Fotos por Matt Sav y Paolo Rovers cortesía VICE. 

Si has estado al pendiente de las redes sociales estos últimos días, entonces seguro ya te enteraste que Anti, uno de los discos más esperados de este año, por fin llegó y, aunque las opiniones varian entre si el álbum es bueno o apesta, es díficil negar que no era nada de lo que estábamos esperando. Dentro de las peculiaridades de este, el octavo material de estudio de RiRi, es que dentro de sus 13 tracks (en su versión deluxe 16) se incluye un cover a la canción "New Person, Same Old Mistakes" de Tame Impala, la cual fue parte de su último disco Currents. 

"Same Ol' Mistakes" mantiene el ritmo lento que arrastra las vocales dentro de una melodía pacheca pero, a diferencia de la original, la voz de Riri convierte el track algo con una vibra mucho más despierta y sensual que incluso a los creadores de la versión original les encantó. Así que prepárate, probablemente a ti te pase lo mismo. 

Sobre el cover, el manager de Tame Impala le comentó a NME lo siguiente: 

"El crew de Rihanna [The Roc Nation] se pusieron en contacto con Spinning Top para decirnos que Rihanna había amado 'New Person, Same Old Mistakes' de Tame Impala. Y nos preguntaron si podría hacer un cover en la canción para su nuevo disco". 

"Kevin estuvo mucho más que feliz de mandárselo. Todos estamos muy contentos con el resultado, ¡nos encantó!". 

Escucha la versión original y el cover aquí abajo. 

Patrick Miller. Fotos por Daniel Patlan

Cuando tenía unos 9 o 10 años, Juan José, un veinteañero –quizá menor de 20, la verdad– que trabajaba en el mismo lugar que mi mamá, me reveló todo un universo visual de volantes futuristas, con los que se anunciaba algo que apenas alcanzaba a entender y que más tarde descubriría que se trataba de las célebres fiestas sonideras de Hi-NRG, esas que democratizaban –pinche palabrita pedorra, pero es la única que me viene a la mente– el concepto de discoteca, y que eran capaces de convertir cualquier callejón en un umbral hacia un futuro imaginario de la mano del buen audio, las luces juguetonas y música heredera de la música disco y su espíritu hedonista.

Juan José me contaba que él y montones de seguidores más de algo llamado Hi-NRG se reunían dos veces a la semana afuera de una tienda de discos de la calle de Génova, en plena Zona Rosa, para presumir e intercambiar propagandas impresas en estimulantes papeles con llamativas tintas, dibujos que parecían relatar historias de ciencia ficción, muchas veces protagonizadas por sensuales personajes. Un día, aquel amigo temprano decidió que había llegado mi momento de poseer uno de aquellos flyers, que deslizó desde su carpeta forrada con decenas de ellos hasta mis manitas emocionadas. Su segundo obsequio fue un vinilo de Lene Lovich, mi introducción –sin saberlo– al new wave, aunque yo pensaba –¡era un niño, carajo!– que eso era Hi-NRG. Con esos eye candies que se traficaban cual estampitas a unas cuantas cuadras de donde yo vivía, Juan José había conseguido sembrar en mí el interés por una música que pronto descubriría cómo sonaba, y que se volvería fuente de mis primeros estímulos relacionados con música sintética bailable.

Adelantémonos varios años. El fotógrafo Daniel Patlán y yo estamos llegando a Mérida 17 con el encargo de “entrevistar a Patrick Miller”, que era en realidad la manera en que se nos había encomendado conseguir algunas frases de Roberto Devesa, fervoroso promotor de la música sintética, de los vinilos y del audio y las luces mamalones, un personaje que desde principios de los 80 comenzó a esculpir su leyenda entre las huestes nocturnas y bailarinas de la Ciudad de México, área metropolitana y más allá. Sabíamos que Roberto difícilmente daba entrevistas. Así que tanto a Patlán como a mí nos entusiasmó que fuéramos nosotros los elegidos para este encargo –o los que aceptamos el reto de “trabajar” en plena noche de viernes–. Así lo comentábamos afuera del Patrick Miller cuando salieron a recibirnos. Tras el saludo llegaron las advertencias: a Roberto no le gustan las entrevistas, habla poco, es un poco tímido y probablemente va a costarles trabajo conseguir que pose para un retrato. Las circunstancias iban a ir muy en contra de esos pésimos augurios.

Mientras llegaba la hora de hacer tirabuzón para platicar con él, hicimos la antesala más divertida que pudo haber existido jamás. Armados de cervezas, pudimos explorar la cabina –y tener la afortunada perspectiva de los pinchadiscos– donde DJ Le Fog y DJ Diablo seleccionaban los vinilos que hacían gritar, bailar y sudar a la gente allá abajo. Lo programado esa noche pronto estimuló en mí una especie de eufórica nostalgia por los 80 y 90: When In Rome, Frankie Goes To Hollywood, Depeche Mode, New Order, The Human League, MC Miker G, Modern Talking… La selección estaba todo el tiempo aderezada por las luces que Paqui iba programando. Y digo “luces” por el hábito de aludir al viejo término de “luces y sonido”, que no sé en aquellos años 80, pero que en el caso de ese bodegón de la colonia Roma resulta poco elocuente.

Montones de controles computarizados que parecieran el control de una sofisticada aeronave sirven a Paqui para ir cambiando el orden y la sincronía de los rayos láser, los reflectores y todo lo que va apareciendo en la pantalla del fondo del lugar. De hecho, es común ver a Paqui desplazándose de un lado a otro de la cabina para manipular los distintos controles. Cuando llega “French Kiss”, de Lil Louis, y vemos cómo las luces van ralentizándose junto con el ritmo de la canción hasta llegar a los gemidos en una oscuridad casi total, descubrimos que el colmilludo de Paqui no solo está apretando botoncitos de manera aleatoria: en realidad, va escogiendo la mejor manera de acompañar con pulsaciones luminosas lo que los DJ's han seleccionado para una noche más de rendir culto a la nostalgia.

La memoria falla la mayor parte del tiempo, como bien lo sabe Roberto Devesa, quien me contó esa noche que prefiere evitar las entrevistas porque todos quieren saber datos precisos, fechas, cuáles son sus orígenes, que no recuerda –o considera poco importantes–. De lo que le encanta hablar, como pude comprobar esa noche, es de la música y de su poder para diluir prejuicios de todo tipo –de raza, de clase, de género…–. Aunque lleva poco más de tres décadas dando vida a la noche defeña y ha conseguido que el Hi-NRG se mantenga en el gusto del público gracias a su preocupación por que suene siempre impecablemente, sigue emocionándole ver llegar tanto a su lugar como a sus festivales a un público muy heterogéneo y de muy diversas edades.

Decía que la memoria falla –probablemente la noche y sus excesos tienen la culpa– porque no recuerdo si fue una estación de radio la que me inició propiamente en el Hi-NRG. O si fueron dos. Lo que sí recuerdo vagamente es que había un programa que me gustaba más que otros. Lo esperaba semana a semana armado de “cassettes vírgenes” para grabar todo lo que podía, para luego tocarlo y tocarlo hasta el hartazgo. (Creo que era en el 103.3 de FM, pero no conseguí rastrear bien el dato.) Una fuente de información confiable a la que pudiéramos acceder desde un dispositivo móvil todavía resultaba una idea digna de aparecer en uno de aquellos flyers futuristas, así que había que entregarse a ese tipo de programas de radio o a DJ's de gusto impecable, como Roberto “Patrick Miller” Devesa.

Prácticamente todo lo que programaban en ese espacio radiofónico me entusiasmaba. Para entonces era un ingenuo chico de secundaria que creyó que cuando llevara esa música increíble para mostrarla a sus amigos de la escuela iba a encontrar el mismo asombro. Lo que hallé fue bullying. A los bullies en ese entonces se les llamaba simplemente “pinches changos culeros”, que en mi caso, pedían –exigían– que les enseñara a bailar eso que salía de los cassettes o mejor los dejara volver a la cumbia. Carecía de agallas para mostrarles los pasos que sabía y decidí que el asombro de hallar esa música fascinante me lo guardaría para mí. Sin saberlo, era un discoloco de clóset, y el Hi-NRG fue el inicio de mi gusto por la música orientada a las pistas de baile, que ya a principios de los noventa, comencé a coleccionar; discos que no eran de Hi-NRG pero que sí sonaron hace un par de semanas antes y después de la plática con Roberto Devesa (de Leila K a Black Box pasando por Technotronic o Erasure).

