Los días alocados donde Disclosure te ponía a bailar desenfrenadamente con tracks como “When A Fire Starts To Burn” parece que han quedado en el pasado. Ahora, el dúo británico está enfocado en hacerte pasar un rato más relax, pues ellos mismos se han echado unos tuitazos diciendo que están obsesionados con varios grupos de jazz acapella.
“Where Angels Fear To Tread” samplea la canción “Fools Rush In” de The Four Freshmen, que dicho sea de paso, también fue covereada por grandes como Elvis o el mismísimo Frank Sinatra. Hace unas horas los hermanos Lawrence también lanzaron “Moonlight”, otro hit con sampleos de grupos acapella de jazz.
Hace dos años, Young Thug visitó a Elton John en su casa en Atlanta, Georgia. No fue ninguna sorpresa: Sir John había dicho ya que ama el trabajo de Young Thug, pero todo el asunto es más real de lo que parecía. Los dos intercambiaron cumplidos y posaron para una genial foto antes de que la entonces manager de Thugger, Amina Diop, generó expectativas en todo el mundo hablando de una colaboración inesperada. John había enviado una versión instrumental de "Rocket Man", dijo Diop. Young Thug había grabado su voz encima.
"Es toda la instrumental, la guitarra, el piano, y Thug no rapea, canta", le dijo una fuente a The Fader. "Es realmente ambient y asombrosa".
Y luego pum, nada. John comenzó a escribir la partitura para la adaptación de Broadway de The Devil Wears Prada antes de anunciar su gira de retiro. Young Thug lanzó Slime Season 3 y Jeffery and Beautiful Thugger Girls y otro puñado de mixtapes y EPs genéricos, pero nada de "Rocket Man".
Hasta la noche de ayer lunes 20 de agosto, cuando la canción se filtró en SoundCloud. Es un triunfo que flota delicado, y destruye ideas preconcebidas y estereotipos, un estallido musical crossover de tres minutos de ciencia ficción trap glam que debería ser un éxito global para el resto del año. La voz de Sir John todavía está allí, pero Thug se escapa con el trofeo en esta ocasión. Su voz es flexible y hábil; está por encima de la mezcla. Es una joya y deberías escucharla ya.
Sandro de América salió de Argentina para convertirse en un precursor de la balada latinoamericana. En sus logros hay 52 álbumes, 16 películas, presentaciones alrededor del mundo, haber sido el primer latino en presentarse en el Madison Square Garden de Nueva York y es uno de los artistas más reconocidos e influyentes de nuestra región.
Los Fabulosos Cadillacs, Andrés Calamaro, Bersuit Vergarabat, de Argentina; Molotov de México; Aterciopelados de Colombia; José Luis “El Puma” Rodríguez y Ricardo Montaner de Venuezuela; Dharío Primero de República Dominicana; son algunos de los artistas que han hecho versiones a temas de Sandro. Pero además, los músicos en el hip hop también han sampleado su música, y recorreremos algunos ejemplos en esta nota.
Entre los palmares del gitano está el Grammy Latino a la trayectoria que ganó en 2005. La revista Rolling Stone hizo un ranking con los 100 mejores temas del rock argentino, y su canción "Tengo" estuvo en el puesto número 15. Sandro depuró un estilo de baile con sensualidad, que despertaba un frenesí parecido al que generaba Elvis. El Elvis Latino. Aunque sus estilos de música y baile no son parecidos. Tenía actitud de hombre de barrio que sabe lo que es la lucha cotidiana de la persona común. Ímpetu de quien se rebela ante los conceptos que intentan delinear el destino de las personas.
Mucho antes que Justin Bieber generara el fenómeno de las beliebers, Sandro tenía a “Las Nenas” (dejaremos interpretaciones patológicas de lado). Eran señoras que tenían su fanatismo intacto desde la década de 1960 o más tarde; mujeres jóvenes que heredaron la pasión (como pasa con el fútbol) de sus madres o abuelas.
Cada 19 de agosto, Las Nenas iban hasta la localidad de Banfield para realizar una vigilia por el cumpleaños de su ídolo. Dejaban regalos como si fueran ofrendas: ramos de flores, cartas.
Monte Grande, donde yo vivo, no queda lejos de Banfield. Están en el mismo ranal del Ferrocarril Roca, que va hasta el sur del conurbano de Buenos Aires. Cuando estaba en la secundaria, me pasó una vez que venía en el tren hacia mi casa y en Banfield subió una compañera del colegio con su madre y su abuela, tenían una bandana fiestera atada en la frente. "¿De dónde vienen?" "Del cumpleaños de Sandro", me respondieron las tres, casi a la vez, embelesadas por la mística del gitano.
Abundan anécdotas como esas: Altares con velas y sahumerios en comedores hogareños. Gente que entró al quirófano con una foto suya como amuleto. Personas que se llaman Sandro o Sandra porque su madre era fan, o su padre.
Ahora que acaba de ser el cumpleaños de esta leyenda, revisamos algunos ejemplos de artistas que samplearon su obra.
"Porque yo te amo" (1968)
Está canción es uno de los picos creativos, no solo de Sandro, sino del cancionero popular argentino. Los Fabulosos Cadillacs, El Puma Rodríguez y Juan Gabriel (en vivo) han hecho sus versiones.
Krs One - "I am There". El maestro y referente de la llamada época de oro del hip hop, KRS-One es el más importante ideólogo del hip hop como movimiento cultural. “I am there” está incluida en su octavo álbum, Life, del 2006.
Dj Signify - "Five leaves left (for Lauren)". Este DJ de Brooklyn, Nueva York, destiló la canción de Sandro en su ep de 2004 Winter's going, para lograr una oscuridad que logra acongojar y cautivar en la misma medida.
"Palabras viejas" (1969)
Esta canción abre el disco Sandro de América que sirvió como cimiento para la carrera que el argentino haría durante la década siguiente. Para varios, la más significativa y exitosa.
Brooklyn Academy - "The Last Passion" (producida por The Snowgoons). En 2008 la Brooklyn Academy Crew lanzó su placa Presents: Summer School. “The Last Passion” fue producida por el equipo de productores alemanes Snowgoons. quienes luego tomaron la voz del gitano para otro sample.
Snowgoons - "Ride On". En German Snow, los alemanes volvieron a trabajar con "Palabras viejas". En este caso con la colaboración de Defari, Nico Suave y Maylay Sparks. El trabajo fue también lanzado en 2008.
"Penas" (1968)
Esta canción viene en La Magia de Sandro. La canción más destacada de esa placa fue “Tengo”.
Prime con Slug de Atmosphere - “Lambslaughter”. El trio de productores de Chicago, Molemen, realizaron este beat. Molemen también fundaron una disquera del mismo nombre y son un referente del hip hop independiente y underground de la década pasada.
"Se te nota" (1970)
Esta canción pertenece a la banda sonora de Muchacho, una de las doce películas que protagonizó Sandro. Fue parte de su repertorio estable y una de sus canciones más populares. Cuando se presentó en Madison Square Garden, fue parte de su lista de temas.
Anita Tijoux - "Gol". La leyenda del rap latinoamericano utilizó “Se te nota” para el sample de “Gol”. El sencillo tiene el aporte de Julieta Venegas.
Una vez más, el Berlín Atonal regresa para enamorar a los fanáticos más puristas y exigentes del circuito electrónico global. El festival alemán, conocido por su mirada vanguardista a la hora de presentar lo último en experimentación sónica y proyectos audiovisuales, reunirá nuevamente a más de centenar de actos en el siempre imponente Kraftwerk, antigua planta eléctrica que solo abre sus puertas para el festín de avanzada.
Nombres como Actress, Helena Hauff, Veronica Vasicka, Lanark Artefax, además de presentaciones exclusivas de nombres alejados del ámbito tradicional de la música electrónica, serán la sustancia prima que nutra esta edición 2018 del Atonal, agendada para llevarse a cabo del 22 al 26 de agosto.
Durante cinco días, los más entusiastas, eruditos y puritanos del universo electrónico podrán disfrutar del festival perfecto que alguna vez han soñado en sus sueños más recónditos. Como es costumbre, en Noisey les dejamos una pequeña guía con cinco presentaciones –una por día– que consideramos imprescindibles en este Berlín Atonal 2018.
Lucrecia Dalt presenta Synclines
La artista experimental colombiana Lucrecia Dalt estará estrenando en el escenario principal su proyecto en vivo titulado Synclines, basado en las composiciones de Anticlines, su más reciente álbum publicado en Rvng Intl. El primer día del festival, a las seis de la tarde, los asistentes al Atonal serán testigos de cómo la riqueza melódica y la perversión pueden traer como resultado uno de los trabajos más sorprendentes del escenario experimental latinoamericano.
Neon Chambers (Kangding Ray + Sigha)
Raster-Noton, Our Circula Sound, Avian y Token son algunos de los sellos por los que David Letellier y James Shaw han dejado huella. Ahora, Kangding Ray y Sigha se juntan para presentar Neon Chambers, un proyecto colaborativo en el que el diseño sonoro y la experimentación inmersiva buscarán contagiar a todos los presentes en la noche del martes con las sensaciones más agudas del subconsciente.
British Murder Boys
British Murder Boys, el dúo compuesto por los veteranos del techno británico Surgeon y Regis, sin duda se pueden considerar uno de los actos más apetecidos del festival. Siento esta su primera presentación en territorio alemán en más de diez años, no hace falta escatimar en la brutalidad resonante que se pueda presenciar en la noche del viernes en el Kraftwerk, gracias a Karl O'Connor y Anthony Child.
Kolorit (Lowtec + Kassem Mosse)
Dos grandes del sello alemán Workshop vuelven a juntarse para darle vida a un nuevo proyecto audiovisual nombrado Kolorit. Luego de aquel fantástico Workshop EP de 2010, Lowtec y Kassem Mosse han decidido volver a unir sus mentes brillantes para brindarle al público del Atonal un acto en vivo que promete engranarse en el corazón de todos los presentes.
Skee Mask + Objekt
A pesar de tener los proyectos audiovisuales y puestas en escena experimentales como su insumo principal, el Berlín Atonal ha decidido cerrar el domingo con dos grandes del ruedo electrónico actual. Skee Mask, el enigmático artista de Ilian Tape, y TJ Hertz, mejor conocido por todos como Objekt, despedirán esta edición 2018 del festival con una verdadera maratón de breakbeat, hardcore, ambient y techno que buscará quedar para la posteridad.
La primera vez que vi a Mondragón como banda fue en una fiesta de VAA en un patio de casa en la colonia Condesa de CDMX. Si no me equivoco, era una prefiesta del Nrmal. Lo que me llamó la atención fue la energía y estructura de los tracks que, por más sintético que fuese su sonido, la mayoría de los instrumentos eran tocados en vivo. De ahí, la presentación en el Friendstival le dio un impulso a su banda y a su carrera como solista: fue un show con visuales increíbles, una banda completa con todo y batería que iba de texturas shoegaze al noise, y todos los presentes nos quedamos anonadados.
A principios de este año, Edgar Mondragón lanzó su primera placa como solista, Alba. Más como juego de desestrés laboral que como algo lo suficientemente serio, y en búsqueda de sonidos que salían del formato en vivo como lo había venido trabajando. Su participación en Mutek fue el show en el que volteamos a ver a Edgar Mondragón como solista. El tratamiento musical y el set en vivo resultaron distintos de lo que hace con su banda. Aquí vimos a un Edgar en solitario jugando con su lap, controladores y, en ocasiones, su bajo, para complementarse con visuales que hacían de esta experiencia un viaje sensorial placentero.
El 17 de agosto Edgar Mondragón presentó su segundo EP titulado Pleamar, haciendo referencia a la marea cuando alcanza su punto más alto. Y vaya que los tracks hacen honor a este nombre, ya que se mueve tranquilo en sonidos que van del drone, al ambient y dream pop, pero teniendo puntos climáticos en el noise y el techno. Invitamos a Edgar Mondragón a que nos contara qué hay detrás de cada uno de los seis tracks que conforman el material. Checa lo que nos dijo.
1. "Levedad"
"Levedad" tiene como base un drone construido a partir de muchísimos sampleos de instrumentos de cuerdas como violines, violas, chelos, etc. Este drone es el ancla que permite al beat 4/4 y a múltiples grabaciones de campo relucir y darle forma al track.
2. "Lunas"
"Lunas" es un collage de sampleos: está la risa de Skull Kid de The Legend of Zelda Majora's Mask; la voz de Juan Rulfo leyendo "No oyes ladrar los perros"; una campana de "La Gran Belleza" de Sorrentino, que después de ser manipulada y procesada, se convirtió en una de las melodías principales del track.
Todo esto toma forma gracias al beat y al bajo, que fue realizado con un Korg Monologue.
3. "Solar"
"Solar" es el intento de trasladar una imagen a sonido. Esta imagen la vi la primera vez que entré a la CDMX de noche en un avión. Pasar de una total oscuridad a un monstruo infinitamente iluminado es algo que ha rondado mi cabeza siempre y traté de expresarlo en este track.
4. "Ser"
Como "Levedad", "Ser" también está construida sobre un drone. Este drone fue relizado con muchas grabaciones de campo de azoteas de la CDMX. Sobre eso se construyeron melodías muy nostálgicas con el Jupiter y el Juno de Roland, así como con sampleos de Julio Cortázar leyendo el capítulo 7 de Rayuela. Es el track que más guiños tiene al dream pop.
5. "Crisálida"
"Crisálida" surgió de un momento de obsesión que tuve con los instrumentos de viento/metal. Me puse a samplear muchos, usé muchos VST que simulaban este tipo de sonidos y con eso me puse a armar melodías y fraseos. La textura tan brillosa de esas ideas me ayudó a crear el beat del track, que sin planearlo, terminó siendo la más bailable del EP.
6. "Pleamar"
Este track es el cierre y el que le da nombre al EP. "Pleamar" engloba muy bien la nueva dirección que quiero tomar con esta etapa solista del proyecto: narrativas rotas, exploración sonora y drones densos, sin dejar de lado elementos más orgánicos como progresiones de acordes sencillas, líneas de bajo eléctrico sencillas y mucho reverb.
***
Pleamar hace guiños a influencias literarias, cinematográficas, audiovisuales y a artistas sonoros como Brian Eno o Burial. Todos los tracks fueron concebidos al inicio de Mondragón, tan solo para ser retomados en este momento y convertirse en esta pieza grabada por el mismo Edgar y masterizada y mezclada por Trillones en Mexicali, Baja California. El arte del álbum estuvo a cargo de Erik López, quien también forma parte de Mondragón en su formato full band.
Último día del festival. Quizás el primero para quienes no les interesaba nada en las dos jornadas anteriores. Quizás el tercero para quienes la ceremonia se debe vivir de principio a fin. En todo caso, la última etapa de un recorrido musical que año tras año nos sacude, nos despierta, nos libera.
La gente se demoró en llegar, hay que decirlo. Ginger y los tóxicos, superbanda de ska punk bogotana con miembros de Triplex, Frente Cumbiero, Alerta y Hartos de estar Hartos, y Militantex de Medellín se pararon en tarima con una pequeña mancha de gente que se acercó a verlos. No por eso sus presentaciones fueron increíbles. La de los paisas abstracta y experimental, la de los capitalinos combativa y frentera.
