En 1993, los melómanos Alan Parry y Brian Behlendorf crearon un foro en Internet donde se registró por primera vez el término "intelligent dance music". El sitio que llevaba por nombre IDM List —pensado para que las personas discutieran la compilación Artificial Intelligence de Aphex Twin con el sello Warp de 1992 y cualquier otro tipo de electrónica introspectiva—, se volvió una adicción para fans y artistas (Darren Emerson de Underworld y Jon Drukman de Ultraviolet Catastrophe eran usuarios regulares). No cumplía todavía un año IDM List y ya la disquera Warp metía algunos de los mensajes del sitio en el arte de la segunda compilación Artificial Intelligence.

Los fans del IDM hicieron usos ingeniosos de la web 1.0 para comunicarse a través de lo que llamaron "vrave", un sistema de chat raver donde /H significaba "un abrazo" y /S significaba "besos". Muchas veces hacían vraves en sus fiestas, a través de computadoras que conectaban con otros ravers a miles de kilómetros. Aún así, IDM tiene un legado complicado. Casi nunca se habla de los fans de este género y cuando sí, es para menospreciarlos. El nombre del subgénero no desapareció, pero ha sido criticado por artistas, periodistas y hasta usuarios de List. Algunos dicen que la supuesta complejidad del IDM no lo hace más "inteligente" que cualquier otra forma de música dance (igual hay algo complejo acerca de "Xtal", la canción epítome del género).

Otros cuentan que la mayoría de artistas que aparecían en List eran hombres y blancos. Entre más lo mires, la historia del IDM —que le debe mucho a los artistas de Detroit como Derrick May, Kenny Larkin y Gerald Donald— más se parece a la historia del rock'n'roll: música de negros que se populariza por músicos blancos. ¿Qué piensan los usuarios de IDM List del foro hoy en día? ¿Eran melómanos que se volvieron en un chiste interno serio? ¿Y Richard D James alguna vez se inmiscuyó en esos mensajes como dice el mito? Me puse a preguntar para encontrar estas respuestas.

Alan Parry, cofundador de List

¿Quién apareció con el término "IDM"? Creo que es Brian Behlendorf, jaja. Es increíble como 25 años después ojeo una revista y leo acerca del IDM, que surgió en una discusión en el cuarto de Brian. Nosotros nos "conocimos" en internet, virtualmente, y después fui a San Francisco donde discutimos la creación de IDM List. Incluso en el inicio de la historia de Aphex Twin, estuvo el misterio de quién era él y de dónde era. Quería saber quienes estaban haciendo estas canciones. La única forma para darme respuesta era conectarme con otras personas y hablar con ellas.

La música era mi vida. En el barrio donde yo vivía en Baltimore, hacíamos fiestas con personas como Autechre y μ-Ziq. Hasta hicimos un álbum en un punto: los usuarios de List mandaban sus tracks que se ponían en votación, los mejores entraban en el CD. Recuerdo dárselo a los chicos de Autechre y lo menospreciaron un poco [risas]...

El tema de raza o género nunca fue tan relevante. Mucho del IDM no tenía rostro, ese era el punto, ¿no? Las portadas de los discos rara vez mostraban humanos de algún tipo. Tal vez hicieron una decisión consiente de no mostrar quiénes o de dónde eran.

Jon Drukman, artista (Ultraviolet Catastrophe, Bass Kittens) y ex miembro de List

Era totalmente adicto a IDM List. Era un club exclusivo. No tenías YouTube o Spotify; si querías entrar, tenías que irte a mirar estantes en Tower Records o tiendas especializadas de DJ. No tenía idea de cómo se veían los otros chicos de List o cómo era su voz: lo único que teníamos era palabras en una pantalla y un amor compartido por una música esotérica. Hablar de ello se sentía importante, valioso.

Obviamente muchos de los pioneros del house y el techno eran negros. Por alguna razón, en la primavera del IDM los músicos y oyentes eran blancos. La web para ese entonces no existía. Estar en internet no era fácil. No había Google para ayudarte a encontrar List. Tenía que ser algo de boca a boca en su mayor parte y si tu eras un nerd blanquito, la mayoría de tus amigos serían nerds blanquitos.

El nombre fue siempre un poco maldito. Un puñado de chicos blancos con computadoras llamando "su" música dance "inteligente" era sospechoso. De lo que recuerdo a la gente le gustaba Riz Maslen, Mira Calix y Andrea Parker. Había una guerra alrededor de Björk y "cómo se atrevía ella" a desintegrar LFO, pero no creo que fuera motivado por el sexismo. Igual, como un chico nerd blanco no estoy equipado para juzgar eso correctamente.

Simon Reynolds, autor de Energy Flash ex suscriptor a IDM List

Yo llegué a IDM List mucho después de su aparición, a finales de los noventa creo, pero no como participante - en verdad como un observador, monitoreando una subcultura y su discurso. No creo que sea injusto describirla como muy de blancos y muy de hombres. Es difícil decirlo con tantos alias que había, pero se podía sentir, ¿no? Además la cultura de los fans de IDM era un reflejo de los artistas: hombres y blancos.

A mí me gustaba mucho el IDM, le hacía reverencia a Aphex, Luke Vilbert, Oval et al, pero sentía que la cultura de los fans tenía una superioridad equivoca basada en muy poco. Aristas como Squarepusher no hacían algo más allá con la ciencia del breakbeat que no hubieran hecho 4hero, Omni Trio, Goldie y docenas de otros productores de jungle y hardcore años antes.

Autechre hacían beats anti groveros novedosos pero imposibles, fisicamente, de bailar. Qué tan crucial era esto dependía en que tanto valor le dabas al grove y al baile. Los fans no ponían nada de "baile" en el "intelligent dance music". La música que era funcional -para bailar- era considerada de alguna manera menos que la música no tan funcional y puramente experimental o atmosférica. Parecía una subcultura nerd, más feliz en casa con un montón de sonidos raros que afuera en el los espacios colectivos sociales de raves y clubes.

Creo que es un termino problemático, pero el género y su discurso son hechos sociales y realidades históricas -creo que intentar borrar eso es un impulso extraño. También se produjo buena música que trascendió cualquier miedo por la forma en que los fans y la crítica lo veía.

Mike Brown, curador de contenido de Hyperreal y miembro de List

Hasta en el 93 la palabra "IDM" no era algo que nos tomáramos seriamente. Solo eran tres letras sin un significado particular más allá de la forma en la cual nuestra pequeña comunidad nerd se refería al tipo de música dance que nos gustaba. Nadie buscaba crear el nombre de un género o decir que los artistas y fans eran genios.

¿Recuerdan lo temerario que sonaba todo ese rave hardcore techno antes? ¿O el sonido más de club para mover el culo del house? Bueno, como los punkeros amaban el punk, nosotros amábamos esa música "tonta"; nosotros movíamos el culo a ese ritmo. Pero al mismo tiempo algunos de nosotros amábamos esa otra, "no tan tonta", música que era más experimental, menos bailable.

Por un lado, a todo lado que he ido, entre fans, promotores y DJs, parecía que la diversidad no fue nunca un problema -de todas maneras dudo para afirmarlo hoy. Al menos, todos los que he conocido trabajaron y trabajan para ser lo más inclusivos posible. Por el otro lado, no soy ciego. La demografía de los discos IDM que teníamos mostraba que fueron bien recibidos en los 2000. Creo que el "por qué" de la falta de representación, en el pasado y en el presente, debe ser dirigido a las personas en esas comunidades. La gente debería estar más interesada en lo que tiene que decir Carl Craig o Mira Calix que en lo que yo podría decir.

Mira Calix, artista firmada de Warp

Yo diría que las personas en IDM List eran hombres jóvenes blancos en su mayoría, pero para entonces la música representaba eso mismo. Yo era la única mujer artista en Warp. Debemos y podemos ser críticos de eso, pero al mismo tiempo si el sello discográfico no sacaba mucha música hecha por mujeres, los niños no iban a hablar de la música hecha por mujeres.

Mi sello no era un medio ambiente hostile, era solo una falta de mujeres buscando lugar y falta de oportunidades. No era una cultura del mero macho. De lo que sé, List no era particularmente mero machos; creo que era algo más geek. Ese es un rasgo un poco más masculino: lamento decirlo. Eso no significa que las mujeres no escarben en los discos -obviamente, estás hablando con una chica que es una geek o sino no estaría haciendo esto [risas], pero creo que es justo decir que casi siempre son más los hombres...

