajo.

Foto cortesía de Finesse Records. 

Cuando se develó el cartel del Ceremonia hace unos días— además de emocionarnos muchísimo porque viene Nas— uno de los artistas en el line up nos brincó porque no teníamos idea de quién era. Luego de tratar de trackearlo por Soundcloud y descubrir que sólo tenía un par de track en colaboración con Naked Geometry y otro con Raido, mandamos preguntar a Finesse Records. 

Pocas horas depués, ya habíamos logrado conseguir una entrevista con Jesse Báez, de quien además presentamos a continuación su nuevo sencillo, "Decíle", una canción que podría decirse es la versión latina de "Tell Your Friends" de The Weeknd. Date una probada de lo que te espera este año en el Ceremonia y aclara (como nosotros) quién es este tipo que anda soltando rimas pegajosas con ritmos R&B. 

Noisey: Eres relativamente nuevo en la escena musical, y además de tu colaboración con Naked Geometry y Raido se sabe poco de ti. Así que nos gustaría que nos explicaras, ¿de qué va tu proyecto y quién es Jesse Báez?
Jesse Baez: Este proyecto es mi interpretación del R&B y toda la música que escuché de niño. Por ahora casi todo ha ido en español. El propósito de mi música es que cuando te pasen el cable auxiliar en el carro, pongás algo mío y que el carro agarre fuego.

Dinos 3 cosas esenciales que debemos saber sobre ti.
1.- Empecé haciendo música en una banda de la que actualmente sigo colaborando, se llama Easy Easy.
2.- Mi mamá nació en Puerto Rico, mi papá es Dominicano, yo nací en Chicago pero me crié en Guatemala.
3.- Amo los tenis.

Tu nuevo sencillo samplea "Tell Your Friends" de The Weekend. ¿Por qué decidiste apegarte en el sonido y la letra para este track? 
El año pasado pasé escuchando remixes en español de un montón de sencillos que habían salido previamente en inglés. Cuando escuché "Tell Your Friends" lo primero que pensé es que sonaría muy bien en español. Grabé en mi cuarto y se lo mandé a los homies de Finesse Records, y les gustó. Sentí que la letra estaba muy buena y que en español sonaba interesante. Cambié algunas cosas, pero no tanto.

En lo poco que hemos logrado escuchar, parece que tu sello es el R&B. ¿Tenemos razón? ¿Quiénes son tus influencias? ¿Por qué elegiste enfocar hacia ese género tu proyecto? 
Disfruto mucho del rap y de otros géneros, pero el foco principal de mi proyecto es por mucho el R&B. Influencias de este género tengo bastantes. Me gusta mucho, por ejemplo, Love Remains de How to Dress Well. Creo que ese álbum marcó una etapa importante en el resurgimiento del género. Por otro lado, la persona por la que decidí hacer música es Childish Gambino. De niño escuchaba mucho a The Temptations, R Kelly, Jaheim entre otros. Siento que las melodías y los sonidos del R&B van de acuerdo a mi carácter. Además creo que hace falta más presencia del género en la escena musical en Latinoamérica.

Fuera de Arjona, son pocas las cosas que nos llegan de Guatemala. El año pasado hizo ruido Easy Easy, que mezcla hip hop con R&B y otras cosas. ¿Está hot ahorita el R&B y el hip hop allá? ¿Qué bandas nos recomiendas y qué tan difícil es ganarte la vida como músico allá?
Con Easy Easy poco a poco hemos logrado ir tocando puertas afuera del país. En realidad, no hay tantos proyectos de R&B en Guatemala. Es mucho más activa la escena del rap, diría que es de las más activas.

Sobre ganarte la vida como músico acá está algo difícil pero no imposible; la posibilidad de volverte relevante en tu región es lo que motiva. Pero el struggle está duro.

Las bandas que recomiendo son:

Los Tiros
Creo en mi
Volver
Kontra

¿Qué tienes planeado para Ceremonia? ¿Qué es lo que quieres transmitir con tu música ese día? ¿Qué tipo de fiesta puede esperar la gente? 
Tenemos planeado prenderle fuego a todos los que nos lleguen a ver. Cachondeo. Sensualidad. Que se vayan bailando, enamorados y felices.

En "Decile" si algo queda claro es que te gusta el porro, entonces... ¿qué tipo de yerba es la indicada para escuchar tu música? 
Amo el porro, men. Cualquier weed que quepa en tu presupuesto está bien. Para mí la de mi weed guy (él sabe quién es). 

¿Qué planes tienes para este año?
Aparte del Ceremonia en abril vamos a sacar varios mixtapes durante el año. Queremos grabar un video por canción, idealmente. También espero poder tocar en más festivales, eso sería amor, amor puro.

¿Topan aquellos viejos video-infomerciales en los que un chulete apostaba todo en la vida, seguía una fórmula ganadora y siempre resultaba exitoso? Pues bueno, Los Nastys se encuentran de estreno con la llegada de un audiovisual de la misma tirada, que lejos de únicamente presentarnos otra más de sus producciones realizadas en handycam y formatos lo-fi, también nos da a conocer esta nueva cara de la banda donde todo luce más despreocupado y divertido.

“Never Digas Never” es el sencillo con el que los madrileños nos ofrecen una especie de “regreso”, tras haberse dado la vuelta por México, reventado el Ceremonia y cumplido su parte en el Festival Marvin. De ahí, La Isla de los Cuadrados Mágicos surtió su efecto y cual trip de ácidos, se bajó la emoción y de ellos no volvimos a saber hasta el estreno de este track, que hoy llega con nuevo video y la promesa de una Noche de Fantasmas con Los Nastys, nombre de su primer LP, que estará disponible en unos cuantos meses.