Foto por: Pablo David |Noisey en Español
El Escenario Plaza recibió a lo largo de la jornada una fiesta de pata y puño al son de Sanpeceeste y Nadie, quienes a punta de punk fueron calentando una tarde pasada por una leve llovizna que se deshizo entrada la tarde. Paralelo a esto una auténtica eminencia del rocanrol se paró sobre el Escenario Lago pero no se llamaba Josh Homme o Dave Grohl y posiblemente por eso muy poca gente llegó a verlo. Se trató de Alain Johannes, el chileno-americano que ha trabajado con bandas como Queens Of The Stone Age, Arctic Monkeys o RCHP, por nombrar algunas... Con una presentación en formato de trío, nos dio en la cara con una cantidad de riffs elaborados y potentes sumados a su voz que fácilmente se podría confundir con la de alguna de esas grandes leyendas con las que ha hecho carrera en la música. Una presentación íntima donde nos pudimos ver frente a frente con una figura clave del rock mundial nacida en Sudamérica.
Mientras tanto, Liniker e os Caramelows desde Brasil dio una encantadora sorpresa con su reggae carioca y su bossanova fiestero, además de marcar un statement en toda la historia del festival convirtiéndose en la primera artista trans en tocar en una tarima del ya legendario Rock al Parque.
Foto: Sebastián López |Noisey en Español
Con el sol encima de centenares de cuerpos destilando sudor después de cada pogo, llegó Chico Trujillo y con ellos una descarga alegrona de la nueva cumbia de este lado del continente. Una fiesta cargada de color, una celebración a nuestra identidad latinoamericana que se sentía también en el Escenario Eco con La Chiva Gantiva y su bestial y enérgica descarga de folclor sudaca que se hermana con el world music y genera un corrientazo en todo el cuerpo imposible de evitar.
Mientras caía la tarde y llegaba la noche Rock al Parque, como es costumbre, nos puso en frente a una más de las leyendas de la música. Esta vez fue Lee Ranaldo. El guitarrista y cofundador de los míticos Sonic Youth nos llevó a un viaje en el tiempo con su proyecto solista en el que las atmósferas orgánicas de sus guitarras acústicas y esa voz de leyenda se sintieron como volver a los días del rock alternativo durante los ochenta y noventa. Un show emotivo con un mensaje contra la ultraderecha que se está tomando el poder del mundo y repleto de personas con camisetas con las icónicas portadas de los discos de Sonic Youth estampadas, además de muchos otros nostálgicos que se encontraron con la exquisitez de Ranaldo y los dos músicos que lo acompañaron en tarima.
Foto: Mateo Rueda |Noisey en Español
Y cuando la nostalgia se apoderaba de los seguidores más fieles a Ranaldo, también se hacía sentir en el escenario principal con Mojiganga, una de las bandas claves para la época dorada del ska colombiano. Mientras tanto, dos chicas, españolas, crudas y supremamente desenfrenadas, nos llevaban por una carretera sonora donde a veces era punk, a veces más grunge y a veces más hardcore nos dejaron su nombre grabado en la mente: Bala. Sin duda uno de los mejores descubrimientos de la jornada un power dúo femenino gigante, que tuvo a todo el mundo cabeceando y entregado a los golpes en el pecho que se sentían en cada tema.
6:30 p.m. y la luz apenas dejaba ver los rostros del río de gente que se había congregado para ver a unas auténticas leyendas del ska a nivel mundial. Con Tokyo Ska Paradise Orchestra regresaron a la mente los recuerdos de esa primera vez que un grupo japonés había llegado a nuestros oídos con canciones como “Skaravan”, “Pride Lions”, “Ska me crazy” o sus covers de “Eres” de Café Tacvba o “One step beyond”. Una fiesta absoluta que dejó satisfecho a todo el mundo.
Foto: Mateo Rueda |Noisey en Español
Detrás de los japoneses, en el Escenario Lago estaba sucediendo una de las cosas importantes que nos dejó este Rock al Parque y es que es necesario entender los contextos y momentos detrás de las bandas a la hora de apreciarlas en vivo. Puede que muchos hayan visto en SHIP a una banda con un cantante disminuído con los años y un parkinson encima. Jorge Barco y su grupo hicieron un show más que formidable, dándole su lugar en la historia al rock progresivo criollo y presentando ese material ochentero por el que son una banda de culto en la escena nacional. Compitieron por el público con nadie menos que la Tokyo Ska Paradise Orchestra (uno de los grandes animadores del evento) y aún así hordas de nostálgicos y curiosos se acercaron a ver el show impecable que se armaron a más de 35 años de ser formados y con solo dos miembros originales en tarima.
A solo horas de terminar el evento había todavía más por sorprenderse. Skampida, quienes también han sido piedra angular en la historia del ska capitalino, se montaron con todos los fierros a encontrarse con su público y en un acto absolutamente necesario por la coyuntura actual pidieron un minuto de ruido por los más de 300 líderes sociales asesinados mientras cada uno de sus nombres se iban desplegando por la pantalla.
Foto por: Pablo David G |Noisey en Español
Había que encontrar un momento para ser consciente de todo lo que estaba pasando. Cerrando el escenario Lago los alemanes de Kadavar fueron de las grandes apariciones del festival. Muchos curiosos llegaron sin mucha idea de con que se iban a encontrar y lo que se apareció en el escenario, fue algo así como un hijo bastardo entre Led Zeppelin y Black Sabbath, reencarnando ese rocanrol crudo de los setenta frente a sus ojos. Todavía no superamos lo que hicieron anoche Lupus, Mammut y Tiger, tres alemanes prácticamente desconocidos en Colombia que la descosieron en el festival más grande del país y que estamos seguros, acaban de crear una fan base local de tanta gente que nunca pensó ver algo así anoche, incluyéndonos. Y paralelo a este cierre, Descartes a Kant se fajó un show que no dejó de sorprender. Un performance teatral trágico y sublime en el que una escena del crimen de repente se convertía en una persecución policiaca con un noise distorsionado de fondo y una fusión de avant-garde experimental que nos introdujo en su mundo de visuales vintage y representaciones increíbles en tarima. Una banda que se llevó todo el amor de un público que probablemente las veía por primera vez y quedó cautivado.
Foto: Sebastián López |Noisey en Español
La estocada final a estos tres días de música visceral la dio Pennywise. La banda californiana con más de 30 años de trayectoria en el punk rock aterrizó por primera vez en Colombia para encontrarse con un público que celebró cada una de sus 18 intervenciones a lo largo de su presentación que arrancó algo tropezada, pero luego encontró el rumbo para iniciar una histeria masiva con temas como “Same old Story”, “Blitzkrieg Bop” de los Ramones, “Live While You Can”, “Fight for your Right” de Beastie Boys, “Fuck authority” y “Bro hymn”. Una noche cerrada con la energía necesaria para sobrevivir hasta una nueva edición del festival.
Y aquí estamos una vez más. Rendidos pero satisfechos. Con el retumbe de canciones que nos quedaron grabadas en la cabeza y los recuerdos aún frescos de lo que sucedió, una vez más, durante los tres días del festival gratuito más grande del continente, nuestra fiesta anual: Rock al Parque.
Ad portas de sus edición número 25, su primer cuarto de siglo y uno de esos momentos esperados y definitivos que marcarán la historia del evento, decidimos hacer nuestro acostumbrado balance de lo que pasó, lo bueno, lo no tan bueno y lo que vale la pena mejorar. Sobre todo esto, teniendo en cuenta el fiestón que se nos viene en el 2019.
Empecemos
Ganadores
La distribución del espacio
Foto: Mateo Rueda |Noisey en Español
Aunque para algunos pueda haberse “gomelizado” el festival por el hecho de incorporar zonas de descanso, hamacas y parchaderos, creemos que así como los públicos van creciendo, se van diversificando y van atrayendo a una nueva generación, así mismo el festival debe evolucionar y no tiene nada de malo que se transforme en pro de sus asistentes. Y bueno, no tener un trancón de gente en la zona de comidas estuvo pleno.
El público metalero
Foto por: Pablo David G |Noisey en Español
Y en general todo el público que asistió masivamente. A pesar de las acostumbradas críticas sobre el cartel, el público se está congregando, está apoyando y sintiendo nuevamente este festival como parte suya. Al público metalero hay que reconocerle que está ahí para no dejar morir la tradición y está obligando a que la industria musical y cultural se empiece a repensar para dar el siguiente paso.
Las apuestas musicales del extranjero
Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español
Es claro que los headliners son fundamentales para el público, pero este año hubo bandas como HMLTD Jupiter & Okwess, Kadavar, The Inspector Cluzo, Bala, Liniker, Chico Trujillo, Descartes a Kant, que la rompieron y que demostraron que está bien tomar riesgos, que la gente responde y que también parte del crecimiento de las audiencias es darles música nueva para descubrir en un lugar al que normalmente van por actos específicos. Las grandes sorpresas de este festival fueron justamente actos que no teníamos en el radar.
La diversidad
Foto por: Pablo David G |Noisey en Español
La bandera de la diversidad es algo que siempre estaremos orgullosos de ver izada y reflejada entre las tarimas. Nada más lindo que ser testigos de ese encuentro de culturas, de esas formas diferentes de ver la vida, de esas formas diferentes de vestirse unidas gracias a la música y respetándose entre sí porque esta es nuestra más fuerte resistencia.
Ship
Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español
Lo habíamos dicho y lo repetimos: Puede que muchos hayan visto en SHIP a una banda con un cantante disminuído con los años y un parkinson encima, pero Jorge Barco y su grupo hicieron un show más que formidable, dándole su lugar en la historia al rock progresivo criollo y presentando ese material ochentero por el que son una banda de culto en la escena nacional.
El clima
Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español
¡No llovió! Eso siempre hay que celebrarlo.
La resistencia
Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español
Fue increíble ver cómo bandas y público unieron sus voces, sus pensamientos, sus inconformidades en Rock al Parque. Las tarimas y las asistencias de más de 60.000 personas eran una oportunidad única en un momento de incertidumbre en el país. El reconocimiento de los líderes sociales asesinados, el llamado a unir la voz en causas como el aborto libre, las críticas al gobierno de acá y los del mundo. Varios gritos empoderados que celebramos porque en espacios donde podemos hacer eco a las causas sociales justas es necesario hacerlo.
Zona de emprendedores
Gran iniciativa. Visibilizar el trabajo de gente que le mete la ficha y no solamente darle espacio a las activaciones de grandes marcas es algo que aplaudimos.
Ojalá hayan vendido harto.
Perdedores
El perifoneo
Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español
Y no por sus gritos pasados de decibeles en el Escenario Plaza, por sus recomendaciones de no colarse en Transmilenio o sus mensajes de saludo del Alcalde Peñalosa que terminaban en rechiflas, sino por su falta de encontrar un momento adecuado para despedir las bandas. En momentos de euforia entre el público y la banda, a veces se cortaba abruptamente el sonido para que entrara la voz del anfitrión y no era chévere. Sabemos que todo se hace contrareloj, pero unos segunditos más de euforia no le retrasan el orden a nadie.
El público del tercer día al inicio del festival
Si bien las plazas estuvieron llenas al cierre de los tres días, el inicio, un poco más tempranero que las jornadas anteriores, no estuvo tan chévere. Bandas como Ginger y los Tóxicos y Militantex terminaron tocando frente a un número diminuto de gente. Por no madrugarle se perdieron de dos shows brutales.
El sonido
Foto por: Sebastián López |Noisey en Español
Sigue pasando que hay sobrecarga de los equipos, fallas en las plantas de luz, problemas con instrumentos y pues no es chévere 60.000 personas abucheando algo porque no salió bien, a ratos las pantallas quedaban en negro, no funcionaban los visuales, en fin. Es algo que se ha repetido y que no debería.
La gente que hizo más show por Pussy Riot que las mismas rusas en tarima
Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español
Hay que aclarar un par de cosas para aquellos que salieron emputados a atacar la presentación del Colectivo en redes sociales.
Que si Pussy Riot se presentó el mismo día en Edimburgo y en Rock al Parque: Sí, lo hizo porque Pussy Riot no es una banda sino un colectivo del que hacen parte muchas personas.
Que fue una estafa y cualquiera se pudo poner una máscara y subirse a cantar: Ellas mismas lo dijeron en su presentación al otro lado del charco y en sus redes sociales: “No existe tal cosa como un Pussy Riot real, cualquiera puede ser un Pussy Riot”. Aparte la presentación en Colombia fue con Nadia Tolokónnikova una de sus figuras visibles más importante desde los inicios.
Nadie en Edimburgo se estuvo quejando de lo mismo que berrearon acá. ¿Será porque allá si se entiende lo que es un Colectivo?
Que “eso era una electrónica toda asquerosa y queríamos punk y rock”. Amigos, estamos dejando de lado lo importante, el discurso, el show y el hackeo que estuvieron presentando en el festival pudo haber sido en música ranchera y hubiese sido el mismo.
Que mucho playback: Sí.
Los puntos de hidratación que se acabaron temprano
Foto por: Mateo Rueda |Noisey en Español
Como dicen por ahí: Muy rico, pero muy poquito.
Los desmayados
Sobre todo para estos pobres personajes que atrapados entre la multitud se bajoniaron, hubiera sido bueno tener más puntos donde echarse aguita y pasar la pálida.
No contar con Échele Cabeza en el evento más masivo del año
Amigos del distrito, el consumo responsable y la educación social alrededor del mismo no puede ser solo un privilegio de la gente que va a los festivales privados. La falta de agua, los desmayos, y lo que logra colarse al festival puede tener un final muy diferente con testeos y consciencia en la gente sobre lo que se están metiendo. Recuerden: No es incentivar el consumo, es tratarlo de una manera adecuada.
Los ladrones
Se nos siguen colando señor agente.
Sugerencia
El Escenario ECO
Foto por: Sebastián López |Noisey en Español
En los últimos años hemos visto actos increíbles en la tarima más pequeña del festival. Y así mismo hemos visto su crecimiento. Tenemos que dejar de pensar en este lugar como algo de paso, como música ambiente mientras la gente va a las tarimas grandes. Estamos desaprovechando el potencial de este espacio y hay que pensar en que la apuesta curatorial esté a la altura y se piense este como un escenario igual de importante. El tema del sonido hay que pulirlo, el tema del acceso a prensa (para los fotógrafos, no para la farándula) hay que pensarlo, el tema de acceso a personas con discapacidad, en fin, es una sugerencia.
Nunca supe qué odio más: si el maldito reggaetón, o ese cáncer de Colombia que se llama corrupción…
Con esta frase, el periodista y youtuber colombiano Daniel Samper Ospina da comienzo a la primera canción de reggaetón en contra de la corrupción en la historia del género urbano. Por más rimbombante que suene, y por más que parezca la típica frase de cliché reggaetonera usada por Wisin & Yandel con el pasar de los años, "El reguetón de la corrupción" se ha viralizado por cuanta red social haya pasado en las últimas 24 horas.
Samper, al mejor estilo de "Mayor que yo", ha reunido a todo un dream team de senadores para cantarle al ritmo del dembow al eterno maleficio del cohecho politiquero colombiano. Antanas Mockus, Claudia López, Angélica Lozano, Jorge Robledo, Antonio Navarro, Rodrigo Lara y Luis Fernando Velasco conforman este junte para la historia, el cual también secundan las youtubers Paulette, La Mafe Méndez y Alejo Suárez.
