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El ambiente de las batalla es profundamente machista: Una charla con Arkano

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Guillermo Rodríguez, Arkano, un rapero español reconocido por ser uno de los mejores freestylers del mundo, espera una van con dirección al Teatro Caupolicán. Es un sábado por la tarde y en un par de horas —en ese recinto— se celebrará la final nacional de la Red Bull Batalla de los Gallos Chile 2018. El alicantino de 24 años es uno de los jueces invitados.

Se ve en forma: luce unos jeans grises apretados que combina con un polerón negro con diseños de hojas y zapatillas blancas gigantes. En la mañana —dice— fue a correr al cerro San Cristóbal. “Yo intento salir a correr todos los días —me lo recomendaron— y la verdad es que está muy bien. No me dio el tiempo para llegar hasta arriba, pero bueno, he estado por ahí, haciendo deporte”, comparte en la antesala de un hotel ubicado en Santiago.

Le pregunto si hace deporte para botar la tensión de las batallas de freesyle. “Para sentirme bien. Me siento con más energía, mucho más creativo, más sano. Es un bucle de cosas positivas que se va retroalimentando”, responde.

Algunos datos sobre Arkano: en 2009, a los quince años, ganó la final nacional de la Red Bull Batalla de los Gallos España. El 2015 revalidó el título y ganó la internacional que se celebró en Chile. Un año después, el 29 de octubre de 2016, batió el récord mundial de freestyle tras improvisar 24 horas y 34 minutos en la Puerta del Sol de Madrid.

La persona de Red Bull que acompaña a Arkano en Santiago me recuerda que anda con poco tiempo: antes de juntarnos sugirió que esta entrevista la hiciéramos en la van, camino al Teatro Caupolicán. Le digo a Arkano que traigo las preguntas preparadas, en mi libreta, y que adelantemos algunas antes que pasen a buscarlo. Arkano entiende el chiste y carcajea.

NOISEY: ¿En qué te fijas como juez de batallas de rap? ¿En los punchline, en el flow, en la métrica, en el contenido? ¿Cómo decides a quién darle tu voto?
Arkano: Para mí lo principal es que el freestyler demuestre que está improvisando; es decir, a mí lo que me conquista es que lo que está creando se base en algún estímulo creativo que le esté dando el momento. Que yo vea que lo está haciendo de verdad, que es un verdadero freestyler. A partir de ahí, me fijo en el ingenio de la frase, en el contenido en sí. Y de forma complementaria —que es una parte también importante— en la fluidez y la capacidad de hacer métricas.

A veces hay muchas frases que se notan que están preparadas porque están muy perfectas, en cuanto a la estructura, y además hablan de cosas que no tienen que ver con lo que está ocurriendo.
Justo por eso, justo por eso.

¿Tú te preparas rimas?
Yo no me preparo nada.

¿Nunca te has preparado una rima?
Mira, alguna vez he pensado: rollo, me va a tocar con este.

Como cuando te tocó contra Dtoke, ponte tú.
Jajaja… Bueno, te quedas así y dices: yo creo que le podría tirar por aquí y por allá. Pero no me voy a preparar las frases.

Piensas en el tema.
Sí, claro, al final preparas tu estado, vas a batallar contra alguien, pero en lo que te tienes que basar —que es lo que yo valoro como juez y lo que yo creo que valoran los jueces hoy en día— es lo que está ocurriendo en el momento.

¿Cuándo te toca participar de juez, y estás viendo las batallas, te dan ganas de entrar al escenario y responderle a los freestylers?
Sí, sí, sí, me pasa mucho. ¡Ayyy yo le respondería esto! ¡Dame el micro! Me gustaría que fuese como en la lucha libre y hacer un cambio.

¿Las batallas de freestyle han hecho crecer el hip-hop o lo han entorpecido?
Yo creo que las batallas han ayudado mucho al rap. Han ayudado a expandir la cultura, a servir como escaparate. Obviamente las batallas de freestyle no representan lo que es el rap en su totalidad, pero hacen que las personas que no han estado relacionadas con la cultura hip-hop vean una primera expresión. Y bueno, pues un porcentaje de los que ven batallas, a partir de ahí se empiezan a interesar en la cultura hip-hop. Aunque al principio se vea que es un formato de confrontación, que hay mucha agresividad, que hay violencia verbal, el respeto está por encima de todo. Y yo creo que eso lo dejamos patente y se nota y siempre nos damos un abrazo al terminar y en nuestras entrevistas defendemos ese discurso y siempre hacemos ver que la cosa no va más allá del escenario. De hecho, yo creo que eso es lo bonito: poder canalizar con rimas la violencia que llevamos dentro como seres humanos y no llevarlo a un plano que sea mucho más masivo.

¿Quién es el mejor freestyler de latinoamericana?
Para mí Aczino es el top, es el más, lo tiene todo, es una bestia. Tiene fluidez y no necesariamente tiene que rapear rápido todo el rato. De repente te coge un ritmo, va lento, luego le mete un acelerón y lo hace súper fluido, parece que te está rapeando una canción. En lo que rapea tiene mucho contenido. Algo que me sorprende de él es la coherencia, que muchas veces nosotros fallamos en eso, en que te queremos decir una frase, pero en medio metemos relleno para llegar al final a lo que queremos decir. Pero todas las frases de Aczino tienen muchísima coherencia y muy buen contenido. Para mí es el mejor freestyler.

***

Si bien terminó el año pasado la carrera de ingeniería informática, el noventa por ciento de su vida, asegura, se la dedica al freestyle en todos sus formatos. El 2015, cabe mencionar, inició una lucha pública contra la homofobia y el machismo en el rap español.

A saber: en una batalla de cuartos de la final internacional de ese año, en Chile, Arkano besó en los labios a un rival, al argentino Dtoke, y al rato recibió cientos de comentarios homófobos en YouTube. «¡Pedazo de puto!», «Gordo homosexual», «Qué basura, ganó un gay», le postearon en el video de esa batalla, que a la fecha tiene más de 33 millones de visualizaciones.

Más: el año 2017, a semanas de publicar su disco debut, Bioluminiscencia, fue al programa de televisión español Late Motiv a presentar “Único”, un tema contra la homofobia.

Los tiempos están cambiando. La misoginia, el machismo y la homofobia tendrán que salir sí o sí de las batallas de freestyle. Y de algún modo tú formas parte de este cambio.
Bueno, creo que todavía queda mucho que avanzar dentro del panorama hip-hop, pero sobre todo dentro del panorama de las batallas de gallos. Cuando ves una batalla de freestyle, ves que el papel que se le da a la mujer es quedar relegada meramente a ser un objeto. Están hipersexualizadas, están cosificadas. Cuando se habla de una chica es "yo me follo a tu madre", "¿sí? pues yo me follo a tu hermana". Y claro, es un ambiente profundamente machista. Las batallas tienen como asignatura pendiente abordar la masculinidad desde una perspectiva sana.

¿Por qué hay pocas chicas batallando?
Creo que la razón principal de que no se acerquen muchas chicas a esta cultura es lo que te contaba. Al ser profundamente machista entiendo que no se sientan cómodas y no encuentren entornos seguros.

¿Cómo cambiar eso?
Lo primero —por nuestra parte— es intentar erradicar todos los comportamientos machistas y homófobos que se dan dentro del panorama. Luego invitarlas a ser ellas las protagonistas de ese cambio. Necesitamos que ellas se sumen, necesitamos que ellas rapeen. Yo hice una iniciativa en mis redes sociales, en la cual abrí un correo electrónico para que chicas de todo el mundo me enviaran sus canciones, sus videos rapeando, me contaran sus historias. Y me sorprendí cuando vi que hay muchas chicas que rapean, y muchas de ellas no se han lanzado a hacerlo en público pues no encuentran esos entornos seguros. Entonces darles ese mensaje de seguridad: decirles que las estamos esperando y que tienen que ser las protagonistas de este cambio.

En 2015, cuando ganaste tu segunda final de la Red Bull en España, apareciste con un pijama de león para ir en contra del ego de los raperos, de los cánones estéticos establecidos.
Lo que quería dejar claro es un mensaje muy simple, pero que a veces cuesta interiorizar: que lo importante de lo que estamos haciendo es el contenido, las palabras; el envoltorio es lo de menos. Y bueno, sí, era una crítica a los cánones estéticos establecidos dentro del rap, pero se puede extrapolar a todo lo que tenemos en esta sociedad. Dije: mira, da igual, puedo salir con un pijama de león, con un disfraz, y poder seguir rapeando y encima ganar la batalla.

***

Llega la van y, de pronto, desde la antesala, aparece el argentino Dtoke, quien se hospeda en el mismo hotel, pues también está invitado por Red Bull a la Batalla de los Gallos Chile 2018 para participar como juez. Arkano lo saluda alegre y luego se sube a la van. El día anterior, tal como se pudo ver en el twitter de Arkano, ambos se mandaron un trap freestyle mientras recorrían Santiago en un auto.

Con Dtoke tuviste un momento tenso, el 2015, en una batalla de la final internacional. ¿Cómo los freestylers dejan de lado la mala onda que se tiran en el escenario para después seguir compartiendo como colegas?
Bueno, es como cuando ves una obra de teatro y le preguntas al actor "¿cómo es posible que tengas tanta mala onda con tu antagonista y luego en la vida real os vayáis de cañas?". Pues realmente es lo mismo: salimos a interpretar un papel. Sí que es cierto que en esa batalla, en concreto, se sobrepasaron ciertos límites personales —a nivel de emociones— que hicieron que hubiera algo más de tensión; pero se resolvió enseguida. Entendemos lo que es una batalla de gallos y no dejamos que vaya más allá.

El 2009 ganaste la final nacional de España. ¿Cómo fue salir campeón a los 15 años, cuando tu ego se está formando y tu identidad se está construyendo? ¿Cómo te afectó eso?
Me afectó bastante. La verdad es que me afectó bastante porque —como tú dices— es una época complicada. Es una edad en la que tu ego todavía no se ha formado: no tienes claro quién eres. Bueno, todavía no tengo claro quién soy, pero en esa época menos [ríe]. Y entonces imagínate con quince añitos, ese nivel de exposición pública, que en ese entonces para mí era bastante: mucha gente hablando sobre mí, gente que me endiosaba, gente que me quería hundir; entonces fue complicado. De hecho, cuando veo entrevistas o videos míos de esa época, de mis 15, 16 y 17 años, me da un poco de vergüencita.

¿Por qué?
No sé. Al final me hice como un caparazón y había como chulería de más. Estaba como un poco perdido.

Son mecanismos de defensa.
Claro, al final es eso. Generar esa distancia con el mundo exterior. Tampoco era muy crítico con las cosas de mi alrededor y por pura inercia absorbía —por ejemplo— el rol que tenía que ocupar yo como rapero, es decir, heredaba sus comportamientos; o el rol que tenía que ocupar yo como hombre, heredaba los comportamientos que la sociedad me daba, entonces sí que hay cosas un poco extrañas de esa época.

¿Qué cambiarías de esa época?
No, nadaaa, nadaaa. No cambiaría absolutamente nada, o sea...

Fue parte de tu crecimiento.
Claro, es el camino hasta llegar hasta aquí y —jo— todos hemos errado y nos hemos equivocado en mil historias.

En esa final, cuando todavía no sales campeón, en una rima dices: "¿Campeón de España con 15 años?" Como que ya sabías que ibas a salir campeón. Tus colegas se notaban muy sorprendidos con tu participación.
Literalmente el primer sorprendido fui yo. Iba con toda la actitud del mundo, pero yo sabía que no era el mejor de los que estaba ahí. Lo que tiene el freestyle es que hay veces que te sale mejor que a otros y te toca ganar. Pero sí que fue una sorpresa. Mi madre misma me decía: "tú no vas a ganar". ¡Mi madre iba por Invert!

***

Arkano dice que empezó a escuchar rap a los 8 años. María Teresa, su hermana mayor, pintaba graffitis, escribía canciones y estaba en una crew de hip-hop. Ella le compartió discos de Nach, El Chojin y Zona Norte Posse, un grupo alicantino. También creó la Juniors Rap Battle —una batalla sólo para niños— y un sitio web —quienimprovisa.com— donde escribía crónicas de batallas. En palabras de Arkano. “Ella fue una influencia brutal para mí". María Teresa, sin duda, fue una de las más felices cuando su hermano batió el récord mundial de freestyle el 2016.