Antes habían muy pocas mujeres sacando música o presentándose -muy pocas- y todavía lo son. Olvídense del género: eso pasa desde el maldito drum and bass hasta en las sinfonías. Vemos mujeres muy montadas en la música como Beyoncé y Rihanna entonces pensamos que las cosas se balancearon, pero actualmente las mujeres son una minoría en la industria, aún 20 años después.

No creo que nadie en Warp se sentara a ver List; no éramos lamesuelas ni mansos. Lo que se apreciaba era el apoyo, porque eso creó una cultura, una escena, una nueva forma de comunicarse: gente en línea, esa era la primera red social. No sabía nada de los mini-raves -¡eso es muy cool! Creo que eso no pasaría con una banda de rock. Porque la música era hiper-experimental y tenía una conexión con la tecnología atraía a ese mismo tipo de personas.

Recuerdo algunos artistas en Warp retractándose, diciendo "¿IDM?, suena pretencioso?", pero mirando en el retrovisor, solo era un nombre Como llamar algo garage o house. ¿Acaso Richard [D James] usó la lista? [risas] ¿Tú qué crees? Algunos artistas en List eran visibles y otros eran invisibles...

En la mañana del 3 de agosto, Nick Carter, la voz más joven de la boy band noventera, fue acusado de haber abusado sexualmente a una mujer en el 2003 y se suma a la lista de abusos como el de Kesha, Alice Glass y Chloe Howl. Según informó el medio estadounidense E! News, el teniente Saul Rodriguez aseguró: “Puedo confirmar que en febrero del 2018 llegó una supuesta víctima de Carter. Se procedió a investigar en los meses siguientes y el caso se presentó al fiscal el 31 de julio”. Aunque la víctima aún no tiene rostro, el año pasado Melissa Schuman, cantante en la extinta banda Dream, posteó en su blog que el Backstreet Boy la había violado en el 2003 mientras trabajaban en la película The Hollow. No por esto hay seguridad de que la cantante haya sido quien interpuso el reporte en la policía, aunque en febrero de este año puso en su Twitter el siguiente mensaje.

Regresando al post de Schuman, no solo cuenta cómo fue todo el suceso, sino que consultó con su abogada para revisar qué se podría hacer. La única respuesta que obtuvo fue que los abogados de Carter eran muy poderosos y no solo terminaría perdiendo la demanda, sino afectando su carrera artística. Poco después del post de Schuman, Carter envío un comunicado a varios medios donde afirmó que se sentía “sorprendido y triste” por las acusaciones porque siempre había sido muy “respetuoso y alentador” con ella.

Aún no hay más detalles del proceso, ni de la denuncia, pero todo esto está sumergido en el escándalo de abusos sexuales en la industria creativa en el mundo de la música que bien pudo empezar con Kesha y Dr. Luke. Ya veremos qué vendrá para Nick Carter.

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Para la gente que consume rap hecho en México el nombre de Mike Díaz guarda un especial sabor en el paladar cuando se menciona, como uno de los más complejos y singulares artistas del género, un chamán de objetos verbales que hipnotiza serpientes con las sílabas. El originario de Aguascalientes (donde todavía reside), es una bestia lírica que, desde hace un par de años, sufrió un renacimiento como persona y como artista que comenzó con el estreno de "Ser Galáctico" y culminará con el estreno del segundo disco de Mike. En el inter, ha estrenado otros cuatro temas y tres videos y el material en su conjunto indica a que es una de las entregas del año.

"Kintsugi" es el último tema con video que sacó, una exploración sobre las parejas, el amor y el desamor, que tiene capas como cebolla. Mike nos regaló estas palabras al respecto de qué significa y de cómo compuso el tema: "'Kintsugi' viene del japonés, el arte que trata de admirar la belleza que hay en las cicatrices, es motivo de orgullo, y por lo tanto me gustó esa onda, esa filosofía como para ponerle al título, ya que la canción habla de rupturas, de relaciones y de karmas instantáneos, aventuras. Entonces esta canción sí tiene un poco de mí y de otras personas, ya que yo en realidad nunca me he enamorado de una sexoservidora, pero me gustó el tema.

Yo creo que todo el mundo ha buscado una aventura en algún momento , en alguna relación o a lo mejor la va a buscar en algún momento. Sin embargo, yo creo que todo caemos en esa monotonía de la relación y es parte de ¿no? Y fue intentar retratar algo que no hemos escuchado en otras canciones y menos en el rap y fue como tratar de fotografiar ese momento y llegar a otro nivel.

Yo nunca había hecho un tema así, pero me sentí cómodo, me sentí bien, sí estaba chido fluir distinto, una manera más suave. Este beat es de Endrizzy Beats, desde Estados Unidos. También hay unas voces que no son sampleadas, sino son de Gabriela Bernal de un grupo que se llama Jade de acá de Aguascalientes y creo que se escuchan muy elegantes.

Dale play a nuestra playlist con canciones favoritas del 2018 y checa abajo las otras canciones que metimos en nuestra actualización de esta semana.

Yashua - "Pena"
Cuco + Clairo - “Drown"
Hodari - “Teu Popô"
Hadrián - “Ex"
Lao Ra - “Patrona"
Ramona - “Párpados"
Bándalos Chinos - “Tu órbita"
Bejo - “Perogrullo"
Jesse Baez - “Tema 1 (SWOOSH)"
Babasónicos - “La pregunta"
Chini and The Technicians - “Siempreviva”
Armisticio - “Terminales"
Caja fresca - "Estrella fugaz"
La Otra Cara de la Nada - “Nada Que Ver"

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La necesidad de crear el tipo de música que estuviera ahí pero al mismo tiempo rondara al imaginario creativo de la comunidad artística desde hace cien años. Así, Erik Satie sembró discontinuidad en el pensamiento musical con su idea de la música mueble o música de mobiliario––música fundamentalmente industrial para las ocasiones en las que la música no tiene nada que hacer; ahí donde tocamos valses, fantasías de óperas u otras cosas similares escritas para otros propósitos. Satie argumentó en su correspondencia de 1918 con Jean Cocteau que, hasta el momento habitaron ambos, no era menester de la música cubrir necesidades utilitarias.

Aquí la necesidad de una nueva categoría para esta música que crea vibraciones y no tiene otro objetivo más que ese; por lo que su tarea es la misma que la del papel, la luz, el calor y la comodidad en todas sus formas. La epifanía de Brian Eno al crear el concepto, el primer disco y finalmente la serie de Ambient Music, no hace sino llevar rumbo al siglo XXI el pensamiento de Satie, enriquecido y realizado a través de las innovaciones teóricas, estéticas, filosóficas, musicales y técnicas de John Cage, quien sentenció que frente a nuevas músicas eran necesarias nuevas formas de escucha, prestar atención a la actividad de los sonidos––frente a siglos y siglos en los que la musicalidad era lo preponderante—e invadir áreas donde nada es definitivo.

Si eso que a grosso modo la mente colectiva entiende como ‘música electrónica’ representa uno de los fenómenos culturales decisivos para que el siglo XX mudara de piel y se convirtiera en XXI, el ambient, como subgénero que forma parte del conglomerado, le da a la electrónica muchos de sus rasgos de naturaleza más extrema. Perfume continua lo que Satie, Cage y Eno—para quien las esencias y los olores forman parte de su camino en una permanente reflexión frente al sonido— iniciaron, y te invita para que encuentres por ti mismo nuevas formas de escucha a través de música que puede, o no, ser ignorada, estar o no estar ahí.

Perfume es un espacio de música ambient en LABOR. En su segunda edición presenta este sábado 4 de agosto a Camille Mandoki y Arcangelo Constantini / spestri.

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El modelo y artista canadiense famoso por sus tatuajes y por ostentar el récord de mayor cantidad en el cuerpo fue siempre un amante del punk y su estilo de vida como cuenta The Guardian. Además, Zombie Boy tuvo una vida alterada pasando por un tumor en el cerebro de niño y viviendo un tiempo en la calle durante su adolescencia, lo que lo llevó a encontrar el arte y hacer performance con su cuerpo, pero también a una fuerte carga emocional. Según iHeartRadio Canadá, que citó los reportes de la policía, la posible causa de muerte es suicidio pero aún no hay nada esclarecido.

La empresa que manejaba sus contratos como modelo, Dulcedo Management, confirmó a las 10 de la noche del 2 de agosto su fallecimiento y sumó un mensaje de despedida.