"Me quedo con Daddy Yankee, pero nunca con Gerlein / excongresista dormido que criticaba a los gays", tira Angélica Lozano en el clímax de la canción, mientras que el exalcalde de Bogotá, Antanas Mockus, sentencia –llevando puesta la camiseta de Vibras de J Balvin– que "prefiere a Nicky Jam, antes que a Aída Merlano / dicen que compraba votos, eso es peor que mostrar el…".
"El reguetón de la corrupción" se publica unos días antes de la Consulta Anticorrupción, una votación popular agendada en Colombia para el domingo 26 de agosto, con la cual se busca derrotar a los corruptos y someter a la clase política al control de la ciudadanía.
Un psiconauta ataviado en su uniforme para combatir malos viajes, descansando en el cofre de su trocka blanca con el paisaje marciano de fondo y una bebida posiblemente poco energética en su mano, mientras rapea ese evangelio íntimo de la biografía personal y reafirma su papel en el juego del rap como una de sus nuevas voces más carismáticas. El nuevo tema de Guzmán Uve es un blunt de sativa en la boca mientras das el rol en la playa, con un beat que invade tus sentidos como cascada purificadora, y un sampleo vocal de Jay-Z en el hook como confirmación de la vocación bissnero-rapera, que es un poco de lo que va "U.F.O".
Antes escrito como Gxn Uve, ahora con el mucho más amigable Guzmán Uve, este MC de Playa del Carme recientemente mudado a vivir a Ciudad de México está de regreso con un lyric video que inaugura un nuevo ciclo discográfico, después de que hace dos años entregara uno de los discos clave en el siempre jabonoso entramado del hip hop independiente en español, Dvkotv (Cortes de un verano efímero), del cual fuimos devotos en Noisey desde el día cero. Guzmán se mudó a CDMX en 2018 para trabajar de lleno en el equipo de Pizzatánicos y Lng/SHT, con quienes tiene una relación de amistad de muchos años y son parte del mismo semillero rapper de la Riviera Maya y su nuevo disco se llamará Los expedientes M.
Clávate abajo en este delicioso bombón musical en forma de lyryc video y lee después lo que nos dijo Guzmán sobre su nueva etapa, su nuevo tema, su nuevo disco, pero mismo estilo aplastante, moreno y relax a full.
NOISEY: Estás en una nueva etapa de tu vida, ahora formas parte de un equipo formal y te mudaste de ciudad. Cuéntanos todo ese proceso y cómo te sientes. Guzmán Uve: Esta bien increíble pensar que todo cambió de la noche a la mañana. Si bien ya tenia esta idea en la cabeza, e incluso una propuesta de trabajo sobre la mesa, bastó una llamada en un domingo, para tenerme al viernes siguiente en un avión y con maletas hechas para no regresar. Esta oportunidad me ha dejado adentrarme a un mundo de posibilidades que ya estaban establecidas, pero que nunca pensé que se harían realidad. Es bonito recordar que hace unos meses/años debatíamos en casa formas de cómo lograr una firma, establecer un buen show, un buen disco, o sentirnos satisfechos por primera vez con los resultados de algo que creáramos. Y fue justo en este proceso de mudanza cuando todo eso empezó a suceder.
Lo más irónico es que me siento como en casa a diario porque mi nueva familia esta conformada por gente que conocí años atrás en el sur.
¿Qué son los expedientes M? ¿A qué se refiere el título del disco? The 'M' Files es una mezcla de dos mundos. La ficción, de la que soy fan y con la que crecí (evidentemente haciendo referencia a The X Files), y la realidad; por la que lleva la M que es derivado de Fco. de Montejo, colonia donde viví bajo el mismo techo con mis mejores amigos durante algunos meses para crear este y otros proyectos. En cuanto al concepto, siempre he sido fan de los discos que llevan un solo hilo, una trama, o una intención. Este disco es eso. Una historia de misterio con un soundtrack de rap, con medleys que contextualizan la historia en un pueblo que existe en nuestra mente, guiños, etc. Habrá que escucharlo con atención para entender.
Háblanos sobre el proceso de producción del disco, ¿desde hace cuánto lo hiciste, con quién trabajaste, qué fue diferente de las otras veces, etc? Este disco, según nuestras cuentas, lo logramos en 6 meses. Lo empezamos en verano del 2017 y en enero de este año ya estaba listo. Pero la realidad es que Javier Torres (productor) y yo empezamos a hacer maquetas mucho tiempo atrás. Por ahí de diciembre del 2016. Recuerdo que pasé año nuevo con él y otros amigos, m regresé de Acapulco para coincidir en fechas (pues en ese entonces él vivía en Mérida y yo áun estaba en Cancún). Tuve que dejar un rato a la familia con tal de sacar ideas que tenía rondando en mi cabeza. En fin. Fue un proceso de mucha paciencia, seriedad, frustración, pero sobre todas las cosas, divertido y bonito. Creo que no hay mejor bendición que crear y qué mejor si es junto a la gente con la que creciste en el ámbito.
¿Qué significa "U.F.O" para ti? "U.F.O" es una canción dedicada a esa parte de Cancún de la que muchos hablan pero pocos conocen. Antes de ser la ciudad violenta que es hoy, hubo una época en la que era normal salir a tomar unas frías hasta altas horas de la noche, dar el rol en un coche hasta que amaneciera, reventar unas fiestas con la pandilla en un departamento de la 9-2, ver a compas dar el rol con la skate, rifar en el graff, los stickers en las paradas y camiones, ver caer el atardecer naranja sobre los edificios y, sobre todo, los tonos amarillos y azules que podías disfrutar con tus compas en una tarde de playa. Nunca supimos que era el paraíso, hasta que se nos fue. Pero sin importar eso, sigue siendo nuestra nave nodriza. Por ello "U.F.O".
Háblame de la producción del track. Recuerdo que no tenía beat pero, la letra la había maqueteado sobre una base de Gangstarr. Estaba por terminar la uni, así que entré en esta etapa de nostalgia sobre la cantidad de buenos recuerdos y buenos momentos que pasé con mis homies. La letra fluyó. Entré a Internet, salió un sample que no tenía idea de cómo cortar, se lo mandé a Marvin y al día siguiente me mandó la primera maqueta del beat. Joya. Con Pedro y Javier (productores de este disco), le dimos una maquillada al beat y como anillo al dedo, la letra cayó. Este fue de los últimos tracks en grabarse, pero el primero en salir, por lo especial que es.
Cuéntame del lyric video. El lyric video es un pequeño guiño a la historia que queremos contar en el disco. Ese personaje esta ahí por algo, es alguien y busca respuestas. Su presencia nos ayuda a conceptualizar el camino de la trama. Si bien aun es la punta del iceberg, será bonito ir viendo como todo se conecta a través de la merch, los videos, las canciones, y una que otra idea que está por aterrizarse. Fue grabado en un día de tremendo calor en Yucatan por mis colegas de Mezcolanza.
Algo más que quieras agregar. Quiero creer que este es el primer paso de muchos que queremos dar de manera profesional en este ámbito. Está chingón saber que mi familia crece más en calidad, más que en cantidad. Hoy tengo el respaldo de gente increíble como Boxx Records, mi sangre la Montehood Gang, Roland MX, lo que alguna vez fue Selecta pero siguen siendo homies cada uno de ellos y, por supuesto, cada uno de mis amigos, los que están y los que estarán.
Pete Rock es uno de los productores más respetados del hip hop cuya producción está basada en sampleos y solo puede ser comparado con nombres de la envergadura de Madlib, J Dillla, Premier y Kanye. No es mala compañía para el beatmaker que inició su carrera al lado del MC de New Rochelle, Nueva York CL Smooth.
El estilo de Pete Rock está asociado al estilo de la época de oro del hip hop, en la cual se usó y abusó de sampleos de funk y soul de los setenta, donde las máximas referencias iban de James Brown a Lyn Collins, pasando por Sly & The Family Stone y Wendy Rene. En el caso de Pete Rock, es claro que siempre ha preferido cortes más oscuros, también de estética jazzy-funky, pero con ese espíritu competitivo y elevando la barra en cuanto a las habilidades de búsqueda de breaks en fuentes no tan comunes que en esos momentos implicaban empolvarse los dedos y soportar dolores de espalda. Mierda real: nada de pedir vinilos vía Internet usando el wifi del café donde te tomas tu macchiato con caramelo.
Durante su larga carrera, el beatmaker ha tenido oportunidad de colaborar con J Dilla, Ghostface Killah y su primo Heavy D (descanse en poder). Además de haber participado en la legendaria saga del sello inglés BBE (Barely Breaking Even) con la segunda entrega de la serie Beat Generation en su segundo álbum instrumental Petestrumentals (el primer volumen de la saga corre a cargo del entonces llamado Jay Dee con su seminal Welcome 2 Detroit). Pete Rock también tuvo el privilegio de revisar el catálogo de Blue Note y hacer un disco con puros sampleos del legendario sello de jazz justo cuando este se encontraba en la búsqueda de recobrar relevancia a finales de los noventa.
El segundo disco que el Chocolate Boy Wonder (como también es conocido) hizo con CL Smooth es, sin duda, el disco más importante del dueto. Editado en 1992 Mecca and the Soul Brother es uno de los discos clásicos de principios de los noventa e incluye la canción emblema de la asociación: "The Reminisce Over You (T.R.O.Y.)" que fue escrita y dedicada para el b-boy Troy Dixon que formó parte del grupúsculo de Heavy D and the Boyz. Dixon sufrió un accidente después de una presentación de su banda en Indianápolis. La rola es considerada como una de las mejores de su era y también una de las más emocionales por los motivos antes descritos.
La canción utiliza prominentemente un sampleo de "Today" del saxofonista Tom Scott & The California Dreamers. En particular utiliza el saxofón y la línea de bajo del tema. Esos elementos conforman la espina dorsal de "The Reminisce Over You (T.R.O.Y.)", que también tiene ciertas reminiscencias al estilo New Jack Swing que aún se encontraba de moda en Nueva York a principios de los noventa.
Al principio del himno noventero, aparece otro sampleo a manera de intro (Pete Rock ha mantenido una costumbre de usar sampleos como intro o como outro, sampleos que no necesariamente tienen algo que ver con la canción que anuncian o despiden). El sampleo en cuestión aparece in crescendo y se esfuma decrescendo para dar paso al saxofón de Tom Scott y que la rola comience de manera oficial.
La canción que Pete Rock usa como intro de "The Reminisce Over You" es "When She Made Me Promise" de la oscura banda de funk de Bahamas The Beginning of the End y es la rola que cierra su álbum Funky Nassau editado originalmente en 1971. El tema es una especie de jameo funky donde destacan la guitarra y la batería. Una muestra del potencial que tenía la banda.
Como mencioné, The Beginning of the End era una banda de las Bahamas que obtuvo cierta notoriedad a principios de los setenta con la rola que le dio título a su primer álbum: "Funky Nassau" y que combina elementos folklóricos de las Bahamas, metales de salsa y funk americano. La canción se convirtió en un éxito, sobre todo en el sur de Florida, lo que le valió a la banda tocar en la Universidad de Miami en el único concierto que diera fuera de las Bahamas.
"Funky Nassau" ha sido sampleada múltiples veces por actos de hip hop como los Roots o Prodigy y, de acuerdo al oráculo, también fue usada por los amos del breakbeat Funky Porcini y los Renegade Soundwave. El tema debe ser considerado uno de los clásicos de funk de la primera parte de los setenta y una muestra más de como este género fue adoptado en muchas regiones del planeta.
Con el éxito obtenido la banda entró al estudio a grabar un esperado segundo álbum que resultó tener más influencias jazzy, sin dejar de lado su sonido funk característico. En esos años también se asociaron a Don Taylor, que en esos momentos era el manager de la estrella más grande de la música popular de los setenta: Bobby Marley. El plan era salir de gira con Marvin Gaye en Estados Unidos pero el sindicato de músicos exigió que fuera una banda gringa la que girara con Gaye. También tenían planeado salir de gira con Bobby Marley pero se canceló debido al famoso accidente en el pie del cantante. Por lo anterior, el segundo disco de la banda recibió poca atención y el grupo liderado por los hermanos Munnings sería entonces etiquetado como una banda de un solo éxito. Cabe mencionar que el segundo disco de la agrupación de Bahamas se convirtió en uno de los objetos más buscados por los crate-diggers.
Pete Rock tuvo el tino de usar la que considero es la mejor canción de la banda por su origen funk y por sus paralelismos con bandas americanas que inmortalizaron el género. "When She Made Me Promise" es una de esas canciones que tiene el ADN de lo que eventualmente sería conocido como hip hop.
Siempre que escucho "They Reminisce Over You" me preguntó ¿por qué el Chico Chocolate Maravilla no usó más ese corte? Desde luego la respuesta no la tengo, a pesar de haberle preguntado a Pete en conocida red social y haber sido dejado en visto y sin respuesta: una desilusión más en mi corazón.
Carlos Latorre —DJ Zikuta, uno de los primeros deejays de música electrónica que hubo en Chile, y que crearon la escena a comienzos de los noventa— lo recuerda así: “En el 93 o 94, con la recuperación de la democracia, empezaron a llegar muchos retornados políticos a Chile. Y entre ellos, los hijos de ellos, que en algunos casos eran bastante famosos, como Alexi Delano, Ricardo Villalobos o Cristian Vogel. También había colectivos como Corriente Alterna, Distrito Distinto, Barracuda o Euphoria, que yo formé con Manuel Martínez. Y todos estábamos en la misma: hacer las primeras fiestas de música electrónica en Chile. Éramos bien pendejos y queríamos que pasaran cosas porque nos encantaba esta música”.
En esta entrevista con Noisey, con motivo del primer capítulo de TrasEscena Chile, dedicado a la electrónica, repasa los primeros años del movimiento: recuerda las raves masivas que se hacían en Santiago y también cómo logró traer desde Alemania a Chile la fiesta Love Parade.
De 45 años, y a cargo de una agencia de marketing digital, Zikuta comparte que todavía no ha colgado los audífonos. “Sigo tocando, muy poco, pero todavía con la venia y el cariño de mucha gente que considera que sigo siendo un muy buen deejay”, dice. “La vida me ha enseñado que hay etapas. Y creo que cumplí una gran misión en la música: tal vez yo fui el deejay que ayudó a que las cosas ocurrieran. A que las grandes fiestas ocurrieran”.
Y sigue: “Recuerdo con cariño haber creado la Red Euphoria, que después se llamó Colectivo Euphoria, y que en un principio era básicamente un grupo de personas que hacían difusión de todas las fiestas que había en Santiago. Finalmente derivó en la creación del Cianuro Tóxico Bar, el año 95, en Bellavista, que fue el primer bar de música electrónica que hubo en Santiago, administrado por Manuel Martínez. A partir de ese bar, se crea Euphoria como colectivo; y a partir de ese bar, juntamos la plata para hacer las raves La Perrera y también la primera Open Rave de Santiago, el año 95, en el Parque Forestal, con 300 personas. Después hicimos la Open Rave del 96, que todo el mundo recuerda con cariño, con videos en YouTube, donde llegaron 3.000 personas. Eso hizo que Euphoria fuera un colectivo que intervino la ciudad más allá que solamente la escena nocturna. Y si es que hubiera escena: estamos hablando de los noventa y en los noventa no había escena de nada.