Otro punto de inflexión fue el récord Guinness que obtuviste. ¿Qué cambios provocó en tu carrera?
Bueno, en mi carrera fue un gran salto. Me dio mucha exposición, me permitió llevar mi mensaje a muchas más personas, así que es un punto de inflexión importante en mi evolución. La verdad es que lo noté porque fue algo que se masificó. Salió en muchos medios de comunicación ya no de España sino que de todo el mundo.

¿Qué fue lo primero que hiciste al terminar esas 24 horas y 34 minutos de improvisación continuada?
Pues sé que suena raro, pero tenía un concierto.

No te creo ¿el mismo día?
Sí, sí, sí.

¿Y no lo podías cambiar?
Era un concierto que teníamos cerrado hace mucho tiempo, y cuando yo iba a hacer el récord, el ayuntamiento de Madrid nos tenía que dar un permiso para un día concreto y nos dio permiso para ese día. Entonces lo primero que me dijeron [el equipo de personas con que trabaja], es que cancelemos el concierto obviamente porque yo iba a estar muerto. Y yo dije que no. Dije: "Voy a batir el record Guinness, y con toda la motivación, con toda la adrenalina de haberlo conseguido, voy a viajar hasta allí y me voy a dejar la vida allí en el escenario". Y es lo que pasó. Obviamente llegué sin voz, llegué sin energía; sin energía física pero sí con mucha fuerza vital. Y la gente del evento ya solo con que estuviera ahí, ya lo agradecían muchísimo. Al final el DJ puso las instrumentales súper bajitas y yo ahí, casi sin voz, rapeando.

¿De qué te alimentaste mientras rapeabas sin parar?
Era todo líquidos: agua, zumo, batidos nutritivos y Red Bull.

¿Cómo fue el entrenamiento para ese día?
El freestyle es algo que está en ti. No hice una preparación muy severa. Hice un par de pruebas de diez horas, para ver cómo respondía el cuerpo. Una durante la mañana y otra por la noche, para ver en momentos de sueño cómo reaccionaba. Y vi que estaba bien y dije "vamos".

***

Apago la grabadora y le agradezco a Arkano por la entrevista y el buen rato que pasamos en la van. Antes que lleguemos al Teatro Caupolicán, el conductor le pide que por favor grabe un video para sus hijos, que son fans. Arkano accede de inmediato: le pide el celular y se pone a improvisar de forma automática. El freestyle y Arkano vuelven a ser uno solo y el mismo.

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‘Pomegranates’ de Nicolas Jaar tendrá una edición en vinilo

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Nicolas Jaar es un músico chileno estadounidense que de a poco se ha ido ganando una silla bien puesta en la escena electrónica a nivel mundial.

Ya lo hemos escuchado en Space Is Only Noise (2011), su primer álbum de larga duración que tenía algo de techno minimalista, algo de ambient y algo de samples manufacturados. Después, apareció haciendo Sirens (2016), un álbum con tintes políticos y voces downtempo que evocan a las bestias bajo las cuales nombró el trabajo discográfico. A principios de 2018 publicó 2012-2017, último trabajo de larga duración hasta la fecha, bajo el alias A.A.L. (Against Ald Logic) que tenía un sonido más housero que uno puede llegar a intuir en un inicio por el título de la primera canción: “This Old House Is All I Have”.

Además de su proyecto en solitario, tiene un dúo llamado Darkside junto a Dave Harrington con el cual han publicado dos long plays y un extended play desde 2011. No contento con ello, Jaar ha creado también dos soundtracks de películas en 2015: Dheepan, banda sonora oficial de la película homónima, y Pomegranetes, banda sonora no oficial de la película rusa avant-garde The Color of Pomegranates.

Desde el 23 de agosto hay una versión en vinilo de la banda sonora alternativa Pomegrantes del artista chileno estadounidense prensado por el sello discográfico que Jaar creó, Other People, en unión con Mana Records. Si bien es una banda sonora alterna para la película de Sergei Parajanov’s estrenada en 1969, es más un viaje musical que emprendió en diversos momentos que esclareció en la siguiente carta publicada con el álbum cuando se montó en internet para descarga gratis:

“Hola.

Yo empecé haciendo la mayoría de la música que hay en Pomegranates antes de ver la película, ni siquiera sabía de su existencia.

La primera canción, por ejemplo, la hice una de las primeras noches de otoño del 2014. Recién había llegado a casa después de un año de una gira con Darkside y me sentía muy feliz de haber regresado. Estaba haciendo música en mi sala cuando ví a un bicho comenzar a bailar encima de unos cables. En vez de matarlo, decidí ponerlo a bailar. Llamé la canción “Garden of Eden” porque comencé a ver a la pequeña criatura como mi ayudante y amigo, y mi estudio como un jardín.

La siguiente canción estaba hecha como un encargo para un show de Televisión. Cuando me di cuenta que el show no era lo que parecía, decidí no darles mi música, lo cuál me dejó con horas y horas de soundtracks. Solo use una docena de minutos de eso para Pomegranates, no estoy seguro de qué hacer con el resto.

“Survival” fue originalmente una pista para “Ghetto”, una canción que produje para DJ Slugo donde habla acerca de crecer en Chicago. “Shame”, fue una canción que hice para un rapero, pero la rechazó.

A finales de 2014, viví con mis padres por seis meses. No tenía un estudio, solo tenía un piano, algunos micrófonos y audífonos. Ahí escribí “Muse”.

“Volver” es una versión coral de una canción que no saqué llamada “Revolver”. La hice en el 2011 y esperó que este año (2015) vea la luz. En fin, podría seguir así.

A principios de 2015 mi amigo Milo escuchó algunas de estas canciones y me contó de la película. La vi y quedé estupefacto. Sentí como la estética hacía completo sentido con los temas y me obsesioné en el último par de años… Tuve curiosidad sobre cómo se verían las canciones con las imágenes, que en dos días saqué adelante, creando un collage extraño que hice durante dos años.

La película me dio una estructura a seguir. Le dio claridad a está música que emergió a partir del caos. Además me dió las pelotas para sacarla…

Quise hacer algunos videos pero la persona que tiene los derechos del film solo quiere la versión original en las plataformas. No lo culpo, estoy seguro que Paradjanov no quisiera que un chico de NY orinara toda su obra maestra haciendo un soundtrack. He escuchado mi compilación par de veces y creo que es bueno perse. O eso espero.

Todavía estaba viviendo en mi casa de infancia cuando terminé Pomegranates. El primero de marzo llegué a mi nueva casa y estaba completamente vacía exceptuando un árbol bebé. El dueño estaba ahí para conocerme y me preguntó si quería quedarme con el árbol bebé. Yo acepté.

Antes de irme le pregunté qué clase de árbol era. Él me dijo que era un árbol de granada. Él no tenía idea de que acabe de publicar esto.

Aquí está, ahora es tuyo.

Nico.”

Mientras llega la versión en vinilo a Latinoamérica o mientras llega tu encargo, aquí está en spotify para calmar tus ansias:

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La guía latina definitiva al Dimensions 2018

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Lee también: Durante esta época de verano los festivales de música electrónica en Europa son tantos que uno no sabe qué escoger. Eso, claro, pensando en el caso de tener los medios para ir. Muchos, sin embargo, sueñan con pasar días enteros rodeado de los mejores artistas y las mejores fiestas, bailando hasta desfallecer bajo un sol veraniego. Las vacaciones perfectas.

Pero con mucha planificación previa y ahorro sostenido, se puede pasar del sueño a la realidad. Ahora, supongamos que se tienen los medios para ir: ¿Qué escoger? Todo depende de las preferencias, los gustos y las prioridades. ¿Qué es más importante? ¿El line up de un festival o lo exótico de su locación? ¿La cantidad de gente que va o que el sitio donde se haga tenga otras opciones turísticas? ¿Quieren sorprenderse con artistas emergentes o ir a la fija con titanes clásicos musicales? ¿Quieren otras actividades aparte de fiestear todo el tiempo?

El Festival Dimensions, en Croacia, puede responder satisfactoriamente a varias de esas preguntas al tiempo. Creado desde 2012 en las playas de Pula Croacia, al lado del Mar Adriático, este festival se ha esforzado años en lograr el balance perfecto entre curaduría musical ecléctica, balance entre subgéneros musicales como el techno, el house, el dub, el electro, etc., locación paradisiaca, apoyo a artistas emergentes y un buen bagaje de artistas legendarios. Es decir: de todo para todos los gustos.

Un festival que se hace en una zona de playas paradisiacas, con un anfiteatro romano del siglo XIX como uno de sus escenarios, con fiestas en botes y que contará, en su concierto inaugural, con la presentación en vivo y en 3D de nadie más y nadie menos que Kraftwerk, el legendario grupo alemán.

Porque vale la pena completa toda la experiencia, que tendría lugar del 29 de agosto al dos de septiembre, quisimos hacer una pequeña guía sobre todo lo que necesitan saber de este festival partiendo desde Latinoamérica, desde precios de vuelos, pasando por estadía, actividades y por supuesto artistas recomendados.

Imagen cortesía Festival Dimensions

¿Cómo salir de Latinoamérica para Croacia?

Falta apenas una semana para este festival, así que los tiquetes no estarán en su opción más barata. Sin embargo, para abaratar costos, la mejor opción que encontramos fue volar desde casi cualquier país de Latinoamérica hasta Madrid o Barcelona, y de alguna de estas dos ciudades directamante al aeropuerto de Pula, para que sea más directo el viaje. Los tiquetes, en promedio, podrían estar costando entre 1500 y 2000 dólares. Suena elevado, pero si el viaje fue planificado de seguro costó mucho menos, y si no lo fue, no lo vea como un gasto sino una inversión en una de las mejores experiencias festivaleras de su vida.

Croacia es uno de los países inscritos a la Unión Europea, y no requiere visa por parte de la mayoría de países latinoamericanos.

Llegada al festival

A pesar de que la forma más fácil de llegar al festival es viajando hasta el aeropuerto de Pula, los organizadores del festival recomiendan algunos aeropuertos para transferencias fáciles: está el de Venecia Treviso y Trieste, todos en Italia, el de Ljubljana, en Eslovenia y el de Zagreb, la capital de Croacia. El festival vende incluso las transferencias de cada uno de estos aeropuertos al festival, con precios que van desde los 28 hasta los 38 euros.

El festival abre desde el martes 28, solo para la estadía de los asistentes que van a acampar, y cierra el cuatro de septiembre. El concierto inaugural, que será en el anfiteatro romano e incluirá a Kraftwerk, Moodyman, Nils Frahm, entre otros, tendrá lugar el 29 de septiembre, a las siete de la noche.

Hay buses locales que van del festival al centro de Pula y viceversa, para ir llevando a los asistentes, así como taxis en toda la ciudad.

Algo importante: el precio de los tiquetes en este momento está a 188 euros.

Artistas y nuestra ruta del baile recomendada

Desde Kraftwerk hasta Mala, desde Bonobo hasta Nina Kraviz, desde Skeptical hasta Helena Hauff este festival se ha encargado de reunir a nombres legendarios y de empujar nuevos nombres en la escena electrónica global. Pueden ver el listado de artistas completo acá, y escuchar a nuestros recomendados que son: la selección ecléctica de Courtesy, baile asegurado por la propia casa con el Dimensions Soundsystem; el techno hipnótico de Gabriella Vergilov, la experiencia sublime de ver a James Holden and the Animal Spirits en vivo, Josh Cheon en representación del sello esotérico de Dark Entries, la cuota colombiana con Julio Victoria, el set prodigioso de dub que se va a mandar The Bug, la presentación en vivo de The Exaltics y la presentación de Skee Mask, una de las promesas de la producción que con su álbum ‘Compro’, está dando de qué hablar en toda la escena global.


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Alojamiento

El Dimensions ofrece varias opciones de alojamiento para escoger, tratando de mantener el balance entre comodidad y presupuesto. Existen desde espacios para acampar con una carpa propia, hasta apartamentos para compartir entre varias personas. Las opciones en detalle son: espacios para acampar con su propia carpa, carpas dotadas por el festival, casa móvil para cuatro personas, una casetica para dos, cuatro y hasta seis personas y en tres modalidades, una más equipada que la otra, espacio para parquear caravanas y dormir ahí. Los precios oscilan desde los 57 hasta los 360 euros.