Dense por acá esta joya y aprendan a hacerlo bien en la vida diciendo “sí” a todo, y triunfando como los chuletes que son con “Never Digas Never”:

Desde su separación en el 2003, los rumores han abundado sobre una eventual reunión de Control Machete, la primer gran banda de rap en México, y quienes llevaron al género a otro nivel en nuestro país. Pero hasta ahora, en eso se han quedado: en puros rumores. 

Han pasado 16 años desde que el trío ha estado junto sobre un escenario, desde un concierto en el que presentaron Artillería pesada en el Barrio Antiguo en Monterrey. Desde entonces publicaron un álbum más, Uno, dos Bandera, pero no volvieron a ser vistos los tres sobre una misma tarima. Fermín se convirtió en un pastor cristiano, Pato siguió rapeando por su cuenta, pero no ha publicado nada nuevo en tres años, y Toy se convirtió en uno de los productores con mayor proyección internacional, apadrinando a 3BallMty, colaborando con incontables artistas, y creando una serie de proyectos alternos, como Compass. 

Sin embargo, una foto publicada hoy por Toy reavivó los rumores y las esperanzas de que esa reunión sí suceda, y quizá esté más cerca que nunca. A través de su cuenta de Instagram, Toy publicó la siguiente foto:

 

El compa @cesaritual logró juntarnos en esta foto a los 3 Control Machete !!! Como que derrepente si me entran las ganas de unos tokines con estos vatos !!! @patomachete @ferminiv !!!

A photo posted by Toy Selectah (@toyselectah) on Feb 4, 2016 at 11:05am PST

¿Será esto sólo un viaje por el pasado, recordando viejos tiempos, o el primer indicador de que el Control por fin estará de regreso, para festejar los 20 años de Mucho Barato? Hasta ahora, todo es especulaciones. Hemos contactado a Toy, pero no hemos recibido  respuesta alguna, pero haremos changuitos. Ojalá este sea el inicio de un regreso muy esperado.

Para cualquiera que tuvo cable de pequeño, el programa de MTV 120 Minutos era un sueño lúcido y televisado que llevaba toda esa música alternativa y a veces muy extraña hasta tu habitación, usualmente durante el horario que tu mamá ya se había ido a dormir. 

Durante esas dos horas cada noche, el canal pasaba videos musicales, entrevistas y shows en vivo de una amplia gama de artistas— desde Blur hasta Bad Religion, pasando por los Butthole Surfers— mientras que una generación entera se sentaba sobre el sofá, ya sea atontados por el olor a la yerba, o simplemente comiendo silenciosamente Doritos, con los ojos bien abiertos porque estaban viendo las cosas más creativas de esos tiempos — ese tipo de adolescentes que no saldrían en revistas de música ordinarias o en programas de radio. En escencia, 120 Minutos era el hoyo negro de YouTube antes de que YouTube incluso existiera.  Era algo así como un prototipo del internet. Y se veía un poco como esto: 

El programa está muerto desde 2013, cuando fue sacado del aire seguramente por causa del internet. Sin embargo, ahora que 120 Minutos tiene un lugar icónico dentro de los recintos de la historia de la música, un tipo (llamado TylerC) se tomó el tiempo de documentar todos y cada uno de los episodios, para después organizar cada uno de los tracks presentados en cada programa dentro de un playlist en YouTube. Así que si quieres saber qué bandas eran las que estaban tocando en MTV el día que naciste, o sólo quieres escuchar dos horas de lo que sea que Lou Reed presentó como buena música en 1998, puedes hacerlo. Está disponible en este sitio, que tiene 956 episodios documentados. 

Foto por Ben Sellon, tomada del Facebook de Helado Negro. 

Helado Negro ha estado soltando música nueva en últimos días y tú tal vez te lo estabas perdiendo. Pero ya no, ahora estás aquí, listo para conectar tus audífonos a la computadora, relajarte y mover la cabeza como una serpiente encantada. Aunque no conocemos la razón de por qué Roberto Carlos Lange—la cabeza llena de sonidos 8 beats que ha generado este proyecto— ha estado dejando caer varios tracks, esperamos bastante que esto se trate de algunas pistas de un nuevo material en camino. Las ganas de ver cómo bailarán los Tinsel Mammals (esas bolas humanas plateadas que salen en la foto) al ritmo de la nueva música de este artista con base en Nueva York son muchas. Como sea, pasemos al menú: 

"Left Fingers" 

La primera vez que Hoffman consumió 250 microgramos de LSD, tuvo que tumbarse en un sillón a suplicar por leche mientras su cabeza daba vueltas y los muebles a su alrededor cambiaban de tamaño. Eso fue hace 63 años. Podría decirse que aquella vez su cabeza se desintegró y todo se convirtió en cosas abtractas que no podía controlar, lo mismo que cuando intentas escribir con la mano izquierda siendo diestro y lo único que logras conseguir es un par de garabatos horribles. A lo que me refiero es que a veces las cosas están fuera de tus manos, como este track que acaba de salir hace apenas unas horas y que, como el nombre de la canción lo propone, va entorpecerte igual que como lo hacen tus dedos izquierdos, o como ese atasque de LSD que te diste y te dejó un ratote atarantado. 