NOISEY: Siempre se habla de la Rave del Eclipse (1994) como el hito más importante de esos años. Zikuta: Yo no le quiero cagar a nadie la fantasía de lo que fue la Rave del Eclipse. Pero tiene más de mito urbano que de realidad en términos de que no fue masiva. No fue una fiesta a la que llegaran miles de personas. Pero el valor fue que era impensable que tuviera el line-up que tuvo. No sé, hueón, o sea, Stacey Pullen, Derrick May, John Acquaviva, Ricardo Villalobos. Es como un poco surrealista. Incluso para el día de hoy sería una rave de Detroit o de Torino, como el festival Movement, o un Tomorrowland, donde estuviera Carl Cox. El line-up de la Rave del Eclipse sería súper complicado de ver hoy día.
¿Cómo afectó esa rave a la escena en Chile? Sin duda que generó un mito alrededor de Chile. Hizo que se hablara de la conexión chilena en Europa. Que Chile tenía algo muy potente en la música electrónica. Y de hecho lo tenía y lo tiene: Ricardo Villalobos, Luciano, Cristian Vogel… Podís sumar y sumar y sumar. En términos de minimal y house, Chile da mucho que hablar. Y por supuesto que la escena electrónica tiene este gran mito iniciador, esta gran creación espiritual, que es la Rave del Eclipse. Que ocurriera significó que mucha gente en Chile se viera afectada positivamente con este espíritu de la música electrónica, que bajaba de Detroit, de Frankfurt, de Berlín, a la Península del Alacrán, en el norte de Chile, que es lo más loco de todo.
¿Quién organizó esa rave? Siempre hablamos de los deejays, pero nunca de los creadores detrás de estas cosas, de los productores que se pegaron la volá detrás de esto. Por eso es súper importante mencionar que la gestión para que vinieran esos deejays a Chile es de Miguel Bustos, un ariqueño radicado en Copenhague, que por años manejó las relaciones públicas de Derrick May, o sea, estamos hablando de las relaciones públicas del sello Transmat y también del festival Movement.
Tú fuiste uno de los productores que trajo la Love Parade a Chile. Nosotros [en Euphoria] estuvimos haciendo entre los años 96 y 2000 la Open Rave, una fiesta abierta, en la calle. Partimos en el Parque Forestal, y eso significó que estuviéramos aguantando toda la mala onda del alcalde, que en esa época era Jaime Ravinet, que nos echó hacia el Parque Almagro, porque allí no había vecinos cuicos de Santiago. Recordemos que el Parque Forestal es en donde están los vecinos más caros de la comuna de Santiago. Y estuvimos el 97 y el 98 en el Parque Almagro y el 99 y el 2000 en el Parque O’Higgins porque a Joaquín Lavín [sucesor de Ravinet como alcalde] le reventó que estuviera tanto raro bailando en las calles. Eran fiestas a las que iban, no sé, unas catorce mil personas. Lo que ocurrió ahí fue que nos apestamos. Esta cuestión de que nos echaran cada vez más lejos, y que nos trataran como marginales, era absurda. En vez de premiarnos, la ciudad de Santiago echaba a esta gente que hacia fiestas, que hacía un carnaval que no le hacía daño a nadie. Entonces de alguna manera renunciamos a las Open Rave.
¿Y entonces? Cuando llegó el intendente Marcelo Trivelli a Santiago, como el 2002, nos mandó a llamar y nos dijo « Oye, ¿por qué ustedes dejaron de hacer la fiesta?» Y nosotros le explicamos que en realidad nos merecíamos como un premio porque nadie nos ayudaba a hacer la fiesta, salía de nuestros bolsillos la plata y también de la colaboración de muchos deejays y también de la gente de Gemini, que era la empresa de audio que nos apañaba con estas cosas; era todo muy colaborativo. Trivelli entonces nos dijo «Hagamos algo: yo les voy a dar el lugar más importante de la ciudad ». Y el año 2003 nos dio la Plaza de la Constitución, que está frente a La Moneda [sede del presidente de la República de Chile]. Aunque no lo creas, el 2003 hicimos una fiesta con 24.000 personas frente al Palacio de La Moneda. Y si buscas en YouTube vas a ver un video increíble donde están todas esas personas bailando sin ningún problema. Ahora te quiero ver en Estados Unidos una rave frente a la Casa Blanca...
¿Cómo pasan de organizar las Open Rave a traer la Love Parade? Después que hicimos la Open Rave del 2003, Trivelli dijo: "Pongamos a Santiago en el mapa." Yo creo que Trivelli ha sido de los pocos políticos que ha tenido visión. Él quería que Santiago estuviera en el circuito mundial, ¿cachái? Entonces nos preguntó cuál era la fiesta más importante de música electrónica en el mundo. Y nosotros le contamos que estaba la Love Parade en Berlín. Y justamente el año 2004 nosotros nos ganamos un fondo concursable, del Ministerio de Relaciones Exteriores, para que los artistas chilenos tengan la posibilidad de mostrar su arte en el extranjero. Nos ganamos ese fondo y le dijimos a Trivelli «estamos ad portas de irnos cinco meses de gira en Europa». Y él nos dijo: «acá tienen la carta, firmada por el intendente de Santiago, invitando a Love Parade a hacerse en Chile con el permiso de la ciudad ».
Wow. Entonces fuimos a Berlín, fuimos a la Love Parade, como cualquier raver común y corriente. Fue una fiesta de doce horas, que te volvís loco, un festival mundial. Y el lunes, después de la fiesta, fuimos a las oficinas de Love Parade, pero estaban semi cerradas. Lógico, porque después de trabajar casi diez meses para hacer una fiesta, el día después nadie quiere ir a trabajar. Recuerdo que nosotros llegamos con chalas [sandalias] y shorts [pantalones cortos] a tocar la puerta de la oficina. Y nada pos, nos abre una niña, y después de entender que íbamos con la intención de hacer la Love Parade en Chile, se rió un poco. Y tratando de disimular la risa, nos dice, «ya cabros, acá tienen unos poster, unas chapitas, unos cidis, unas poleras, y vayánse porque aquí no hay nadie», como diciéndonos una vez a la semana viene un hueón de cualquier parte del mundo que quiere hacer esta fiesta en su país. Entonces cuando le mostramos la carta de Trivelli, la tipa quedó loca. Dijo: «Es imposible lo que está pasando: nadie ha venido a esta oficina con una carta firmada por el gobernador de una ciudad diciéndole a Love Parade Berlín que tiene el permiso para hacer esta fiesta en su país». Eso significó que nos demoramos todo el 2004 y parte del 2005 en poder hacer la fiesta en Santiago.
Zikuta hoy en día. Foto por Carlos Molina.
¿Cómo fue esa primera versión? Tuvo alrededor de nueve camiones y más de 300 deejays [entre ellos, Richie Hawtin y Ricardo Villalobos]. Fue impresionante: esa fiesta fue espectacular: llegaron 180.000 personas al Parque Forestal. De pasar de nuestra última fiesta de 24.000 personas a 180.000 personas fue algo realmente impresionante. El 2006 la volvimos a hacer, pero la tuvimos que hacer en la Alameda, porque nos dijeron que en el Forestal era muy invasivo. Recuerdo que se tuvieron que cerrar tres estaciones del Metro. Y también que gente de todo el mundo quería participar. Nos llegaban mail de todos lados, onda, «oye, Tiesto quiere tocar». Pero estaban locos, porque cobraban una locura. Finalmente se repitieron el plato los que tenían que participar y cerrar el evento: Ricardo y Luciano. Y ese mismo año [2006], cuando nos premia Love Parade Berlín por la fiesta que hicimos en Chile, nos dicen que tienen un camión para nosotros que se llama Zikuta y Euphoria Chile. Un camión para tocar doce horas con nuestro propio line-up, ojalá todos de Chile, en Love Parade Berlín. Increíblemente, además, ese año la Love Parade de Berlín y Santiago la cerró Ricardo y Luciano.
¿Por qué ya no hay Love Parade en Chile? El 2007 estábamos con todas las pilas para hacer el evento. Pero ese año cambió la intendencia de Trivelli a [Víctor] Barrueto. Y la verdad es que fue un desastre: se notó mucho el cambio de mano. Barrueto tenía un jefe de seguridad que era un desastre. Eran dos tiros al aire. Para hacerla bien corta: a un mes del evento, nos avisan del Ministerio del Interior que no se había pedido ningún cierre de calle, que no se habían hecho ninguna contingencia con Carabineros, que el Ministerio del Interior ni siquiera estaba informado por la Intendencia, que nunca se hizo nada para hacer la fiesta. A esa altura ya teníamos la cagá... Y no teníamos los recursos para cambiar la fecha de la fiesta.
“CUANDO ME PREGUNTAN POR QUÉ NO SE HACE LA LOVE PARADE, LES DIGO: HAZLA TÚ”
Suena terrible. Love Parade es una fiesta muy cara. Y no es una fiesta que nos hiciera ganar plata –o sea, nunca ganábamos; a pesar de lo grande en términos de montaje, siempre salíamos para atrás. Era como un apostolado para que la ciudad tuviera algo. Por eso cuando me preguntan por qué no se hace la fiesta yo les digo hazla tú. Pero no hay nadie que tenga las bolas para hacerla. No solamente las bolas: hay que ser bien hueón para hacerla, bien naif para darlo todo por la ciudad. Y ni siquiera por la música electrónica, porque al final le estái entregando un regalo a Santiago, le estái dando un regalo a Chile. Esas 300.000 personas que iban a la fiesta, a la calle, no les gusta la música electrónica. Esa gente son chilenos y extranjeros que quieren bailar un rato y que quieren conocerse. Imagínate que por fin un cuico baila con un flaite y un gay con un neonazi; o sea, toda la gente pasándolo increíble bien en una ciudad donde siempre nos dicen que somos agresivos el uno con el otro y donde todo se marginaliza. Creo que nosotros le hicimos mucho cariño a la ciudad. Le hicimos un gran regalo emocional: yo estoy seguro que al día siguiente de la Love Parade había mucha gente sonriendo en el metro.
Por otro lado, y al parecer, las fiestas electrónicas dejaron de tener onda. Muchos clubes cerraron y paralelo la música indie chilena ganó espacio en los locales donde se ponía electrónica. ¿Qué fue lo que pasó? ¿La electrónica pasó de moda? Voy a ser bastante soberbio en la respuesta. Perdóname, pero el 2006 se murió la escena, porque se murió el motor, se murió Euphoria. Nosotros estuvimos más de diez años haciendo las raves y las intervenciones electrónicas más importantes de Santiago. Eran fiestas míticas. Ve cualquier película gringa de las raves de esos años y te vas a dar cuenta que éramos contemporáneos. Los argentinos, en cambio, no tenían ni tienen raves como las nuestras. No tenían ni tienen intervenciones urbanas. Tal vez tienen súper eventos masivos, pero no fiestas de culto. Nosotros interveníamos espacios (…) Yo creo que se necesita mucho espíritu para hacer esas fiestas. Y la verdad es que yo creo que el 2006 murió un poco la escena porque no había nadie con las pelotas para seguir haciendo fiestas en las calles. O no había nadie con la capacidad de organización como para llamar a toda la escena electrónica y hacer una fiesta de tres pisos en la Ex Fábrica. Pero yo no le resto mérito a la gente nueva; de hecho, creo que la escena actual está entretenida. Es diferente nomás, porque nunca va a ser lo mismo, pero sí hubo un bajón: desapareció Euphoria, desapareció la escena.
¿Por qué muere Euphoria? Los motores de Euphoria éramos Manuel Martínez y yo. Y la verdad es que nos dio paja seguir después que cachamos que no teníamos este respaldo realmente importante de las autoridades locales. Era como decir ¿para qué seguir luchando contra este monstruo de la seudo democracia? Es súper difícil hacer una fiesta para 300.000 personas en la ciudad. Y es súper difícil también que al final del día mires tu cuenta bancaria y digai «loco, soy veinte millones más pobre por querer hacer una fiesta para la gente». Tal vez no fuimos lo suficientemente hábiles para que hubiera auspicios. Tal vez, de alguna forma, llegó la época para entregarle toda la cama hecha a gente que también trabajó duro, pero de otra manera, como las productoras Street Machine o Electro Factory, grupos que estaban enfocados en ganar plata. Tal vez eso también nos faltó a nosotros. En resumen: nos agotamos, nos cansamos, tiramos la esponja. Uno tiene que aceptar las cosas cuando se acaban por la buena o por la mala. Y yo creo que se nos acabó un poco por la mala. Pero todo bien igual.
“LA ESCENA ESTÁ MUY ENSUCIADA POR LOS NARCOS Y LAS PUTAS”.
¿Dónde están actualmente las mejores fiestas electrónicas en Chile? Tengo que reconocer que prefiero más el under de la semana que las fiestas más grandes que se hacen los fines de semana. Pero también tengo que ser bien franco y decir que la escena está muy ensuciada por los narcos y las putas. Voy a ser bien honesto: creo que hay mucha mafia en la noche. No de los productores pero sí del público. Está un poco sucia la noche. Está contaminada con gente que no tiene nada que hacer en la electrónica.
¿A qué te refieres con contaminada? A veces vas a una fiesta y es como que te da miedo entrar. Yo creo que mucha gente buena de la noche ya no va a algunas fiestas o algunos after porque está muy rancio. Y eso yo creo que eso es ya responsabilidad de los que piensan que esto es un negocio y que hay que facturar a toda costa. Sin embargo, veo mucha creatividad, me llama la atención algunos conceptos como la gente que creó Misa. Me parece súper irreverente hacer el domingo una fiesta que se llame Misa. Una fiesta que es impresionante, que es buena, que es entretenida, que cuando tocái por primera vez te entreguen un rosario que en vez de tener una cruz tiene un plug para poner en el mixer. De eso se trata: de ser creativo y hacer cosas entretenidas. También hay mucho clásico: [El club] Santo Remedio también está haciendo un buen trabajo todos los miércoles. Creo también que las fiestas que se están haciendo en Micro Club los lunes están pasando a ser un ícono de la escena nocturna. La Salita, que actualmente no sé cómo se llama, tiene sus martes asegurados. Y también hay otros proyectos como Club Arzobispo. Pero no me gustan las fiestas súper masivas en que te preguntas ¿de dónde salieron estos tipos? Fiestas en que más de la mitad o un tercio son colombianos y tú decís ¿ qué onda esta hueá? Está rara, cachái, no es Chile esta cuestión. O quizás es el nuevo Chile. No me molesta que vengan inmigrantes. Lo que me molesta es que vengan mafias. Que ya no se trata de la música sino de la droga. Tampoco voy a escupir al cielo: me faltan dedos para contar todas las sustancias ilegales que he probado en mi vida. Pero eso no me transforma en un narco. Me transforma en una persona que ha querido experimentar.