Escenarios

The Clearing, The Moat, The Void, The Beach, The Stables, Subdub Arena, The Garden, The Courtyard, The Ballroom y Dungeon, son los nombres de todos los escenarios con los que contará el festival. Desde el anfiteatro romano del siglo XIX, pasando por escenarios más íntimos, otros en la playa, otros mucho más agresivos para sonidos duros, el Dimensions tiene todo el staging planeado a la perfección.

Foto Cortesía Festival Dimensions

Fiestas alternas

Como si no fuera poco con todos estos escenarios y las playas que rodean al festival, Dimensions planeó fiestas de tres horas a bordo de un bote que recorre parte del mar Adriático con la mejor selección musical. Para esta edición, el festival planeó durante todos estos días más 24 fiestas en botes, que incluyen la celebración de sellos como Tribe Records, Phonica, Hessle Audio, Exit Records o Electric Records, o de clubes como Bassiani, en donde van a tocar helena Hauff con Kancheli. Fiesta en la playa y fiesta en el mar.

Pueden reservar tiquetes para estas fiestas por acá

Zerostrasse

Y si no quedan contentos con fiestear en el agua salada y fiestear en la playa, Dimensions se unió con Resident Advisor para hacer dos fiestas en Zerostrasse, un entramado de túneles olvidados en Pula, que se convierten en el escenario perfecto para recibir a artistas como Volvox, The Exaltics, Anastasie Kristensen y Paula Temple, todo bajo la tierra. Para reservar tiquetes y disfrutar de estas fiestas subterráneas, por acá.

Con la planificación correcta y el debido presupuesto, el festival Dimensions es uno de los eventos al otro lado del mundo que más vale la pena vivir. Buena curaduría de artistas, locaciones que quitan el aliento y el verano pleno europeo: ¿Qué más se le puede pedir a la vida estas vacaciones?

CLUBZ es nuestro artista de la semana

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CLUBZ es una de las marcas más consistentes en el sonido de bajos profundos y pop electrónico que impera en buena parte de América Latina en diferentes estilos, actos muy diferentes entre sí y de prácticamente todos lados de la región. En el jabonoso panorama actual de la música independiente hecha en México, la propuesta del dúo de Monterrey ha sido un referente de vital importancia y terminarán de culminar su aportación con el estreno de su placa debut, Destellos, este próximo mes de septiembre.

Sobre el tema que acaban de estrenar y con el que bendicen nuestra playlist, la canción "Palmeras", nos dijeron esto: "'Palmeras' es una metáfora inspirada en esos momentos que mantenemos los ojos cerrados, ocultos entre nuestras pestañas". El video que acompaña al tema esta hecho en formato trailer de un thriller taquillero de los años 80 y puedes verlo aquí. Una potente linea de bajo, sintetizadores y melodías pegajosas en la línea típica del dúo. Dale play nuestra playlist y checa abajo las otras canciones que agregamos esta semana.

CLUBZ - "Palmeras"
Francisca y Los Exploradores - Tan Fuerte"
Daniela Spalla - "Pinamar"
Empress Of - "When I'm With Him"
Sol Oosel - "The Dark Side of the Sun"
Juan Celofán - "La Daga"
Crudo Means Raw - "No copio"
Danger - "Estado mental"
Charles Ans - "Andrómeda"
Onda Vaga - "El Curruco"
Las Sombras - "Los chicos de tu barrio"
Guzmán Uve - "U.F.O"

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El Apocalipsis se acerca y los fans de Nicki Minaj y BTS celebran su colabo

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La reina Nicki Minaj se la ha pasado la última semana bajo el efecto de algún estupefaciente poderoso y se fue contra de Travis Scott, y luego dijo que todo fue un chiste, clamando que la industria musical ha conspirado en su contra, cancelando una gira y exhortando a sus fans a que acosen a un periodista. Ha estado rudo el trip. Sin embargo, es una buena semana porque la va a terminar con un verso en el remix de "IDOL" de la boyband BTS, que salió esta mañana. No es la canción más fácil de entender a menos que estés bajo la influencia del vodka y la cafeína, bailando al lado de un gorila afuera de un club con fachada de cristal en una ciudad anónima, sintiendo cómo los sintetizadores de Ibiza te atraviesan ti antes de tirarte en la acera por última vez. Escucha la canción abajo.

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Comenzó en "Afrikah": Yelram Selectah con la plegaria que aporrea

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¿Qué tiene África que todos están haciendo canciones sobre ese continente? Tan solo en el último año en México Clubz, Vaya Futuro y Sotomayor soltaron canciones con África (o Áfrika) en el título. Sin mencionar a Weezer y su cover de Africa de Toto que pulverizó internet y los catapultó de vuelta a la relevancia. Este trend es bastante inofensivo y las canciones son buenas, pero es raro escucharlas y darte cuenta que a excepción del tema de Sotomayor, las canciones con el África en el título evocan muy poco al continente madre. Ahora el productor tijuanense miembro del Cumbia Cartel, Yelram Selectah nos trae su versión de "AFRIKAH" y se siente más cercano a la raíz en todos sentidos.

Yelram se ha dado a conocer por producir algunos de los experimentos más extraños desde un remix de Té Para Tres en footwork hasta Bad and Boujee en cumbia. Pero es en sus temas originales donde más brilla. Su primer LP fue una obra de baile necropatriota sin precedente, y en su nuevo EP busca ligar su mexicanidad a la raíz de todo. El resultado final es una amalgama de percusiones que bailan entre lo latino y lo africano sin nunca caer completamente de un lado o de otro. Este retomar de ritmos milenarios se refleja en el video dirigido por Rojo Rodríguez, en donde la artista escénica Inés Herrera Campa baila agresivamente con técnicas contemporáneas en un video editado para enfatizar lo que puede hacer el cuerpo humano con un buen beat. Dale play arriba y conéctate con Yelram en Facebook.

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Escucha 'Aura', el nuevo disco de Ozuna para perrear triste cualquier día

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Juan Carlos Ozuna Rosado es el rey del perreo triste. Nadie mejor para hacernos pensar en todos los errores que obviamente hemos cometido en nuestras relaciones que el señor O. Con Odisea, su disco anterior, destruyó los niveles medidores de reproducciones de streaming y regaló himnos obligados. Su voz y sus melodías son distintivas, y son su marca registrada y probablemente la razón más grande y poderosa de por qué es uno de los jefes del planeta reggaetón. Siempre he descrito la voz de Ozuna como un instrumento que roza en la marginalidad. Y cuando digo marginalidad no lo digo de manera despectiva, sino más bien como su atributo más importante. La voz de Ozuna es primaria, contigua, lateral, y nos lleva a lugares comunes con los que todos los latinos nos podemos identificar.

En Aura, Ozuna se va un poco más adentro en el perreo triste —si es que esto era posible—. En "Coméntale", "Hola", "Tu olor" (que viene siendo una especie de "Te boté"), el señor O. deja clásicos instantáneos para cuando estemos en momentos no tan felices de nuestras vidas. Además, tiene colaboraciones notables como J Balvin, Akon, Nicky Jam, Cardi B, Anuel, Wisin y Yandel, Romeo Santos y más.

Escucha las 20 canciones de Aura:

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Lentamente, Blood Orange ha construido un canon extraordinario

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Este artículo se publicó originalmente en Noisey UK.

La primera vez que vi a Dev Hynes fue en una tarde soleada a fines de la década pasada. Estaba caminando por Brick Lane, en el este de Londres, con una guitarra a la espalda, gafas grandes de pasta gruesa con micas transparentes, y su cabello recogido como a la mitad, en ese estilo tan dramático que amaban los muchachos en MySpace. Según recuerdo, se dirigía a Rough Trade para tocar bajo su, en ese entonces, nuevo nombre de Lightspeed Champion. Test Icicles, la banda de thrash-dance-punk por la que se había hecho famoso, se había separado el año anterior. En ese momento tocaba canciones indie acústicas con guitarra alegres y letras que hablaban del amor perdido, de crecer y de escuchar crunk.

La segunda vez que lo vi fue como cinco años después, en The 100 Club. Las gafas de pasta habían desaparecido, reemplazadas por un chaleco, una cadena de oro y una dad cap. Toda la torpeza de sus veinte años parecía haberse ido también, o al menos se veía así en el escenario, donde ya no estaba encorvado y escondido debajo de un flequito gigante, sino que daba vueltas con el micrófono y movía sus caderas bailando. Para ese momento, Dev estaba haciendo tracks de sintetizadores con sonido ochentero bajo el nombre Blood Orange, claramente ahora más en los ritmos funk y de electrónica que en acordes de punk o de folk-pop acústicos.

Incluso dentro de Blood Orange, Dev ha habitado varias pieles. Coastal Grooves, su debut de 2011 bajo el alias, fue un ensayo de guitarras clandestinas color neón, a la mitad entre el sonido de Nueva York a principios de los 80 y lo que Bloc Party podría haber lanzado después de A Weekend in the City. En su segundo álbum del 2013, Cupid Deluxe, Blood Orange se volvió aún más pulcro y más refinado, y entregó una colección cristalina de sintes suaves como mantequilla en la sartén, con bases de funk afrofuturista y delicado. Y luego estuvo su último álbum, Freetown Sound, una extensa reflexión sobre la raza y la sexualidad que también fue una celebración del pop, con una propuesta alejada galaxias de los días en los que solía gemir "One more time! Another line! en una banda de punk.

Hoy, Blood Orange está de estreno con su cuarto álbum, Negro Swan, y sigue esa misma trayectoria. Suena refrescante, pero sigue siendo muy suyo: puedes escuchar suaves sintetizadores ochenteros como en álbumes anteriores (la abridora "Orlando" se desliza como crema chantillí en una cuchara de plata), y el tono familiar y conmovedor de su voz (tracks como "Saint" y "Charcoal Baby" sirven para recordar que Hynes es un vocalista excepcional). Incluso las letras, —que hablan de la noche, la vida en la ciudad, el amor romántico, la política racial y lo queer, de una manera en la que todos los temas se entrelazan—, son típicas de lo que hemos llegado a esperar de Blood Orange. Siempre escribe como si estuviera proyectando una película en la mente del escucha: cada canción brilla como coches que pasan en la autopista de una ciudad de noche. No tienen que decirte que es sinestésico, vaya, se siente en su sonido.

Y sin embargo, Negro Swan —que cuenta con colabos de A$AP Rocky, Ian Isiah, Tei Shi, Georgia Anne Muldrow, Steve Lacy, Janet Mock y Puff Daddy— no se parece a nada que Blood Orange haya hecho antes. Mientras que los álbumes anteriores estaban llenos de coros brillosos e himnos emocionales para la pista de baile, este ocupa una paleta de colores totalmente distinta: es más oscuro, más triste e introspectivo, e incluso sus momentos más alegres son compensados por haber tenido que atravesar un trauma para alcanzarlos. "Mi último álbum es una mirada honesta a los rincones de la existencia negra, y las ansiedades continuas de las personas homosexuales/de color", escribió Hynes en un comunicado de prensa. Básicamente, estas canciones no son para cuando haces una fiesta en tu casa: son gemas delicadas que merecen un espacio para respirar. En lugar de estar empapado de color, este álbum está salpicado por luz de luna.

Dev Hynes debería ser reconocido por lo que es: un autor. Puede que haya comenzado como un chico indie más, en un mar de bandas con pantalones H & M de colores primarios, pero con cada nuevo lanzamiento su visión ha florecido, y su distintivo sonido se ha vuelto cada vez más hermético. Escucha su producción para otros artistas (Solange, Carly Rae Jepsen, Sky Ferreira), o bien su etéreo y rosado score para la película de Gia Coppola de 2013 Palo Alto, y vas a notar su sello también. En otras palabras: durante la última década más o menos, Dev ha construido lentamente un universo musical, un espacio de 360 grados, que siempre está evolucionando, pero que le pertenece solo a él.