Temo parecer grosero hablando tanto de mí en unas líneas dedicadas a Patrick Miller, pero todo esto fue parte de lo que compartí con Roberto esa noche y que hizo posible que nuestra conversación se extendiera esa noche y evitara que se replegara a su tan afamado silencio. Y en mi descargo, me atrevo a decir que todo esto es suficientemente elocuente de lo que sucedía en aquellos años y que todavía hoy sigue percibiéndose en las discusiones de distintos grados de rudeza que pueden hallarse en los foros de internet: la gente se divide –y se dividía desde entonces– en los fanáticos del Hi-NRG e impulsores –sonidos, djs, “discolocos”…– y los que de plano no entienden por qué esa música retrofuturista puede causar tanto entusiasmo y esas ganas locas de bailar con todo el cuerpo –mucho brazo, mucho movimiento coreográfico– y prefieren ocultar su azoro y su incapacidad para apreciarla –probablemente también para bailarla– detrás de insultos o sonrisas tontas.

Ese viernes, luego de ver desde la cabina del DJ y a ras de pista a varios chicos bailando desde voguing hasta breakdance y discoloqueando en las célebres “rueditas”, Roberto me contó que de alguna manera, mientras crecía su fama, su base de “patricios” y su colección de discos –que hoy ronda los 20 mil vinilos, según un vago cálculo suyo–, a él también le tocó vivir cierta incomprensión y todo tipo de abusos; el más grave, cuando un comando armado llegó a Tulpetlac, allá por mediados de los 80, para robarle absolutamente toda su discoteca ambulante, que desde aquellos años ya era célebre por incorporar lo más avanzado en audio e iluminación. Pero el golpe no lo detuvo, y siguió fiel a los sonidos que le provocaban tantos entusiasmos, sonoridades que provenían de la música disco pero que ya se habían bifurcado y transformado en géneros como el italo disco y el synth pop, principalmente europeo, del que tendremos abundante muestra en el Patrick Miller Fest, que sucederá este sábado y que reunirá varios miles de oídos deseosos de invocar, a partir de pulsos sintetizados y ritmos de secuenciador, esos años de vuelos cósmicos, de obsesión por mirar hacia el espacio exterior desde la pista de baile.

Roberto me contó también que una de las circunstancias que más disfruta es saber que el nombre de Patrick Miller resulta familiar para los diversos artistas de italo disco y de synth pop que se mantienen activos en Europa. Cuando le pregunté por qué quiso poner acento en el italo disco en el festival de este año, me dijo que en realidad muchos de ellos son artistas que ha programado como DJ desde siempre, aunque la gente solía empaquetar todo –disco, italo disco, eurobeat…– bajo un mismo rubro: Hi-NRG. Uno de los invitados al festín sintético del sábado es Savage, el alias de Roberto Zanetti, productor influyentísimo en la música dance de las últimas tres décadas, tanto con sus propios temas como con los producidos para Wilson Ferguson, Paula Evans o hasta Double You –seguro en la memoria RAM de gente de todas las edades está su éxito “Please Don’t Go”–, que no obstante llenar estadios él solo en Europa del Este, sin chistar aceptó formar parte del festival que reunirá también a varias de las voces y creadores de los sonidos que han sonado desde siempre en los sets de Patrick Miller: Boytronic (synth pop de Hamburgo), Claudia Barry (voz emblemática de la época disco; ¿cómo no tener en el radar su participación en “Whisper to a Scream”, de Bobby Orlando?), Clara Moroni (de Italia, considerada la reina del eurobeat y colaboradora también de montones de proyectos de italo) o Larabell (de Italia también, y responsable de un energético italo disco, y que seguramente hará sacudirse el Palacio de los Deportes cuando suene su versión italo de “Feel It”, el célebre track de Fonny de Wulf).

Todos ellos están felices de formar parte del festival de ese genio de la música de baile que fue capaz de adaptarse a todo y que dejó la errancia para establecerse primero en el Club de Periodistas, por los rumbos del Centro Histórico, y más tarde en su actual sede, en la Roma, donde suele atestiguar cómo transcurre la noche desde detrás del DJ, feliz de ver cómo ha podido diluir fronteras, con ayuda de la música, entre edades, posiciones sociales, nacionalidades e, incluso, gustos musicales.

Esa noche de viernes conocimos a un Roberto Devesa jovial, emocionado de ver lo que sucede ahí cada noche, entusiasmado por la cercanía del festival, preocupado por que todo suene y luzca inmejorable para esa cita anual, dispuesto a conversar –¡y a posar para la cámara de Patlán!– tras agradecer que no había sacado la grabadora y soltar una que otra indiscreción, y a obligarnos a seguir la fiesta hasta que las luces se apagaran.

Creo que eso mismo ha hecho Roberto –obligar a su público creciente a seguir la fiesta–, sin hacerlo explícito, a lo largo de los años, lo mismo en fiestas como aquella legendaria de primer aniversario protagonizada por Divine en el World Trade Center, que desde hace dos décadas con ese lugar de la Roma al que ningún video le hace justicia –pinche internet, pinches celulares–, donde todos podemos bailar sin ser puestos a prueba, sin inhibiciones, con la misma nostalgia por el futuro y la noche interminable que siempre ha guiado a Roberto Devesa. ¿Van al Patrick Miller Fest o se quedan? Allá ustedes.

Hace unos días, Twitter fue testigo de una de las peleas más candentes que se han dado entre raperos en el último año. Luego de que Wiz Khalifa soltara un par de tweets intrigosos, y Kanye West respondiera a eso con una serie de tweets cuyo único propósito era destrozarlo, Amber Rose, ex-novia y ex-esposa de ambos, entró a la pelea para dejarle un pequeño mensaje a Kanye. El tweet de Rose, además de sugerir que ella anteriormente había jugado con el ano de Ye, daba a entender que ya era hora de que dejara de hacer berrinche. 

Lo que pasó después, como era de esperarse, es que el tweet sirvió de inspiración para la creación de una avalancha de memes que comenzaron a circular bajo el #Kanyeanalplaylist. 

Para ver más memes entra aquí. 

Y ahora, un genio del internet llamado Gabe Bergado ha llevado el resultado de la pelea a un nivel mucho mayor: creó acompañamiento musical para la pelea que sobrepasa a cualquier meme existente. Señores y señoras, con ustedes, el auténtico #Kanyeanalplaylist, una lista de reproducción con 21 tracks que a través de canciones como "I Want It That Way" de los Backstreet Boys y "No Vaseline" de Ice Cube te transportan de inmediato a ese mundo secreto e inimaginable que Amber destapó con solo un Tweet (y un dedo). Sírvete una copa de vino, busca los mejores memes de Kanye, dale play a esto y prepárate para no dejar de reír en días. 

Es difícil mover el cuerpo cuando hay gente viéndote, hay algo en la mirada de los demás que tensa los músculos y entorpece las articulaciones. Eso pasa, claro, cuando no eres un bailarín profesional que sabe perfectamente cómo doblar y desdoblar las extremidades. Yo, por ejemplo, pertenezco al otro grupo, al de las personas con dos pies izquierdos que se paralizan en cuanto los demás prestan atención a cómo mi cuerpo interpreta la música. Entonces me congelo. Olvido el objetivo: disfrutar y dejarse llevar por la música. 

Pero el día de hoy, Torres de Hanoi (un trío de musicos con mucha buena vibra) lanzó su video para "Palabras Exactas"— el primer sencillo que se desprende de su próximo disco Líneas Paralelas— como un recordatorio de que cuando se trata de bailar al ritmo de buena música, la pena hay que mandarla al carajo. En el corto dirigido por Jaime Martínez vemos a una morra concentrarse únicamente en lo que está sonando en su iPod mientras deja que el ritmo la invada sin que, el montón de personas que pasan junto a ella fuera del metro Insurgentes, se interpongan en su baile. 

Sobre el video, Jaime Martínez nos dijo lo siguiente: 

Más allá de que sea un video acerca de la chica que baila con la canción "Palabras exactas", ese es más bien el pretexto para, en formato de video musical, conseguir un retrato de la ciudad en estos tiempos, un pequeño fragmento de la realidad atrapado como escenario para la música de Torres de Hanoi.

Ve el video aquí abajo. 