Mencionaste a las prostitutas. ¿Existe un mercado de scorts en las fiestas electrónicas? Yo he estado en fiesta bailando, así piola, relajado, cagado de la risa, y se me ha acercado una mina. Y yo me he hecho el canchero y la mina me ha dicho « flaco, son ochenta lucas si querís estar conmigo». Y yo no voy a una fiesta para eso. No voy a una fiesta a relacionarme con prostitutas, cachái. Yo voy a una fiesta a conocer gente, yo voy a una fiesta a bailar, a hacer amigos. Porque de eso se trata la hueá, ¿cachai? Y tampoco quiero lidiar con una manga de narcos que se compran los VIP y se creen la raja. Es penca, cachái, es penca porque Chile se había mantenido bastante limpio de estas mafias. Pero ya está llegando un poco el cuento. Nos habíamos mantenido al margen de estas fuerzas negras, que tal vez son muy cotidianas en países como México, Colombia o Perú. Pero ahora tú vas a alguna fiesta y después de ver que hay unos tipos decís qué lata que esté tan rancio el evento, con gente que está tirando muy mala vibra. Y en realidad, al final del día, si querís ser puta o narco me da lo mismo, es tu vida, cachái.
¿Entonces? Hay mucha gente que se ha alejado de la escena porque en muchos carretes el público está penca. Y ojo, no estoy hablando de gente que pueda tener un estrato social diferente o tampoco que pueda ser inmigrante. Estoy hablando de gente que es rancia, que es agresiva, que necesita venderse, que necesita demostrar que es poderosa, que está rodeado de un séquito de minas, como un pimp. No sé, es raro. Yo creo que debo ser de las pocas personas que lo dice porque yo no vivo de la escena hoy día. Pero sí echo de menos esa escena donde había gente súper linda y honesta y que iba de corazón a bailar a las fiestas y que no andaba tirando mala vibra.
¿Qué sensación te queda de todo lo que hiciste por la electrónica chilena? Me gustaría pensar que hicimos todo este esfuerzo de crear esta escena y esta fiestas con un objetivo más elevado, más espiritual, que la gente abriera su mente y corazón y pudiera entender que hay más que la competencia, que el exitismo y las cosas materiales. Creo que con Euphoria les dimos la oportunidad a muchas personas a atreverse a ser músicos, a hacer música, a crear con la música en cualquier contexto, como productores, como sonidistas, como djs, como roadies. Una persona una vez me dijo en la calle: «Yo fui a tus fiestas, hueón, eran tan lindas, eran tan increíbles. Te doy las gracias porque siempre me regalaste una fiesta gratis, en la calle». Y yo creo que ese es el verdadero arte: inspirar a otros.
Después de una decena de canciones, Roberto se avienta al público. El concierto está en su clímax y los asistentes responden al atrevido acto del vocalista alzando sus manos para recibirlo y luego paseándolo por todo el lugar hasta dejarlo de nuevo en el escenario. Roberto agradece y el público estalla en aplausos.
Entonces empieza otra canción. Por el ánimo y la buena convocatoria, parece que es viernes o sábado por la noche, pero es domingo y apenas van a dar las 7 pm.
Arriba del escenario Roberto sabe que, a pesar de que lo que canta no son sus composiciones, la que se escucha es su voz. Tampoco imita o exagera movimientos. Está consciente de que su papel es más de transmisor que de actor. Y Mahatma (guitarra), Miguel (batería), Juan (bajo) y César (teclados), el resto de la banda, también saben su rol respecto a lo que suena.
¿Y qué suena? The Doors. Pero solo Jim Morrison, Ray Manzarek, John Densmore y Robby Krieger fueron, son y serán The Doors. Por eso Roberto y compañía, los responsables de revivir al Rey Lagarto esta tarde, tienen claro que lo que hacen es un homenaje. Y lo vienen haciendo desde el 2005.
Una amplia trayectoria —más de una década— al ritmo de "Roadhouse Blues", donde destaca el haber ido a tocar a Alemania y Cuba; volverse "grupo de casa" en foros como en el que estamos, el Multiforo Alicia; y compartir escenario con Ty Dennis, baterista de The Doors Revival.
Pero Roberto y compañía afirman que mantienen su individualidad, que son una banda con esencia propia: The Crystal Ship Band.
Del tributo a la interpretación
Roberto Eslava dice sobre lo que siente al momento de cantar: “Una invitación a sobrepasar ciertos límites que en la vida cotidiana no estarías dispuesto a hacer”.
Este lunes se encuentra en la cafetería del Centro Cultural del Bosque porque su trabajo se lo demanda: desde 2009 es director y dramaturgo de la iniciativa Traslapo Teatro y esta tarde tendrá una función: “En el caso del teatro, dirijo más que actuar. Ya no me interesa actuar simplemente por actuar, sino que sean proyectos que me llamen la atención. Como vocalista es una labor semejante a la actuación; sin embargo, no estoy representando a un personaje. Mi idea de abordar a un personaje tiene que ver con cómo abordo el asunto de cantar. Más que estar en una máscara, estás en un vehículo en el cual te colocas en una cierta situación de riesgo y fragilidad frente a la gente, y eso finalmente te permite encontrar cosas que te sorprenden de ti mismo”.
El 18 de julio de 1992 ocurrió la primera gran sorpresa del también conductor en Código CDMX, (radio por Internet de la Secretaría de Cultura de la CDMX): con 14 años acudió al Auditorio Nacional para presenciar la primera visita de la banda inglesa Marillion. “En el momento de ver a Steve Hogarth, su vocalista, me dije 'Es lo que quiero hacer'. Durante muchos años Steve fue mi modelo a seguir. Hace algunos años tuve la oportunidad de conocerlo y platicar con él, y fue muy curioso porque le dije: 'Por ti es que me decidí a cantar', y él me dijo: 'A mí me pasó algo semejante con Ian Gillan [Deep Purple] y también tuve la oportunidad de decírselo, es como cerrar un ciclo'. A partir de eso siempre tuve la inquietud de tener una banda”.
Un año después, a los 15, Roberto formalizó su primer grupo musical. Así empezó una trayectoria sobre escenarios que incluyó bandas de cochera —una de sus primeras agrupaciones fue junto con su tío Miguel Caldera y su primo César Garduño, actualmente parte de The Crystal Ship— y grupos de death metal, hasta que decidió entrar a una banda de tributos para generar dinero: “Tocábamos en un lugar fijo pero era muy complicado, porque generalmente los bares tienen esta idea de que lo último que importa es el grupo; que cuando eres un grupo de covers, eres la rockola de la gente que va a tomar, a platicar, a una serie de cosas, menos a escuchar a la banda”.
El grupo tenía en su repertorio un par de canciones de The Doors: las que Eslava más disfrutaba debido a la similitud en la tesitura vocal y la rebeldía que estos temas proyectaban.
Tras invitar a su primo César a los teclados para ampliar los alcances sonoros del ensamble, la idea de hacer un concierto-homenaje dedicado al cuarteto de Los Ángeles cobró fuerza hasta volverse realidad: “El guitarrista de aquel momento tenía una escuela de música con un pequeño escenario: ahí lo organizamos. Invitamos a unos cuantos amigos y sacamos un repertorio muy reducido, de 13 canciones. El experimento salió bien. Nos sentimos bien saliendo de la dinámica de grupo de bar. Al no ser de peticiones, tuvimos que planear un concierto, los puntos climáticos, el desenlace. Eso nos fascinó. Esa libertad de decir 'Es un concierto de homenaje a The Doors' y que la gente que fue tenía esa idea, de escuchar a The Doors”.
Así surgió The Crystal Ship Band, en el escenario de una escuela de música en la Delegación Tlalpan, al sur de la capital mexicana.
“Conforme fue evolucionando el proyecto, comenzamos a sentir más responsabilidad con la gente. Al dejar de ser un grupo de covers, que lo digo con todo respeto a estos grupos porque hay unos que se lo toman muy en serio, no podría decir que es la generalidad, pero cuando asumes el hecho de tocar un solo repertorio y volverte un grupo de concierto, comienza a haber una mayor responsabilidad con la gente. No es lo mismo que estés en un bar con gente que de repente reacciona o te llega a aplaudir, que estar en un escenario frente a miles de personas que te están viendo y están conectadas con tu música, aunque no seas el compositor”.
La casa que guarda tesoros
Un parche de tarola firmado por Ty Dennis cuelga en la pared. Hay que subir unas escaleras y ver este objeto para llegar al espacio de ensayo de The Crystal Ship Band.
Está dentro de una casa ubicada a 15 minutos del metro Ciudad Azteca. Aquí se reúnen desde hace años Roberto, César, Mahatma, Juan y Miguel para darle forma a sus interpretaciones de The Doors. “Ya estamos construyendo un cuarto de ensayo arriba”, dice Roberto. El espacio actual es reducido: están literalmente en el pasillo del primer piso, entre cuadros, sillones y el barandal.
Es sábado, han pasado pocos minutos después de las 3 de la tarde y cada quien está tras su instrumento. El objetivo de hoy es sacar un par de canciones nuevas. Empiezan a sonar los amplificadores pero de pronto alguien pide silencio: cualquier error de inmediato trae consigo un “shhhhh, a ver, toca esa parte otra vez”. Para detallar las armonías usan un iPod que reproduce los temas del cuarteto angelino en su versión de estudio. Todos escuchan, dan con la parte que quieren definir, la escuchan de nuevo, dos veces más, luego discuten sobre qué tecla cambiar para llegar al sonido exacto y vuelven a tocar para probar.
El ensayo es minucioso: si algo caracteriza a The Crystal Ship Band es que privilegia la ejecución sobre la parafernalia.
TCS ensayando
Pasan una hora detallando el teclado de una canción, luego tocan otra nueva que sale más rápido. Al final repasan parte del set que darán en el próximo show. “Preparamos los conciertos para que los fans siempre vean algo nuevo”, dice César terminando el ensayo.
A las 5 de la tarde, ya en la sala de la vivienda y sin el estruendo de los instrumentos, César revela sus expectativas a futuro: “No quitar el dedo del renglón; seguirnos esforzando; poner tiempo, dinero y esfuerzo en continuar con el proyecto. El no pretender ganar dinero aunque sería padrísimo; pero no lo hacemos por dinero, lo hacemos por esa pasión que tenemos por el proyecto. En todo este tiempo hemos dado mucho, hemos invertido mucho, y el resultado es toda la gente que nos sigue”.
Luego interviene Miguel para contar que también tienen la invitación para ir a Estados Unidos y poder palomear con Robby Krieger, pero la negativa de visas para varios integrantes ha imposibilitado este suceso.
“Estamos trabajando para que se pueda dar. La relación con Ty continúa, que a través de esa relación pueda estar Robby con nosotros”, complementa Roberto.
Mientras tanto el quinteto se mantiene constante. Quieren volverse autosustentables. Quieren salir a otras ciudades y volver a pisar otro país. Y también quieren The Crystal Ship and Friends, un espectáculo invitando a sus amigos “del rock mexicano” al escenario.
Nunca vamos a ser The Doors
En la cafetería, Roberto confiesa que discernir entre la interpretación y el tributo es un aspecto que ha beneficiado a The Crystal Ship Band. “A nosotros mucha banda nos ha dicho ‘Muchas cosas que ustedes hacen no las hacían los Doors’, y pues claro que no porque nosotros no somos The Doors; asumimos que no hay la intención de 'me voy a convertir en', que luego es el objetivo de muchos grupos de tributo: entre más parecido estoy… Nunca nos ha pasado, lo tenemos muy claro. Retomamos su música como lo haría con la música clásica una orquesta sinfónica; cuando tocan a Mozart no se disfrazan a la usanza de Mozart. A veces, cuando la gente escucha tributos, probablemente va esperando un disfraz. Y hemos visto que muchos grupos se preocupan por eso y dejan la música de lado. Con nosotros es al revés”.
Parche de tarola firmado por Ty Dennis
Precisamente esta honestidad creativa les favoreció para tocar con Ty Dennis, pues el reconocido baterista los contactó después de investigar a varias bandas. “Dijo: 'Quiero tocar con ustedes porque no están clavados en imitar a The Doors'. Eso lo apreciaba Ray (Manzarek), le molestaban las bandas que imitaban a Jim. Les decía: 'Clávate en la música pero no trates de imitar'. Ty también nos contó una anécdota muy curiosa: el primer cantante de esta banda que hicieron, Ian Astbury, tenía un parecido sorprendente con Jim. Pero la anécdota es que Ray una vez llamo a Ian y le dijo: 'Ian, no eres Jim, deja de pretender que eres Jim, tu eres tú, canta y tu personalidad tienes que ser tú'. Esa fue la anécdota y supongo que una de las razones por las que Ian salió de la banda”, recuerda Roberto.
Participar en el Festival Feast Of Friends —evento realizado anualmente en la ciudad de Magdeburgo, Alemania que reúne bandas tributo a The Doors de diversas latitudes— fue otra gran experiencia. “Vimos la página web y pensamos 'Estaría muy bien tocar ahí'. Eso fue primero. Dos años después (2009) ellos nos contactaron: nos pidieron material, les gustó la manera en que lo estábamos haciendo y nos invitaron. Evidentemente allá te ponen todo, pero tú tienes que pagar el viaje. Es un festival al que fundamentalmente van grupos europeos, entonces en aquel momento tuvimos la oportunidad de alternar con el que se supone es el mejor tributo de Europa: The Doors in Concert (de Inglaterra). No había otro tributo americano más que nosotros; entonces fue una convivencia interesante porque, a pesar de que estás tocando la misma música, no sientes un ambiente de convivencia malsana. Nos sorprendió que… uno tiene esta idea de que el público alemán es frío, pero fue muy curioso porque en el momento en que nosotros subimos al escenario el público fue muy efusivo, muy cálido. La segunda vez que nos invitaron (2013) fue porque había gente esperándonos, recordando la primera presentación. Eso nos comentó el organizador”.
Póster del primer evento de TCS en el Multiforo Alicia
Pero Eslava hace mayor hincapié en que su "barco de cristal" ha llegado a foros o festivales no enfocados per se en grupos de homenaje o tributo. Un ejemplo es el Multiforo Alicia, donde primero hablaron con Nacho (gestor del lugar) y se mostró dudoso ante la propuesta, pero les concedió una fecha. Después de verlos sobre el escenario —que compartieron con el poeta José Vicente Anaya, traductor de los poemas de Morrison en México—, les abrió para siempre las puertas del lugar.
“Para nosotros es importante romper esos esquemas de 'Son imitadores, no son buenos músicos porque se conforman la música de alguien más'. Más allá de decir ‘bandas de tributo, bandas original’, creo que hay buenos y malos músicos. Hay una cantidad equis de bandas originales que de original tienen lo mismo que la tesis de Peña Nieto. Es difícil que haya algo nuevo, siempre tienes referencias, es difícil innovar completamente. También está esa cuestión de 'Las bandas de tributo le quitan espacio a las bandas de música original', pero creo que más bien tendría que haber más espacios para todos. Más espacios para música original, más espacios para que las nuevas generaciones conozcan esta música en vivo que, curiosamente, es un puente para adentrarse a la música original”, dice Roberto.
Y antes de incorporarse y fijar su rumbo hacia una sala de teatro, reafirma: “Nunca vamos a ser The Doors”.
A finales de los años 80 Reino Unido se encontraba sumido en una de las peores crisis económicas que se recuerden debido a las políticas anti populares que impuso la llamada “Dama de Hierro”, Margaret Thatcher. En consecuencia, la calidad de vida del ciudadano británico promedio se deterioró; el desempleo y las huelgas provocaron pobreza, violencia y caos. El panorama era desolador.