Negro Swan bien podría ser el proyecto más completo de Hynes hasta la fecha. Como Blond(e) de Frank Ocean, o Flower Boy de Tyler, The Creator, o Melodrama de Lorde, este es el tipo de disco sobre el que es difícil escribir después haberlo escuchado una vez. Tienes que tenerlo a la mano por un tiempo más largo, luego sostenerlo ante la luz y observarlo desde diferentes ángulos. Lo más importante es que ha consolidado a Hynes como la potencia creativa que siempre ha sido, quien ha pintado un nuevo paisaje, a partir de voces dulces y espesas, sintetizadores brillantes, y letras que significan algo. Ahora, entremos todos.

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Interpol regresa después de cinco años con ‘Marauder’

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La banda norteamericana de indie ya nos ha presentado cinco álbumes que los han puesto en un lugar importante en la escena del rock. El power trío de Paul Banks, Sam Fogarino y Daniel Kessler se han caracterizado por mantenerse en canciones melódicas con una voz opacada y a veces traer distorsiones con discos como El Pintor (2014) y Our Love To Admire (2007).

Hoy, 24 de agosto, ya está el sexto álbum de Interpol en todas las plataformas para culminar la campaña de expectativa que partió de un mural en México y el single "The Rover". En esta ocasión la banda sumó en la producción del disco a Dave Fridmann, que ha estado detrás de bandas como Flaming Lips, MGMT y Spoon, que le dió a la banda un sonido más oscuro y misterioso con algo cercano al stoner rock.

De hecho, es algo que no solo se nota en las canciones, sino en el trabajo audiovisual. En el video del primer corte “If You Really Love Nothing” aparece Kristen Stewart, actriz que ha aparecido en películas como Crepúsculo y Still Alice, y Finn Wittrock, actor de la serie American Horror Story, en una eventual noche de fiestas, excesos, amoríos y rebeldía en una taberna. O en el de “Number 10” que es una extraña composición de una mujer calva y morena flotando en un desierto californiano.

Si no lo ha oído, aquí le dejamos Marauder, el regreso de Interpol:

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Escucha el nuevo remix de Cabizbajo para "Adoración", lo nuevo de Tony Gallardo

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Aún después de algunos meses de haberse lanzado Adoración y Locura de Tony Gallardo & The Boid, sigue dándonos sorpresas. Esta vez, ha sido remixeado por Cabizbajo––uno de los productores de referencia en México––encargándose de darle un nuevo aire a “Adoración”. Se trata de una versión oscura, sensual y enérgica, lista para calentar la pista de baile y ponernos a bailar.

Al respecto del nuevo lanzamiento Cabizbajo nos cuenta que...

... En el proceso creativo de este track traté de darle un giro más lento y sexy al proyecto original, tomando los vocales y algunas percusiones como base añadí capas de acordes con el JU-06 y otros sintetizadores para establecer el mood general. Después grabé algunas nuevas percusiones, el beat base y luego seguí con la progresión de los acordes que había añadido––que se fue definiendo mientras experimentaba con varios sintetizadores y la guitarra.

No entré al proyecto pensando en alguna influencia en específico. Solo creé lo que fui sintiendo. Creo el resultado es nocturnal y un poco embriagante. Espero les guste.

La esencia de este proyecto siempre ha sido para mí un lugar donde puedo echar a volar la imaginación y tratar de plasmar en sonidos lo que mi mente siente en este momento.

México es para mi uno de los países con la movida electrónica más interesante del mundo; existen artistas de muchísimos géneros y estilos que vale la pena descubrir. Siento que al igual que Alemania, España o Israel, por decir algunos, México también ha cocinado su propio paisaje sonoro, también cada vez es más el apoyo e interés de la gente por esta música y se ve reflejado con el aumento de venues en todo el país.

Adoración y Locura estará disponible a partir del 30 de agosto en todas las plataformas de Discos Sentimiento.

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Es oficial: Ya hay un nuevo DJ con el récord de Sunwaves Festival

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El festival rumano es uno de los más reconocidos a nivel mundial y este año cumple los 24 años de estar andando. Por ahí han pasado diversos DJs como Seth Troxler, Carl Cox y Ricardo Villalobos. En esta fiesta varios artistas se han esforzado por tocar mucho tiempo y así ir creando un récord que aplique en el Sunwaves Festival.

Uno de los primeros en tenerlo fue Marco Carola con 24 horas en los decks para el año 2015. Joseph Capriati apareció en el 2017 haciendo 25 en tarima. Este año Dubfire, DJ iraní americano, dejó atrás el récord de Capriati, superándolo por una hora y media más; es decir 26 horas y media en el festival rumano.

Cabe recordar que no es el récord mundial, solo el de Sunwaves Festival. En una ocasión Sven Väth tocó por 30 horas seguidas y el nigeriano DJ Obi lo hizo por 10 días. La próxima presentación de Dubfire es hasta dentro de una semana, esperemos que sea tiempo suficiente para que descanse.

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Otra noche con la eterna rimadera de La Gra$a en Bogotá

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Es el último sábado de agosto y no hay manera de combatir el frío en las solitarias y silentes calles bogotanas. Gracias a la consulta anticorrupción del día siguiente, la ley seca nos arrebató de las manos la caja de guaro, la botellita de ron, el cartón de vino, la lata de cerveza. Una chaqueta no es suficiente.

Parados y contra la pared, cientos de asistentes hacen fila ante una fachada negra, esperando que esa puerta metálica se abra para ver si así pueden combatir el frío. Son las 7:21 p.m. y no hay mucha emoción por lo que va a pasar, la gente solo piensa en el viento helado que le corta la cara, en sus escalofríos, en no sacar las manos de sus bolsillos.

Adentro, unos pocos fans hacen parte de un meet & greet organizado por White Hat, la productora del evento. Sacan sus camisetas para pedirle un autógrafo a Zof Ziro, sus afiches para que los raye Granuja, sus celulares para sacarse una foto con Crudo, con Mañas o con Métricas Frías; sus discos para que los firme La Gra$a.

Sus caras están colgadas a lado y lado de las paredes blancas con verde: a la derecha Métricas y el Mañas Rufino. Doble Porción. A la izquierda, Crudo, Granuja y Zof Ziro. La crème de la crème, la Gra$a que siembra el morbo en el rap de la montaña.

Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español.

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Son las 7:26 p.m. la impaciencia y el frío se van quedando atrás con los primeros scratches y las primeras líneas de “Come on” de Notorious B.I.G. con las que el DJ le da la entrada al público que se suma descalzo al venir luego de la requisa y se acomoda los zapatos asintiendo con su cabeza ese corito que dice “Come on, motherfuckers, come on/Come on, motherfuckers, come on”. Los paisas ya no están, el salón está vacío y se va llenando poco a poco. Ya no hay frío, ahora la conversación se mezcla con las ansias.

Las luces blancas que hacen ver el sitio como un salón comunal sin sillas Rimax de repente se apagan, las luces del show, que se mezcla con la máquina de humo, empiezan a vestir a la gente de rojo. De fondo suena “Hazmelo rap” de Alcolirykoz, “Gratitud” de Delirium Tremenz, “Hubiera” de Crudo, “A lo cubano” de Orishas, “Insane in the brain”, de Cypress Hill, “La jungla” de Flaco Flow y Melanina, ”The Next Episode” de DrDre y Snoop Dogg. Mientras tanto, afuera, la mitad de la cuadra ocupada por jovencitos de todas las edades y clases sociales, va desapareciendo y lo que parecía un salón comunal, sigue manteniendo la misma esencia, pero en su espíritu se convierte en un Dojo, un lugar de entrenamiento.

****

Han pasado ya dos horas, al frente la gente agita sus manos y sus cabezas con unos MC’s que pocos pueden dar respuesta de sus nombres; un crew que calienta el ambiente y que cada tanto pide gritos de histeria, según un amigo, sin ganárselos. En todo caso, la emoción contagia a algunos pocos, otros están desesperados, miran el reloj, comentan que “a las 11p.m. cierran esto, son las 9:30 y estos manes nada que suben”. En la tarima está Big Mancilla, calentando el ambiente con “El Tiki”, clásico de la fiesta capitalina. En efecto el calor empieza sentirse, las chaquetas terminan sobre los hombros, amarradas a la cintura, tiradas en el piso.

El reloj marca las 9:37 p.m. Métricas baja por una diminuta escalera de caracol, detrás está Zof Ziro, detrás de el Mañas. En el camerino solo quedan DJ Deejohend y Crudo. Hay nervios y tensión y abajo, entre la gente, un afán que no advierte nada bueno. La demora es tal que el anfitrión del evento empieza a cantar a capella una canción que tenía escrita quién sabe hace cuánto, empieza a decir nombres de localidades de Bogotá, de barrios, de ciudades de Colombia. Los gritos pidiendo a La Gra$a hacen evidentes las ganas del público de escucharlos a ellos, a nadie más.

Mientras las luces se apagan, los celulares se izan como banderas de bienvenida.”Dame calor Bogotá, dame calor”, dice Zof Ziro vestido con chaqueta amarilla, vicera naranja, camiseta negra con rayas blancas y pantalón negro. Es el primero en subirse a la tarima y el primero en saludar. Sin alargarse mucho, de repente, con un diablo disparando láser Rojo por los ojos y girando en el fondo, arranca: “Ojos de diablo dice la doña, por ahí frunciendo el ceño/ Sin dueña, lo enseño, se prende a leña/ Si la culpa es del que paga o del que la empuña / ahí nos queda el daño”, y la gente ahí, con los celulares apuntando al cielo y las gargantas dispuestas a acompañar cada tema sin reparo.

Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español.

Es, como dice la canción que está cantando de su disco La bomba de ZiroZhima, “otro día en la eterna rimadera”.

Los porros llegan del de en frente para el de atrás, la candela se pide de lado a lado, las nubes de humo quieren acariciar el techo y no pueden. Suena “300mil” y Granuja canta en el escenario, “Sigo inquieto, no soy jibaro por vender un bareto /ya ni sé por qué tanto alboroto”, y abajo, tipos de chaqueta azul rastreaban como sabuesos el olor dulzón de la marihuana para tocarle la espalda al que estuviera soltando el humo del plon y pedirle que lo apagara o que se saliera, que ese vicio con el que es tan rico escuchar a La Gra$a no estaba permitido en el lugar.

Aún así, a escondidas, se seguían prendiendo y rotando los plones. Cada tanto, al final de una canción, se alzaban los coros “La Gra$a, La Gra$a, La Gra$a” y con estos cantos el olor se esparcía por el ambiente cada vez más caliente, más sudoroso, más necesitado de una botella de agua, algo para pasar la seca, para poder cantar “India conocida” completica.

Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español.

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Son las 10:03 p.m. Una luz verde invade el lugar y Crudo, acompañado de su crew detrás y su público de frente, cantan todos al unísono “Dele la cara (Bendiciones)”, “Están muy lindos, si se vieran…”, dice al terminar. De repente arranca “Boom boom” y luego “Se va”, ambas desprendidas del único disco de La Gra$a hasta el momento, un álbum que nació producto de un ejercicio de composición, un disco en el que todos tiran sus skills, sus mejores punchlines, algo así como un disco de entrenamiento, en el que muchas de las letras terminaron siendo versos en cada uno de sus discos solistas.

Y entonces Granuja con “De pe a Pa”, de su Círculo Vicioso, y entonces Doble Porción con “$.A.N.T.E.R.I.A” y “Par de pepas”, Métricas con “Gotcha” y Crudo con “No copio”, pedida en un coro inmenso por el público.

Una colección del sonido de siempre de algunos, con la influencia de lo nuevo de otros. La nostalgia de tener a Crudo en los beats de “Entre primos”, “Perros”, “Ten Shin Han”, “Chéchere chévere” y el rapeo de Doble Porción y las bases de boom bap del parche que tanta emoción genera en cada público al que se enfrentan.

Cuando Métricas Frías decía “A donde voy el diablo me abre las puertas”, parecía una escena que se vivía en carne propia. La escena son cientos de frentes con gotas de sudor resbalando por la cara, camisetas con axilas y espaldas bañadas en sudor, cada vez menos ropa encima.

Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español.