La semana pasada les mostramos la última creación que los cerebros detrás de Animal Collective habían creado: una aplicación. La app para dibujar era un invento propio que se titulaba, igual que su nuevo disco, Painting With. Con ella podías crear tu propio pincel basado en el tipo de fotos que tomas, con el que después podías dibujar algo padre en 30 segundos. Durante ese tiempo, "Lying In The Grass", una nueva canción de la banda,  sonaba. Pero hoy, Animal Collective ha lanzado la versión completa del track, lo que significa que si no quieres dibujarle algo gracioso a la foto de tu gato, no importa, igual puedes escuchar la canción aquí abajo.  

PJ Harvey foto por Maria Mochnacz

PJ Harvey siempre ha sido una artista que crea y entrega su arte con honestidad y bajo sus propios términos, los cuales constantemente son alentados por sus deseos de desafiarse a si misma, lo que siempre da como resultado que su arte sea rico y enormemente gratificante. La potencia de su muy próximo noveno álbum pende de la capacidad de Harvey de explotar y aprovechar sus emociones en las canciónes— cosas que ya ha hecho en sus materiales pasados como "Rub Till It Bleeds", o ese track suave "The Desperate Kingdom of Love" (de su EP del 2004 titulado Uh Hur Her, en donde fue ella quien tocó todos los instrumentos), o esa brillantez frágil en Let England Shake (EP que salió en 2011 y que le hizo ganar su segundo Mercury Music Prize— la única artista que lo ha logrado). 

Y al final del año pasado, 3000 suertudos con boleto pudieron asistir al Somerset House en Londres para ver a Harvey y sus colaboradores—en concreto a los productores Flood y John Parish—a través de un panel de cristal. En colaboración con Artangel, el proyecto se tituló, Recording in Progress, y duró un periodo de cinco semanas. Tiempo en el que el fotoperiodista y cineasta Seamus Murphy se encargó de la documentación del proceso. El primer acercamiento de Harvey con Murphy fue hace varios años durante su exposición Darkness Visible realizada en 2008, en donde se exponen algunas crónicas de su experiencia en Afghanistan. Lo cual luego llevó a Murphy hacer 12 cortos para Let England Shake.

Sabemos que los frutos de estas sesiones de grabación en Recording in Progress han sido hechos para su material, The Hope Six Demolition Project (que saldrá en abril)— un puñado de canciones que fueron directamente inspiradas en el viaje que Harvey y Murphy hicieron a Kosovo, Afganistán y Washington D.C, los cuales se realizaron durante un periodo de cuatro años. 

"Cuando estoy escribiendo una canción visualizo la escena entera", explica Harvey. "Puedo ver los colores, puedo saber la hora del día, puedo sentir el ambiente, la luz cambiando, las sobras moviéndose, todo dentro de la fotografía.  Recopilar información de fuentes secundarias se sentia demasiado lejano para lo que yo estaba tratando de escribir. Quería oler el aire, sentir el suelo y conocer a la gente de los países con los que estaba fascinada ".

Muchas de las canciones de The Hope Six... se escucharon por primera vez en el Royal Festival Hall en Londres, espectáculo realizado con las fotos de Murphy de fondo. Esta no es la pirmera vez que estos viajes en particular han proporcionado inspiración para el arte de Harvey: ella se sirvió de las experiencias de su recorrido no solo para su nuevo LP, si no también para si primer libro de poesía, The Hollow of the Hand publicado en 2015, en donde otra vez, las imágenes de Murphy sirvieron de acompañamiento. 

Dejando a un lado ese video en Youtube de su presentación en el Royal Festival Hall, el 21 de enero Harvey lanzó "The Wheel", un vorágine de blues, tambores furiosos y aplausos insistentes en el cual ella se vuelve eco y responde con un coro que encanta con estribillos como "and watch them fade out" mientras la canción se acerca a su fin, de la misma manera hipnótica e inquietante. Aquí abajo está el video premiere para "The Wheel" el cual fue dirigido por Seamus Murphy. Para leer sobre el proceso creativo, y la inspiración que desembocó en la canción, este video y el proyecto completo, entra a i-D dando click aquí. 

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PJ Harvey estartá dando shows en varios festivales este año, las fechas son las siguientes. 

PJ Harvey Tour Dates 

06/04/16 – Barcelona, España – Primavera Sound
06/04-05/16 – París, Francia – We Love Green Festival
06/12/16 – Londres, Reino Unido – Field Day
06/17-18/16 – Helsinki, Finlandia – Sideways Festival
06/20/16 – Berlin, Alemania – Zitadelle Spandau
06/22/16 – Zagreb, Croacia – INMusic
06/24-26/16 – Beuningen, Países Bajos – Down The Rabbit Hole
06/29/16 – Gdynia, Polonia – Open’er Festival
06/29-07/02/16 – Roskilde, Dinamarca – Roskilde Festival
07/02/16 – Werchter, Bégica – Rock Werchter
07/03/16 – Herouville St Clair, Francia – Beauregard Festival
07/07/16 – Trenčín, Eslovaquia – Pohoda Festival
08/11/16 – Oslo, Noruega – OYA
08/11-13/16 – Gothenburg, Suecia – Way Out West

El proyecto de The Hope Six Demolition saldrá el 15 de abril a través de Vagrant Records. 

El nuevo video de Primal Scream para "Where the Light Gets In" cuenta con la presencia del lider de la banda, Bobby Gillespie, y la cantante Sky Ferreira en un ambiente de cabaret. Filmado con un efecto estroboscópico, y un telón de fondo technicolor, el video es lo suficientemente gracioso como para recordarte que, en alguna parte del mundo, no es martes. La canción es el primer sencillo del próximo disco de Primal Scream Chaosmosis, el cual saldrá el 18 de marzo a través de First International/Ignition. Gillespie hizo equipo con Andrew Innes y Bjorn Yttling para la producción del track. Checa el video aquí abajo.  

Miles Ahead, la película biográfica sobre Miles Davis estelarizada por Don Cheadle, por fin tiene un trailer, y todo indica a que va a ser una película increíble. El debut directorial de Cheadle, la cual fue financiada a través una campaña en Indiegogo, ataca la vida de uno de los más grandes del jazz, quien vivió duro, odiaba la misma palabra “jazz”, y cuya cinta parece ser tan cruda como la vida de la leyenda misma. Cheadle es Miles, Emayatzy Corinealdi de Middle of Nowhere es la primera esposa de Davis, Frances Taylor, y Ewan McGregor es el ficticio Dave Brill, un periodista musical afanado en volverse famoso al contar la historia del regreso de Miles en sus últimos días. En apenas dos minutos podemos ver pistolas, contratos discográficos chuecos, gran música, traiciones, infidelidades y más pistolas. Vean el trailer de Miles Ahead aquí abajo. La cinta estará en cines el 1 de abril en Estados Unidos.

El año pasado no hubo tanta lluvia, pero sí más de un par de porros prendidos cuando Snoop Dogg se paró en el escenario principal del Ceremonia 2015. Cuando Snoop cantó "La Bamba" la masa de gente que se alcanzaba a ver desde lejos no dejaba de aplaudir y moverse. Fue una fiestota y este año no va ser diferente. Después de mover un poco la fecha (ahora será el 9 de abril) para que durante el festival tengamos más sol y menos lodo, y hacer un sondeo de algunas semanas para preguntarle a la gente qué le gustaria ver, ¡el Ceremonia no tarda! El festival se llevará a acabo una vez más en el Foro Pegaso (donde siempre), y entre los más destacados del cartel se encuentran Titán, Disclosure, Nas y Thundercat, Anderson.Paak y Ryan Hemsworth.

BOLETOS

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El Remolón. Foto por Federico Moscoso.

A principios del 2014, Andrés Schteingart, pionero de la cumbia digital que viene publicando materiales desde mediados de la década pasada lo mismo como El Remolón que como Drole –su alias más electrónico y minimalista–, estaba buscando cómo editar su disco Selva. Por aquel entonces, eran cada vez más grandes sus ganas de tener un espacio en el que pudiera tomar más decisiones tras muchos años como artista de un solo sello. En esa inquietud cita el origen de Fértil Discos.

Pronto se sumó a la idea Chancha Vía Circuito, quien estaba en una situación similar justo antes de editar Amansará, y aceptó la propuesta de Andrés de editarlo en Fértil para Argentina. A la iniciativa pronto se sumó también Lulacruza, el proyecto de folk electrónico sudamericano formado por la colombiana Alejandra Ortiz y el argentino Luis Maurette, quienes decidieron publicar Orcas en coproducción de Club del Disco, Jumpsuit Records y Fértil.