Mientras en Ibiza explotaba la cultura clubber de la mano de Alfredo, DJ residente del icónico Amnesia. En septiembre de 1987 Paul Oakenfold viajó a la isla a celebrar su cumpleaños acompañado de Danny Rampling, Nicky Holloway y Johnny Walker. La experiencia sensorial de las noches intensas de balearic beat y éxtasis, los sedujo al instante.
Por Dave Swindells
“Eran tiempos difíciles en Gran Bretaña, Thatcher era en ese tiempo la Primer Ministro, era muy difícil para los jóvenes conseguir un trabajo. Estábamos oprimidos. Y con eso la cultura joven quería un cambio, y la música traía ese cambio. Había muchos británicos que terminaban el verano en Ibiza y cuando regresaban a Londres buscaban a dónde ir. Regresé con Trevor Fung y comenzamos un club basado en la experiencia y la música que escuchamos en Ibiza. Ese fue el comienzo del cambio en Gran Bretaña”, explica Paul Oakenfold en el documental, Rabiosos.
Oakenfold y compañía irrumpieron en Londres con fiestas donde el baile y la música electrónica eran los protagonistas. En un breve lapso, en cuestión de semanas, el ambiente decadente y desolador entre la juventud, sufrió un giro de 360 grados. La violencia en las calles disminuyó, el salvaje fenómeno holligan perdió fuerza. La llamada droga del amor, como se le conocía entonces al éxtasis, comenzó a surtir efecto. “Vengo de una ciudad de chicos muy rudos, es una ciudad difícil, ver a estos tipos pasar de pelear todos los sábados de noche a bailar con sus brazos en el aire, fue simplemente increíble”, cuenta el cofundador del Cream Club, James Barton, en el documental What We Started.
Por Dave Swindells
A finales de 1987 Danny Rampling y su esposa vieron materializada la revelación que tuvieron en Ibiza con la apertura del Shoom, momento clave que algunos estudiosos del tema consideran como el inicio formal del Segundo Verano del Amor. De día Shoom era gimnasio y de noche club. En enero de 1988, el flyer de la tercera fiesta del club incluyó por primera vez al Smiley, logotipo conocido en México como “la carita feliz”. El Smiley fue adoptado por los clubbers ingleses como una representación de amor. El ánimo colectivo comenzaba a tornarse distinto, se respiraba un nuevo comienzo.
Pronto la juventud británica cayó rendida al encanto del acid house importado de Chicago. Los clubes se multiplicaron rápidamente: Spectrum, Heaven, The Future, Trip y Land Of Oz fueron clave; lo mismo que las fiestas móviles Hypnosis, producidas por Tintin Chambers; otro momento relevante fue la fiesta Hedonism en Apeldoorn Lane, considerada la primera warehouse party gratuita de la historia; sin dejar de lado las intensas fiestas RIP (Revolution In Progress).
La ola de fiestas acid house y el éxtasis como catalizador, inundaron Reino Unido. El consumo del químico se salió de control, el abuso de la sustancia arrastró graves consecuencias: Janet Mayes de 21 años de edad, fue la primera víctima mortal del MDMA, seguida de Claire Leighton de 16 años, quien murió dentro del célebre club de Manchester, The Hacienda. Los focos rojos se encendieron y las alarmas en el gobierno se activaron. La respuesta fue la creación de la Pay Party Unit, una división especial de la policía encargada de perseguir y contener la avalancha acid house en todo el país.
Por Dave Swindells
A pesar de todo, el 27 de octubre de 1988, fue cuando todo comenzó. Es la fecha en la que se llevó a cabo el primer rave de la historia: Sunrise. 800 personas se congregaron esa noche a las afueras de Londres en un centro ecuestre. La mente maestra detrás fue Tony Colston, un personaje clave en el desarrollo del Segundo Verano del Amor. Se dice que Colston intentó entrar una noche a Shoom sin tener éxito, el hecho lo motivó a crear una fiesta incluyente, donde nadie quedara fuera por ninguna razón.
Al segundo rave Sunrise, llegaron más de tres mil personas, incluida la policía, sin embargo, las llamadas fuerzas del orden decidieron no actuar, considerando que si paraban de buenas a primeras la fiesta, la situación se podía salir de control. La persecución policiaca fue escalando, ante ello Tony Colston echó mano de la imaginación y de la tecnología que tenía su alcance: contrató una línea telefónica, el número 0898, que rápidamente pasó de boca en boca. Los ravers llamaban y entraba un mensaje grabado que daba la instrucción de cómo y dónde se llevaría a cabo la fiesta en turno. Al marcar al 0898 se escuchaba el siguiente mensaje:
“¡Estás cordialmente invitado al sueño de una noche de verano! Toma la autopista M25 hasta la A296 y ve hacia el este”.
El fenómeno rave creció de forma inusitada, el número de asistentes se multiplicó a un ritmo vertiginoso. El momento climático del Segundo Verano del Amor tuvo lugar el 12 de agosto de 1989 en Longwick, noche que reunió a más de veinticinco mil personas en el rave Back To The Future, organizado por Colston. La fiesta gigantesca colapsó los alrededores, y la carretera se volvió un enorme estacionamiento de más de seis kilómetros.
“Fue nuestro momento de punk rock, fue como si ya no existiera todo lo que había pasado antes. Era el año cero, estábamos empezando de nuevo, y uno era parte de eso o no lo era”, afirma Pete Tong en entrevista para el documental What We Started.
Formalmente el Segundo Verano del Amor terminó en 1989; sin embargo, las fiestas ilegales siguieron, lo mismo que las redadas policiales. Con el paso de los años la llama acid house se fue apagando. El golpe letal que terminó por derrumbar al rave en Reino Unido, fue la promulgación en 1994 de la llamada ley Criminal Justice And Public Order Act, que prohíbe las fiestas al aire libre, entre otras restricciones. A pesar de la ofensiva gubernamental, las autoridades no calcularon que el virus festivo ya se había propagado por Europa y había cruzado el Atlántico para invadir América y, en general, al mundo entero, como lo presagió el Manifiesto Raver en uno de sus párrafos: “Sepan que tal vez pueden cerrar una fiesta en cualquier noche en alguna ciudad en cualquier país o continente de este hermoso planeta, más nunca podrán cerrar la celebración entera. Pues no tienen ese poder”. Y así sucedió.
Stailmic es un productor y MC bogotano que empezó en el 2011 fundando el colectivo y sello LCDC (La Caverna Del Calvo) buscando darle espacio y visibilidad a otros rapers de su barrio: Kenedy. De este sello hacen parte artistas como Dipo y Sk.level que siguen manteniendo el rap bogotano caminando en bases de boombap clásico y con letras introspectivas que cuentan su vida en barrios pesados. De hecho el raper del sur de la ciudad ha creado varios de los beats en los discos de los artistas del sello y muchos sobre los cuales él mismo rapea.
Desde LCDC, Stailmic ha sacado dos discos: Desconocido (2017) que tiene 17 tracks y Entre la esencia el tiempo (2015) que tiene 25. Ambos son discos largos que están inspirados en el rap noventero y no hay maquillaje que busque esconderlo, ya que hay samples como la voz de Biggie en el tema “Gold” que fácilmente lo exponen. En los dos plasma la incertidumbre de un joven de 21 años que llega a la adultez con frases como “todos siguen un camino y yo voy por otro más” de "Que pensamos" y “recuerdo hace 10 años era con algunos/ahora tienen familia, hijos, trabajo seguro” de su canción "21 vueltas".
Desde septiembre del año pasado, el prolífico artista ha venido sacando sencillos que hasta el momento no sabemos si harán parte de un nuevo trabajo discográfico. El primero fue una oda a estar enamorado sobre beats melosos llamado “Amor Justo”. Después siguió con “I’m Flex” el primer gran salto al trap del bogotano, producido por Cook Main que ha creado todos los beats de ahí en adelante. Continuó con “Cuando Muera” que regresa a los 90 e inicia con un sample que él mismo grabó haciendo un saludo mañanero y finalmente dejó volando en las redes “Solo yo”, un trap que comienza a tener algo de beef, de punchlines, acompañado de un video que parece estar inspirado en “L$D” de A$AP Rocky.
El pasado 17 de agosto Stailmic siguió con su cadena de singles y pusó en YouTube el video para “De Frente”. El trap ya se hizo parte de las venas del raper y el beef reaparece, según él en forma de “defensa, en modo de relucir las habilidades, una canción que muestra que no importan los comentarios negativos”. Parece ser que entró al nuevo estilo que ya tiene artistas como Doble Porción y Crudo en Medellín y Ha$lopablito en Bogotá, dejando atrás su pasado con rimas como “Tu pasado no son mis intereses/Esa pera no pateo dos veces”.
El final del video del nuevo sencillo es una portada de su primer disco Entre la esencia y el tiempo quemándose, como si fuera un renacer de Stailmic. Si quieren ver el video aquí se los dejamos:
Este artículo se publicó originalmente en Noisey US.
Es un poco engañoso llamar a Aretha Franklin "la reina del soul", porque la mayoría de las reinas nacen siendo realeza; su título es su derecho. Esto es cierto para Aretha en cuanto a que tiene una de las mejores voces —tal vez la mejor— de todos los tiempos, pero compararla con una monarca pasa por alto los años antes de su reinado, y eso implica ignorar sus inicios en el gospel, cuando cantaba en la iglesia de su padre en Detroit, o los seis años que estuvo en Columbia Records antes de pasarse a Atlantic, viajar a Muscle Shoals y tomar la corona. Debió ser suya desde el principio, pero nada fue gratis para Aretha. Sabía lo que valía, y no tenía el menor empacho en exigir r-e-s-p-e-c-t como mujer, como afroamericana y sí, como legítima reina; además, lo hizo en una época en la que eso era imposible.
Por otro lado, es un apodo apropiado porque las reinas gobiernan de por vida, y la hegemonía de Franklin —quien falleció el pasado 16 de agosto a los 76 años tras una batalla contra el cáncer de páncreas— y la de su voz, no tienen límites. Decir que su música perdurará es casi una desconsideración. Hay cientos de súper fans de Aretha que todavía no nacen, y sus canciones van a seguir siendo clásicos mucho tiempo después de que ellos fallezcan.
Lo cual nos lleva a concluir que nunca habrá tal cosa como "muchos fans de Aretha Franklin". Si llegaste tarde a esta fiesta, tienes infinitos puntos de entrada y más de medio siglo de material para sumergirte. Así que para expresar nuestro respeto y honrar su vida y legado, destacamos cinco facetas de la reina para que empieces a entrarle de una vez. Genuflexión ante Aretha.
Así que ¿quieres entrarle a los clásicos de Aretha?
Cuando Jerry Wexler firmó a Aretha Franklin bajo el sello Atlantic Records en 1966, no pudo haber sabido que ella terminaría convirtiéndose en un ícono feminista, una figura de derechos civiles de esa época, o en la primera mujer en ser incluida en el Rock and Roll Hall of Fame, pero sí fue lo suficientemente inteligente para dejarla ser ella misma. Como dice una cita de la Reina, "si estás aquí para grabarme, pues grábame a mí, no a ti".
El rechazo a ser controlada se hace presente en algunos de sus éxitos más aclamados, como "Respect" (la canción de Otis Redding que transformó en un himno feminista) o "Do Right Woman, Do Right Man", donde advierte que si no recibe el respeto y la atención que merece por parte de su pareja, lo buscará en otra parte, cantando, "a woman's only human, you should understand / she's not just a plaything, she's flesh and blood just like her man". Luego insiste: "they say it's a man's world, but you can't prove that by me / As long as we're together, baby, show some respect to me".
Hoy en día es fácil olvidar (aunque tal vez no tanto, por el infierno político en que nos encontramos) lo revolucionaria que podía una simple petición de igualdad por parte de una mujer —especialmente una mujer afroamericana— en esa época. Incluso cuando no lo hacía explícito, su voz exigía respeto, ya fuera con alegría (como en el tema escrito por Carole King "(You Make Me Feel Like a) Natural Woman"), con tristeza ("Ain't No Way") o simplemente con gran determinación ("I Never Loved A Man (The Way That I Love You)").
Playlist: "Respect" / "(You Make Me Feel Like a) Natural Woman" / "Chain of Fools" / "I Never Loved A Man (The Way That I Love You)" / "Ain't No Way" / "Do Right Woman, Do Right Man" / "Baby, I Love You" / "Don't Play That Song" / "Save Me" / "The House That Jack Built" / "Share Your Love with Me"
De cierta forma, todas las canciones de Aretha Franklin son una canción de gospel. No importa si cantaba de amor, de desamor o de otros placeres seculares (*ejemmm* "Dr. Feelgood"), ella tenía la increíble habilidad de conectar con la gente a un nivel espiritual al apelar a nuestra humanidad. No es necesario creer en un ser superior cuando se trata de música; su iglesia está en todas partes —la pista de baile, la habitación, el sofá en el que decidiste llorar y comer un balde de helado después de terminar una relación.
Pero Franklin empezó su carrera gospel en un sentido más tradicional, y su interpretación llena de sentimiento se hizo evidente desde el comienzo, con tracks como "Never Grow Old" de su álbum debut de 1956, Songs of Faith, que fue grabado en vivo en la iglesia de su padre, New Bethel Baptist Church, cuando ella tenía 14 años. Eso nunca desapareció, y el gospel permaneció como una constante en su carrera. Cantó "Precious Lord" en el funeral de Martin Luther King en 1968 y en el de Mahalia Jackson en 1972. Unos meses después en ese mismo año, su álbum Amazing Grace —grabado en el mejor momento de su carrera como artista secular— se hizo doble platino y sigue siendo el disco de gospel en vivo más vendido de todos los tiempos, así como el álbum con más éxito comercial de su carrera.
Playlist: "Amazing Grace" / "Precious Lord (Take My Hand)" / "What A Friend We Have in Jesus" / "Mary, Don't You Weep" / "How I Got Over" / "Climbing Higher Mountains" / "Never Grow Old" / "Precious Memories" / "Oh Happy Day" feat. Mavis Staples / "God Will Take Care Of You"
Así que ¿quieres entrarle a la Aretha de Columbia Records?
El consenso general sobre el tiempo de Aretha Franklin en Columbia Records es que allí no tenían ni idea de qué hacer con ella. Eso es cierto hasta cierto punto; terminó cantando muchos standards y temas de pop con arreglos suntuoso para intentar aumentar atractivo en todas las audiencias. Pero nada de lo que Aretha Franklin hizo es cercano a ser malo, y en verdad hay grandes tesoros en su catálogo con Columbia. Uno la puede escuchar abrir sus alas y darle su propio toque a "Rockabye Your Baby with a Dixie Melody", su sencillo más exitoso de este periodo, que llegó al número 37 en las listas. Covers como "God Bless the Child" y "Try a Little Tenderness" (que, de hecho, fue grabado cuatro años antes de la versión icónica de Otis Redding) eran temas apropiados para ella pero no lograron triunfar comercialmente.