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10:40 p.m. Granuja, cual Moisés, divide al mar de gente que tiene al frente. Los skills de sus letras pasan a un segundo plano para definir a sus preferidos por aplausómetro. A la derecha Doble Porción y la mitad de la audiencia. A la izquierda Crudo, Granuja y Zof Ziro. Los chiflidos eligieron a los que juntos son Gordo Sarcasmus y a Crudo. Después de esto, otra vez los skills, la sagacidad de canciones que revelan el Medellín que es paraíso y pesadilla, el día a día de grillas y pillos, de conspire y bendiciones, de éticas y narco estéticas, de rimas al aire y parrilleros en busca de un motín, de líneas y vicios. Suena de fondo “Valijas de oro” y luego “Embombe”.

—¿Nos vamos ya o qué? —preguntaba Métricas en tarima.

—¡No! Otra, otra, otra —gritaba la gente.


—¿Nos vamos o nos quedamos? —preguntaban de nuevo.

—Graaaaa$a, Graaaaa$a, Graaaaa$a —respondían todos.

Y entonces “How we do”, la finura y lo filoso de sus letras, el rap de la montaña que tanta atención llamó y por lo que muchos están ahí, bañados en sudor, con un aura olor a creepy, con los versos en la boca saliendo a la velocidad de los que tienen en frente. No importa que el sonido no haya estado bueno, que Mañas estuviera afónico o que se le escuchara rara la voz, ni importaba la espera.

La despedida llegó con “The cypher Effect”, pero nadie estaba satisfecho al 100%, querían más. Mientras desde arriba decían cosas tipo “Se les ama con locura”, abajo les respondían entre aplausos, “otra, otra, otra”. Mientras arriba decían “Muchas gracias Tabogo, se les quiere con cojones”, abajo gritaban “Graaaaa$a, Graaaaa$a, Graaaaa$a”, el pedido terminó con una foto de ellos y su público con los celulares y los encendedores inquietos en lo más alto.

Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español.

El reloj marca las 11:08 p.m. las luces se prenden, La Gra$a se pierde, queda solamente un piso húmedo, pegajoso y negro, los restos de botellas de agua para soportar la traba y las latas de Monster. Otra vez el frío, la calle solitaria, las ganas de fiesta.

¿Alguien sabe dónde podemos encontrar una pola? Tanta rimadera nos dejó secos. Ah, cierto que todavía hay ley seca.

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Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español.
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20 años de flyers: Un capítulo de la historia gráfica de la cultura rave en la CDMX

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En pleno 2018, una avalancha de flyers inunda el Internet vía redes sociales. Cientos de archivos con invitaciones digitales van y vienen a diario de dispositivo en dispositivo. Atrás quedaron los tiempos en los que la invitación a una fiesta, a un club o a un rave, era de mano en mano.

La relación flyer-música electrónica en México data por lo menos desde los 80, la época en que surgieron bandas de techno pop, EBM; y post industriales como Artefakto, Década 2, Interface y Casino Shanghai. El multifacético Mateo Lafontaine diseñó algunos flyers de la época. Martin Parra en los 90––durante la llamada época dorada del rave en la Ciudad de México fue uno de los autores intelectuales de los flyers más codiciados y aplaudidos por la calidad de sus diseños. Lo mismo Demian Nájera, ex integrante del Parador Análogo y Erich Martino, entre otros.

Con el paso del tiempo y con la ayuda de la tecnología el flyer fue evolucionando. La temática de la fiesta o el título de ella, definían la estética y la información que contenía, muchos de ellos verdaderas joyas que había que poseer y conservar.

A lo largo de por lo menos tres décadas la Ciudad de México ha visto correr cientos de flyers que se han convertido en verdaderos objetos deseados por los amantes del diseño y la música electrónica. Una de las colecciones más impactantes es la de Josué Macías Rosas, un raver veterano de 37 años y chilango de nacimiento. Josué asistió a su primer rave en 1997 en el Cine Ópera, desde entonces nunca más se ha alejado de la escena. En su larga trayectoria como raver, se cuentan algunas de las más legendarias fiestas de la ciudad y sus alrededores. Con el paso del tiempo se convirtió en DJ. En 2004 formó parte del line up de la edición mexicana del festival Love Parade. En el mundo electrónico es conocido como Skywalker.

La colección de Josué data de 1995, conserva flyers de fiestas icónicas como Ecosistema, Acid City, Epicure, Union Fest, Aca World Sound Festival; y de clubes celebres ya extintos como Rímel, el Colmillo, Pervert Lounge, club 69, la Tirana, Palace, Danzoo y Alfil Negro.

Es imposible cuantificar el total de flyers que ha acumulado en por lo menos 20 años, son cientos de ellos. Tiene flyers, literalmente, hasta en la cocina. Un archivero de cartón casi a tope, con capacidad para unos 10 kg, resguarda la mayoría.

“En el Cine Ópera me dieron mi primer flyer, en el rave de Boo Williams. En esos años no había Facebook, todo era bien under, y el flyer se repartía de mano en mano. Antes no había tantas fiestas como ahora, había una cada mes, cada dos meses. En la fiesta te daban el flyer del siguiente rave. Yo me enamoré de la escena desde la primera vez que fui y me clavé mucho. Guey que veía repartiendo flyers, iba y le pedía uno para saber dónde iba a ser la próxima fiesta y para coleccionarlos”, recuerda Josué.

En los noventas y dos miles los flyers se repartían en las fiestas y otros tantos se distribuían en las tiendas de discos. Tanto era el interés del joven raver por poseerlos que se trasladaba desde su casa, en el Centro Histórico, hasta las colonias Roma y Condesa, donde se ubicaban la mayoría de establecimientos que vendían música electrónica, como Groovadelia y Rock Shop. Por lo regular se llevaba tres o cuatro flyers para repartirlos entre sus amigos o para intercambiarlos.

La manía de Josué llegó al nivel de robarle a un amigo el flyer de la primera edición del rave Ecosistema. “Yo tenía todos los flyers del Ecosistema, pero me hacía falta el primero. Era tanto mi pedo por coleccionarlos, que se lo chingué a un amigo en su casa (risas). Después mi amigo se enteró que le había robado su flyer y con todo el dolor de mi corazón se lo tuve que regresar”.

A partir del line up, del diseño y de la calidad de los materiales del flyer, el raver podía identificar a cuál fiesta valía la pena asistir. El mismo criterio aplicaba para conservas las piezas. “Empecé pegando uno y terminé tapizando todo mi cuarto, una recámara completa de puros flyers. La neta no es mamada, pero estaba bien verga (risas). ¡Se veía bien bonita! Eran como cuatrocientos flyers pegados en las paredes, cuenta Josué”.

Algunos de sus flyers favoritos––y que él considera de los más significativos––los ha enmarcado, como el de Love Parade 2004 y el de Epicure. “Me acuerdo de un diseño que me gusta mucho, de hecho lo mandé enmarcar, lo diseñó Martin Parra, es de la primera fiesta a la que vino John Digweed. La fiesta se llamó Epicure y se armó en el Parque Ecológico Xochitla. ¡El flyer estaba bien loco! Estaba hecho como en tres capas, se veían un chingo de madres, ¡alucinábamos un chingo con ese flyer! Veíamos a un cocodrilo, veíamos un coyote”.

Los flyers que conserva Josué son diversos, de todos tamaños y materiales, algunos en forma de disco de acetato, otros tienen la apariencia y el estilo de calendario de carnicería; los hay con diseños dedicados a celebraciones de día de muertos, fiestas patrias, o al 14 de febrero. Uno de los más llamativos es un flyer de la fiesta llamada Ácido Desoxirribonucleico, el diseño es muy minimal con tres colores, el negro predomina, viene dentro de un sobre blanco emulando una invitación de boda o XV años; hay otro muy vistoso en forma de mariposa que mide unos 40 cm; tres o cuatro de los flyers más grandes en sus dimensiones que posee Josué, miden 90 cm de largo y unos 50 cm de ancho aproximadamente.

A partir de la llegada y la consecuente masificación de las redes sociales a finales de la primera década de los dos miles, el flyer en formato físico fue desapareciendo, algunas productoras siguen recurriendo a él, pero son las menos. La mayoría migró al formato digital por costos y por el alcance masivo que tiene. “Cuando llegó Facebook todo cambió. Algunos flyers se enviaban por correo electrónico, pero luego vinieron las redes sociales y todo se expandió”.

Continua Josué: “En la actualidad no tiene sentido que saques un tiraje de 20 mil flyers, algunas productoras lo siguen haciendo, pero ya no son tantas. Hay algunos flyers con diseños muy buenos, más que nada en festivales como Ommix. Son diseños muy ad hoc con la época. En las fiestas de techno siento que sí ha bajado la calidad de los diseños”.

El flyer era y es tan relevante porque es el primer contacto entre el público y la fiesta, si el flyer no es lo suficientemente poderoso en el mensaje, la gente no acude al evento. Posee una carga simbólica significativa, más allá de informar datos básicos como hora y dirección, es una pieza relevante de la historia de la música electrónica en México y en el mundo, que ha contribuido de alguna forma al desarrollo de la escena.

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El sangriento debut de Brujería inspiró a una generación de metalerxs latinxs

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Este artículo apareció originalmente en Noisey US.

Uno no ve cabezas decapitadas todos los días. Y sin embargo ahí estaba esta, colgando contra una tela blanca, sostenida por una mano anónima para la inolvidable portada del álbum debut de 1993 de Brujeria, Matando Güeros. Los responsables de este acto profano —al menos por implicación— aparentemente fueron los miembros de una pandilla mexicana de narcotráfico que practicaban el satanismo, y que además tocaban heavy metal del más extremo.

Mucho antes de que Breaking Bad y su precuela Better Call Saul llevaran la brutalidad de los carteles de droga al dramático mundo de la cultura pop, y antes de Donald Trump y su preocupación por la amenaza que representan los MS-13, estaba Brujería. Escuchar Matando Güeros en 1993 y empaparse de todo lo que representaba su portada se sentía como si uno se encontrara con algo verdaderamente ilegal, como descubrir la existencia de una secta que le hace culto a la muerte operando en el sur —e incluso hasta en el norte— de la frontera que separa a México de Estados Unidos. Por medio de seudónimos como "Asesino" y "Juan Brujo", y del uso de máscaras en las sesiones de fotos para proteger sus identidades criminales, la sola existencia de Brujería parecía ser delincuente y su música en español era algo aterradoramente incomprensible para una audiencia mayoritariamente estadounidense.

Por supuesto, nada de eso fue cierto, pero como explicó uno de sus fundadores, el exguitarrista Dino Cazares, se trataba de más que un engaño. "No era una caricatura de Cannibal Corpse en una portada", dijo. "Había realismo; temas reales, historias reales, fotos reales".


"De la nada, una banda de death metal mexicana apareció, y la gente quedó como ¿qué mierdas es esto?!".

Los orígenes de Brujería fueron, más bien, una mezcla razonable de convenciones con un toque macabro. Entre mediados y finales de la década de los 80, antes de su proyecto más exitoso, Fear Factory, Cazares no era más que otro músico de Los Ángeles que hablaba y socializaba con otros músicos de heavy metal. Gracias a Jim Martin, guitarrista de Faith No More, conoció al bajista de la banda, Billy Gould, quien a su vez le presentó al vocalista John Lepe. En una temporada navideña, mientras pasaban el rato en los estudios de KXLU con Pat Hoed, conductor del programa de punk Final Countdown, de la emisora de Loyola Marymount University, Cazares y sus amigos se encontraron con un periódico mexicano que decía en su titular BRUJERíA. El artículo, escrito todo en español, contaba la historia del narcotraficante Adolfo Constanzo y su cartel de devoción satánica, que con sacrificios humanos al ángel caído protegían sus operativos ilegales de los federales.

"Cuando [Constanzo] era niño, su madre practicaba santería: magia blanca", explicó Cazares. "A medida que fue creciendo e involucrándose con las personas equivocadas dijo, a la mierda eso, hagamos brujería".

Con fascinación y una influencia inmediata de ese terrible relato, que además fue infame por nunca resolverse y por su investigación alrededor de la desaparición del estudiante universitario Mark Kilroy, Cazares (Asesino), Gould (Güero Sin Fe), Hoed (Fantasma), y Lepe (Juan Brujo) decidieron formar Brujería en esa coyuntura. Todos los elementos espeluznantes y abominables de una banda de extreme metal estaban ahí: drogas, secuestro, asesinatos rituales y, sobre todo, satanismo. Sin embargo, la agenda del grupo creció a algo más grande, como dijo Cazares, que la simple explotación de temas controversiales.