“Más allá de las ediciones de la música”, asegura Andrés en entrevista, “la idea es apoyarnos y complementarnos con otros artistas para distribuir ideas, conocimientos y experiencias, cada uno desde donde puede y quiere”.

Lo cierto es que Andrés quiso desde siempre tener un sello para editar cosas suyas, lo mismo las firmadas como El Remolón que con proyectos paralelos, como Tropikal Ravers, el dueto colaborativo que surgió en un verano con Chamigo Hugkleson, argentino residente en Berlín.

“La idea de exclusividad alrededor de un sello está un poco caduca para mí, para este mercado tan chico y tan independiente”, sostiene Andrés, “y no descarto que producciones más grandes de El Remolón se editen por algún otro sello que pueda dar algún salto cualitativo. Intento además aportar mi experiencia en el circuito para transferirla a artistas más jóvenes".

La identidad de Fértil Discos irá construyéndose poco a poco, dice Andrés. Lo cierto es que, por ahora, con los materiales que ha coeditado —y los de San Ignacio, Barda y Sonidos de la Jungla, el compilado que estrenamos en esta ocasión, así como los materiales que vienen de Camanchaca, Jin Yerei, Doma Tornados y una serie de videomixtapes— puede afirmarse que el sello se especializa en una especie de electrónica latina acompasada, muchas veces lisérgica, que termina por construir intrincados paisajes/espejo tan energéticos, emotivos e inspiradores como los escenarios reales que los detonaron –las montañas, el Delta del Paraná, la selva/hogar donde suenan habitualmente grillos, pájaros, ríos mesopotámicos, ícaros de ayahuasca…–. También asoma en los lanzamientos de Fértil un poco de canción, pero, aclara Andrés, “siempre y cuando salga del formato clásico pop/rock”.

Y puesto que en Fértil también disfrutan mucho la electrónica de pista de baile, ella también hallará su lugar en su catálogo. Una cosa que les entusiasma es alcanzar un equilibrio en el que lo electrónico y lo folclórico funcionen bien amalgamados y que la incursión de lo latino sea sutil.

“Muchos venimos de escuchar ambient, techno o minimal house en los 2000, y esa influencia está en el sello, como también los  sonidos ácidos del 303 –en Tropikal Ravers– o el electro más de la línea Gigolo –en la obra de Barda–“.

Barda (Cecilia Gebhard) es una de las artistas estrella del sello, una de las apuestas indiscutibles de Fértil. En octubre del año pasado entregó un disco hermoso, Gruta, con un estilo minimal construido con drones y pads, ukuleles, el didgeridoo de Yoco Pérez de Arce... Todo un recorrido cavernoso construido de percusiones y sonidos electrónicos que nos obliga a sumergirnos en nuestros propios laberintos mentales. Un disco que, sin duda, se antoja experimentar en vivo.

El logo de Fértil

La identidad visual de Fértil ha sido construida por varios personajes: Mariano Nerd –quien diseñó el arte de Selva– hizo el logo inicial, que luego modificó Federico Sánchez (Jin Yerei) para simplificarlo. Son Bo también ha estado involucrado en la construcción gráfica del sello. A él lo conocieron cuando participó en un concurso de portadas que hizo Andrés para Selva Remixes, y de inmediato le fascinó su estilo y su trabajo, por lo que pronto lo invitó a trabajar en el arte de los Fertilindos –las fiestas de Fértil Discos– y ahora para Sonidos de la Jungla.

“Con Tu Guaina, que además hace una música increíble, nos conocimos hace un par de años, y como su estilo es muy selvático, pensamos en usarlas para wallpapers de Fértil, y queremos hacer unos videos de los temas del compilado con su arte. También trabajamos con VJs que tienen un lugar en los llamados videomixtapes. Ya hicimos tres, en los que distintos DJs/productores son interpretados visualmente por ellos: SidiRum con Bruera, Kaleema con Nina Plez y Nunsense con Paula Bernardou, todos argentinos”.

Los Fertilindo son los eventos de Fértil en los que tocan artistas del sello y gente afín. El año pasado realizaron uno en Buenos Aires que fue un éxito. El próximo 18 de febrero harán el segundo en un viejo teatro de la ciudad con los nuevos artistas del sello –Barda, Jin Yerei y Pol Nada–, más Chancha Vía Circuito, Lulacruza y El Remolón.

“Estamos muy entusiasmados con esto, con el diálogo y el respeto que se da entre todos. Trabajamos fuerte también la imagen y lo visual. Cada artista está preparando un show especial para el evento. Aprovechamos para presentar también el nuevo disco de Jin Yerei, que saldrá por Fértil el 15 de febrero: Foráneo cálido pasmoso, y por supuesto, el compilado Sonidos de la Jungla”.

Sonidos de la Jungla

En Sonidos de la Jungla hay muy diversos acercamientos al folclor. Entre los que disfrutamos especialmente se cuenta, por ejemplo, la aproximación dub de Doma Tornados. Y si bien ya existe un decálogo del sello, en el que se subraya que será una plataforma colaborativa, plural, autogestiva y horizontal que promueva música interesante para los oídos, sin distinción de géneros, esta compilación servirá para que nos demos una idea del espíritu de Fértil. En ella, se propusieron documentar algo que podría ser descrito como jungle wave u “onda selvática", que ya asomaba en discos de Chancha Vía Circuito, El Remolón, Dengue Dengue Dengue, Nicolá Cruz, El Búho, Barrio Lindo, SidiRum…

“Curiosamente muchos de esos artistas no forman parte del compilado, pero han sido influencia para una generación posterior de artistas y han colaborado con el sello de una u otra manera”, explica Andrés.

Sonidos de la Jungla es un abanico amplio de la electrónica sudamericana, por lo que veremos una muestra que recorre desde el idm/glitch/dub de Juan Sorrentino, Cero39, Jin Yerei o Lesglobe-iss hasta el house tribalero de DJ Karen, San Ignacio o Doma Tornados, pasando por la cumbia digital de Tu Guaina o El Remolón, los ícaros de Lulacruza o la canción más pop de Wenceslada.

“Para cerrar”, cuenta Andrés, “me gustó el tema de Sapukai, que para mí es como un Chemical Brothers de la jungla”.

Para dar forma a esta compilación, Andrés lanzó la convocatoria por internet (mucho Facebook). Confiesa que al principio pensó que no había encontrado mucho eco, pero se dio cuenta que no tenía bien configurada la cuenta de correo. Lo arregló y pronto se sorprendió descubriendo que había 40 mails entusiasmados con el proyecto.

“¡Fue un flash! Quería que el disco no fuera un compilado para DJs –solamente–, sino que pudiera ponerse y escucharse como un disco amable. Quería que la electrónica fuera el eje que lo guiara sin dejar de lado lo experimental ni la canción. Así fue como los temas demasiado experimentales o los muy rockeros/poperos no quedaron en esta ocasión. Costó dejar amigos afuera, pero lo que priorizamos fue el producto y muchas de las cosas que no quedaron eran también geniales. Esperamos que puedan salir a la luz en otro momento”.

(Casi) track por track

“Chamamé de los Muertos” - Pol Nada

Pol Nada abre el disco con un tema inspirado en lo que llama “la Mesopotamia argentina”. Él es rosarino, cantante y guitarrista. Con él están planeando un disco homenaje con versiones semiacústicas y electrónicas de Linares Cardozo, un folclorista contemporáneo de Atahualpa Yupanqui.

“Selva de Evo” - Juan Sorrentino

Juan Sorrentino (Chaco, Argentina) tiene un par de proyectos musicales: Les Yacaré y El Pastiche. A él, Andrés lo describe como un gran músico y autor de piezas electroacústicas geniales. El tema nació como una propuesta para el soundtrack del cortometraje Evo, realizado por el colectivo Arte Proteico –Federico Caram, Armando Frezze–. Juan se inspiró muchísimo en imágenes de un alto contenido pictórico y texturas distorsionadas por los filtros de gelatina en cámara. “Es un recorrido, un transitar lento sin objetivo y sin norte por una selva psicodélica, trastocada por el estado del actor”, explica Juan. “Esta mirada subjetiva y perezosa a través del verde de la naturaleza se ve reflejado en el tempo musical, en los pasos y en la mezcla pastosa donde no se entienden bien los detalles. Todo suena como si tuviéramos los oídos un poco tapados. En ese momento estaba cerrando mi proyecto Electroliving, alejándome del noise y del ambient e incursionando en la mezcla con el folclor. Evo fue clave para comenzar este nuevo camino que derivó en otros nuevos trabajos en este orden”.