Su interpretación en canciones como "Nobody Like You" y "Mockingbird" son pistas de lo que vendría luego en su carrera, pero incluso en su versión más dócil, ella estaba a años luz de distancia de todo el resto. Aretha podrá haber florecido completamente en Muscle Shoals unos años después de esto, pero no hay duda de que sus grabaciones con Columbia valen la pena si uno quiere dar un vistazo a esos primeros destellos de grandeza.
Playlist: "Nobody Like You" / "Rockabye Your Baby with a Dixie Melody" / "Try a Little Tenderness" / "Cry Like A Baby" / "Trouble In Mind" / "Skylark" / "God Bless the Child" / "Today I Sing the Blues" / "Mockingbird"
Así que ¿quieres entrarle a las canciones que Aretha escribió?
Tal vez sea por lo difícil que es concentrarse en otra cosa diferente a su increíble voz e interpretación en el piano, o por lo exitosa que ha sido cantando canciones de otras personas (hablaremos de eso en un momento), pero Aretha Franklin no recibe el crédito que merece por ser una increíble compositora. Muchas de las canciones que escribió (o coescribió) están entre sus mejores. Mierda, es que incluso si se hubiese retirado después de escribir "Think" con su primer esposo Ted White, aún la llamaríamos una leyenda.
Pero afortunadamente no lo hizo, y además de coescribir canciones como "Baby Baby Baby" con su hermana Carolyn, Aretha pasó a componer clásicos como la funkera "Rock Steady" y la pegajosa "Spirit in the Dark", donde nos suplica poner las manos en las caderas, cubrirnos los ojos y movernos con espíritu (si no has visto la versión de esta canción de 1971 en Fillmore West con Ray Charles, hazlo de inmediato).
Playlist: "Spirit in the Dark" / "Rock Steady" / "Think" / "(Sweet Sweet Baby) Since You've Been Gone" / "Dr. Feelgood (Love is a Serious Business)" / "Day Dreaming" / "Call Me" / "Baby Baby Baby"
Así que ¿quieres entrarle a las canciones de otros, que Aretha cantó (y mejoró)?
La mayoría de las canciones que ella grabó fueron escritas por otras personas, pero para propósitos de esta playlist, estamos definiendo estas "canciones de otros" como covers de canciones que fueron popularizadas antes por otros artistas. Una de las virtudes más grandes de Aretha Franklin, además de poder cantar increíblemente cualquier cosa, era que podía convertir cualquier canción en una canción de ella. En algunos casos ("Respect", por ejemplo, que pusimos en la sección de "clásicos de Aretha" por obvias razones), su versión se volvió la definitiva. Pero incluso cuando cantaba algunos de los éxitos más amados de otros artistas icónicos de la época, lograba darles un giro, manteniéndose a la altura de las versiones originales y a veces mejorándolas (sin ofender, Paul McCartney, pero la versión de Aretha de "The Long and Winding Road" es arrolladora).
Ella tenía artistas favoritos, y varias veces cantó temas de sus catálogos (como Sam Cooke, quien la inspiró a pasar del gospel a la música secular, y Otis Redding, cuyo tema "'I've Been Loving You Too Long" apareció en su álbum Young, Gifted and Black años después de que declaró célebremente "esa niña robó mi canción", después de haber escuchado su versión de "Respect"). Pero además de las cosas en su zona de confort, Franklin nunca tuvo miedo de abordar temas un poco más inesperados como "96 Tears" de ? and the Mysterians o, más recientemente, "Rolling in the Deep". Ya sea que los haya robado o simplemente tomado prestados, sus covers de los éxitos de otros artistas son prueba de que este es su reino; todos pueden vivir en él, pero es soberanía de la Reina.
Playlist: "A Change Is Gonna Come" / "Bridge Over Troubled Water" / "I Say A Little Prayer" / "Young, Gifted and Black" / "The Long and Winding Road" / "Eleanor Rigby" / "People Get Ready" / "The Weight" / "Son of a Preacher Man" / "You Send Me" / "I've Been Loving You Too Long" / "Rolling in the Deep" / "96 Tears"
Bring Me The Horizon, banda británica de rock/hardcore, se pronunció a través de la BBC en horas de la mañana del 22 de agosto confirmando un tour por Estados Unidos, Reino Unido y Australia, además de un álbum que saldrá a final de año y un nuevo sencillo que lleva por nombre “Mantra”. Según Oliver Sykes, vocalista del grupo, el nuevo álbum bautizado AMO será sobre el amor con sus facetas. “Explorará cada aspecto de esa emoción tan fuerte” fue lo que dijo para la estación de radio del Reino Unido en una entrevista exclusiva con Annie Mac.
Si bien nos tenían acostumbrados al break fuerte de la batería y las distorsiones en álbumes como Sempiternal y Suicide Season, en “Mantra” hay más de lo que fue el That’s The Spirit del 2015: un rock pesado. Es una canción con menos distorsiones y riffs de guitarra estruendosos, pero con más progresiones melódicas acompañadas de la voz de Sykes sin los gritos tradicionales a excepción de ciertas partes. Además parece que en el coro grabaran a la asistente personal del sistema operativo Apple Siri diciendo “mantra” en la frase “cause all you ever do is chant the same old mantra”, lo cual no es extraño por completo, pero si rompe un poco con la canción en general.
Es un single amigable para la radio de casi cuatro minutos que habla sobre una persona reiterativa con quién uno tuvo un amorío y regresa a tocar puertas. Aunque la apariencia de Oliver Sykes pudo significar en algún momento un cambio de rumbo en la música, todavía no hay cambios muy perceptibles en cuanto a género en la banda. Sin embargo, cada vez es menos pesado el estilo musical y no sabemos aún si es para bien o para mal.
Para la banda este disco es de los más experimentales y en dónde cruzaron más ideas de otros géneros. Si quiere revisar el primer sencillo de AMO y sacar sus propias conclusiones, aquí se los dejamos:
Entre que las manzanas no caen lejos del árbol y la tradición familiar puede ser una fuerza de gravedad; nuestro camino en la vida se construye desde que somos pequeños. Para algunas personas les puede parecer frustrante que su ruta ya tenga pavimento, pero hay otras que lo gozan y este es el caso de Óscar Cámara mejor conocido en el house como Jizz.
Desde que Óscar era muy pequeño, la música fue una parte importante de su vida y tanto su padre como su tío son DJs y forman parte del mundo del sonido y los medios de comunicación. Cuando tenía 10 años, su interés por la música despegó al entrar a clases de DJ en una escuela.
La sensación y movimiento que más ha dejado una marca en su trabajo como DJ/productor es el house, sobre todo el toque cariñoso del inigualable Frankie Knuckles. Jizz es uno de los proyectos que tiene Óscar, y la esencia de este alias es reinterpretar la esencia del house noventero usando sonidos de vertientes contemporáneas del género musical.
El lugar de origen y base de operación de Jizz es Mérida, Yucatán. Ahí es residente de Jaguar House y parte de la pequeña pero talentosa movida de música electrónica en Mérida. También ha sacado lanzamientos en sellos respetados como Nervous Records y Pogo House.
Buscamos a Jizz para conocer lo que siente con el house, los himnos de este movimiento cultural, la escena en Mérida y de paso nos regaló un track en exclusiva para sus oídos; disfruten.
THUMP: ¿Qué significa para ti el hecho de tener lanzamientos en disqueras como Nervous Records y Pogo? Jizz: Para mi lo importante y lo más esencial es que cuando empecé a explorar reinterpretaciones del house noventero, me salió publicidad en Facebook de Pogo House y era exactamente lo que estaba buscando. Me puse investigar del sello y me impresionó saber que era lo que necesitaba y a lo que quería sonar, después de mandar unos tracks fui volviéndome uno de los favoritos de Pogo.
En Nervous tengo dos tracks que considero bastante importantes, uno se llama “NY Street” y el otro “Feel It Good”. Traté de recrear la esencia del house de los noventa en estos tracks, era inevitable no hacerlo porque Nervous es muy especial para mi.
Esto fue muy significativo para mi carrera, después de lanzar mi primer track ahí ya no tuve que mandar demos después, ellos me buscaron preguntando si tenía algo nuevo que enviar porque les había gustado mi material.
En marzo de 2019 voy a sacar mi EP en Nervous Records, va a tener tres canciones y un remix de Climbers, también tengo unas vocales que me mandaron las chicas de BLOND:ISH. Va a ser una bomba, siento que puede ser el mejor EP que yo vaya a sacar.
¿Cuál es tu interpretación del house? Considero que el house es el elemento principal para cualquier cosa, mucha música de todo el mundo tiene que ver con este género, también muchos artistas se basan en su sonido. Siento que a varias personas les puede llegar, el house es algo que no le incomoda a nadie.
El house es algo que te hace feliz y que te provoca bailar, no hay ningún track de house que no te haga sentir algo.
¿Cuáles tracks considerarías como himnos del house en los noventa? “Gypsy Woman” de Crystal Waters, “Show Me Love” de Robin S. y “Finally” de CeCe Peniston.
Si pudieras tener una conversación y quizás hasta intercambio de ideas con alguna leyenda del house que ya no está con nosotros, ¿con quién sería y qué le preguntarías? Con Frankie Knuckles, simplemente porque es el padre del house y gracias a gente como él muchos DJs y productores en el planeta seguimos manteniendo vivo ese sonido del house de los noventa en la actualidad. Me gustaría preguntarle cómo creó esos sonidos, qué lo inspiró a hacer la música que sería llamada “house”. Sería increíble platicar con él.
Cuéntanos más sobre tu entorno, ¿en dónde tocas y cómo es la escena de música electrónica en Mérida? Ahora estoy de residente en el Jaguar House, un bar de electrónica formado por un grupo de amigos. Realmente la escena de música electrónica en Mérida trae nivel, no al grado de Playa del Carmen en el sentido de que no hay tanto movimiento de artistas; pero hay muy buenos de techno y minimal.
El detalle de Mérida es que no es tan housero, me ha costado mucho trabajo acoplar a la gente para que vaya cuando voy a tocar, escuchen house. De hecho en la Ciudad de México me dieron mi primer gig chido para tocar y fue increíble porque fue el lugar donde por primera vez pude abrir mi mente.
¿Qué otros DJs de Mérida les puedes recomendar a nuestros lectores? Te puedo decir artistas como tal de Mérida, uno de mis mejores amigos es Dohko y también Gondín que hacen muy buena música. También Andruss, que a mi me parecer es el mejor productor de Mérida. Es un chavo que salió de tocar trance y se pasó a variantes del house. Ya ha sacado material en disqueras de renombre como Bunny Tiger, acaba de firmar con Cuff, tiene bastante remixes.
En Mérida hay muy buenos DJs pero tenemos pocos productores.
Ya que estamos estrenando tu track llamado “Funky Tip”, dinos de qué va y la historia detrás de este sencillo. Este track lo hice hace un año cuando fui al Ultra en la Ciudad de México––pude ir gracias a que me llevó Exa FM de Mérida––llegué al hotel muy temprano y no tenía nada que hacer, entonces me puse a trabajar en la laptop. Estaba escuchando una rola de Earl & Kofi llamada “Sure Thing”, la tocan Disclosure en su Boiler Room de Shangai; el sampleo que usaban me voló la cabeza, así que la descargué enseguida, pero me encontré con un obstáculo porque no sabía de dónde venía.
Fue un problema lograr rastrear el origen de ese sampleo, pero lo logré gracias a que me lo ripeo un amigo en un CD; el sample es de “Change” que la hace Donald Byrd.
Una vez que lo conseguí me puse a trabajar en el track, investigué más de sampleos, saqué más sampleos del mismo que tenía y logré toda una capa de sonidos. “Funky Tip” tiene house, disco y funk, los tres elementos en uno solo; me encanta cómo quedó.
A estas alturas es bastante conocido que hoy en día, Estados Unidos no es el mejor lugar para vivir si no eres un hombre blanco. Desde la llegada de Donald Trump a la presidencia, todas las minorías han sido objeto de gran discriminación, y hay un gran sector del país que explícitamente ha tomado una postura anti-latina desde que en su campaña Trump prometiera crear un muro en la frontera con México para evitar que los “bad hombres” cruzaran. Todo tomó un torno más deprimente con la deportación masiva de indocumentados y la separación de niños de sus familias en centros de detención donde han recibido tratos poco humanos. Las cosas no van bien.
Culturalmente, podría esperarse que el status quo refleje esta situación, pero vemos lo contrario: un dominio de latinxs en las listas pop. “Despacito” de Luis Fonsi y Daddy Yankee llegó al número 1 de las listas Billboard y está empatada como la canción que más tiempo ha pasado en el tope del listado. Cardi B se ha convertido en la gran protagonista del pop actual con canciones que también han llegado al número 1, como “Bodak Yellow” y “I Like It,” la última con J. Balvin y Bad Bunny. No hay artista pop hoy en día sin una canción que cuente con el beat dembow en algún sencillo o el deseo de hacer un remix en español. Como tal vez no había pasado, lxs latinxs están a la cabeza de la música pop.
Y no solo podemos hablar del mainstream. Fuera de las listas de popularidad, encontramos a muchas bandas que operan a un nivel independiente en varias ciudades del país que están logrando la hazaña de inyectarle emoción a las guitarras. Los resultados son consistentemente increíbles. Estos actos tienen un lugar especial: por un lado desarrollan su identidad a través de su música, mientras que en otro lado pueden irrumpir en espacios más allá de las comunidades latinas, como pueden ser festivales multitudinarios. Es en este escenario que encontramos a Tropa Mágica (Los Ángeles), Dos Santos (Chicago), Native Sun y La Mecánica Popular (ambos de Nueva York). Platicamos con miembros de cada uno de estos proyectos para conocer mejor su historia.
Tropa Mágica. Ilustración de #Deladeso
“Es como el personaje de Edward James Olmos en la película de Selena,” dice David Pacheco, quien junto con su hermano René forman Tropa Mágica. “‘Es difícil ser mexicano-americano porque tenemos que probar a los mexicanos qué tan mexicano somos y tenemos que probar a los estadounidenses qué tan estadounidenses somos.’” David cuenta cómo al principio sentían inseguridad al incluir cumbias en sus sets dominados por canciones de punk, pero al ver a los Kumbia Queers, dejaron de preocuparse por eso, desarrollando más su sonido y cambiando de nombre (originalmente se conocieron como Thee Commons).
“Hay un elefante en el cuarto y una realidad que se vive día a día en nuestra sociedad”, dice Danny Gómez, vocalista y guitarrista de Native Sun. “Si creces como migrante, entonces encaras discriminación, pero eso crea motivación y pasión más fuertes. Estamos enojados pero nos gustaría dar algo positivo al respecto”.
“También vivimos en esta burbuja que es Nueva York donde encontramos gente de todos lados en nuestra vida diaria,” agrega el baterista Alexis Castro. “La escena aquí —aunque está compuesta predominantemente de hombres blancos con chamarras de mezclilla—, nos ha extendido una bienvenida bastante cálida. Ahora que salgamos de gira me da curiosidad cómo cambiará esa reacción.”
Por otro lado, Efraín Rozas, fundador de La Mecánica Popular, difiere de las declaraciones anteriores. “Para ser honesto, no conozco las experiencias de otros y por eso no me puedo comparar con nadie. Mis proyectos siempre se han movido a una escala menor y todo se promueve de boca en boca, no me interesa el marketing”.