Foto cortesía de Dino Cazares

"La mejor manera de describirlo era como políticas de fronteras", dijo. "Sé que todo es brutal y siniestro y hardcore, pero con el tiempo se convirtió un poco en un mensaje positivo". Brujería no solo tomó temas prestados del crimen de Constanzo, sino de temas contemporáneos de sentimientos antimexicanos y racismo, particularmente en el estado en el que vivía.

"Aquí en California, todos los gobernadores y alcaldes siempre dijeron tenemos que controlar las fronteras, como lo que hace Trump hoy en día", dijo Cazares. Citó específicamente al republicano Pete Wilson, quien fue senador y gobernador del estado en diferentes épocas entre 1993 y 1999, con políticas antiinmigración inhumanas como redadas armadas y separaciones familiares forzadas que se asimilan a las prácticas que se ejercen hoy en día en todos el país. "Lo que hacen los agentes de ICE ahora, lo han estado haciendo desde siempre aquí" (En 1995 Jello Biafra interpretaría a Wilson en una parodia de la banda en su segundo disco Raza Odiada).

Esa atmósfera de abuso institucional y de miedo motivado por la política estaba intrínsecamente vinculada al tráfico de droga y a la trata de personas, lo cual hizo que temas como "Cruza la Frontera" y "Leyes Narcos" se sintieran más realistas para aquellos que pudiesen entenderlas. Cazares lamenta la forma casi caníbal en la que las condiciones precarias en México y en países más al sur generaron la inmigración a lugares como California, que luego reaccionó con agresión y violencia frente a todos los que cruzaran la frontera mientras llenaba los bolsillos de los carteles cada vez más. "Todo es por el control de la puta frontera", dijo sobre el álbum, que es un oscuro retrato que captura brillantemente la esencia de esa lucha.

La actual integrante de la banda, La Bruja Encabronada, que se rumora es la actriz Jessica Pimentel de Orange Is The New Black, no estuvo en Brujería durante Matando Güeros, pero recuerda perfectamente al álbum. "Me asustó hasta la mierda, honestamente", dijo; había conseguido una copia pirateada en su secundaria. "Era la primera vez que escuchaba música que realmente me hacía sentir físicamente incómoda. Cruzaba la línea de muchas manera y aún hoy lo hace".

"Nos reíamos del black metal", dijo Cazares. "Esto era mucho más pesado y real que cualquiera de esos tipos noruegos".

Aunque líricamente Matando Güeros haya excluido a los angloparlantes, con amenazas literales y performativas de masacrarlos en el primer track "Pura De Venta", visualmente el álbum se apropió de algo que teóricamente está a la mano del gringo blanco, pero que en la práctica es inaccesible: los tabloides en español. Uno en particular, llamado ¡Alarma! era similar al National Enquirer, con la excepción de que con frecuencia publicaba imágenes grotescas de muertes para que sus lectores ojearan. "Uno abría el diario y podría leer historias como que le dispararon a un policía", dijo Cazares sobre su contenido. "Y mostraba una foto del policía con su cabeza estallada. No les importaba una mierda".

¡Alarma! proveyó a Brujería con imágenes perturbadoras para hacer de Matando Güeros un álbum inolvidable. El desafortunado caballero con rostro desfigurado que sale en la portada salió directamente de esas páginas, al parecer por un negocio de drogas que no salió como debía. "Amarraron a este tipo, lo tiraron a las vías del tren, fue arrollado, decapitado y sus piernas fueron cortadas", explicó Cazares. La brutalidad de la fotografía hizo que él tuviese que contactar al tabloide, que respondió diciendo que mandaría las imágenes por 250 dólares.

Después de tres semanas de haber enviado el pago, llegó un sobre con todas las fotografías de la escena del crimen, que Brujería luego usó para el empaquetamiento del CD. "Los fotógrafos tomaban las fotos y se las daban a la policía, pero por debajo de cuerda también las vendían a estos periódicos", dijo. "Así fue como conseguimos las fotos reales".

Foto cortesía de Nuclear Blast

Considerando que el año era 1993, con la vocera del PMRC Tipper Gore en la Casa Blanca, la industria de la música reaccionó como uno esperaría frente al arte escalofriante de Matando Güeros. A pesar de que la banda contaba con el apoyo de Roadrunner, el sello tuvo que tomar precauciones para asegurarse de que el disco llegara a las tiendas. "Tuvieron que ponerle una cubierta negra en el frente", dijo Cazares.

Puede que esa jugada haya tranquilizado las consciencias de los vendedores, o incluso engañarlos, pero no previno la reacción de una parte de la industria que rara vez se involucra. "Quienes empacaban los CDs debieron ser hispánicos", dijo. "En las cajas había oraciones que bendecían el disco porque creían que era diabólico".

Brujería pudo haber aterrado a los distribuidores, pero no cabía duda de que los metaleros astutos que ponían a sonar Matando Güeros detectaban rastros musicales de Fear Factory, que también estaba firmada bajo Roadrunner en esa época y que había sacado su álbum Soul Of A New Machine en 1992. El rol compositivo de Cazares en ambos proyectos hizo que eso fuese más o menos inevitable. Sin embargo, gracias a la confidencialidad por parte de la banda y el sello, las identidades de los miembros fueron de pura observación especulativa en ese momento. Y aunque eso era más posible que simplemente creerles en su imagen, había una inocencia juvenil y suburbana que reinaba en los días antes de Google y Wikipedia. De nuevo, estamos hablando de 1993, una época en la que un adolescente con suerte podría conseguirse una copia de Faces Of Death en alguna videotienda sin muchas restricciones y quedar boquiabierto con escenas sumamente gráficas, incluso para el horario nocturno de la televisión por cable.

Factible o no, era más divertido para los oyentes creer en la fantasía asesina, como sucede todavía con mucha de la música rap. En cierto nivel, queríamos estar moviendo la cabeza con las canciones interpretadas por narcos-satanicos autoproclamados.

Otro componente práctico de la mística de Brujería tiene que ver con permitir una alineación más o menos flexible. "La verdadera razón por la que usamos máscaras era porque a lo largo de los años tocamos con diferentes artistas, y algunos de ellos estaban en grandes sellos", dijo Cazares. "¡Warner Bros. nunca dejaría que los tipos de Faith No More fueran parte de Brujería!". Esta solución contractual los encasilló en el truco incluso cuando circularon rumores de sus identidades. Esto también hizo que la banda dejara de tocar en vivo, años después de Raza Odiada.

La Bruja Encabronada gira haciendo parte de su última encarnación, que todavía depende mucho de máscaras y a propósito hace confuso determinar quién es quién en el escenario. Ella lo considera un honor.

"Ser alguien de ascendencia latinoamericana, ser capaz de cantar sobre tu herencia o lo oculto en la lengua de tus padres es una experiencia visceral", dijo. "Veo eso en los rostros de muchos fans que están gritando, llorando, cantando y alzando el puño con nosotros".

Aunque esta teatralidad sí profetizó lo que grupos como Slipknot harían después, Cazares aclara que esa condición también refleja aspectos importantes de la vida mexicana. En la guerra contra las drogas, la policía mexicana solía usar máscaras para proteger sus identidades. Del mismo modo, los revolucionarios izquierdistas Zapatistas del sur hacían lo mismo. "Había un tipo en Chiapas que se hacía llamar Subcomandante Marcos", dijo. "[Los Zapatistas] usaban máscaras para que que no supieran quiénes eran y mataran a sus familias".

"Desde el primer momento del primer álbum, Burjeria siempre cruzó la raya", dijo La Bruja Encabronada. "No creo que todo deba ser tomado literalmente, pero tal vez las metáforas se toman a los extremos para que impacten en lugares donde afecten, y te abran los ojos al mundo que quieren esconder de ti".

Como con toda buena sátira, el humor mórbido de Brujería nunca perdió el foco de la realidad profundamente oscura de la que hablaba. Al burlarse hacían evidente una herida, exponían la fealdad que rodeaba la frontera, e incluso educaban a la gente en el proceso.

"Nuestra forma de lidiar con eso era burlándonos", dijo Cazares. "Si uno no se ríe de eso, uno muere llorando".

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Lauryn Hill niega que maltrató a su banda o que se robó partes de 'Miseducation'

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Lauryn Hill ha respondido a las acusaciones que formuló en su contra el pianista Robert Glasper, sobre que "robó" ideas de otros músicos para hacer su álbum debut y maltrató a los integrantes de su banda posteriormente. En un extenso artículo en Medium publicado anoche, Hill escribió que Glasper "no estaba completamente informado" cuando habló a la estación de radio 97.9 de Houston a principios de este mes para dar una entrevista que terminó volviéndose viral.

"He sido paciente y he callado durante mucho tiempo, permitiendo que la gente hable, especule y proyecte, mientras me he mantenido luchando por libertades que mucha gente ni siquiera conoce", escribió Hill. "La arrogancia de presunción que permite a alguien pensar que podría tener todos los datos sobre la vida y la experiencia de otra persona, es verdadera y notablemente... presuntuosa".

La entrevista de Glasper con el Morning Show de Mad Hatta en el 97.9 del FM, se centró en una semana en la que éste trabajó como pianista de Hill a mediados de la década pasada. Dijo que la banda esa semana había sido montada para un evento organizado por la marca de joyas Montblanc, un set de 20 minutos por el cual Hill cobraría 500,000 dólares. Hill, dijo Glasper, se mostró errática en los ensayos, cambiando el setlist todos los días, y exigiendo que todos la llamaran "Miss Hill" e insistiendo en que nadie la mirara directamente a los ojos. Hill no se presentó a la última sesión, según Glasper, sino que envió a su manager para informarle a la banda que su sueldo había sido reducido a la mitad porque ella "no estaba realmente sintiendo como han estado aprendiendo la música".

También dijo que el disco seminal de 1998 The MIseducation of Lauryn Hill no es una obra suya. El disco fue, dijo, "hecho por grandes músicos y productores que conozco personalmente. Así que obtuviste una gran ayuda con música que ni siquiera escribiste".

Hill refutó por completo la acusación, y rechazó algunas partes de la historia de Glasper y trató de justificar otras. "Contrato a maestros constructores y a maestros artesanos y técnicos que tocan maravillosamente, prestan su habilidad técnica y traducen el lenguaje que proveo en música bellamente realizada", escribió al principio.

Y agregó que "nunca le he dicho a nadie que no me mirara a los ojos [...] Sin embargo, puedo entender por qué un artista pediría algo así. Se trata de alcanzar un nivel de vulnerabilidad al hacer o tocar tu arte, y no querer preocuparte por ser examinado mientras estás en el proceso". Lo que sí es un hecho es que insistiera en ser llamada Miss HIll. Era "absolutamente un requisito. Era joven, negra y mujer. No todos pueden trabajar y dar el respeto apropiado a una persona con ese paquete a su cargo. Era importante, especialmente en ese entonces, que se revelara pronto".

Lee su comunicado completo en inglés en Medium. No es, según la propia Hill, exactamente lineal, pero es una lectura interesante de una artista que no ha dado una entrevista propiamente en más de una década.

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Mira a King Krule deambular por un pueblo fantasma en "Biscuit Town"

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Lodo, mugre, suciedad. Uñas coaguladas con resina de tabaco. Una nariz ensangrentada, moqueando. Estas son algunas de las imágenes que reúne el álbum de King Krule, The Ooz, una obra maestra ambientada en un Londres que solo conoces por los libros de historia. O tal vez sí viviste lo que dice Krule. En cuyo caso, es probable que vengas de algún lugar del sureste de la capital inglesa, cerca del área comercial de Bermondsey.

Esta parte al sureste de la capital es conocida como Biscuit Town. O al menos así fue hasta que la fábrica de galletas Peek Freans cerró en 1989. El lugar es la inspiración para la canción del mismo nombre de King Krule, la cual ahora recibió el tratamiento visual, cortesía del dúo de directores CC Wade.

El primero de una serie de tres partes, el video para "Biscuit Town" es una exploración visual del mundo que Krule inventó en The Ooz. No está ambientado en Bermondsey ni en el sudeste de Londres. "Biscuit Town" es más bien un cortometraje. De fantasía y nebuloso, Krule camina solo en la oscuridad de la noche y mira hacia arriba para ver a una mujer nadando en un charco de luz de luna. Más tarde, camina como un gigante entre los edificios.