Lady Gaga, quién trabajó con él en el video "Born This Way" del 2011, dijo lo siguiente a través de su twitter horas después de que se confirmara la muerte de Genst:

Después volvió a trinar acerca de la necesidad de buscar a alguien en caso de sentirse deprimido.

Algunos otros de los personajes con los que trabajó Genest fueron Keanu Reeves y Jay Z. También, antes de morir Zombie Boy, se encontraba con Mike Riggs, el ex-guitarrista de Rob Zombie, creando música. Lo despedimos de este mundo con el mensaje que dejó en Instagram el mismo día que murió, pero que se borró poco después de su cuenta.

Durante la segunda mitad del Siglo XX el mundo se dividió en dos. Por un lado estaban los soviéticos con sus ideales socialistas y su plan de expandirlos hacia otros países y por el otro, los americanos en su intento de frenarlos y supuestamente, defender el sistema capitalista y democrático. Una rivalidad entre dos súper potencias por la hegemonía política, militar y económica del planeta que resultó en todo tipo de revoluciones y golpes de estado en pequeñas y medianas naciones, donde la violencia y la muerte terminaron decidiendo con cual de los polos se iban a unir.

Latinoamérica no fue la excepción y por medio de la “Doctrina de seguridad nacional” impulsada por los Estados Unidos, naciones como Chile, Argentina, Bolivia y Uruguay vieron cómo por medio de financiación y orientación americana, sus gobernantes de tendencias de izquierda fueron derrocados, desterrados y hasta asesinados, llevando el poder a manos de juntas militares que instauraron sus propias dictaduras de derecha en cada país con una cara visible al frente. Así se aseguraron que esta parte del mundo estuviera al servicio de sus intereses sin importar las consecuencias que llevarían imponer un régimen.

Lo demás ya es historia: desapariciones forzadas, asesinatos de opositores, represión a la huelga y una censura constante a las artes que en algunos casos, solo se aceptaban si servían para difundir los ideales del dictador de turno. Pero aún con eso, una juventud empoderada surgida entre los setenta y los ochenta que creció en dictadura escuchando a bandas extranjeras como The Clash, Sex Pistols, The Beatles, Deep Purple, Pink Floyd, Rush, Depeche Mode o Kraftwerk en la radio, programas televisivos o en algún disco traído por algún familiar desde el exterior, encontró en la música un vehículo de escape y resistencia a la realidad política y social a la que se enfrentaban.

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Así se crearon proyectos musicales basados en el rock, el new wave y el punk de la época que en medio de regímenes brutales, crearon obras de culto dentro de la discografía latinoamericana. Y aunque algunas de estas bandas se convirtieron en leyendas continentales y otras son recordadas más que todo en sus países de origen, todas demostraron que de los días más oscuros podía florecer el arte como una expresión furiosa de juventud y humanidad.

Estos fueron algunos de estos discos que nacieron durante o justamente posterior a las dictaduras y dejaron su huella en la historia de la música sudamericana.

Chile

Los Prisioneros - La voz de los 80 (1984)

Hablar de Los Prisioneros es necesariamente hablar de la gran banda masiva que reaccionó hacia la dictadura de Augusto Pinochet liderando el movimiento del Nuevo Pop Chileno. Y aunque su primeros tres álbumes son auténticas odas al empoderamiento juvenil, la no militancia política en días de dictadura, la vida latinoamericana y una burla hacia la sociedad chilena de los ochenta, su disco debut fue la chispa que inició todo. Diez canciones en las que en medio de canciones bailables entre el rock, el ska y el new wave le cantaron sin pudores al sexo y al amor pero también animaron a la juventud a protagonizar la década que estaba comenzando en “La voz de los 80”, se rieron de los que protestaban contra la dictadura de manera poética en “No quedas mal con nadie” y expusieron la supuesta fijación de los latinos con la sociedad gringa en “Latinoamérica es un pueblo al sur de Estados Unidos”.

Aparato Raro - Aparato Raro (1985)

Uno de los grandes tesoros musicales que dejó la década de los ochenta en Chile fue Aparato Raro. Un grupo influenciado por el new wave europeo con un trabajo de sintetizadores impecable realizado por su líder Ígor Rodríguez. Además de hacer canciones pensadas para la pista de baile, se animaron a expresarse en sus letras en contra de la situación que vivía el país bajo el régimen y de este, su disco debut, nació su gran clásico: “Calibraciones”. Un tema que además de haber sido un hit comercial, hablaba de esa necesidad de movilizarse y tener realmente una acción en contra de las injusticias que se vivían en el momento. Otro tema clave de este álbum es “Post mortem”, en el que retrataron bien el miedo y ansiedad que les generaba vivir durante el mandato de Pinochet.

Upa! - Upa! (1986)

En pleno boom del Nuevo Pop Chileno, Upa! fue otro de los grupos que ganó buena notoriedad durante los ochenta. Pero a diferencia de Los Prisioneros, prefirieron una crítica social y política mucho más metafórica, posiblemente para evitar los filtros y la censura en medios y sonar a nivel nacional sin mayores trabas. Aún así, en “Sueldos” aparece una reflexión sobre la explotación a la clase trabajadora y en “Las masas son gente” reflexionan sobre la deshumanización a la gente, que en muchos casos eran tratados como simples cifras para la dictadura.

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Canción importante:

Los Pinochet Boys - “La música del general/Esto es Pinochet Boys” (1984)

1984 fue uno de los años más represivos durante la dictadura de Pinochet y durante semanas, marchas a favor de los derechos de los trabajadores fueron atacadas violentamente por los militares. Ese año apareció el primer sencillo de Los Pinochet Boys, uno de los grandes representantes de la escena punk que desde el nombre, respresentaban una afrenta directa al régimen. Después de ser amenazados con armas por la policía y vivir intimidaciones constantes, tuvieron que exiliarse de Chile en 1987.

Argentina

Serú Giran - La grasa de las capitales (1979)

Mientras que artistas como León Gieco, Piero, Gustavo Santaolalla y Litto Nebbia se exiliaron de la Argentina con la llegada de la dictadura por miedo a represalias, Charly García decidió quedarse. Acto de valentía o no, lo cierto es que la leyenda del rock argentino estaba buscando nuevos rumbos sonoros con su nueva banda Serú Girán y cuatro años después de que subiera el dictador Videla, publicaron La grasa de las capitales, su segundo álbum. Un trabajo que evadió la censura ya que hablaba de la dictadura pero sin hablar directamente de la dictadura gracias al buen uso de metáforas y letras poéticas por parte de Charly. Una joya de rock progresivo y jazz fusión con paisajes oscuros y crudos, presentes en temas como “Viernes 3am” y “La grasa de las capitales”.

Virus - Wadu Wadu (1981)

En el ocaso de la dictadura argentina, Virus, una banda joven de la ciudad de La Plata saltó a escena con Wadu Wadu, su álbum debut. El grupo era liderado por los hermanos Federico, Marcelo y Julio Moura, una familia azotada por la dictadura ya que su hermano Jorge había sido secuestrado y desaparecido en 1977 por fuerzas militares. Aún así y a diferencia de otros grupos de la época, Virus se la jugó por hacer new wave con el simple objetivo de poner a la gente a bailar y divertirse con letras que incluso eran irónicas hacia el mismo rock argentino, por lo que fueron acusados de frívolos. Esa música alegre fue su manera de soltar tantos años de represión y como explicó el letrista del disco Roberto Jacoby, "en medio de la tragedia, bailar y disfrutar de estar juntos puede ser vivido también como un acto político de tremenda potencia disruptiva".

Los Violadores - Los Violadores (1983)

Aunque desde 1981 estos padres del punk argentino llevaban haciendo ruido en bares y universidades por Buenos Aires, no fue hasta el ‘83 que pudieron editar su primer álbum homónimo. Muchas veces habían terminado en la cárcel después de sus presentaciones en las que criticaban y desafiaban directamente a la dictadura por lo que esa rabia en contra de los militares siempre fue una de las temáticas principales de sus canciones. Con varios temas que habían compuesto durante la dictadura y en plena Guerra de las Malvinas, Los Violadores entraron al estudio en 1982, grabando clásicos como “Mirando la guerra por TV”, “Guerra total” y “Represión”, una canción que le gritaba de frente a todo lo que habían vivido durante su corta carrera musical. En noviembre de 1983 finalmente salió a la luz y tras la llegada de la democracia en diciembre, pudo rotarse por las radios popularizando al grupo a nivel nacional.