“Fuertes de Bambú” - Adrián Juárez

Adrián Juárez, de La Plata, Argentina, es músico electrónico y cantautor. En su caso, tenía todo un disco inspirado en la selva. “La canción original era bien selvática”, cuenta Adrián, “llena de sonidos de agua, parches de cuero y sonajeros de madera, lo cual me encantaba en el contexto de mi disco, pero la letra del tema tenía a su vez un sesgo muy ancestral, espiritual, y me gustó la idea de hacer una versión dub para acentuar ese aspecto más "selvático/cósmico" del tema.

“Candombe Interestelar” - Les Globe-iss 

Este tema pertenece a una serie de tracks compuestos a partir de samplers grabados en las llamadas de Montevideo y San Telmo. La segunda versión, que aparece en el disco, Les Globe-iss la imaginó como una canción de cuna tamborilera. “Bajé el tempo y utilicé un hangdrum para suavizar el viaje”, cuenta Les Globe-iss. “Considero a los candombes interestelares como continuación de los remixes realizados en DeEduardoMateoEsperiens, pero desde una composición más personal”.

“Suamox” - Cero39 

Para referirse a este track hermoso, Cero39 (de Colombia) cuenta que Suamox fue un centro religioso muisca –nativos de los Andes colombianos– que quedaba en el valle de Iraca, donde decían que había nacido el sol. Esto nos cuenta Cero39: “Emprendí la tarea de realizar un track de corte indigenista a petición de una amiga etnodrogadicta –dícese de las personas que encuentran cierto placer en ritos ancestrales alucinógenos–. Mi amiga había grabado flautas de un rito al que había ido. Al escuchar sus melodías random me dispuse a la máquina. Al desarrollarlo busqué describir el valle de Iraca, los recuerdos de una infancia, el sol jugando con la naturaleza y conmigo también, jugábamos en campos muy verdes, en un clima frío, lleno de pájaros y pequeños riachuelos”.

“Arpa Iris” - Lulacruza 

Actualmente un trío de electrofolk, los chicos de Lulacruza (Colombia/Argentina) cuentan que “Arpa Iris” nació del verano psicotrópico que pasaron en California en 2008. “En ese momento éramos participantes activos de las ceremonias indígenas tradicionales que llevaban a cabo nativos americanos y chamanes visitantes de Latinoamérica, y a la vez estábamos sumergidos en el noise y el drone del under de Oakland. Fue la época más experimental de Lulacruza y la que dio como resultado nuestro disco más textural, Soloina (del 2009). ‘Arpa Iris’ es una de esas joyas que en ese momento quedaron fuera del disco pero que nos impacta escuchar ocho años después. Es como si estuviésemos oyendo una voz que nos canta desde el mas allá, desde un lugar lejano y poderoso”.

“Violeta” - Wenceslada

A esta cantante argentina hemos podido escucharla en los discos de Chancha Vía Circuito, una voz emotiva que proviene desde el impulso de la improvisación. “Así es como son las canciones que después me vienen a contar en relación a qué experiencia es que tienen existencia”, dice Wenceslada. “En el caso de ‘Violeta’, estoy segura de que nació de la experiencia de estar en los bosques entrerrianos, donde los árboles crecen sin guía, libres y enmarañados. Sólo que de eso me enteré años después, mientras se hacía la canción”.

“Hoasca” - El Remolón

Este track lo produjo El Remolón con la grabación de una ceremonia de ayahuasca en Pucallpa, Perú, junto con el chamán Ronin Soy. “Es parte de la música que hice con el material que me sobró de mi disco Selva”, explica Andrés. “Hay varias cosas más en este tenor que veré si logro editar en unos meses”.

“Metaterraza” - San Ignacio

A San Ignacio, originario del Tigre, Argentina, El Remolón lo describe como uno de los grandes descubrimientos de Fértil: “Es anfitrión del genial festival Isla, en las islas del Tigre, y su estilo es muy dulce, casi un melodic cumbia, que conjuga con poesías de autores contemporáneos”.

“Cuerpo Caliente I” - Doma Tornados

Doma Tornados es en realidad Guillermo Piacenza, un viejo amigo argentino de El Remolón afincado en Barcelona. Este track, cuenta el propio Guillermo, fue producido tras una ardua temporada de escucha de ritmos afrovenezolanos. “En particular conecté mucho con dos patrones rítmicos: sangueo y golpe de San Millán, ambos muy poderosos”, explica. “El tambor principal que se escucha en el track es un auténtico tambor de San Millán ejecutado con más fervor que técnica; lo que hace de güiro es un instrumento africano que compré en la isla de Lanzarote y cuyo nombre desconozco. También hay una darbuka marroquí y algunos golpes de cajón flamenco”.

“Amazonia ‘78” - Jin Yerei 

En 2014, Jin Yerei tomó clases de percusión con Diego Giménez, maestro de Neuquén bien conocido. “Uno de los compases aprendidos que más me llamó la atención fue el 7/8”, cuenta Jin Yerei, “lo noté un tanto fuera de lo común. Lo tomé como un desafío, porque me gustó la idea de transformar un ejercicio de esa época en una oda amazónica en un hipotético año 78. Por eso Amazonia ‘78”.

Para mediados de este mes, el rapero y productor de Filadelfia lanzará su tercer álbum de estudio titulado Ritualize— un disco en donde colaboran Killer Mike, Marissa Nadler, RJD2 y más—y el día de hoy publicó su primera nueva canción "Hong Kong (Lady of Love), en donde aparece el maravilloso Ariel Pink. Si estas en la Ciudad de México, como nosotros (que además es el centro de nuestro universo), este track influenciado por sonidos disco es bastante bueno para salir a caminar entre tanto caos. Escúchalo aquí abajo y ayúdanos a que la Tierra se derrita. 

Pide por adelantado Ritualize aquí. 

Foto vía Demilked

Desde su muerte, han sido incontables las muestras de afecto hacia Bowie, ya sea a través de los peores dibujos hechos por fans, constelaciones nombradas en su honor, peticiones en Change.org que piden que su cara sea parte de un billete, o con fiestas en las calles, la gente no para de hablar de uno de los grandes en la música. Tal vez fue lo cercano que estaba su disco y lo inesperado de su muerte lo que hizo que el shock fuera aún más grande. Además, David Bowie fue algo así como un gigante que invadió cada espacio de las artes y eso hace mucho más fructuoso y enriquecedor recordarlo. Y la verdad es que ni ustedes, ni nosotros nos cansamos de hablar de él y todo lo que dejó aquí. 

Hace unos días, la galería Very Private Gallery publicó en su blog a manera de tributo una colección de pinturas hechas por Bowie. La colección incluye algunos autorretratos, una serie inspirada en Sudáfrica y retratos de personajes como Iggy Pop y Mike Garson. El bonche de pinturas publicadas cuentan con un estilo post-moderno, influenciadas por artistas como Frank Auerbach, David Bomberg y Francis Bacon. Vean un par de fotos de la galería acá abajo, una muestra más de que Bowie no sólo era un músico talentoso, sino que su creatividad y talento se expandían a distintos campos artísticos.

Autorretrato 1996 

Autorretrato, 1996 

Autorretrato 1974 

Serie DHead 1994

Retrato Iggy Pop 1978 

Retrato Mike Garson 

Dibujo de David tomado de su libreta de Sketches, 1974 

Ancestor / Serie Sudáfrica 1995

Para ver la colección completa de pinturas entra aquí.  

Han pasado casi cuatro años desde que Pussy Riot, la banda rusa feminista de anarco-punk, realizó su legendaria protesta "Punk Prayer - Mother of God, Chase Putin Away!" en el altar de la Catedral de Cristo Salvador de Moscú.

Desde entonces, han sido arrestadas por sus ideas contrarias al gobierno, juzgadas, encarceladas y, finalmente, después de la intervención de grupos de defensa de los derechos humanos y de los medios de comunicación internacionales, liberadas. Sin embargo, nada de eso les ha impedido continuar publicando un flujo constante de canciones, videos y artículos, todo con el objetivo de luchar contra la corrupción rampante del régimen de Putin.