"Beber"

"Nueva mermelada para ti, mi amor te amo", eso fue lo que Helado Negro puso en su Facebook el día de ayer para dar un preview del track. Luego de escucharlo, en efecto, las distorsiones pesadas que parecen que tropiezan una con la otra se resbalar bastante bien por el cuerpo. La buena vibra de esta canción puede sentirse desde su portada: ese triángulo equilatero con piernas, montañas , árboles y manos en posición zen y colores neutros es una chulada. 

"Gold Rich Eyes"

¿Has visto cómo un exprimidor de naranja muele la fruta hasta dejarla toda guanga? Eso le va a pasar a tu cabeza con esto. Es imposible pensar con los sonidos de aviones de fondo. Y mejor no te explico lo que se siente con esos beats que empiezan giantescos y se van achicando conforme tus neuronas se secan. Este track salió el martes (2 de febrero) y la verdad era justo el masaje cerebral que necesitabas para después del puente. Si no lo habías hecho, toma, usa tu cráneo como molcajete. 

Dentro de poco Helado Negro dará un par de shows en Estados Unidos, para ver las fechas entra aquí. 
 

Esta tarde un tweet, proveniente de la cuenta @deftones, me dejó el corazón en un puño: “Ahora puedes escuchar "Prayers/Triangles" completa en http://www.deftones.com”.

Pinché el enlace y luego me quedé paralizado mientras la pantalla se llenaba de colores rosáceos. Y la música, para qué hablar de la música: ese sonido único que ha hecho trascender a los de Sacramento instaló una vez más a mi mente en medio del espacio difuminando la barrera con el tiempo.

De pronto un flamenco asomó en la pantalla. Y luego vino otro y otro y otro ad eternum. Estaba perplejo. Era casi como estar volando en medio de esa bandada de pajarracos de patas y cuellos larguísimos. ¿Por qué estaban ahí? ¿Hacia dónde se dirigían? ¿Tendrían algo que ver con el misterioso búho de “Diamond Eyes”?

En medio de un trance le puse play al video una y otra vez. Acaso como todos los seguidores de Deftones que esperaban nuevo material desde 2012. La espera ha sido dura. Es sabido que ocurrieron varios cambios en la fecha de estreno de Gore, el octavo disco de Deftones, del cual "Prayers/Triangles" es su primer adelanto. El retraso, confirmaron hace poco, fue porque no estaban conformes con el producto final y tuvieron que volver a remezclar las canciones hasta quedar satisfechos.

¿Cómo culparlos? En esta era de la inmediatez un gesto como este resulta improbable. Admirable. Esperanzador.

A saber: el estreno de Gore, el octavo disco de Deftones, será el 8 de abril. Sobre él se sabe poco. Casi nada, a decir verdad. Pero, según Chris Buongiorno, el director detrás del teaser de "Prayers/Triangles", el arte del disco ya está definido. El nuevo escudo de la era de Gore será un flamenco.

Contacté a Chris, quien además es skater y baterista, para conversar sobre el teaser y, por supuesto, sobre Deftones.

Chris: Hola ¿Cómo están todos los fans de Deftones en Latinoamérica? Mi nombre es Chris Buongiorno y soy un director de videos musicales que vive y trabaja en Los Ángeles.

NOISEY: ¡Hola Chris! ¿Cómo llegaste a trabajar con Deftones?
Jimmy, el manager de la banda, me dio la oportunidad de trabajar con Deftones, ya que yo había dirigido videos para los chicos de Night Riots (otra banda de California que Jimmy maneja). Él me preguntó si estaba interesado en colaborar con Deftones en los teaser de su próximo álbum. Yo crecí escuchando Deftones, de hecho aprendí a tocar la batería con el estilo rítmico de Abe Cunningham. Siempre he tenido una conexión personal con ellos como artistas, tanto visual como auditiva. Así que, cuando surgió la oportunidad, no era para pensarlo dos veces. Accedí de inmediato.

¿Qué te gusta del estilo de Abe?
Abe es increíble. He tocado en muchas bandas a lo largo de los años y siempre he robado casi todo de él. Es el tipo de baterista que encuentra el equilibrio perfecto entre el groove y la técnica. Cada chico que está aprendiendo a tocar batería debería estudiar a Abe.

¿De dónde viene la idea de los flamencos?
Fue bastante sencillo, en realidad. Esencialmente ellos querían crear una conexión con el artwork de su nuevo disco Gore, cuya portada cuenta con una bandada de flamencos volando. Pensé que sería adecuado colocar a la audiencia directamente en el centro de la manada. Mi idea era evocar una sensación de vuelo. Pienso que es una bella imagen que contrasta muy bien con los tonos oscuros de la palabra, Gore. Esta yuxtaposición es realmente lo que define Deftones. Así que eso fue lo que nos propusimos alcanzar.

¿Y a ti qué te evocan los flamencos?
Amo los flamencos. Son uno de esos pájaros que nunca se asocian con el vuelo, ya que por lo general siempre aparecen de pie en las fotos. Además, son una imagen muy fuerte en la cultura popular. Están en los carteles de neón del Miami de los ochenta y también en los casinos de Las Vegas. Pienso que Deftones está rompiendo con esa idea de los flamencos y presentándolos de una nueva manera.