Es una visión angustiante y premonitoria, llena de oscuridad, y le queda bastante bien a Krule. Estén atentos para los próximos dos videos y, mientras tanto, lean nuestra entrevista con King Krule al lado, o clávate en su último video, que lo grabó en la luna. Es broma: es un set que se parece a la luna.

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Ahora todos somos latinos y eso es lo único que importa: El Freaky

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FatSuggar Daddy es puntual a la hora de hablar de su tierra natal, el sitio donde, al lado de Andrés Shaq y Mike Styles, le dio forma a El Freaky: "Bogotá es caótica. Una ciudad sobrepoblada y llena de magia. Se trata de un sitio gris con una vida nocturna riquísima, cuyas calles huelen a lo mismo que las demás de Latinoamérica: a frijoles, carne de cerdo, smog y mariguana”, continúa. El trío recientemente presentó el sencillo “NMF” y tiene casi todo listo para darle luz verde a Diablo, su álbum debut bajo el amparo de un sello trasnacional. La oportunidad que sus creadores estaban buscando para seguir dándole cuerda a ese amasijo donde caben champeta, dembow, dancehall, salsa, rock, hip hop, reggae, cumbia, R&B, xuc y moombahton por igual. La mezcla que los ha llevado a presentarse en Glastonbury, Lollapalooza, EDC y Vive Latino.

La decena de temas que contendrá Diablo tienen un objetivo bien definido, según Styles: "Deshacernos de los complejos. Queremos una fiesta donde la gente la pase bien, nada más. Es válido, ¿no? Pasarla bien una noche, sin prejuicios de por medio. ¿O por qué no podría uno salir a echarse una ranchera, luego bailar algo indie seguido de un dancehall y finalmente disfrutar una de Maná?”. Andrés segunda a su colega: “Y no es que pretendamos apropiarnos de otras culturas. Lo que queremos es generar espacios donde sea posible existir en armonía. Crear brechas entre unos y otros es una actitud muy juvenil, todos pasamos por ahí cuando teníamos 14 años de edad, pero eso debe quedar atrás”. Al final, es FatSuggar Daddy quien remata: “se están rompiendo esquemas, ¿es tan difícil notarlo? Ya no hay géneros. Ya no hay rock, reggae o cumbia, al menos en Latinoamérica. Ahora todos somos latinos, y eso es lo único que importa”.

NOISEY: Cuenten más de Bogotá, ¿qué fue de aquel ambiente violento que caracterizó a la ciudad hace años? ¿Será que justo esa hostilidad hizo que el sonido de J Balvin naciera?
Andrés Shaq: Cualquier ciudad de Latinoamérica es así de peligrosa. De lo que se trata es de no meterse en la calle equivocada a la hora incorrecta. De cualquier manera, en general, la seguridad ha mejorado un montón y sí, traemos un lastre de tres décadas de narcotráfico y violencia que ha creado una imagen un tanto exótica de lo que es Colombia.

FatSuggar Daddy: Y tú lo has dicho. De ahí viene uno de los artistas pop más grandes del momento, J Balvin. Yo pienso que ese proceso de violencia que Colombia vivió hizo que existiera una necesidad muy clara de escapar de la realidad, y eso se consiguió con la música. En realidad renacimos haciendo música. Hoy día hay mucha música marginal apoderándose del gusto masivo, la música de las zonas conflictivas está ganando terreno. Hace veinte años oías a Aterciopelados y a dos bandas más de Colombia. Ahora somos muchos. Cuéntalos: Bomba Estéreo, Systema Solar, ChocQuibTown, J Balvin, Maluma.

¿Qué lugar ocupan ustedes en ese listado?
Mike Styles: Bueno, en realidad hemos operado como un canal de amplificación para la música de todos ellos. Nosotros, como El Freaky, ponemos la música de todos ellos y, lo mejor: esto pasa a lo largo de una sola noche. Luego nos encontramos con esa gente en otras partes del mundo. Es chévere ver a un colombiano triunfando en Asia o Europa. Está cool.

El Freaky apela a la unión de Latinoamérica con la música como pretexto, ¿a qué atribuyen que algunos sectores sigan reticentes a ello?
Andrés Shaq: Hay una época de tu vida donde resulta primordial desarrollar una personalidad, y para lograrlo a veces es necesario reprimirse. Eso ocurre cuando uno es joven. Pero conforme pasa el tiempo se descubre que hay mucha música, hartos sonidos que no se pueden ignorar. Por ejemplo, en nuestras fiestas ponemos hip hop con la misma frecuencia que cumbia porque ambos géneros poseen una carga emocional profunda. Hace poco hicimos un remix de “El pasito perrón”, y cuando fuimos a tocar al EDC en México, en 2017, se lo dimos a los de Major Lazer, justamente una noche antes de que ellos se presentaran ahí mismo. Bueno, pues qué pasó, que terminaron poniéndola. Fue una apropiación chévere, porque finalmente se trata de gozar la música, venga de donde venga. Disfrutar, bailar y cantar.

Mike Styles: Al comienzo uno quiere hacerse el exquisito y se encierra en su mundo, pero conforme ves la big picture te das cuenta de que entre más compartes más lejos llegas. Mucha gente decía “No, ¿cómo es posible que a Major Lazer le guste 'El pasito perrón'?”. Pero, ¿por qué no? Como latinos debemos llegar mucho más lejos que eso. Ahora tienes a J Balvin teniendo presencia mundial, pero ¿qué tal si conseguimos que haya otros diez como él, diez latinos más con ese grado de éxito? Entonces ya podría el mundo hablar de que existe un movimiento. Esto no debe parar. Algo similar a lo de Major Lazer nos pasó con nuestro remix de la cumbia “Festival en Guararé”, un tema que de pronto también han puesto los productores de Diplo.

En ese sentido, ¿qué pasa en Bogotá, la gente está echando a la basura las barreras?
Mike Styles: Hace años comenzó a suceder, cuando de pronto nació un punto de encuentro, un espacio donde podían convivir metaleros, rockeros, hardcoreros y hiphoperos: la rumba reggae. Cuando había una fiesta donde se ponía reggae, todas esa sub culturas se encontraban y la pasaban bien. Paz, reggae, amor y rumba. Era fabuloso, porque mientras esas reuniones duraban se abría un paréntesis para que ya luego cada quien volviera a su rock, a su rap y a su hardcore. Tenemos una canción donde hablamos un poco de eso, ahí mezclamos cumbia con dembow y además le metemos una letra que dice: soy un rockero cucho al que le gusta lo moderno.

Lo moderno. Platiquen de Diablo, ¿cómo viene, a qué suena, por qué ese título?
FatSuggar Daddy: Serán diez canciones producidas por nosotros mismos y se va a tratar de nuestro primer disco con un sello trasnacional. Al dejar la independencia nos volvimos más profesionales, aprendimos a colaborar con más gente. Por ejemplo, “NMF” está hecha con Afro Bros, pero también trabajamos con otros, como Slow Mike y Walshy Fire.

Andrés Shaq: Juanes toca un par de veces la guitarra en el disco y además hay algunos hip hops bien contestatarios, como “Be happy” (con Akapellah, Slow Mike de ChocQuibTown, y Nicolae Fella de LosPetitFellas). Por otro lado hay colaboraciones con Aldo de Los Aldeanos de Cuba y Apache Lee. Esta vez buscamos hacer canciones de apoyo a los latinos, a quienes fuera de su país luchan día a día.

FatSuggar Daddy: Respecto al título del álbum, a la hora de conceptualizar su narración lírica -porque en cuanto géneros musicales era imposible hacer algo parecido-, pensábamos en el carnaval, en la fiesta de la carne, y notamos que la figura del diablo se replica en muchas culturas latinoamericanas. Así que hablamos del diablo como un ser pícaro, un ente que se aburre de pasársela en el infierno escuchando metal y decide subir a la tierra a perrear, hasta donde es perseguido por sus adeptos del infierno.

Mike Styles: ¿Qué es más rocker que una fiesta salvaje? Porque hablábamos de dejar los radicalismos, ¿no? Bueno, pues qué mejor ejemplo que encontrarse con un metalero que decide salir de rumba para mover el esqueleto. Con El Freaky es posible pasar la noche perreando sin complejos y al otro día levantarte bien temprano a seguir escuchando a Rage Against the Machine.

¿Les gusta que se califique a El Freaky como global bass?
FatSuggar Daddy: No nos preocupa si se considera que el global bass no es un género musical, sino una forma de explotar las músicas marginales, las que vienen de los barrios. Una categoría que nos define podría ser esa, porque el global bass genera fiesta. Es más chévere que nos digan que somos eso a que, no sé, nos tachen de alternativos, EDM o indies. De nueve años que llevamos de carrera hemos pasado cinco de gira, conociendo a gente similar a nosotros. Formamos parte de un circuito muy grande donde entra Branko, Toy Selectah, los de NAAFI y muchos otros. Y todos tenemos un punto de común: eso que algunos llaman global bass. El apodo no nos incomoda porque simboliza movimiento, fiesta.

Oigan, y en México ustedes han encontrado alguna “música marginal, de barrio” a la cual explotar?
FatSuggar Daddy: Hay un fenómeno que nos gusta especialmente, el de los sonideros. Es música marginal, pero fíjate, esa gente toca música nuestra, música colombiana que cruzó fronteras y llegó hasta México. Para nosotros, descubrir que los mexicanos se apropiaron de esa música es como cuando uno descuida una novia y al otro día se da cuenta de que el que se la llevó la trata bien. Eso, pues da gusto. Pero así como los mexicanos se llevaron la cumbia colombiana para sus sonideros, nosotros tenemos décadas escuchando música ranchera.

Andrés Shaq: Allá las rancheras son algo serio. Tenemos una calle en Bogotá donde uno va exclusivamente a escuchar mariachis, ¿qué te vas a imaginar?

FatSuggar Daddy: Incluso hay una telenovela colombiana muy popular. Se llama La hija del mariachi.

¿Ah, sí? Y qué, ¿está buena?
FatSuggar Daddy: No, pues para qué miento, la verdad es que nunca le he visto.

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El Pinche Mara: El rock urbano es la influencia de mi rap cholo

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Una de las puntas más afiladas en la tarea de romper el velo de prejuicios que han permitido el paso del cholismo a la escena principal del hip hop en México es el Pinche Mara. Evangelista total del manifiesto malandro para las nuevas generaciones, heredando los principios de Cruzito y Paco a través de un sonido denso difícil de tragar con la pajilla, el rapero yucateco se ha hecho de un nombre con base en clicks y plays, sobre todo en YouTube.

Sus rolas son una constante en tendencias, pero también en desmadres de banqueta, acompañadas de un toque en una mano y una caguama en la otra. Chillin’ en los bloques de todo el país.

Casi medio año después de lanzar Cárcel, Hospital o Cementerio, el Mara (nombre señito-friendly que adoptó desde hace algunos meses), ha decidido ponerle otro capítulo más a su saga personal con un nuevo LP, del cual ya estrenó dos temas: "Tienes que alejarte" y "Las manos en el toque" en donde dio prueba una vez más de su habilidad innata para atacar beats con la energía de un pitbull.

Ahora presentamos otro de los once temas que conforman Alambre de Púas. "King Kong" es un trap como granada para doblar las rodillas y poner el abdomen encima de la mesa, con el grito zombie de fiesta que caracteriza a El Mara. Prepárate para el lanzamiento de su cuarto disco este viernes escuchando "King Kong", y checa la charla que tuvimos con él desde Guadalajara.

NOISEY: ¿En qué has andado los últimos meses? Te hemos visto en varios lados. Armando colaboraciones, grabando en el estudio, soltando videos.
El Mara: Hemos estado trabajando mucho en mi nuevo disco, desde hace unos seis, siete meses. He andado trabajando mucho con Juvera, que es otra parte importante del Mara, dándole a la chinga entre los dos, trabajando mucho las ideas. También hemos andado en colaboraciones con muchos carnales. Con el Remik, con Hot Spanish, con el Go Golden, con mucha banda. Hemos andado en mucho movimiento, entre los estudios, andar consiguiendo los beats para que todo salga al cien.