Alex Chávez de Dos Santos tiene una postura intermedia. “No portamos una sola identidad como etiqueta, pero si llevamos nuestras identidades para ser tomadas en cuenta en la actual conversación, tanto por la música como por el panorama cultural y político en el que vivimos. Por eso pienso que [Logos], nuestro disco, es muy oportuno porque representa una declaración dignificada de nuestra estética en un momento donde quienes somos se está devaluando y deshumanizando.”
Dos Santos. Foto de Andrea Falcone
Hay un legado fuerte de aportes latinos a la música de Estados Unidos desde principios del siglo XX, tanto en géneros y movimientos muy reconocidos como el boogaloo, Santana y Fania Records, así como contribuciones importantes al rock, hip-hop y pop. Esta nueva generación, más que otras, conoce bien este legado y lo puede usar a su conveniencia artística.
“Representamos música contemporánea progresiva panamericana que toma nuestras influencias latinoamericanas —nuestra herencia ancestral— así como nuestra experiencia latinx estadounidense. Queremos comunicar una experiencia porque tenemos un sonido y un mensaje, y ese mensaje es tomar espacio bajo nuestros términos” dice Chávez, cuya banda Dos Santos acaba de lanzar Logos a través de la disquera experimental Northern Spy, casa de Arto Lindsay y The Necks. Logos muestra una fusión de punk, improvisación, funk, jazz, cumbia y muchos estilos más a manera tanto orgánica como discordante, logrando un gran trabajo.
Las bandas latinas en Estados Unidos toman una oportunidad importante, tomar sonidos de los diferentes países de donde ellos vienen —inclusive los que se asocian burdamente con nuestra gente— y darles giros frescos y oportunos, reapropiando y mutando hasta crear algo nuevo. Y en el proceso, generando nuevas formas de una identidad que sea flexible y refleje realmente nuestra evolución como sociedad.
Muchos experimentos muestran la aleación de varios géneros en las mismas canciones, mientras que otros prefieren mantener esos guiños de manera sutil. En este segundo campo encontramos a Native Sun, cuyo lineup incluye a dos mexicanos y un colombiano. Su más reciente EP, Songs Born From Love and Hate se concentra más en el lado guitarresco de su natal Nueva York —aquellas noches legendarias de exceso en el CBGB’s y Max’s Kansas City de los años 70— pero su sentido melódico presenta raíces netamente latinas. “La cultura norteamericana no solo es blanca”, dice el vocalista Gómez. “De esta manera, combinamos la música que amamos a nivel subconsciente, las cosas pueden ir de los Rolling Stones a Caetano Veloso”.
Native Sun. Foto original de Rachel Cabitt
Por otro lado, Rozas siente que hay que tener mucha consciencia para que la identidad latina no se confunda. “Hay buenas intenciones cuando elogian al Mac Demarco latino o a la Beyoncé latina, pero al final tratan de alinearse con el estándar norteamericano. No tengo nada en contra de ellos pero debería haber más plataformas para lo original, música que propone una latinidad diferente. Híbridos que nos enseñan cómo las culturas pueden dialogar, tomando formas diferentes e inesperadas”.
Rozas ha dedicado su vida a la experimentación, estudiando etnomusicología, lanzando grabaciones de arte sonoro bajo su nombre propio nombre y entrándole a la cumbia con La Mecánica Popular, cuyo álbum del 2018, Roza Cruz, fue inspirado por el trabajo de los años 70 de Miles Davis y el dub jamaiquino, para agregar a su habitual mezcla de cumbia, salsa y chicha.
“Me mudé a Estados Unidos cuando tenía siete años y en mi infancia sentí la presión de asimilarme,” recuerda Danny Gómez de Native Sun. “Desde que era pequeño intuía que la sociedad quería que me avergonzara de ser migrante. Conforme fui creciendo ese sentimiento fue desapareciendo y ahora me siento orgulloso de mi cultura. Esto es muy relevante para nosotros porque sentimos que le falta diversidad al rock n' roll”.
Mientras que muchos celebran su dualidad, hay otros que prefieren verlo de otra perspectiva. El vocalista de Dos Santos nos comenta su manera de entender la situación de Estados Unidos. “No hay binario entre ser americano y latinx, nunca no lo ha habido. Estados Unidos es parte de América Latina —cuando piensas en la demografía, la concentración de latinxs en la población de EEUU y el hecho de que un idioma importante de EEUU es el español. Si entendemos esta realidad panamericana, podemos dejar de reforzar la noción cultural de la frontera al punto que también dejemos las falsas narrativas de la autenticidad y la no-autenticidad cultural, lo cual es un mito”.
Sin embargo, el alto mando del gobierno estadounidense quiere resaltar las diferencias raciales entre los "estadounidenses" y “los demás,” un argumento reforzado por prejuicios raciales e ignorancia. En momentos donde las comunidades se ven amenazadas, en un estado de protección y supervivencia, el modo de actuar y pensar se va afinando, lo cual puede tomar formas que transforman la pesadilla que viven en algo positivo y mejor.
Para Rozas ha significado un enfoque a librarse de influencias estadounidenses/europeas a la vez de trascender los estereotipos que se pueden tener de la música latina. Para Dos Santos la situación ha inspirado una narrativa en su música donde, a través de personajes ficticios, reimaginan y rebelan ante las fronteras para encontrar puntos de conexión.
“[La situación anti-latina] ha creado mayor solidaridad entre la comunidad artística latina de EEUU,” dice David Pacheco de Tropa Mágica, quienes hace poco lanzaron el sencillo “Koopa Cabras.” “No te voy a mentir, no entraré en detalles pero definitivamente nos ha afectado directamente y ha creado algunos topes en el camino que han amenazado la integridad de nuestra alineación. Pero hemos perseverado”, dice Gómez sobre Native Sun. “Es decir, ¿cómo puedes despertar y ver niños de todos nuestros países ser encerrados en campos y seguir con tu día normal? Toda la atmósfera política del país son un insulto al ánimo diario.”
Una escena musical diversa y con muchas aristas, sin una definición clara, pero en el frente de una batalla simbólica que nos compete a todxs lxs latinxs.
Novalima es una savia que recorre desde la raíz hasta la copa del árbol. Un grupo que enlaza aquella diáspora africana que hace cientos de años se asentó en la costa peruana -donde se fue juntando con los instrumentos de Europa y de los Andes-, con las sonoridades contemporáneas. Ha sido también el viaje de cuatro amigos: el de Ramón Pérez-Prieto, Grimaldo Del Solar, Rafael Morales y Carlos Li Carrillo. Uno que empezó con la complicidad del colegio y de tener sus primeros toques en la escena underground del hardcore punk de los 80 y en la psicodelia del acid rock de los años 90, y que poco a poco fue agarrando nuevos rumbos. Caminos que llevaron a estos hijos de artistas e intelectuales, estudiosos y viajeros, hasta el poder de las músicas tradicionales, las cuales mezclaron con las texturas de la electrónica.
Todo aterrizó en Novalima: un grupo que se empezó a gestar en el año 2001 y que está celebrando 15 años desde el lanzamiento de su primera producción homónima. Arrancó como un colectivo y es ahora una fuerza musical con siete producciones, ocho integrantes y la venia tanto del público como de la crítica, de la superficie y la movida subterránea. The Guardian, Wall Street Journal, La Presse, Billboard, Giant Step, Remezcla han reseñado sus logros y su sonido ha conquistado desde bares limeños hasta escenarios en el Central Park de Nueva York o el Festival de Jazz de Montreal.
Este es un recorrido a través de seis canciones fundamentales que han marcado su transformación musical durante estos 15 años de cerrar brechas, traspasar fronteras y transmitir herencias, a propósito de su gira y presentación en Bogotá.
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"Nueve Dragones" Novalima (2003)
Cuando los cuatro fundadores de Novalima empiezan a mezclar los sonidos afroperuanos con la electrónica, estos vivían en diferentes partes del mundo: desde Londres, Barcelona, Hong Kong y Lima, fueron intercambiando ideas que dieron paso a su álbum debut, homónimo, en 2002. “Nueve Dragones” es una perfecta muestra de esta producción, pues tiene ese filtro lounge, placentero y fácil de oír, con toques de jazz, bossa nova y elementos de la percusión afro. Es además, tanto la canción como la producción en su totalidad, claras hijas de su tiempo, pues hacia finales de los 90 la industria discográfica posicionó esta estética lounge que también tuvo repercusión en latinoamérica y los sonidos que se recibían y se hacían, como se evidencia en canciones de esos años como “Dame tu querer” de la agrupación colombiana Sidestepper, “Simple” de la argentina Natalia Clavier o “Sueño Mama” de Roberto Poveda, por mencionar algunos ejemplos . La respuesta del álbum excedió sus expectativas y tuvo ventas de platino en Perú.
"Bandolero" Afro (2006)
Para el siguiente disco invitaron a más músicos afroperuanos a unirse a sus sesiones de grabación. El resultado fue Afro, que se estrenó en todo el mundo en el año 2006 y que les abrió las puertas internacionalmente. Como “el espíritu y el alma del blues peruano en el siglo XXI”, lo calificó el London Metro Evening Standard y ocupó el puesto número 1 en el US College Music Journal Latin Alternative y New World Radio Charts durante diez semanas conjunto. La canción “Bandolero” tiene la intención más marcada hacia los patrones afroperuanos a nivel de percusión, y se empieza a consolidar un método de composición de la banda: sobre dichos patrones traer la electrónica y no al revés, logrando mantener así el sonido de raíz. Así, Novalima abre la puerta a un mundo no tan explorado: el de la música afroperuana que, en un país de fuerte herencia indígena, nunca tuvo la explosión musical que ocurrió en los años 70 y 80 con la chicha. La hipnosis que lleva al baile se vuelve su sello y búsqueda.
“Coba Guarango” Coba Coba (2009)
Con el tiempo, a la alineación de la agrupación se integran nuevos músicos afroperuanos, lo que la transformó en un espectáculo en vivo intenso que empezó a girar por el mundo. En su álbum de 2009 Coba Coba, lanzado por el ya emblemático sello Cumbancha, Novalima amplió la fórmula y arrancó a generar nuevos diálogos musicales. En Perú sólo el 5% de la población tiene ascendencia africana y se ubica básicamente, y generalizando, en tres comunidades: una al norte de Lima, llamada Zaña y otras dos a unos 120 km llamadas Cañete y Chincha; todos territorios que funcionaron como haciendas donde trabajaban africanos traídos como esclavos. Para Coba Coba, este núcleo sonoro se empieza a encontrar con otros resultados musicales de la diáspora africana: con el reggae, el dub, la salsa, el hip-hop, el afrobeat, entre otros. Con su tema “Coba Guarango” estos encuentros se hacen evidentes, además de ser un tema con un video que plasma con imágenes el nervio de la música de Novalima.
“Guayabo” Karimba (2012)
Luego de dos años de constante gira, la banda se reunió en su estudio en la ciudad de Lima para grabar y mezclar el álbum Karimba. La exploración no cesó, pero buscó nuevos horizontes. En esta ocasión introdujeron ritmos tradicionales como el panalivio, un lamento parecido a la danza habanera; el zamacueca, un baile de asedio amoroso proveniente del área andina; el ingá, un ritmo erótico-festivo representativo del mestizaje peruano y el tondero, derivado de la fusión de la música traída por migrantes desde el sur de España y el este de Europa con sonidos indígenas. Junto a lo anterior, siempre manteniendo su distintivo sonido afro y dub. Trabajaron en la producción con los mejores músicos tradicionales de la ciudad: Pepe Vásquez, Rosita Guzmán y Sofía Buitrón, o los guitarristas Roberto Arguedas y Félix Casaverde -ex guitarrista de Chabuca Granda. “Guayabo” es un tema que muestra ese diálogo e introducción de nuevos elementos en la percusión de otros ritmos tradicionales.
“Como yo” Planetario (2015)
En medio de las giras, durante el año 2014, Novalima grabó un nuevo álbum llamado Planetario, que lanzó Wonderwheel Recordings. Este tiene una fuerte conexión con Colombia. Su sesión de grabación fue en Bogotá y estuvo organizada por miembros de La-33. En esta, además de la agrupación de salsa colombiana participaron Eka Muñoz de Sidestepper, el cumbiambero psicodélico Humberto Pernett y la potencia de la salsa brava de integrantes de la Mamba Negra. También incluye artistas como el inglés Marc de Clive Lowe y el rapero cubano Kumar. El sencillo "Como Yo" es un homenaje al legendario percusionista peruano y miembro de la banda desde su inicio Mangue Vásquez, quien falleció en el año 2012. En él se celebra la vida con canto y danza. El álbum lo promovieron en una gira por Estados Unidos que incluyó más de 40 espectáculos y luego por Europa.
"Ch'usay" Ch'usay (2018)
Luego de un descanso, la banda vuelve a mirar hacia adentro, hacia Perú. Además de la herencia africana, iniciaron una exploración de sonidos antiguos, idiomas e instrumentos de los Andes y el Amazonas. Este nuevo álbum bautizado Ch'usay -Voyage in Quechua, el idioma nativo de los Inkas- ya tiene un sencillo homónimo que propone un viaje que en simultáneo nos lleva por las montañas y las selvas de la patria natal de Novalima.
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Novalima termina su gira en Bogotá este viernes 24 de agosto a las 8:30 pm, en el marco del Festival Tempo Trópico en el Teatro Colsubsidio. +Info acá.
El pasado 21 de agosto hubo una rendición de cuentas en West Virginia del presidente estadounidense Donald Trump. Allí pusieron “Livin’ on the edge” de Aerosmith mientras llegaba el dirigente republicano y Jim Acosta, periodista y corresponsal de CNN de la Casa Blanca, grabó un video del evento.
Dos días después el medio estadounidense CBC reveló que tenía en su poder una carta de cese y no repetición que redactaron los abogados de Steven Tyler, vocalista de Aerosmith, dirigida a la Casa Blanca para pedir que su música no volviese a ponerse en este tipo de eventos.
Además de la carta, el rockero de 70 años pusó en su Twitter que no era un tema de republicanos vs. demócratas. “Mi música está hecha para causas, no para campañas políticas o rendiciones de cuentas”, añadió haciendo saber que él y Joe Perry, guitarrista de Aerosmith, están presionando al senado para que aprueben el Acto de Modernización de Música que busca fortalecer los derechos de autor. Sin embargo, no ha tenido un avance prominente aunque se haya empezado desde la administración de Obama.
Pero si nos ponemos a mirar Mr. Trump ya ha hecho uso de las discografía de Aerosmith en veces pasadas. Alguna vez, por allá en el inicio de su carrera por la presidencia, empezó la pelea con Tyler al usar “Dream On”. Como era de esperarse el rockero le pidió que no la usara, a lo que el dirigente, muy habituado a generar polémica en redes sociales, contestó:
Si seguimos mirando con detenimiento, no solo Tyler ha pedido que no pongan más su música en este tipo de eventos. Artistas de la talla de Adele, Neil Young y bandas como los Rolling Stones también han pedido a la administración no ser parte del playlist de sus apariciones públicas. De hecho Michael Stipe, vocalista de R.E.M., cuando se enteró que “It’s the end of the world as we know it” era usada en la campaña republicana de Trump, no se puso muy contento.
Ahora esperemos a ver con qué música oficializará sus actos Trump ¿Taylor Swift?