Hoy lanzan su último video musical titulado 'CHAIKA', que es el apellido del Fiscal General de Rusia, Yuri Chaika.

Chaika apareció en la prensa internacional hace poco, cuando el activista anti-Putin, Alexei Navalny publicó en linea un video denunciando que algunos familiares y socios comerciales, más concretamente el hijo del Fiscal General, tienen vínculos directos con la mafia rusa, y que el propio Chaika está sumido en la corrupción. Desde el lanzamiento de este video el gobierno ruso ha negado las acusaciones y se negó a hacer declaraciones sobre el video en los medios de comunicación controlados por el Estado. El Kremlin también ha aprobado varias leyes que aumentan su control sobre el contenido que se puede publicar en internet y que puede incluso les puede permitir bloquear sitios como Facebook, Twitter o YouTube.

Hablamos con Nadya Tolokonnikova de Pussy Riot, acerca de por qué la banda decidió utilizar a Chaika como tema de su último video, y por qué creen que la situación en Rusia ha empeorado desde la revolución de 2012.
 

Foto por Denis Sinyakov

¿De qué trata su último video?
'CHAIKA' es un mensaje de un alto funcionario de Putin a sus hijos y seguidores. Es un tutorial sobre cómo robar dinero, arrasar empresas, envíar a tus competidores a la cárcel o eliminarlos físicamente. Y también sobre cómo hacerlo sin ir a prisión, sino además prosperar.

¿Por qué es importante que el público sepa quién es Yuri Chaika?
Chaika es el Fiscal General de la Federación Rusa. Desde que accedió al poder en 2006 no ha completado ninguna investigación importante. Chaika es algo más que un funcionario mediocre sin talento. Personifica al típico jerarca representante de la mafia del estado ruso contemporáneo.

Mikhail Zygar, ex editor jefe de Rain, el único canal de televisión independiente en Rusia, habló sobre el papel del Fiscal en su libro All Kremlin Warrior Host, "La oficina del Fiscal General se convirtió en un ejemplo de voluntarismo político. Se ejecuta la voluntad política del Kremlin de la forma más áspera y brusca, a menudo sin tener en cuenta las complejidades de los derechos humanos. En el período previo a las elecciones regionales la fiscalía interpuso acusaciones contra candidatos indeseables para el estado e hizo todo lo posible para impedir que llegaran a la jornada electoral. La oficina del Fiscal General se convirtió en una máquina represiva perfectamente engrasada y de muy buen funcionamiento".

Desde la década de 2000, es decir, desde que Vladimir Putin se convirtió en el Presidente, se ha instaurado un curioso sistema de selección de empleados para las autoridades militares y judiciales rusas. Los fiscales, policías y jueces honestos no son rentables ni convenientes para el sistema de aplicación de la ley actual. Por el contrario, los que saben obedecer y cómo iniciar un juicio penal en contra de alguien que se interpone en el camino del gobierno, son los candidatos más probables. Estuve en la cárcel con una ex investigadora muy desencantada con su trabajo. Fue enviada a prisión por su ex-marido, que también era policía.

En la década de los 90 había estado resolviendo casos para ayudar a personas acosadas por la policía de forma fraudulenta, y eso la hacía feliz. En 2003, dejó su trabajo, porque ya no le interesaba. Nadie necesitaba investigadores sino sólo gente de una obediencia y una lealtad incondicional a los superiores. Incluyendo estar dispuesto a violar la ley si se lo mandaban.

¿Cómo ha reaccionado el pueblo ruso ante este escándalo? ¿Se han enterado?
Según encuestas recientes, el 38% de los rusos que son conscientes de la existencia del video de Chaika consideran que las tramas de corrupción y las conexiones con grupos criminales demostradas en el documental son fenómenos típicos y esenciales para ayudar a las autoridades rusas a mantener el orden.

La gente suele decir: "Pero, ¿quién no es de la mafia hoy en día? La corrupción es lo único que funciona bien en nuestro país. Mafia, corrupción y las autoridades estatales son las que mantienen todo bajo control. ¿Qué podemos hacer?"
 

Foto por Denis Sinyakov

¿Hasta qué punto está extendida la corrupción en el gobierno ruso?
El sistema no sólo está infectado con la corrupción, en realidad está firmemente basado en ella. Si un juez absuelve a alguien hoy en día, sus colegas comienzan inmediatamente a sospechar de él, piensan que lo han sobornado. Probablemente, después de una serie de sentencias así un juez será despedido porque sus superiores estarán asombrados de que él o ella pueda haber aceptado un soborno y no lo haya compartido con ellos. Por ello, la tasa de absoluciones en Rusia es sólo del 0,4%.

¿Qué crees que debe ocurrir para acabar con esta corrupción, tanto dentro de Rusia, como desde la comunidad internacional?
1) La negativa a participar en la corrupción.

2) La presentación de pruebas que afirmen la existencia de diferentes tipos de corrupción.

3) Una botella de vodka.

El video tiene una estética muy cuidada. Háblanos sobre el proceso creativo por el que pasaron para llegar a la estética que vemos en el video.
Las autoridades rusas ni siquiera pueden definir su propia estética, así que tuvimos que ayudarles. Este video presenta tres elementos estéticos generalmente promovidos por el estado que nos dan mucho asco:

1) Poner mucho dorado para ocultar el núcleo interior podrido que representamos con el pan dorado y todos los diseños de "Khokhloma"

2) La "Zona" -representado por el campo de concentración donde se tortura a los prisioneros.

3) La estética de los nacionalistas populistas fascistas, representada por la gaviota de dos cabezas, la puesta en escena, la coreografía de las fiscales y los bailes realizados al estilo de Corea del Norte.

Al principio estaba un poco ansiosa sobre cómo iban a encajar juntos todos esos elementos en el marco de un video, pero luego me tranquilicé. Me di cuenta de que si no tenía sentido en conjunto, no era culpa nuestra, porque el video se supone que es acerca de las horribles opciones estéticas de los funcionarios del gobierno.
 

Foto por Aleksandr Sofeev

¿Cuál es el significado específico de algunas de las imágenes y los temas que vemos como la gula, el pan de oro, la plancha, etc.?
La gula simboliza los valores fundamentales de la mafia del gobierno ruso. Es la quintaesencia del oscurantismo, el vacío, el hartazgo, la búsqueda del dinero y la absoluta hipocresía evidenciada en el intento de promover altos valores morales entre los ciudadanos. Cuando fuimos a comprar los uniformes de fiscal, la talla más pequeña disponible era seis tallas más grande de la que cualquiera de nosotras podía llevar.

El pan dorado representa ese famoso pan de oro macizo encontrado en la residencia de Yanukovich cuando huyó del país después de la revolución ucraniana en 2014. Aparece en el video como un recordatorio a Putin de que nada dura para siempre. La plancha, las cuerdas, el látigo y las esposas son herramientas de tortura clásicas, los atributos naturales de la autoridad del Estado ruso.

En este video, pasaron al rap dejando su característico estilo punk rock tradicional. ¿Por qué motivo? ¿Por qué rap?
¡Ha sido un accidente! Cuando hacemos música juntas, o con alguien más, el objetivo es siempre crear algo raro como el infierno. Por eso, como el rap es algo muy raro e inusual para Pussy Riot, hemos cumplido nuestro objetivo.

Foto por Aleksandr Sofeev

Han pasado casi cuatro años desde su protesta en la Catedral de Cristo Salvador. ¿Crees que la situación en la Rusia de hoy es peor, mejor o no ha cambiado desde entonces?
Rusia se ha convertido en un país diferente desde 2012. El descubrimiento más terrible tuvo lugar a finales de febrero de 2015 cuando nos enteramos de que no solo pueden meterte en la cárcel, sino también te pueden asesinar a tiros en el centro de Moscú a causa de tu actividad política. Muchas personas todavía no se pueden creer que Boris Nemtsov, el político ruso, esté muerto.

¿Cuál esperas que sea la repercusión del video para el pueblo de Rusia y el mundo?
Pussy Riot exige una investigación inmediata sobre el Fiscal General Chaika y su familia, así como una investigación sobre todos los altos funcionarios de su oficina. Esperamos que el video ayude a convencer a la gente de que no podemos vivir en un país donde su principal funcionario encargado del cumplimiento de la ley es el símbolo más brillante de la corrupción y el asesinato. Pussy Riot espera que la gente de todo el mundo nos ayude a expresar nuestra indignación y a convertir a Rusia en un país donde la gente como Chaika no pueda existir.