¿Vas a seguir trabajando con ellos?
Me encantaría hacerles un video completo. Son unos tipos increíblemente humildes, muy trabajadores y colaboradores con los otros artistas con que trabajan. Probablemente por todo esto han continuado haciendo una música tan poderosa y resistente al paso del tiempo. Ellos, a diferencia de otras bandas, fueron capaces de resistir a la era Adidas y sus 15 minutos de fama.

Además de tocar la batería y dirigir videos, eres skater. ¿Te gustó el último video de Deftones (“Romantic Dreams”)?
¡Ese video para “Romantic Dreams” es fantástico! El skate está en mis raíces, pero nunca voy a ser tan talentoso como Jason Park (el protagonista del video). Me encantó vivir indirectamente a través de él lo que siente patinar por las calles del centro de Los Ángeles a altas horas de la noche. Ver “Romantic Dreams”, si te gusta el skate, Deftones, y vives en Los Ángeles, es una experiencia bastante surrealista.

¿Y cuáles son tus tres videos favoritos de Deftones?
Mis tres videos favoritos son, probablemente, “Back to School (Mini Maggit)”, “Minerva” y “Sextape”. El primero me gusta porque es muy divertido y porque Paul Hunter, el director, es una leyenda. Sobre “Minerva”: creo que lo he usado a modo de referencia en muchos de mis propios videos. Es absolutamente precioso. ¿Quién no disfrutaría de una actuación épica de Deftones en el medio del desierto? Y “Sextape” me gusta porque se siente como un sueño en el cual me gustaría poder estar por siempre. El video para “Change (In The House Of Flies)” también es pretty badass.

¿En qué otro proyecto estás, Chris?
No puedo contar mucho sobre esto… pero estoy trabajando en la nueva película de Spider-Man. Lo único que puedo decir es que si eres un fan de los cómics originales, entonces te va a encantar. Lo que estamos tratando de hacer es crear algunas cosas nuevas y emocionantes con la franquicia. Traer al Hombre Araña de vuelta a la familia Marvel ha abierto un mundo de posibilidades.

Gracias por tu tiempo y buena onda, Chris.
Gracias a ustedes en Vice México por contactarme y disfrutar del video. Yo, como todos los demás, muero por escuchar el nuevo disco de Deftones.

Anoche en Conan, el cantautor y multi-instrumentalista Andrew Bird tocó un sencillo inédito titulado "Capsized." Este tema bluesero es su primer canción original nueva desde el álbum del 2012 Hands of Glory. Y hoy, siguió ese debut con la noticia de que en poco tiempo va a publicar un nuevo álbum titulado Are You Serious, el cual incluye colaboraciones con Fiona Apple y Blake Mills. El nuevo LP estará disponible como parte de un box set de lujo, que incluirá además el disco de 7" Are We Not Burning? The Devolution of Capsized, y un libro con arte para cada track. Todo estará disponible a partir del 1 de abril.

Bird también anunció una nueva gira mundial en el 2016 que empezará en eropa a finales de este mes. Vean su presentación anoche en Conan, y además les dejamos la versión de estudio de "Capsized."

Foto por Pedro Quintans

Con el paso del tiempo, quedan pocos lugares que podamos llamarlos paraíso, que sean completamente ajenos a los vicios y ambiciones del ser humano y que preserven el más ligero suspiro de nuestros ancestros. Son pocos los que tienen el interés por reconectarse con sus raíces y son aún menos los que buscan fomentar esto.

Para nuestra fortuna, hace cuatro años en Chile nació el Festival Nómade. Este es un auténtico escape de la civilización, pues la misión de Nómade es reconectar a la gente con la tierra, con sus raíces y con su música. Nómade se lleva a cabo en lugares pristinos y va cambiando de sede en cada edición. Este año llegará a la reserva Mapu Lahual en la X región de los lagos, Chile. Este parque indígena está ubicado en la provincia de Osorno (al sur de Chile), en la Cordillera de la Costa.

Todo en el Festival Nomade es una aventura, desde llegar ahí —pues hay que hacer una caminata de mínimo 10 km. Los primeros días los asistentes del festival se integran y conviven con las familias de las comunidades de la región y participan en todo tipo de actividades, cuyo fin es mostrarle a la gente cómo se puede llevar una vida más sustentable.

Hacia el camino final de Nómade, la música se va haciendo presente a través de productores del nuevo folclor latinoamericano.Talentos que han incluido la música electrónica en los sonidos de sus raíces y que hoy están redefiniendo y re-contextualizando la música folclórica.

En esta edición 2016 del Festival Nómade la músia también será toda una experiencia al mando de Chancha Vía Circuito, La Yegros, King Coya, Barrio Lindo y Matanza, entre otros.

Chancha Vía Circuito preparó un mix para ir sentando el mood del Festival Nómade. Escúchenlo aquí abajo mientras se imaginan estar en el punto más sur del mundo, sin absolutamente nada que los ate al mundo moderno, y poder dejar recorrer el tiempo mientras observas la luna.

De vez en cuando se necesita música ligera, algo que te envuelva y te apapache y te pierda un rato. Pero bueno, no voy hacer de esto algo muy largo: eso es en resumen "Reminder", el primer sencillo del próximo disco de Moderat, el cual han titulado III. Aunque el álbum del trio compuesto por Modeselektor y Apparat sale hasta el primero de abril, esta primera probada adelanta que el material que próximamente podremos disfrutar por completo, va a sumergirnos profundo en el mundo más loco, imprevisible y feliz. Aún no entendemos por qué los personajes que aparecen en el arte (tanto del sencillo como del LP) tienen el ceño fruncido. Nosotros podemos asegurarte que con este track no la vas a pasar mal. Incluso tiene potencial para ser tu nueva obsesión musical, esa canción que reproduces en loop durante horas. 