Siempre has mantenido tu esencia callejera, obscura, aunque has logrado llevarla ya a otra dimensión, a planos más relevantes. ¿Cómo te sientes en ese nivel?
Me siento bien, pero creo que todavía no llego a ser esa persona que uno de chico quiere ser, pero ahí voy. Hemos tenido siempre una imagen medio hardcore, rolas medio hardcore, y hemos intentado seguir haciendo la misma música pero a lo mejor con un estilo más tranquilo, algo que sea más versátil. Hemos intentado ser más versátiles en todo, en audio, en los videos, en las ideas, que ya no sean cosas tan locochonas, sin dejar de perder el estilo.

Tu público también ha sido siempre bien real, muy old school. ¿Cómo has intentado balancear las dos cosas? Entre los que te piden seguir con ese sonido espeso con el que te diste a conocer, pero también con los que te piden algo más fresco, cercano a las tendencias actuales.
La gente siempre va a opinar de tu música de manera distinta, y es parte de, finalmente ellos son los que califican y consumen el trabajo de uno. Pero, pues al menos en mi caso yo nunca dejo de hacer lo que me lata. Me piden hacer rap, y hacer rap, y hacer rap, pero si no tengo ganas de hacer rap, si no me late hacer una rola de rap, si no tengo ese sentimiento, no voy a escribir algo que no tenga sentido. No quiero escribir por escribir. Cuando me nace hacerlo lo hago, cuando me late trap pues trap, y cuando quiero rap pues rap. Y sí es cierto que puede caerte una mala racha por algo que a lo mejor o les gustó, pero el público se balancea y al final varios lo entienden, como sea nunca vas a tener a todos conformes. Simplemente es cosa de intentar tener contentos a los más posibles. También por empezar a hacer más trap he podido jalar más público cercano a ese sonido.

¿De dónde heredaste el sonido del trap de manera particular? ¿De quién lo escuchas? ¿Cómo nutres tu música a partir de otros actos?
La neta te voy a contar algo que pocos saben, pero a mí me gusta el rock. El Tri, el Haragán.

A huevo, rock urbano.
Ajá, trato de agarrarme de ese flow de rock mexicano.

Igual de ahí es de donde heredas todo este rollo de ser un personaje muy enérgico ¿no? De andar siempre bien prendidote y al cien, un poco como Alex Lora o Toño Lira, por recordar a algunos.
Simón, pues ese rollo más pesadote, más hardcore. Pero en sí muchos se quejan y dicen ‘¿por qué haces trap?’ y acá. ¿Yo por qué no hago rock? Porque el rock no viene de la familia del rap, el trap sí, es una forma moderna del rap y por eso me interesó clavarme en él y hacerlo.

Seguro algo que te preguntan mucho pero de lo que no hay una explicación muy clara, es lo del porqué le quitaste el prefijo de ‘Pinche’ a tu nombre artístico. ¿Representó un cambio en tu personaje o más bien obedece a un rollo de mercado y ya?
Pues fue eso, como enderezar el nombre. Si le quitáramos Mara y lo dejáramos en Pinche, es una onda sin sentido. Pero pensamos que el nombre estaba muy largo y aparte en YouTube teníamos dos tres problemas por eso del Pinche. Y ya, pensamos que si le dejábamos Mara nomás sonaba chido. Porque Pinche alaragaba el nombre, y aparte lo interpretaban como un insulto. Pero igual, me siguen diciendo ‘el Pinche Mara’ y nada, por mí está chido, en redes sociales ahí si hicimos el cambio a Mara.

Un poco lo que veo ahora es que el rollo del cholo, del malandro, se está convirtiendo en un pedo bien trendy. ¿Estamos en la época en que los cholos dominan al mundo, al menos a nivel música?
No, yo creo que muchos artistas ni son cholos ni nada. Yo, personalmente, a veces me visto normal, a veces bien tumbado, simplemente tengo una vida bien locochona de la cual no me arrepiento, pero no me gustaría repetir. Y ya un panto no siento que me haga y me simbolice, mi color lo tengo en el corazón carnal. Yo sé que para estar haciendo música no puedo estar en un ambiente muy cholo, con broncas y cosas así. Pero en realidad siento que la época de los cholos se apagó un poco más bien, precisamente porque surgió el trap y ya tienen un estilo muy distinto, más moderno.

Entonces sientes que a lo mejor ha dejado de ser un rollo “real”.
No, no tanto que no sea real, al contrario. Creo que los cholos que son cholos lo han demostrado ante todo. Y aunque pase de moda o no van a seguir siendo cholos, manteniendo ese estilo de vida…

Platícame un poco de Alambre de Púas.
Alambre de Púas es un disco con 11 temas. Tengo unas 500 canciones grabadas, y de esas escogí 11. Canciones de hace uno o dos años que grabé con mi carnal el Kapu de acá de Guadalajara, con el que he pasado muchos desmadres y cosas chidas, y quería tener en el disco también una rola con él que ya tengo y está lista dentro de los 11 temas. Tengo también una colaboración por ahí con otro compa de acá de Guadalajara que se llama Elder el Futurístico, tiene muy buena voz el vato, canta muy chingón. Hay gente que se merece la oportunidad, y hay gente que pues la neta no. Este vato se ha aferrado y tiene buena voz, pero muchos no lo toman en cuenta y siento que no debería ser así, confío mucho en ese feat…

Eso es algo que también habla muy bien de tu proyecto. Que siempre andas intentando pasarle el mic a talentos que todavía andan más escondidos ¿no?
Sí, la neta es algo chido, porque a uno nadie le ayuda. Y aunque uno no puede ayudar a todos, de vez en cuando está chido echarle la mano a los otros.

¿Qué otras colabos tienes en el disco?
Hay por ahí un feat con el Go y con Adán Cruz, es una de las rolas en las que confío mucho. No sé si sea la mejor, pero confío mucho en ella. Ese beat tiene su historia, fui al DF a grabarla y pues ya la tenemos, quedó bien chida. Y pues ya, en general solo es cosa de esperar a que llegue el día para soltarlo.

¿Por qué Alambre de Púas?
Alambre de Púas tiene rolas locochonas, tiene rolas tristonas, y yo le puse ese nombre por el significado. Llegar a este momento, a grabar mi cuarto disco no fue tan fácil. No fueron tantas sonrisas, ni tanta alegría. También han habido muchos dolores, muchas tristezas, muchas cosas que me lastimaron. Pero tienen que haber muchos sentimientos para grabar las doce rolas, y fue una chinga. A pesar de todos los desmadres, a pesar de que me duele un chingo, pues ahí está mi disco.

¿Cómo sientes haber cambiado de hace cinco años que sacaste tus primeros materiales a la fecha?
Pues mi primer disco lo grabé aquí, con el equipo, con el Juvera y con la gente que me ha estado apoyando. Más que nada me siento bien, más como persona que como rapero. Por cumplir metas que desde morro me puse, porque muchos quisieran estar en el lugar en el que estoy a pesar de que puede no ser el mejor, pero aún así tengo que aprovecharlo. Tengo que hacerlo por mi familia, por mi mamá, por mi papá, por todos los que algún día me hicieron daño, por los que no creyeron en mí. Jamás tuve que vengarme de ellos ni nada por el estilo. Ese es mi éxito ¿sabes?

En cuanto a sonido, ¿podemos esperar algo variadito en Alambre de Púas?
Claro, va a haber trap, va a haber rap, va a haber sentimientos, va a haber desamor. Esas once rolitas vienen bien chidas, bien producidas, bien hechas. Producidas por mi compa el Elder, y ojalá les guste.

¿A dónde te gustaría que te llevara Alambre de Púas?
Con el disco me gustaría hacer unas tocadas, es lo que ando organizando con el Juvera. Hubo un tiempo donde no andaba haciendo giras, no porque no llegaran contratos ni eso, sino que no me sentía bien para salir. Pero ya este año yo creo que sí. Tenemos por ahí una firma de autógrafos, y de ahí adelante nos seguiremos.

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Se dio a conocer la causa de muerte de Vinnie Paul

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En Las Vegas, Nevada, el pasado 22 de junio murió Vinnie Paul, baterista de heavy metal que hizo parte de agrupaciones como Pantera, Damageplan y Hellyeah. Según los reportes oficiales que dio a conocer Las Vegas Review Journal, al músico de 54 años lo encontraron en su apartamento tras una llamada al departamento de policía. Los oficiales que atendieron la emergencia no llamaron a la oficina de homicidios, sino al departamento de medicina forense, ya que parecía una muerte de causa natural, no violenta, según la vocera de la policía Laura Meltzer.

Los dictámenes de la medicina forense de County Park del 27 de agosto divulgados por KNTV confirmaron que la causa del deceso del baterista fue una miocardiopatía dilatada. Esto significa que el corazón crece de una manera anómala que le impide bombear la sangre a todo el cuerpo. Además, al cuerpo de Vinnie Paul se le vio la enfermedad de la arteria coronaria en la autopsia, que es el acumulamiento de grasa en las arterias que dificulta el flujo sanguíneo.

Vinnie Paul se encuentra enterrado al lado de Darrell “Dimebag” Abbott, su hermano, y Carolyne, su madre en Arlington, Tarrant County, Texas. Hoy lo recordamos con uno de los éxitos de Pantera dándole una despedida y buen viaje.

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El Red Bull Music Festival Santiago será una de las fiestas del año en América Latina

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El Red Bull Music Festival es un evento que sucede varias veces al año en diferentes ciudades del mundo como un escaparate para disfrutar de algunas de las propuestas más frescas de la música en la actualidad, con un toque de localidad en su curaduría y el ojo siempre cuidado de Red Bull Music. Y del miércoles 24 al domingo 28 de octubre, las calles de Santiago serán testigo de esta fiesta, que sucede por primera vez en Chile, después de que este año pasara por ciudades como Nueva York, Viena y Johannesburgo y luego vaya a Berlín, Moscú, Sao Paulo, Paris, Tokio y Oslo, entre otras, y con artistas como Robyn, Fever Ray, Egyptian Lover, John Maus, Kruder & Dorfmeister y más.


HASTA ABAJO @ HAVANA SALSA

Talento: MC Bin Laden, Deltatron, Riobamba/Uproot Andy, Tomasa Del Real
Miércoles 24 de octubre
Locación: Havana Salsa (Dominica 142, Recoleta)
Horario: 22:00 hrs
$ 10.000


THEATRONICS @ TEATRO COUSIÑO

Talento: Jessy Lanza - Suzanne Ciani + Kinética
Jueves 25 de octubre
Locación: Teatro Cousiño (San Ignacio de Loyola 1249, Santiago)
Horario: 20:00 hrs
$ 12.000


30 AÑOS DE RAP CHILENO @ TEATRO CAUPOLICÁN
Más de 3 horas de música junto a Tiro de Gracia, La Pozze Latina, Portavoz, Tapia Rabia Jackson + Zaturno, Liricistas, DeKiruza, Movimiento Original y más
Viernes 26 de octubre
Locación: Teatro Caupolicán (San Diego 850, Santiago)
Horario: 20:00 hrs
$ 10.000


BARRIO MÍO @ BARRIO YUNGAY
Cinco casas activadas por los sellos Discos Pegaos, Panal, Lunar Tapes, Cazería Cazador, Diamante
Sábado 27 de octubre
Locación: Barrio Yungay
Horario: 16:00 - 21.00 hrs
Evento gratuito


RAVE DE REYES @ CENTRO PERRERA ARTE
Jimmy Edgar, rRoxymore, Valesuchi, Ale Paz
Sábado 27 de octubre
Locación: Perrera Arte (Parque de Los Reyes, Quinta Normal)
Horario: 22:00 hrs
$ 12.000


SONIDOS LATINOS @ PARQUE FLUVIAL RENATO POBLETE

Señor Coconut, Plastilina Mosh, BaianaSystem, Pedropiedra
Domingo 28 de octubre
Locación: Parque Fluvial Renato Poblete
Horario: 15:00 hrs
$ 15.000

Con fiestas dedicadas a casi todos los nichos de la música popular, el festival promete ser una de las apuestas más completas para el resto del año en América Latina.

Las entradas para los diferentes shows del Red Bull Music Festival Santiago ya están a la venta, a través del sistema Ticketek. Y toda la información de los eventos y venta de entradas, la puedes encontrar aquí. Abajo te desglosamos la info por cada día, y después te dejamos el video oficial del Festival.

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