Canciones importantes:

Fito Páez - “Cuervos en casa” (1984)

Un año después del fin de la dictadura, Fito Páez publicó Del 63, su primer álbum. Un trabajo que incluyó “Cuervos en casa”, una crítica corrosiva y visceral a los muertos que dejó el régimen que pinta a los militares como cuervos en Casa Rosada, el centro gubernamental de Argentina.

Soda Stereo - “Dietético” (1984)

“¡El régimen se acabó, se acabó!”, cantaba un joven Cerati en uno de los cortes del disco debut de Soda Stereo. Un pequeño mensaje de liberación dentro de una canción que criticaba el mundo fitness de los ochenta.

Uruguay

Los Estómagos - Tango que me hiciste mal (1985)

Tras el auge de la nueva ola en Uruguay durante los sesenta con bandas como Los Shakers y Los Iracundos, el rock nacional prácticamente se borró durante la dictadura (1973-1985) ya que los movimientos juveniles prefirieron manifestarse por medio del canto folclórico. Pero con el fin del régimen, una nueva camada de artistas que apenas rozaban la mayoría de edad y venían trabajando desde principios de los ochenta surgió para tomarse la escena nacional a ritmo de new wave, rock y post punk. Uno de los grupos más emblemáticos fue Los Estómagos, que marcaría el inicio de la movida post-dictadura. Y es que a pesar de no haber aparecido en pleno régimen, su primer álbum está inspirado en la represión de esos días y por ejemplo “Gritar”, su primer corte, trata sobre esa desesperanza y el deseo de rebelarse. En “Ídolos” el grupo habla sobre la censura a la libertad de expresión y en “Torturador” se escucha la influencia de Dead Kennedys en un riff como el de “Holiday in Cambodia”.

Los Traidores - Montevideo agoniza (1986)

Si hubo una clara manifestación del No Futuro del punk inglés en Uruguay fue este disco de Los Traidores, otro de los emblemas de la movida post-dictadura. Un disco que gira alrededor de la oscuridad, las mentiras y la soledad dentro de un contexto urbano de desesperanza. Temas como “Montevideo agoniza” y “Viviendo en Uruguay” enmarcan bien ese sentido de querer tirar todo por parte de una generación que creció bajo el terror de la dictadura y ahora tenía la oportunidad de hacerse a escuchar después de estar escondidos durante años. Un álbum absolutamente visceral en el que siempre está presente esa desesperanza hacia el futuro próximo.

Bolivia

Wara - El Inca (1973)

Durante la sangrienta dictadura del general Hugo Banzer en Bolivia, apareció una de las obras cumbres del rock boliviano. Se trató de El Inca, una fina fusión lograda por la agrupación Wara -que en lengua aimara significa estrella- entre el rock progresivo influenciado por grupos como Deep Purple y Uriah Heep con el sonido folclórico de la región andina. Un disco de culto con cinco tracks que sentaron las bases para la fusión entre el rock y el folk en Latinoamérica a principios de los setenta.

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Liniker, la vocalista y compositora de la banda Liniker e os Caramelows, es una de las voces más reconocidas del soul brasileño contemporáneo y un símbolo de representatividad para la comunidad trans y para la juventud negra de su país. Los Caramelows la han acompañado desde el 2015 en un proceso de crecimiento que a los ojos de los medios ha parecido vertiginoso: en menos de tres años salieron de Araraquara, una pequeña ciudad del interior de São Paulo, y se convirtieron en una de las bandas alternativas más importantes del país.

Ya han hecho cuatro tours por Europa para promocionar Remonta, su primer y hasta ahora único disco, se han presentado dos veces en SXSW, preparan un tour por Estados Unidos, y este mes aterrizan en Bogotá para su presentación en Rock al Parque, el festival gratuito de rock más grande de Latinoamérica.

Símbolo de resistencia trans

Cuando Cru, el primer EP de la banda, fue lanzado en octubre del 2015, la gente comenzó a hablar de la voz rasgada, grave y ronca y de la estética no-binaria de Liniker: la mezcla del bigote y la barba con el labial oscuro. Las faldas, los aretes y los turbantes intrigaron a un público brasileño que no lograba encajar lo que veía en un molde de género. Así era como ella se vestía normalmente, pero su presencia en el escenario fue analizada como si se tratara de una performance queer, y en los medios se usaban palabras en masculino y en femenino para describirla.

La fama repentina hizo que el proceso de descubrimiento y reconocimiento de su identidad de género se diera de una manera tan íntima como pública. Hoy Liniker se reconoce como una mujer trans, y desde ese espacio discursivo ha desarrollado una relación de apoyo mutuo con sus seguidores.

En la calle y en redes sociales, personas de todo tipo le dicen que se sienten representadas por ella. La visibilidad que tiene en los medios y su presencia en el espacio público como mujer trans y negra ha sido determinante para que muchas personas reconozcan su propio valor. Una vez se le acercó alguien a decirle que había querido suicidarse, pero que luego de oír su música, había decidido continuar resistiendo de la misma manera en que ella lo hacía. “Es muy bonito cuando las personas paran para hablarme de esa cuestión de la representación, y que eso venga de una experiencia de espejo. No en el sentido de igualdad, de decir que nos vemos iguales, sino en el verdadero sentido de reflexión: que la música sea una experiencia que nos permita pensar sobre ese asunto”, dice.

Su intención inicial nunca fue convertirse en un símbolo para la comunidad trans. No planeó asumir una estética no-binaria para ir a cantar ni pensó que estuviera haciendo performances en los primeros videos que grabó. “Al principio fue inesperado. Yo no sabía que el simple hecho de ser quien soy podía afectarme tanto y afectar a tantas otras personas”. Tuvo que aprender lo que significaba ser una figura pública, contar con una plataforma para exponer su discurso y tener seguidores que veían en ella un símbolo de resistencia.

Del otro lado del teléfono, mientras hablamos de cómo se ha enfrentado a ese camino, asegura que ha sido una elaboración del día a día, de entender de qué manera es un símbolo y cómo cabe eso dentro de su modus operandi. Ha comprendido que está en un proceso de construcción constante, y que a medida que se construye a sí misma, está construyendo también a las personas que la siguen. Y el tema de la representación se ha hecho más presente en la composición de las canciones de su próximo disco: “Es que una cosa está ligada a la otra. Las cosas que creo son una extensión de lo que soy. Mis canciones acaban tomando mucho de mi existencia, y eso también se transfiere al sonido que hago”.

Foto: Cassia Tabatini; Styling: Dudu Bertholini, vía Facebook

Desde hace un tiempo, varios movimientos sociales que luchan contra el racismo y que defienden los derechos de las minorías sexuales han tenido una especial resonancia entre la población más joven de Brasil. Por ejemplo, se ha acuñado el término geração tombamento (generación del vuelco) para referirse a una comunidad de jóvenes negros que se valen de la moda, el arte y la música para enfrentarse a los prejuicios raciales. Para ellos, los conceptos de representatividad y empoderamiento son muy importantes. Liniker entiende que cumple un papel de cara a esos movimientos: “Yo muestro una posibilidad de resistencia: muestro que es posible existir en el cuerpo que tengo y entender mis transformaciones. Trabajo en un espacio en el que estoy expuesta, así que todo eso queda en evidencia para el público”.

Por otra parte, el panorama de artistas transexuales, queer y travestis en Brasil ha tenido una especie de boom en los últimos años. La música de artistas pop como Pablo Vittar y de funkeiras como Linn da Quebrada y Lia Clark, que se apropiaron de los contenidos sexuales de ese rap de las favelas cariocas, ha tenido cada vez más éxito y ganado más visibilidad en los medios. A pesar de que estas cantantes actúan en géneros musicales diferentes, es posible entenderlas dentro de un mismo espectro, y Liniker también se siente parte de eso: “Es bueno saber que no estoy sola al frente de ese movimiento, que hay otras personas que están acercando esos temas [los de la experiencia trans] al público, logrando que se discutan. Principalmente en Brasil, donde vivo”.

Es significativo que eso esté ocurriendo en Brasil porque, según estudios de varias ONGs, ese es el país donde más personas trans son asesinadas en el mundo (868 asesinatos entre 2008 y 2016). Incluso en medio de todo el movimiento actual de empoderamiento de las minorías, para las mujeres trans brasileñas nunca desaparece el miedo de convertirse en una cifra que se sume a esa estadística. En una sociedad que padece una transfobia sistemática sigue siendo necesario que quienes tengan cierto poder discursivo y cuenten con una plataforma se apropien de esta causa.