Podría decirte más, pero nada de lo que ponga aquí, se va a comparar con la música que hay aquí abajo: 

Captura de pantalla de The Hateful Eight

Al tratar de alcanzar la autenticidad artística, los actores y directores pueden llegar a niveles insospechados. Quentin Tarantino se considera un autor, y por lo mismo es el tipo de persona que pide prestados artefactos musicales invaluables en busca de dicha autenticidad, aunque eso signifique que serán destruidos minutos después en el set.

Durante la filmación de The Hateful Eight, su película más reciente, Tarantino pidió prestada una guitarra Martin de 150 años de edad para grabarla, la cual fue posteriormente destruida a pedazos por un iracundo Kurt Russell. La escena en cuestión es aquella en la que el personaje Daisy Domergue (interpretado por Jennifer Jason Leigh) empieza a cantar junto al instrumento intacto, cuando John Ruth (el personaje de Russell) decide que ya tuvo suficiente de ese ruido. Y entonces, irónicamente, dice “Music time’s over,” antes de estrellar la guitarra contra un soporte de roble, dejándola hecha pedazos. "Nos informaron que fue un accidente en el set," dijo Dick Boak, director del Martin Guitar Museum. "Asumimos que un andamio o algo más cayó sobre ella." Y luego, asumimos que vio esto.

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Según Mark Ulano, quien mezcló el audio de la cinta, la guitarra iba a ser reemplazada por una copia antes de que fuera salvajemente asesinada, pero aparentemente Kurt Russell es un actor tan metódico que simplemente no pudo contenerse. Esto es obviamente una mierda de noticia para Martin, quienes prestaron la invaluable guitarra para la filmación con la razonable expectativa que regresaría sana y salva, y no como una serie de astillas pegadas con cinta adhesiva y la nota “Ups, ¡perdón!” pegada encima. Según reportes, sin embargo, la compañía lo tomó bastante bien, declarando: "Como resultado del incidente, la compañía no volverá a prestar ninguna guitarra para ninguna filmación bajo ninguna circunstancia.” Entonces, todo bien, ¿no?

Entonces, la reacción de horror de Jennifer Leigh no fue una gran actuación, sino que su rostro es aquel de una persona viendo un pedazo de historia musical siendo destruido frente a sus propios ojos, todo para beneficiar al renacimiento cinematográfico de Kurt Russell. Supongo que es el tipo de autenticidad que estaba buscando Tarantino.

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“Ácidos Amigos” fue lo último que escuchamos de Yokozuna, y el sencillo dejó bastante claro lo mucho que ha cambiado la banda. Si bien antes su trip era más de ‘Slam y Minifaldas’, ahora los Tranquilino han dejado mucho de eso atrás para cuestionarse cosas más serias. Podría decirse que dejaron atrás ese feel de “venganza” y violencia que adoptaron en su última producción de estudio.

La verdad, se siente como si la banda atravesara un proceso de cambio donde el ruido y la explosión siguieran presentes en su música, pero abordándolos de una manera mucho más madura y diferente a lo que solíamos escucharles en tiempos pasados.

Al final, como cualquier otro proyecto de música, Yokozuna está evolucionando, y estas canciones son una buena manera de atestiguar el cambio que la banda está teniendo. Si quieres entender de lo que hablamos, date este nuevo track y re-descubre al dueto formado por Arturo y Antonio Tranquilino. Ese par de hermanos que se niegan a quedarse en silencio y después de tantos años de vida, siguen haciendo música y reventando en los escenarios porque al final, ¿de qué sirve tanta resistencia?

Foto vía Sonic Cult

¿Cómo se mide la credibilidad de una teoría conspirativa? ¿Por cuánto tiempo tiene que añejarse la idea dentro de la cabeza de los fans— y cuántas pruebas tienen que presentar—para que sea creible?, ¿Se necesitan pruebas de "calidad"? ¿O únicamente se necesita sentir la corazonada de saber que lo que tienes frente a tus ojos no suena tan volado como para comenzar a creer en ello? No tengo idea. Pero luego de toparme e investigar la teoría que levantó como espuma el interes de miles de fans de videojuegos, esa que fue creada por un hombre que pasó 20 años de su vida investigando si su videojuego favorito y Michael Jackson tenían conexión, he empezado a creer que su obsesión en realidad tiene sentido. 

Hay de teorías conspirativas a teorías conspirativas. Existen, por ejemplo, algunas bastante voladas, como la gente que cree que Michael Jackson no era negro, sino más bien un extraterrestre; que el video de “Bitch Better Have My Money” de Rihanna demuestra que ella es una esclava de Satanás; que Avril Lavigne está muerta, y fue reemplazada hace mucho por una doble; y que Nicki Minaj es en realidad Jay Z y North West es el anticristo. Luego hay otras que siempre serán controversiales porque están más cercanas a la realidad, como la clásica que dice que Courtney mató a Kurt. Y después, están teorías que quizá no son tan populares, pero que ocupan la mente de personas por años y años, hasta que un día se comprueba que son ciertas, o no. Como la siguiente.