¿Qué es lo siguiente que hará Pussy Riot?
Sólo los servicios secretos rusos lo saben.

Tal vez la razón por la cual es muy difícil encontrar información sobre la artista con base en Montreal, Forever, es por que Forever no es en realidad una persona. Se le ha dicho a Noisey que Forever es una idea; la reiteración de temas que queremos y deseamos. Es esa necesidad de querer recuperar nuestra identidad después del amor. Hasta este momento, el track que hay en el Soundcloud de Forever— el cual se titula "Every Second" —era lo único que había lanzado. Pero el día de hoy eso cambió. Estamos estrenando el EP debut de Forever. 

Muy similar a FKA Twigs, los paisajes sonoros pasan de ser simples y espaciosos a olas de potentes texturas, todas adornadas con lujuria y tensión. Es música bastante seductora. Escucha el EP aquí abajo. 

Foto tomada del Facebook de la banda

Desde que se formaron hace siete años, San Pedro el Cortez se convirtió en la banda más salvaje de México, como se puede observar en el mini documental que hicimos con ellos en el Nrmal 2013, o como cualquiera puede comprobarlo saliendo al pedo una noche con el grupo —algo que, si son de estómago débil, no lo recomiendo.  

Su último EP, Creaturas, lo grabaron en menos de un día, y aún así su resultado final es una maldita joya, que no obstante no le hace justicia al sonido psicodélico y desmadroso-por-naturaleza que emiten en directo Edgard, Diego, Aris y Mario (quien sospecho es pariente de Animal de Los Muppets).

En todas las veces que los he visto —y han sido varias—, la banda nunca ha dado el mismo show. Sí, casi siempre prenden cohetes, rompen algo o entran en improvisaciones de 20 minutos, pero nunca es por diseño, sino por dejarse llevar por su propio poder crudo.

Han pasado tres años desde que la banda publicó Creaturas, y varios llevamos esperando ansiosamente un nuevo disco, el cual, considerando la naturaleza de la banda, no pensábamos que fuera a tardar tanto tiempo. Pero este nuevo proceso de componer ha rendido fruto, y por primera vez tendremos un disco de SPEC que carga toda la energía e irreverencia de su show en vivo. Y a continuación, estamos felices de presentar la rola que lo demuestra.

“Chilam Balam” es una odisea de garage psicodélicpo como pocas. Empieza como una rola de AC/DC, y termina estallando en un sueño húmedo de Jimi Hendrix, como los que ha de tener Omar Rodríguez-López. ADVERTENCIA: Dura más de 8 minutos, pero es una gozada, y es el tiempo suficiente para que además lean la charla que tuvimos con Edgard Collins, guitarrista del proyecto, sobre el nuevo álbum de la banda, el cual estará disponible en menos de un mes.

NOISEY: ¿Ya tienen nombre para el disco?
Edgard Collins: Sí: Un poco más de luz. Fue idea de Mario, trajo a la conversación lo que significa la frase. Como después de salir de una cruda y sentirte madreado, cuando encuentras la luz.

¿Por qué tardó tanto el proceso de este disco?
Tomamos un año sabático, casi no tocábamos, ni en Tijuana ni afuera. Cada quién retomó su vida y pues sí tiramos hueva, hasta que nos ganaron las ganas de ya hacerlo. Escribir rolas nuevas, sacar letras, grabar por partes en el estudio, todo fue más complicado. Y por andar a las carreras casi se nos olvida la portada; por suerte un artista de aquí, Tony Larios, nos ayudó a hacerla. Un güey que se la pasa haciendo pinturas, muñecos de cerámica, pero sí agarró la esencia del disco y de la banda.

Portada de Un poco de luz, diseñada por Tony Larios

Las canciones son muy diferentes a lo que habían escrito antes, se sienten más mezclados los géneros. ¿Qué los motivo a salirse de su zona de confort para hacer estas rolas?
Queríamos materializar el show en vivo, que es más jammeo y freestyle. Y piensas que por estar en el estudio no tienes esa libertad, pero nos metimos todos juntos a grabar las maquetas para que se sintiera esa improvisación. A veces hasta el décimo intento nos gustaba cómo quedaba. Un poco llevar escenario al disco y salirnos del género sin irnos al extremo.

Temáticamente, ¿cuál es la diferencia entre este material y sus rolas anteriores?
Pues igual con el tiempo hemos madurado, pero pasamos de hablar de temas trillados a tratar de expresar nuestras filosofías, de representar la calle, de andar en pedos y saber que a veces las cosas no se ponen mejor —sin ser negativos, sólo aprender a vivir en eso. Siempre hemos buscando conectar con la gente, con los raros, con los rechazados.

¿De donde sale “Chilam Balam”, la rola que estamos a estrenando hoy?
Es una canción vieja, porque siempre va con jam y queríamos hacerlo. La íbamos a grabar antes, pero creo que la espera valió la pena por las colaboraciones. El saxofonista de La Sonrisa Vertical, Meño, tocó el saxofón; el papá de Mario toca las congas en esta canción, lo cual estuvo bien chido. El Chilam Balam es un libro de profecías Mayas, pero también se refiere a los brujos de ese imperio, y para esta rola tomamos la idea de ese personaje, un brujo. Es una buena rola para cerrar el disco porque es como una despedida, pero también el comienzo de algo nuevo.

SPEC en el estudio

¿Qué representa este disco para ustedes?
Que estamos llegando a un nivel de una banda que la gente quiere ver, que estamos haciendo las cosas bien. Tenemos mucha energía por haber estado fuera tanto tiempo, entonces si vamos a regresar lo vamos a hacer chingón. Es como Vaya Futuro, se me hace que están haciendo muy bien todo: banda independiente que saca buenos discos y toca bien.

¿Cómo se sienten de tocar en Nrmal este año?
Ya hemos estado en Nrmal y siempre ha sido bien chido, te tratan bien, haces amigos. Ellos ya crecieron como festival y el hecho que nos hayan invitado nos hace sentir que crecimos como banda. Tocar con Health y Slowdive, vernos hasta arriba en el cartel, algo que nunca esperamos ni pedimos, nos emocionó muchísimo. Siempre nos va súper bien en la Ciudad de México, la gente se entrega.

¿Algo que quieras aportar?
Escuchen música. Escuchen San Pedro el Cortez.

Joey salió al pedo con los San Pedro, y apenas sobrevivió. Síguelo en Twitter.

Foto tomada del Facebook de Adán Cruz

A finales de enero, el rapero Adán Cruz, junto con el DJ de Gooti Records Aivan y el rapero BlackDaniels (quien también pertenece al mismo sello) fueron detenidos en un motel de San Luis Potosí, en donde se encontraban en compañía de dos menores de edad que habían sido reportadas como desaparecidas. Cuando la noticia se dió a conocer, Águíla Sativa, otro de los integrantes de Gooti records, publicó un video en donde explicaba a los fans de Adán que lo que había pasado era que lamentablemente les había caido la policía al after. Unos días más tarde, en una entrevista en exclusiva con Third World Hip Hop, Águila Sativa volvió hablar del caso y explicó que se le estaba dando seguimiento legal a las acusaciones, pero que no existía prueba alguna de abuso sexual a menores. 

Sin embargo— sin importar el apoyo en redes de sus seguidores bajo el #FreeAdan, o los eventos a manera de manifestaciones que se están realizando— TV Azteca Noticias publicó hace unas horas que a Adán Cruz y Aivan se les ha dictado auto de formal prisión por delito de corrupción de menores. Mientras tanto el tercer detenido, Daniel Treviño —aka BlackDaniels— fue liberado por falta de pruebas. Por otro lado, tanto Adán como Aivan tendrán que seguir el procedimiento penal ordinario para contrarrestar las pruebas y demostrar su inocencia. 

Según el blog VoxPopuli, el Ministerio Público de San Luis Potosí encontró pruebas suficientes para ejercer acción penal en su contra, y el Juzgado Octavo Penal utilizó las mismas para acreditar su propable responsabilidad en la corrupción de menores, pero rechazó las pruebas que se habían presentado al supuesto abuso de menores. Por ahora Adán y Aivan se encuentran en el penal La Pila a disposición del Juzgado Octavo del Ramo Penal de San Luis Potosí, esperando las pruebas que demuestren su inocencia, o si no lo consiguen, la sentencia correspondiente. 

Esta no es la máquina de la que hablamos en el artículo, pero está más emocionante poner esta foto.