“Nosotras compartimos un espacio de representatividad grande. Hemos llegado a un lugar desde donde podemos expandir nuestra música. ¿De qué sirve tener un espacio tan grande y quedarse hablando solo de uno mismo? Yo creo que es importante que saquemos eso a la luz, que lo hagamos por esas otras personas que no están en lugares de visibilidad”. Uno de los momentos más emocionantes del Rock in Rio de 2017 llegó cuando Johnny Hooker, el exitoso cantante brasileño de pop, conocido por sus shows performáticos, su estética glam y por asumir públicamente su homosexualidad, la invitó al escenario para que cantaran “Flutua ”, tema que ya habían grabado juntos y que habla de un amor entre dos hombres que se rehúsan a esconder lo que sienten.

Al final de la presentación, apareció en el telón de fondo la frase “Amar sin Temer”, que se ha popularizado como consigna de defensa de los derechos lgbti en respuesta a la administración actual de Brasil, y los dos cantantes se dieron un beso largo e intenso, enviando un claro mensaje en contra de la homofobia y la transfobia.

Liniker, la compositora de canciones de amor

Liniker siempre ha escrito sobre el amor. Las primeras canciones que escribió eran cartas de amor que nunca entregó. Su proceso de composición ha ido cambiando con los años: “Ahora está en un punto más maduro” cuenta, “me hace falta más tiempo para poner una idea en el papel. Cuando era más joven, cuando comencé a escribir, eso era mucho más fluido, más fácil”, pero el amor sigue siendo su principal tema, algo que aparece en canciones como “Remonta ”, que le dio nombre al álbum de 2016, e incluso en “Lava”, su más reciente single, en el que describe un encuentro afectivo que se da en medio de un escenario marcado por la naturaleza. Su música a veces es desgarrada y melancólica y a veces dinámica y vibrante, y puede venir de un lugar de dolor y desabrigo así como de uno de intimidad y deseo. En cualquier caso, sus canciones siempre le dan vueltas al amor y al desamor.

Ya le han cuestionado que sus canciones no aborden temas que parezcan más explícitamente lgbti, pero ella sabe que esas críticas están fallando en reconocer el valor político de ser una persona trans y estar hablando de amor. “Para mí la composición de canciones de amor es un asunto muy político. Es una herramienta y una fuerza que escogí para poder escribir sobre esos temas de marginación”.

En letras como la de “Zero”, en la que dice: Recuerdo el beso en tu cuello / y mi toque grueso, con miedo de traspasarte / Y te traspasé / Tomé hasta lo que era más normal de nosotros / y todo cupo en la maleta de mano de mi corazón; o la de “Você fez merda”, en la que canta, no sin algo de histrionismo: La cagaste al decir que no me amas / después del sexo que te di / Es tan fácil, cowboy, negarse a un amor / Solo yo sé cuánto me duele, aparece una fragilidad que se resiste a ser reducida a espacios discursivos marginales. Para ella es importante que sus canciones no hablen solo de la manera en que se viste o de cómo entiende su identidad; quiere exponer el tipo de fragilidad que suele ser perseguida y violentada en una sociedad transfóbica.

En general, cuando se habla de las personas trans, la atención se centra en cuestiones más visibles o inmediatas: la sexualidad de los cuerpos, la construcción de la identidad y los aspectos más performáticos del aparecer en el mundo. Rara vez se habla del amor o se considera el plano de la afectividad y la ternura. “Infelizmente, a nosotras nos niegan el amor, el afecto y las relaciones. Entonces es extremadamente político que yo reivindique ese lugar de intercambio afectivo, porque necesito y necesitamos hablar sobre el hecho de que las personas trans también aman, que tenemos el derecho de ser amadas”, y agrega que se siente comprendida y leída cuando sus seguidores entienden por qué está cantando sobre el amor.

Para ella misma ha sido difícil amar. Cuenta que ha escogido hablar acerca de una experiencia afectiva que en realidad vive pocas veces: “Eso es lo que traigo a mis canciones, a veces de una forma medio platónica, porque no vivo algunas de las cosas sobre las que escribo, solo las proyecto”. De esta manera, a través canciones como “Tua” y “Sem nome , mas com endereço” , y como un acto de resistencia, reclama la agencia de esa experiencia que la sociedad pretende negarle. Hablar del amor se convierte en un recurso para enfrentar la hipersexualización de la que es objeto como mujer trans, y es también una manera de hermanarse con el público: personas de todo tipo pueden reconocerse en los sentimientos que permean esas letras, independientemente de cuál sea su identidad de género o su orientación sexual.

La llegada a Latinoamérica

A comienzos del 2015, Liniker decidió formar una banda que tomara algunas de las canciones que había compuesto y les diera un sonido groovy; quería que las dotaran de la cadencia propia de la black music brasileña. Así se juntaron Los Caramelows, un grupo de músicos provenientes de varias ciudades del estado de São Paulo. Con ellos, Liniker se dedicó a explorar un sonido que en realidad siempre había hecho parte de su esencia, no solo porque venía de una ciudad en donde se oía black music todo el tiempo, sino también porque había crecido en una familia de sambistas que se reunían los domingos para tocar, cantar y bailar pagode y samba rock.

Los Caramelows, por su lado, también tenían afinidad o proximidad con ese tipo de sonido. “Los brasileños tenemos mucho contacto con eso porque la música soul, principalmente el groove, atraviesa mucho nuestra música. Todo el mundo tiene alguna relación con eso, y si no la tiene directamente, con certeza ha oído un poco de esas referencias”. No fue difícil entonces articular el sonido de la banda, que deja sentir la influencia de artistas como Tim Maia, Itamar Assumpção, Cassiano y Raul Seixas, referentes del soul y de la música independiente y alternativa brasileña de las décadas de los 70 y 80. El estilo de Los Caramelows se sintió claro y sólido desde el principio.

Foto: Leila Penteado, vía Facebook

Llevaban apenas cuatro meses tocando juntos, cuando decidieron grabar Cru, el primer EP de tres canciones. El lanzamiento se hizo en octubre de 2015 a través de Youtube y Facebook, y luego entró en las plataformas de streaming. La respuesta del público fue inmediata. “Lo lanzamos y ahí mismo le comenzó a gustar mucho a la gente. Querían acercarse a nuestro sonido, saber de dónde veníamos, cómo era que eso estaba ocurriendo”.

Los videos de las tres canciones tuvieron más de cinco millones de visualizaciones en una semana, algo que ninguno de ellos esperaba. Liniker recuerda este momento con gratitud y reconoce que fue una situación que se escapó a lo que suele ocurrir con muchos proyectos independientes en su país: “Fue una sorpresa muy buena. No es fácil hacer música independiente en Brasil. Las bandas acaban enfrentándose con otros proyectos similares. Nuestro caso fue bueno. Tuvimos un arranque muy positivo”. Ser una banda independiente les ha permitido a Los Caramelows moverse en direcciones en las que verdaderamente creen, y le ha dado a Liniker una verdadera libertad discursiva para componer sus canciones.

El año pasado hicieron sus primeros conciertos en países latinoamericanos. Bogotá y Medellín fueron los escenarios donde se estrenaron, y la banda quedó muy contenta con la respuesta del público: “Cuando vi a la gente de Colombia cantando mis canciones en portugués, sentí que realmente algo estaba aconteciendo ahí”. Después se presentaron en Chile, Argentina y México. En estos países, que comparten tantas situaciones sociales y políticas con Brasil, la relación con el público de habla hispana ha sido muy satisfactoria. “Yo hablo un portuñol muy malo, pero me hago entender en los conciertos. La diferencia del idioma sí es notable, pero los países latinos son muy cercanos a nosotros. Siento que compartimos un amor de vecinos. Entonces el idioma no es una barrera; es apenas una cuestión más”.

Foto: Leila Penteado, vía Facebook

La expectativa que tiene por presentarse en Rock al Parque es grande. Sabe que va a enfrentarse a uno de los mayores públicos que ha visto en su carrera. Solo el año pasado el festival convocó a más de 180.000 asistentes. “Ese número es asustador” confiesa, “me pone muy ansiosa pensar en ese concierto, pero también estamos muy emocionados por hacerlo”. Además, va a ser la primera artista trans en presentarse en los veinticuatro años de historia del festival.