La vida y obra de Michael Jackson ha desatado incontables teorías conspirativas desde el principio, pero había una que molestaba bastante a Ben Mallison, un fanático de la compañía de videojuegos SEGA y específicamente de su juego franquicia estrella, Sonic the Hedgehog. Según un increíble artículo publicado recientemente en el Huffington Post, Mallison, luego de jugar un centenar de veces Sonic 3 y analizar con detalle su soundtrack, se afanó a la posibilidad de que el Rey del Pop mismo había sido el creador de esos beats distorsionados que musicalizaban las aventuras del erizo veloz. Y no era el único. Desde su lanzamiento en 1994, la teoría se fue popularizando a través de foros de internet, y con el paso del tiempo y el mayor alcance de internet, el número de creyentes fue en ascenso. Según James Hansen, otro gran fan de Sonic, a principios de este milenio "la gente trackeaba a las personas que trabajaron en Sonic y los bombardeaban con miles de mails" pidiendo respuesta.

La teoría puede sonar bastante descabellada y como una simple coincidencia, hasta que uno empieza a ver los créditos del juego, y uno se da cuenta que los músicos involucrados en el soundtrack habían colaborado en varias ocasiones en la música de Michael Jackson.

No fue hasta 2005 que, hartos de la insistencia, durante una entrevista que le hizo un usuario de internet llamado HXC a Roger Hector (el coordinador ejecutivo de SEGA que participó en la creación de Sonic 3) se confrontó el tema. Hector comentó que era cierto que Michael había creado algunas canciones para el videojuego, pero que al final ninguna de ellas había sido utilizada. 

Para desgracia de Hector y los demás involucrados, esta declaración no calmó a los fans, sino que sólo creó un misterio más grande, y sus bandejas de correo siguieron recibiendo mensajes incontables. Ahora no sólo Ben estaba seguro de que había canciones de Michael que sonaban igual que el soundtrack de Sonic; Steven Nipper, otro ultra fan del videojuego, se dio cuenta que "Stranger in Moscow" y el soundtrack de los créditos de Sonic 3 eran bastante similares (por no decir igualitos). Incluso salió un video con la mezcla de las dos canciones para comprobarlo. 

En el 2009, las cosas comenzaron apuntar que las ideas de esos clavados con Sonic no eran tan descabelladas. Ese año la revista Black & White publicó una entrevista con uno de los directores musicales de Michael, Brad Buxer, quien confirmó que Michael había estado involucrado en el proceso de grabación del soundtrack de Sonic 3. Según Buxer, cuando la música del videojuego estaba siendo armada, a la par él estaba trabajando con Jackson en Dangerous. El Rey del Pop se enteró del proyecto y pidió ayudar en el proceso. 

Durante algunas semanas Michael, Buxer y su equipo estuvieron trabajando en los estudios Record One, en California, donde grabaron alrededor de 41 canciones para el videojuego. Versiones completas, canciones reales en alta calidad que, tal como lo declara Doug Grisby (uno de los músicos relacionados con el proyecto), iban a tener que ser adaptadas para poder formar parte de Sonic 3. Como era el caso de las consolas en ese entonces, los gráficos eran lo principal y la cantidad de información de los archivos tenía que ser mínima, y por lo mismo tenía que ser una versión simplificada en MIDI de las canciones que Jackson.

Cuando por fin estuvieron las pruebas finales del videojuego, Jackson no quedó contento con el resultado y pidió que su nombre fuera eliminado de los créditos. Eso fue por 1993, mismo año en que Jackson fue acusado de abuso sexual a menores, lo que generó una perdida considerable de fans para él y que probablementeo hizo que Sega pensara dos veces antes insistir que el soundtrack del videojuego saliera bajo su firma. Sin embargo, lo último es pura especulación, pues no hay prueba de ello, y esa parte del misterio quedará enterrada. Sin embargo, esa teoría que destajó con intriga las entrañas a Ben, Hansen, Nipper y todos los demás fanáticos del videojuego durante tanto tiempo por fin ha sido aclarada. Sí, el Rey del Pop hizo la música de Sonic 3.

Lean la historia completa aquí.

Date este rolón de Ricky Luis para acomàñar al cómic de esta semana

Foto vía. 

Seguramente por lo único que te metiste a ver esta nota era inspeccionar la yerba que ahora lleva el nombre de Bob Marley, ¿no? Pues aquí está. 

A diferencia de las toneladas de productos horribles que hay con la cara de Bob Marley—todas esas lámparas de lava, carteras, y en especial esos horribles gorros tricolor con rastas (en serio, ¿a quién carajo se le ocurrió que era una buena idea hacer un sombrero tejido con pelo encebado falso?— Marley Natural no es un producto de segunda, sino todo lo contrario. ¿Ya viste el verde de esa mota? Según Tahira Rehmatullah (la Product Manager de la marca) "su equipo visitó cientos de granjas alrededor del mundo para aprender sobre el proceso de cultivo y sus diferentes etapas, con el propósito de encontrar la mejor marihuana de cada zona". 

El producto ya está a la venta en algunos de los dispensarios de Estados Unidos, pero el lanzamiento oficial de la marca será mañana, día en el que, si Marley siguiera aquí, cumpliría 71 años. La cabeza del proyecto es Stephen Marley, uno de sus tantos hijos, quien dice que ve esto como una oportunidad para que la gente "no solo de fumar marihuana, sino también de aprender de ella y sus componentes". 

Por el momento ninguno de los frascos que están aquí arriba pueden ser adquiridos en línea (por toda la cuestión legal), pero sí quieres pedir un par de accesorios fancys para tu marihuana, da click aquí. 