Puede que aquella era dorada en la que cada uno de nosotros usábamos Pirate Bay diario para bajarnos la discografía de Joy Division, todas las películas en las que ha actuado Owen Wilson o versiones crackeadas de los programas de Adobe haya llegado a su fin, pero eso no significa que la gran guerra contra la piratería de parte de la industria de la música ha terminado. Apenas el verano paso, el gobierno británico implementó algunas medidas para incrementar el número de años en prisión para las personas que piratean música en línea, pasando de dos a diez años. 

Peter Sunde, el fundador de Pirate Bay, ya cumplió su condena en prisión, pero sigue debiéndole a las industrias del entretenimiento millones en daños. Y, sólo por si acaso se les olvidaba, ahora creó una máquina apocalíptica que busca “destruir” por completo a la industria musical como la conocemos. O, si no lo consigue, entonces al menos resaltar sus hipocresías.

Su máquina —aptamente nombrada la Kopimashin—crea infinitamente copias digitales. Básicamente es un monitor de LCD, una computadora Raspberry Pi bastante básica, y un código Python que crea copias del track de Gnarls Barkley "Crazy"—a una velocidad de 100 canciones por segundo, o sea ocho millones al día. Para estos momentos seguramente te estás preguntando, ¿por qué el tipo que fundó Pirate Bay quiere crear copias infinitas del hit más grande de Gnarls Barkley? ¿Qué quiere probar? ¿Cómo va a destrozar a la industria?

Es medio difícil tratar de explicarlo, pero básicamente todo tiene que ver con la firme creencia de la industria de la música de que compartir un track en línea es el equivalente de robarle dinero a una disquera, con un valor igual o superior al valor comercial de la grabación —y casi siempre, esos valores sólo son estimados inventados. Así es como uno termina con historias como la del niño de Newcastle que tenía un pequeño foro de música indie, y terminó encarcelado por daños mayores a £240 milliones.

Como otros allá afuera, Peter Sunde quiere demostrar lo absurda que es la industria musical al darle un valor monetario excesivo a esas copias digitales, y ese es el punto que intenta probar con la Kopimashin. Hasta el momento, ya le ha costado técnicamente a Downtown / Warner (la disquera de Gnarls Barkley) $332 milliones de dólares por las copias de "Crazy", pero, ¿y qué? Peter dice que va más allá. Le llamé para hablar sobre la Kopimashin, la piratería, el control de las artes en general, y el apocalipsis de la industria musical que está tratando de crear.

Noisey: ¡Hola Peter! ¿Por qué creaste la Kopimashin?
Peter: ¿Quieres que te diga mentiras, o la historia verdadera?

¡La historia verdadera!
Por diversión. Esa es la razón. Tenía este mini monitor de LCD y no sabía qué hacer con él. Así que empecé a pensar sobre qué mostrar en él, y entonces pensé: tal vez debería crear algo que copie a otra cosa. Empecé a pensar sobre ello y llegué a la conclusión que copiar una canción una y otra vez sería interesante. Empecé a pensar sobre los números [de los que habla la industria discográfica] y lo estúpido que es, y cómo podía probar un punto con esta máquina —especialmente porque es muy barato crearla. Crear la máquina me costó €18. Y hasta ahora, ha causado daños equivalentes a unos $332 milliones de dólares.

¿Por qué crees que las personas en la industria musical son hipócritas?
Toda su perspectiva sobre la piratería es cuestionable. Cuando te pones a investigar, la industria de la música no se está encogiendo por las copias, sino porque siguen tratando de vender discos de plástico. La verdad es que si rastreas y buscas a la gente que se está quejando sobre la pitatería o por la baja de ventas musicales, esos son los intermediarios. Si ves a artistas reales quejarse sobre las descargas o el streaming, siempre son artistas muy comerciales. Enséñame a los artistas jóvenes que no quieran públicos más grandes. ¡Entre más copias de tu música haya, más grande va a ser tu público! La gente que crea por amor a la música nunca se queja de ese tipo de cosas. Ellos entienden que reciben dinero de otras formas. 

Recientemente hubo noticias de que el gobierno del Reino Unido quería incrementar la sentencia máxima por piratería musical de 2 a 10 años. ¿Qué opinas sobre un gobierno tomando ese tipo de posturas contra los piratas de internet? 
A veces, si violas a alguien, te dan menos tiempo tras las rejas que si copias una canción. ¿No se te hace una puta locura? El punto de vista de la industria es bastante arrogante, que sus cosas son tan valiosas, que ni siquiera las vidas humanas son iguales. Me parece asqueroso.

¿Qué crees que tiene que pasar para que la gente cambie la manera en la que hablamos sobre la piratería en la industria musical?
Creo que el problema es que nunca hablamos propiamente sobre estas cosas. Puede que algunos artistas sientan que se los están chingando porque alguien se está robando sus cosas, y que los están tratando de una manera en la que no deberían de ser tratados. Entiendo ese sentimiento. Pero las reglas del juego son que si quieres tener un público grande, no puedes decidir realmente cómo ese público decide participar en tu música.

Por ejemplo: digamos que escucho a 100 artistas, y uno de ellos decide que no puedo escuchar su música en mi iPod, sino que tengo que hacerlo a través de un aparato nuevo —entonces lo dejaría de escuchar. Tenemos un lenguaje mutuo, una manera de comunicarnos mutua, y eso es escuchando música de la manera que queremos, y no siendo limitados.

Muchas personas probablemente no estarán de acuerdo contigo en ese punto.
Bueno, muchas de las personas que realmente de están quejando sobre estar “perdiendo el control” de su música suelen ser las más privilegiadas. Yo voy seguido a pláticas y conferencias sobre propiedad intelectural, y cada vez que voy a países como Brasil, todo el mundo está súper feliz conmigo. Sin Pirate Bay no tendrían acceso a la mayoría de la TV, música, películas, nada.

En esas conversaciones solemos enfocarnos tanto en el mundo occidental, enfocarnos tanto en nuestra propia comunidad, nuestras propias soluciones. No deberíamos de estar de estar escuchando a la industria musical sobre cómo controlamos la música. Necesitamos ser más abiertos, más inclusivos, y no podemos hacer eso teniendo firewalls y geo-bloqueo en todos lados. 

¿Entonces qué piensas de Spotify?
Al principio me gustó, pero ya no lo uso y te diré por qué: no me gusta la centralización. Lo estaba usando y un día, todas las canciones que había metido en mi playlist desaparecieron, probablemente porque se había acabado su acuerdo con la disquera o algo así. Había perdido el 30% de mi música. Luego caí en cuenta de que había borrado muchas de esas canciones de mi archivo personal porque las tenía en Spotify, ¿para qué necesitaba dos copias?

Me di cuenta de que estaba permitiendo que alguien controlara mi herencia cultural, mis emociones y mis sentimientos. Si fuera un carro no habría tanto problema, es sólo un puto carro y lo puedes reemplazar con otro. En estos tiempos pareciera que la gente olvidó que las artes tienen un propósito mucho más interno y hacen parte de nosotros como individuos. Es algo que no está a la venta y juega con nuestras emociones, la música es mucho más importante e interesante que cualquier otra cosa física.

Se podría decir que la música se está viendo mucho más por el ángulo comercial que nunca antes en la historia
Mira por ejemplo a las bibliotecas públicas: es muy importante que tengamos cosas como las bibliotecas, que su funcionamiento esté propiamente regulado y que un libro pueda ser removido de la biblioteca y ya no se pueda acceder a él porque se perdieron algunos de sus derechos de difusión. Pero no estamos haciendo lo mismo con la cultura moderna de internet. Estamos permitiendo los geo-bloqueos, estamos permitiendo un tipo de sistema de clases en donde los pobres no tienen el mismo acceso a las cosas que los ricos. Estos servicios de los que estamos dependiendo 100% para la televisión, la música y las películas son sistemas capitalistas. No importa si te gusta el capitalismo o no, tienes que darte cuenta que hay un problema cuando la gente sin dinero no puede acceder a la cultura o a las artes. Eso me asusta.

¿Por eso te has involucrado tanto en el activismo?
No quiero un mundo monopolizado que esté basado en el dinero, quiero un mundo con mucho más valor y significado. Creo que es de eso de lo que deberíamos hablar ya sea en la internet o en la música. Se trata del tipo de sociedad que queremos tener en el futuro.

¡Gracias por tu tiempo Peter!

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