Su concierto va a marcar un hito y tendrá relevancia para la comunidad trans de Bogotá: será la primera vez que se verán representados en el festival de música más importante de la ciudad. Sorprendida y conmovida, se refiere a este hecho: “Es muy especial saber que estoy haciendo parte de eso. Todo esto que está sucediendo se siente como una verdadera transformación. Si en veinticuatro años de festival yo soy la primera mujer trans que va a tocar, espero que después, en los próximos veinticinco años, aparezcan muchas otras; que más personas trans usen ese espacio, porque necesitamos ser notadas. Necesitamos ser respetadas. Ser la primera en hacerlo es un hecho que voy a llevar en el pecho”.

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Después de soltar una bomba como Hecatombe junto a Dark, el rapero venezolano empezó a mostrar visos de pisar la capital colombiana con un post en redes que decía “¡Bogotá, te veo pronto!” el 1º de agosto. Dos días después confirmó la noticia con un pequeño flyer virtual que tenía en la parte superior izquierda tachado “Lil Supa” y escrito “Lou Fresco en Bogotá” justo en el centro. El 8 de agosto comenzará la venta de boletería a partir de las 2pm y el evento será para mayores de 14 años.

En el flyer se anuncia el concierto de Lou Fresco, no de Lil Supa. Estamos hablando de los alter egos que juegan con el papel de protagonista en el momento en el que Marlon Morales les da la voz en SERIO, su más reciente trabajo discográfico. También está la firma de YoYoDojo, la disquera digital de rappers, que han venido botando candela tras candela con temas como “Temple” y “KUN” y que busca sacar adelante a raperos venezolanos.

Quien abre el concierto es N. Hardem, que ha basado sus rimas en pistas de jazz y se codea con la cream colombiana. Parte del sello Indio, donde están Ruzto y Las Hermanas, la mayoría de sus pistas han salido de las manos de El Arkeologo. Sin ánimo de crear expectativa, parece que el show que presentará Lou Fresco/Lil Supa será tan refrescante como los que ha presentado en el 2016 y 2017.

Síguele la pista a Lil Supa por acá.

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Como un baño de burbujas o una margarita helada, los Tiny Desk Concert de NPR son un simple concepto con resultados efectivos. Ya sabes cómo son. Incluso si no tienes idea, la pista más grande está en el nombre: alguien se toma los escritorios en la oficina de NPR y hace música. La única mentira es que los escritorios no son tan pequeños.

Hoy es el turno de Mac Miller, que el pasado viernes sacó su quinto álbum de estudio Swimming. Para los que no lo han escuchado aún, lo nuevo de Mac es una aventura relativamente calmada y sombría, pero también un respiro optimista, como un rayo de luz que atraviesa la ventana en una mañana melancólica.

La presentación de Mac Miller en Tiny Desk presenta la subida y bajada de estos sentimiento en el punto más íntimo y también en el más crudo. Rompiendo con “Small Worlds” inicia y después continua con “What’s The Use” con Thundercat como invitado -una de las mejores (dado que tiene al mejor bajista del mundo™) y más funky canciones del disco. La atmósfera en el cuarto es casi infecciosa; Thundercat sonríe y en un punto del solo de bajo, Miller casi se rompe asombrado por el talento de su compañero de banda. Finalmente tenemos “2009”, que es interpretada por un cuarteto de cuerdas. Dale play a todo eso arriba.

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Este artículo apareció originalmente en Noisey UK.

En 2015 hablé con Nicolas Godin y Jean-Benoit Ducknel, del duo francés de electrónica Air, sobre su aclamada banda sonora de la película de 1999, Virgin Suicides, o en español, Las vírgenes suicidas. Jean estuvo enfermo la semana que debían grabar, según me dijeron, ardía en fiebre. Aun así, continuaron con el proyecto, poniendo las baterías para los temas principales y trabajando días enteros encerrados en el estudio. "Sinceramente pienso que la fiebre se fue en la música", dijo Jean al recordar. "Mis sentidos estaban muy alerta. Mi cuerpo estaba caliente y todo pasaba muy rápido".

Cuando por fin vieron el debut cinematográfico de Sofia Coppola, Jean se sintió enclaustrado. Al escuchar el extraño pop electrónico espacial —especialmente de telón de fondo de las imágenes rosas y azules en la pantalla— se transportaron de inmediato a ese cuarto, a la fiebre, al calor de 40º. Pero también fue una sensación liberadora. "Creo que el verdadero espíritu del soundtrack es esta fascinación con la muerte y que tu espíritu flote cuando mueras y de repente sentirte libre y desapegado de la Tierra, de todo lo que eres y del mundo de adultos que en realidad odias", explicó Jean. "Temía que la música fuese muy oscura para el film", añadió Nicolas, "pero parece haber envejecido bien, y la gente parece apreciar el hecho de que tiene calidad".

No pensaba en esa conversación con Air desde hace años, hasta hace poco a la mitad de una interminable ola de calor. Me acostaba en mi cama en el calor de mediodía, con pequeñas gotas de sudor acumulándose en cada poro de mi piel, con la ventana abierta, el aire dulce y espeso, y mi cuerpo completamente inmóvil. Afuera olía a basura pudriéndose, tal como huele Londres cuando hay más de tres días seguidos de sol. Los motores de los carros silbaban a la distancia, como olas. Podía escuchar abajo de mí a alguien vendiendo hierba desde su ventana, y arriba a alguien aspirando en las esquinas de la habitación al ritmo de Radio 1. Sabía que probablemente debía estar afuera, con otros humanos, pero no lograba sacar las energías necesarias para mover mis extremidades. Miraba mi teléfono. Suspiraba. Cambiaba de posición lentamente, como una pequeña larva en una placa de Petri.

Creo que una de las razones por la que la banda sonora de Virgin Suicides ha generado tanto impacto a lo largo de los años —fue nominada a un Brit Award, ha aparecido en varios listados de mejores álbumes y aseguró su lugar como un clásico de culto— es porque captura un sentimiento muy específico que es difícil definir concretamente. Es un sentimiento entre lánguido y frenético, una sensación que vive entre la felicidad y la melancolía, como una ola de calor que lleva demasiado tiempo, o como olas de tristeza durante el verano. Ya sea con los ritmos de batería gentiles y circulares, y los sintetizadores brillantes de "Bathroom Girl", o con las figuras hipnóticas e infinitas de clavecín de "Dirty Trip", o las líneas psicodélicas de bajo que atan a todas las piezas, la banda sonora de Air es oscura y onírica, cósmica y siniestra: el sonido de dos temperaturas que se encuentran al mismo tiempo.

Esta misma energía también está presente en la película. Hace unos meses, Sofia Coppola escribió una nota para The Guardian en donde detalla algunas de sus decisiones creativas. "Kirsten Dunst, quién interpreta a Lux [el personaje principal], tenía 16 años cuando estábamos haciendo el casting", escribió. "Recuerdo haber quedado impactada por su apariencia de típica porrista estadounidense; luego ver esa profundidad en sus ojos, una tristeza sabia combinada con efervescencia". Uno puede ver esa misma "tristeza" y "efervescencia" en los colores que inundan cada escena, incluso cuando el suicidio y la pérdida se sientan en el fondo. Se encuentran en los vestuarios ultra femeninos y florales de las chicas, aun cuando están siendo prisioneras en su propio hogar; en el torbellino que es la pasión adolescente y el deseo, con un telón de fondo de muerte y desasosiego en medio de la cálida Michigan de los años 70.

Tomemos, por ejemplo, una de las escenas más memorables del film, cuando Lux se despierta en medio de una cancha de fútbol americano muy temprano un día de verano. Por fin había tenido sexo con el chico que le gustaba, Trip. Conforme abre los ojos, el piano tenue y dulce de "Playground Love" empieza a sonar, y ella se queda tendida un momento en el pasto. Pero también es una escena triste: Trip abandonó a Lux mientras ella dormía, y su soledad es enfatizada por la atmósfera azul de la música de Air. Con el piano sonando al fondo, entendemos cómo se siente Lux; viendo a la nada por la ventana de un carro, llegando a casa sola en un taxi, solitaria y meditabunda. Todos hemos pasado por eso.

Dicho esto, el soundtrack de Air sin duda puede escucharse autónomamente. Me encanta la película—a todo el mundo le encanta la película. Pero el soundtrack está en su propia categoría. El hacer que algo sea sobre la muerte, el suicidio y la depresión, pero que al mismo tiempo sea un álbum relajante y reconfortante es algo que no logro concebir, pero es ahí donde yace su innegable encanto. Es el único álbum con el que puedo quedarme dormida. Se han hecho comparaciones entre Dark Side of the Moon de Pink Floyd y este disco en ese sentido: ambos álbumes toman temas aterradores y abrumadores y los tejen en algo encantador y escapista, sin perder el elemento de oscuridad. Son álbumes que están llenos de pianos dulces, líneas expansivas de sintetizadores y paredes mágicas de sonido, pero eso no quiere decir que no sean sombríos. Es como la tristeza en el verano —es la misma cosa—, simplemente te llega desde otra dirección, se ve un poco diferente.