No sólo Beyoncé aprovechó el bombardeo mediático del Super Bowl para lanzar una nueva canción. Apenas unas horas antes de la final de la NFL, Missy Elliott publicó un genial y político nuevo tema llamado “Pep Rally”. Esta canción, la cual tiene un beat duro y agresivo muy al estilo de la rapera, es el segundo sencillo que saca en los últimos meses. El primero fue “WTF (Where They From)”, un tema producido por Pharrell Williams. Y aunque los rumores sobre un nuevo álbum de Missy sólo van en aumento, aún sigue siendo incierto, y han pasado ya once años desde The Cookbook, de 2005.  

Por ahora escucha "Pep Rally" acá abajo: 

Hace un año, más o menos, Iggy Pop y Josh Homme empezaron a trabajar en secreto en un nuevo álbum. Ese disco, Post Pop Depression, se estará publicando en marzo. Iggy Pop estaba emocionado por trabajar en algo nuevo y en unir a distintas personas —pero también sabe que su capítulo musical más reciente probablemente sea su último. “Siento que voy a cerrar la tienda después de este,” nos dijo. Nos sentamos, en colaboración con Beats1, con Iggy y su nueva banda para platicar sobre la carrera de la leyenda del punk, y lo que el futuro le espera. Vean un pedazo de la entrevista aquí abajo, y si les interesa, pueden verla por completo a través de Apple Music:

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Foto por Esteban Vargas

La obra de Alex Anwandter cada vez afecta a más personas. Se trata de uno de los pocos músicos de la escena pop chilena que se está haciendo cargo de las urgencias de su país. Con sus dos primeros trabajos solistas —Odisea (2010) y Rebeldes (2011)— fue capaz de enlazar emociones muy personales y luego transmitirlas a través de un mensaje colectivo (‘Cómo puedes vivir contigo mismo’). Un gesto que repite en Amiga, su nuevo disco, y también en Nunca vas a estar solo, su debut como director en la pantalla grande.

La película, cuenta Alex, influyó más en el disco que el disco en la película. «Nunca vas a estar solo y Amiga son vehículos a través de los que puedo explorar temas que me interesan. El disco toca cosas semibiográficas mías, mientras que la película es totalmente de ficción. Tiene esa locura que es escribir un guión en que, en el fondo, todos los personajes son uno»

Amiga se lanzará en abril. Nunca vas a estar solo se exhibirá el 13 de febrero en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

Álex detalla que Nunca vas a estar solo está inspirada en un fan que fue golpeado y torturado por una pandilla de neonazis en un parque de Santiago de Chile. La golpiza le dejó heridas que 25 días después terminaron con su vida. Su nombre era Daniel Zamudio y tenía 24 años. El caso remeció a Chile. Por primera vez la golpiza a un joven homosexual se pensó como un acto repudiable. A los tres meses se promulgó la Ley Antidiscriminación —conocida como Ley Zamudio— que establece sanciones y procedimientos judiciales contra discriminaciones arbitrarias. Daniel se convirtió en un símbolo contra la violencia homofóbica. Álex, shockeado con la muerte de su fan, asumió la vocería en la lucha por los derechos de las minorías sexuales. En la versión chilena de Lollapalooza 2012 le dedicó las canciones ‘Tatuaje’ y ‘Como una estrella’.

Pasó el tiempo, y en Chile se publicaron dos investigaciones periodísticas sobre Daniel (Solos en la noche: Zamudio y sus asesinos, y Zamudio: La vida) y también una serie de televisión basada en su vida (Zamudio: Perdidos en la noche). «Para mí es decepcionante el interés un tanto morboso que hay en Daniel comparado con la poca voluntad que hay para tratar más profundamente el tema de la discriminación. Sin ir más lejos: mi interés no es en Daniel en particular. Es en combatir la violencia que sufrió, para que otros jóvenes no vuelvan a sufrirla. Todo el punto de hacer una historia de ficción, en vez de un retrato biográfico, es eso», dice Álex, horas antes de tomar un vuelo con destino a Berlín.

Noisey: ¿De qué trata, entonces, Nunca vas a estar solo?
Alex Anwandter: De los problemas que enfrenta un padre luego que su hijo gay sufre un ataque muy violento. Esa violencia, por discriminación, lleva al padre a descubrir otros tipos de violencia que también lo afectan a él.

¿Cuál era tu conexión con Daniel?
Daniel Zamudio era un joven de una comuna próxima a Santiago, fan de mi música, con el cual yo intercambié algunas palabras un par de veces. Él fue asesinado y torturado en un ataque extremadamente violento y en el que su sexualidad fue un factor clave de la agresión. El caso fue muy mediático por el nivel de violencia extrema. Luego de su muerte se asoció mucho su figura con mi música, ya que Daniel había sido muy vocal sobre su fanatismo.

En el libro Solos en la noche se puso énfasis en su supuesto carácter autodestructivo.
No me parece distinto a muchísimos otros clichés violentos de representación de la homosexualidad: los gays son promiscuos, buenos para la fiesta, el alcohol, superficiales, arribistas, y un largo etcétera. Lo que me parece particularmente problemático de ese libro es que se plantea a sí mismo como una investigación periodística, con su consecuente pretensión de objetividad. La editorialización, sin embargo, es grotesca. Desde escribir frases como ‘En ese momento Daniel sintió que...’ hasta poner como epígrafe una frase de una canción mía (‘Casa latina’) que menciona una droga (ketamina). ¿Por qué esa frase? Ahí está la óptica, precisamente. Es un libro que pretende tanto hablar por Daniel, ya muerto, como describir su realidad con seudo objetividad periodística. El énfasis en el carácter autodestructivo es una simple opinión que se hace pasar por verdad. Se machaca hasta asociarlo indefectiblemente a él; de hecho, se hizo una serie de televisión basada en el libro (Zamudio: Perdidos en la noche) en que se perpetúa la misma violencia que él libro pretende analizar. En otra esfera, por supuesto: la discursiva.

Desde la muerte de Daniel han ocurrido casos de violencia similares; sin embargo, tuvieron escasa difusión en los medios.
Para resumir: diría que es la diferencia entre lo temático y lo episódico. El tema es la discriminación. El episodio, en cambio, fue Daniel Zamudio. Pero en la televisión no puedes tener dos episodios que se traten de lo mismo. Por eso no se habla de los otros chicos. Ciertamente es más fácil quedarse pegado en el episodio que todo el mundo vio, el de Daniel, que abstraerlo y analizar con qué grado de profundidad ha penetrado la homofobia, el machismo, el sexismo —en suma: el patriarcado— en nuestra sociedad. Es una manera de mantener el debate en su mínima expresión, de delimitarlo. Yendo al extremo es una manera de decir: ‘sólo fue Daniel, no hubo ni habrá nadie más’.

¿Chile ha cambiado después de la Ley Zamudio?
No lo suficiente. Sigue habiendo casos de violencia por discriminación sexual y también por género, raza o nacionalidad. Hay una ridiculización muy transversal incluso al tema mismo de combatir la discriminación. Decir Ley Zamudio es un chiste: las parejas del mismo sexo no se pueden dar la mano en la calle sin correr peligro real.

Hace un par de años decías que no había suficiente protesta en tus canciones. ¿Cómo es la situación ahora?
Hay más, jajaja. No sé si lo suficiente.

Foto por Esteban Vargas

En "Siempre es viernes en mi corazón" dices que quieres prenderle fuego a la Iglesia y al Congreso.
¡Sí, pero es metafórico! Bueno, lo del Congreso por lo menos, jajaja. Fuera de broma: es una forma de llamar la atención a instituciones potentes que son o pueden ser opresivas. Para qué hablar de los siglos y siglos de opresión y violencia de la Iglesia Católica... Aunque, mejor, ¡hablemos de eso!

Hablemos.
Sólo el otro día el Rector de la Universidad Católica [el doctor Ignacio Sánchez] dijo que en un caso de una violación ‘sólo la criatura en gestación es víctima’. ¿En qué siglo estamos? ¿Cómo podemos aceptar ese nivel de misoginia y violencia? Las mujeres no tienen derecho sobre sus cuerpos: no pueden abortar ni aunque las violen y su propia vida esté en peligro. ¿No es eso la Iglesia decidiendo por ellas y el Congreso no defendiéndolas?

Desde "Cómo puedes vivir contigo mismo" estás entregando un mensaje por la causa de las minorías.  ¿Lo sigues haciendo en Amiga?
Me produce un poco de extrañeza la expresión la causa de las minorías. El respeto por las minorías o la no discriminación no son una cosa que tenga el propósito de beneficiar sólo a esas minorías. Beneficia a la sociedad. En ese sentido, siempre pienso en términos más sociales —o de derechos civiles— que de minorías. Amiga sigue ese pensamiento.

¿Quedaste conforme con la Ley de Unión Civil? [Ley establecida el año pasado en Chile, que permite formalizar la unión, al igual que el matrimonio, a parejas del mismo o distinto sexo]
Esta es una pregunta capciosa, jajaja. Me parece una forma útil que la gente organice su vida en pareja. Pero, como sustituto para la gente que quiera casarse con alguien de su mismo sexo, me parece que son migajas.

Indiewire lanzó el trailer de tu película y hace poco Billboard lanzó tu nuevo single. ¿Es una forma de comenzar a internacionalizar tu carrera?
Lo de la internacionalización me lo han preguntado desde que comencé a hacer música, y yo no lo veo así. No hago un esfuerzo por internacionalizarme. La música, sobre todo en la era del Internet, se expande sin barreras de países. Incluso sobrepasa algunas barreras culturales. Desde esos lugares donde llega mi música me llaman para ir a tocar y yo voy, así como voy a ciudades de Chile. Lo de Billboard e Indiewire responde a redes que he ido armando con los años, equipos que he formado, por ejemplo, con Nacional Records en Estados Unidos. Pero sería también una falsa modestia no admitir que el trabajo está siendo publicado en esos medios es porque en Chile, en Latinoamérica, existe calidad artística igual de válida que en cualquier lugar del mundo.

Por supuesto.
Por planteártelo en forma de pregunta: he sido fanático de David Bowie desde los 12 años, pero también de Violeta Parra. En Inglaterra prácticamente no conocen a Violeta Parra, pero yo tengo conocimiento obsesivo de David Bowie. Y la pregunta es: ¿cómo no va a resultar eso una ventaja para mí? Claro, no tenemos industria, pero podemos compensar de sobra con identidad.

¿Puedes adelantar algo sobre Amiga?
El disco lo terminé de grabar a mediados del año pasado y fue mezclado en octubre en Los Ángeles. Tiene otra colaboración, además de Ale Sergi y Juliana Gattas, y es en una de mis canciones preferidas… ¡pero es sorpresa!  

Gracias por tu tiempo, Álex.
Gracias a ti.