Nicolas y Jean no tenían idea de lo bien que le iría a su banda sonora. Al recordarla, ni siquiera están seguros de que les guste. "Nunca vuelvo a escuchar lo que he hecho, así que no sé cómo suene esa banda sonora hoy", me dijo Nicolas en 2015, cuando le pregunté qué opinaba después de todos estos años. "Creo que es deprimente volverla a escuchar; es como ver un viejo álbum de fotos o algo así. Pero lo raro es que, siempre que viajo y conozco a los fans, siempre me hablan de esa banda sonora. Parece ser una de las mejores cosas que hemos hecho y lo que a la gente más le ha gustado".

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Una copia rara en vinilo del LP de Prince cancelado en 1987, The Black Album, se convirtió en el artículo más caro en la historia de Discogs después de venderse por $ 27,500 dólares.

Para su lanzamiento en diciembre de 1987, The Black Album––También conocido como The Funk Bible en algunos comunicados de prensa de la época––era turbio, sarcástico y líricamente vicioso, una aparente respuesta a los críticos que afirmaban que Prince se había alejado de la música pop negra. Una semana antes de que el álbum saliera a la venta, Prince tuvo una posible "epifanía espiritual" relacionada con MDMA. Él veía a su álbum como una obra del "mal", así que le pidió a su sello, Warner Bros, que destruyera las 500,000 copias. Odiaba tanto el disco que incluso pagó la destrucción por sus regalías. La piratería del disco inundó las calles, para consternación de Prince. Pero Lovesexy, un álbum subestimado fusionó la sexualidad y la religión en formas que incluso el propio Prince no había explorado antes, fue su siguiente álbum. Una versión oficial de The Black Album apareció en Warner en 2014, y llegó a Tidal en 2016.

Esta copia de The Black Album no es el Black Album más caro alguna vez vendido––una copia fue pactada por $ 42,298 USD a principios de este año––pero es especial. Fue rescatado por un empleado de la planta de prensado en Canadá, no tenía idea de su valor hasta que aparecieron cinco copias estadounidenses selladas del álbum en 2016. El hombre no identificado se puso en contacto con Jeff Gold, un ex vicepresidente ejecutivo de Warner que ahora dirige una tienda de memorabilia.

"Sé mucho sobre los discos coleccionables de Prince", dijo Gold a la BBC en junio. "Así que pensé, '¿Cómo podrías? ¡Tal cosa no existe!'"

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Aphex Twin es reconocido por marcar una pauta entre él y otros productores de música electrónica. Innovador, experimental y sistemático, son palabras que podrían definirlo. Richard James ha dicho que no tiene ninguna clase de influencia musical, sólo disfruta de escuchar las creaciones de otros pero sin basarse en ellos, prefiere hacer lo suyo––tal vez, por esta razón, sus fans enloquecen, y lidiar con ellos no siempre es fácil.

Es gracioso, y a veces irónico, que actuar sin esperar ningún resultado te lleva a caminos con senderos realmente luminosos. Justo esto pasó con el productor experimental cuando decidió fundar su propio sello discográfico, sólo pretendía tener un espacio para exponer música lejos de pretensiones… ahora, él y su sello son uno de los más importantes del mundo.

Para bendición de muchos, Warp Records reveló detalles acerca de un nuevo EP de Aphex Twin titulado Collapsee. El primer audio será transmitido hoy por la noche a través de Adult Swim.

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La Flame aka Travis Scott acaba de lanzar un video para "STOP TRYING TO BE GOD", el sencillo extraído de su último álbum ASTROWORLD que reúne a James Blake, Kid Cudi, Stevie Wonder y Philip Bailey. El video dirigido por Dave Meyers está bastante locochón: ¿Kylie Jenner pintada de dorado sosteniendo una cabra que también es Travis? Vavava. Y bueno, sale Dios por ahí. Y luego Travis montado en una especie de águila salvaje como la que usó en el Birds in the Trap Tour. Y claro, Travis bautiza a un montón de personas en un lago. Quién sabe qué pedo. Igual tú. Míralo abajo.

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Ayer anunciamos que el estreno del primer audio del nuevo EP de Aphex Twin sería a través de Adult Swim, pero resulta que el video no fue apto y su transmisión fue cancelada. Hoy por la mañana el productor británico compartió la portada del álbum, la fecha de estreno y un video para "T69 Collapse", el primer sencillo del próximo lanzamiento.

Artwork de 'Collapse'.

Después de una semana de anuncios y logos en Londres, Turin, Los Angeles, Nueva York y Tokyo, Richard James pone fin a su campaña de expectativa con el anuncio de que Collapse estará disponible en una edición limitada de vinilo, vinilo regular, CD, cassette y formatos digitales a partir del 14 de septiembre en Warp Records.

Arriba puedes mirar el video de "T69 Collapse" por Weirdcore.

Tracklist
01. T69 collapse
02. 1st 44
03. MT1 t29r2
04. abundance10edit[2 R8's, FZ20m & a 909]
05. pthex

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Una de las inversiones más fuertes que hace una banda para darse a conocer es salir de gira. Muchas veces de manera inexperta y como capricho (tanto que muchas veces no sale como uno pensaría), otras con mayor experiencia, pero siempre con un montón de responsabilidades y tareas.

El problema del DIY tropical es que, además de tocar géneros que no son para las masas, carece de recursos. Hay estrellas del pop que ganan millones con un par de videos en YouTube, pero estas bandas la tienen más complicada, ya que por muy buenos que sean en sus instrumentos, es un público de clavados, o lo que yo llamaría “diggers”, el que realmente busca estas propuestas que apenas y los medios especializados conocen o consideran.

Es por eso que, aunque plataformas como Bandcamp o Spotify le han abierto una brecha a estos artistas, una de las formas en que pueden conectar con las menos de 50 personas fieles a su música, es ir a tocarles en vivo. El problema comienza en que esta minúscula cantidad de “fans” está esparcida por distintas regiones o países. Así que a ver cómo chingados vas a hacer para ir a tocarles a esos cabrones al otro lado del mundo.

Para ahondar un poco en este jabonoso panorama, le pedimos su opinión a cuatro bandas que han girado por muchas y diversas ciudades, y siempre de forma independiente.

Sunset Images (CDMX) ha girado por Estados Unidos y Japón, pero estos viajes los ha hecho Samuel Osorio solo o máximo con un miembro más, lo cual reduce considerablemente sus costos, tomando en cuenta que principalmente son una boca o dos las que hay que alimentar o un pasaje de avión que costear.

Malviaje (Argentina) han viajado y toureado dos veces por México. Lo que se me hace increíble de ellos es que uno de sus miembros se casó con un amigo (sin ser precisamente gay) que trabaja en una aerolínea, por lo cual puede conseguir vuelos muy baratos para viajar a casi cualquier parte del mundo. ¡Maldito genio!

Vyctoria (CDMX) son unos inversionistas visionarios, que le escribieron a Efrim Menuck de Godspeed You! Black Emperor para que les produjera su primer álbum (Ahora veo más claro) y se costearon la ida hasta Canadá gestionando unas fechitas en Estados Unidos. Recientemente terminaron unas giras por Centroamérica y de paso abrieron un nuevo venue que lo bautizaron simplemente como “316”, en el que ofrecen una experiencia musical de alto nivel en un espacio pequeño pero acogedor.

For Dummies (Xalapa, Veracruz) han dado muestra de ser unos necios y aferrarse a llevar su música hasta donde su presupuesto les alcance. A principios de año se fueron a Europa a dar un extenso tour de más de un mes y regresaron para tomar un ligero descanso y continuar con la aventura en México con otro tour de más de 20 fechas.

Primer contacto

Un first step es que esos mismos weyes que te fanean a la lejanía, lo más probable es que también tengan una banda y aunque no sea mejor o peor que la tuya, si están activos en su escena local, pueden ayudarte a generar contactos con gente más movida en su país y bookear algunas fechas.

El verdadero problema comienza cuando lograste amarrar varios gigs y de repente tienes que juntar de entre 40k a 100k pesos para viajar a Europa, Asia o incluso otro país de tu mismo continente. Por esto me di a la tarea de compartir experiencias con cuatro bandas que han hecho tours a otros países, para analizar el panorama y ver si en verdad es una inversión que dé frutos a mediano o largo plazo, o es un mero capricho.

Malviaje. Foto vía Facebook

La tristísima realidad es que a la fecha existen muy pocos apoyos o incentivos culturales y/o gubernamentales para exportar música. Ya saben, Del Toro dando becas mientras los Estados trollean a sus ciudadanos porque no les alcanza para un boleto de avión. El tema aquí es que para financiar una gira fuera de tu país necesitas 1) chingarle varios meses en una chamba que no te guste tanto; 2) pedir dinero prestado a tu papá o a tu dealer para armar tu sueño guajiro; 3) armar un fondeo en plataformas como Fondeadora o Kickstarter; 4) que tu familia sea de varo.

“Si una banda realmente desea llevar su música a otros lugares, no podemos estar esperando a que llegue 'alguien' a ayudarnos o patrocinarnos. Uno mismo debe hacer las cosas, ya sea vendiendo mucha merch, haciendo un fondeo, o ahorrando por un trabajo alterno a la música”, palabras de Sunset Images.

Next step

El segundo paso es darte cuenta de una realidad que a veces no queremos aceptar. Vas a un país donde así sean 20 tus fans, nadie te conoce, así que lo único que queda hacer lo describen muy bien los Vyctoria: “ofrecer tu música por una noche de hospedaje y un plato”. Así cierras cada fecha; en algunas te ofrecen más, en otras ni eso.

Uno de los potenciales tropiezos más importantes radica en la gente que vas conectando. Como en todos lados, hay quienes aprovechan la situación para bajarte una lana o de plano por más entusiasta que sea de tu música, no tiene ni la menor idea de lo que está haciendo y arma un show mediocre o te deja botado.

Vyctoria en Guatemala. Foto vía Facebook

“Depende el país. Por ejemplo, en Europa está muy cabrón porque todos quieren tocar ahí, pero en nuestra experiencia en Centroamérica fue solo dar con las personas correctas que siempre han estado apoyándonos”, comentó Vyctoria.

“Hacer booking en el extranjero es tan difícil o más que en México. Hay que enviar una infinidad de correos electrónicos a venues, contactar bandas y promotores, o en el mejor de los casos una agencia de booking que pueda ayudarte a armar las fechas. Y una vez que se logra armar algo, es mucho más fácil que te ofrezcan un fee por tu show, a diferencia de acá en México que terminas tocando gratis”, dijo Sunset Images.

“Si no se cuenta con los contactos suficientes para poder asegurar conciertos en buenas condiciones, es una tarea muy compleja. Lo ideal en estos casos es contactar bandas que estén interesadas en compartir un tour (o parte de); de esta manera los gastos se reparten entre ambas y es mucho más fácil llevarlo a cabo. Aun así, no está de más contar con la participación de un agente de booking que se dedique exclusivamente a realizar esta parte”, remató For Dummies.

Cansancio físico Vs emocional

Tourear en México de por sí ya es toda una experiencia. Las distancias son bastante largas entre una y otra ciudad, y si lo comparamos con Europa, viajar entre país y país por carretera es más corto que viajar entre Estados de la República Mexicana. Acá las carreteras son peligrosas, la gasolina es cara y, en su mayoría, los Estados son pequeños, por lo que la infraestructura para un show de calidad a nivel independiente es casi nula.

“Lo peor de girar creo que son las desveladas y el cansancio; tocar días seguidos por semanas, además de manejar entre ciudad y ciudad, cargar y descargar equipo, más las horas muertas entre soundcheck-show es súper cansado. Casi nunca hay tiempo para turistear, pero conoces mucha gente nueva y consigues conectar con tus compañeros de banda, aunque salir de tour también puede generar conflictos muy fuertes”, Sunset Images.

Sunset Images. Foto vía Facebook

“Tourear es cansado, aquí y fuera, aunque estando fuera es más cansancio emocional. Si algo sale mal estás muy lejos de casa”. Vyctoria.

“Al principio, siendo una banda prácticamente desconocida fuera de Veracruz, era muy complicado poder salir y tocar en algún otro lugar que no fuese nuestra ciudad. Con el tiempo, después de varios tours, el proceso se ha vuelto más fluido y práctico”, explicó For Dummies.

Pero no todo en la tour life es tan horrible como pareciera. Hay muchas situaciones que te curten para el futuro o que te dejan un gran sabor de boca, esa chispita que te hace decir “chingue su madre, valió la pena”.

¿Acá o allá?

“La realidad es que Latinoamérica tiene algo muy amigable que no lo tiene ningún otro lugar del mundo. Tanto en Chile, Perú, México y Brasil, por ejemplo; en todos esos lugares siempre ha habido gente con mucha camaradería que nos ha dado una mano. Creemos que esto se da porque las cosas acá son mucho más difíciles que en EEUU o Europa y la gente sabe que si no nos damos una mano entre todos, es imposible estar a la altura de las escenas extranjeras”, dijo Malviaje.

“Este año hemos viajado bastante para promocionar nuestro primer disco y siempre nos ha gustado mucho la sensación de llegar a un lugar donde nunca nos han escuchado. Por supuesto, para nosotros esto ha sido y es mucho más divertido en aquellos escenarios donde la gente no habla español. Una de las partes que más nos gustan de la música es poder llevarla a rincones que no imaginábamos y crear un vínculo amistoso con la gente a través de esto”, expresó For Dummies.

For Dummies en vivo. Foto vía Facebook

“Siempre es divertido viajar, escuchar música nueva, conocer nuevas personas. Más allá de que tengamos que trabajar para pagar algunas cosas, esto es lo que queremos para nuestras vidas. Los días de pasajes gratis y grandes caterings ya llegarán”, agregó Malviaje.

En resumen, sí, existen distintas formas de costear un tour fuera del país; sin embargo, requiere un montón de contactos y organización. Si vale o no la pena, depende mucho de la madurez emocional de cada miembro y de la visión colectiva de la banda. Para muchas, un tour ha sido crucial al grado de decidir separarse por completo (pregúntenle a Austin TV).

El punto es que si de plano tienes o juntaste con todo el esfuerzo del mundo el dinero para hacer ese viaje que tanto soñaste, lo más recomendable es que te prepares física y mentalmente para una travesía de la cual puedes no salir bien librado. Arma buena merch, consigue buenos contactos y buenos deals, promociona bien las fechas, ensaya un chingo y llévales un show que realmente les haga a esas 20, 50 ó 100 personas voltear a ver lo que se está haciendo actualmente a nivel independiente en México (o en la escena de la que vengas), y no un refrito de algo que ven todos los días en su bar de confianza.

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La ambición por trasladar con éxito una estética musical afroamericana, como es el R&B, a una idiosincrasia mental y social como la mexicana, ha tenido intentos con diversos resultados a lo largo de las décadas. Sin embargo, no es sino hasta la más reciente generación de artistas, que este ejercicio se ha llevado a cabo con mayor astucia y entendimiento, provocando que, lo que antes se sentía como copia, ahora sea una ramificación genuina de un universo creativo específico, una exploración natural de ese mismo sonido, pero del otro lado de una frontera cada vez más simbólicamente innecesaria. Y esto ha sido posible, sobre todo, gracias a algunos equipos de trabajo que han sabido sumar su identidad a un producto que es a partes iguales propio y extraño. Por supuesto, Finesse Records es uno de ellos, y Girl Ultra, como parte de Finesse, es una de las protagonistas necesarias de este fenómeno.

En marzo de este año, la regiomontana radicada en Ciudad de México estrenó Adiós, un disco de ocho temas que es de lo mejor que ha salido en el año en la música independiente en español y un ejercicio que se siente como un parteaguas en el R&B en nuestro idioma. Y uno de los más interesantes temas fue justo el la colabo con el tijuanense Fntxy, parte del conglomerado Homegrown, y quien también estrenó un disco genial este año, Rey de corazones rotos, donde este adueñamiento mexa de la estética del pop urbano afroamericano, también es clave.

El video de "Bye Bye" es una idea original, guión y dirección de arte de la misma Nan De Miguel (nombre propio de Girl Ultra), y se siente como una declaración de principios: un video sencillo pero ambicioso, contundente a la vez que sobrio y donde la visión artística de Nan sigue en su exploración por adquirir su última forma. La dirección del clip es Ricardo Morales Portillo y la foto de Yahir Lobo. Míralo arriba.

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Nunca he sido muy amigo ni muy creyente de esos refranes populares que tanto abundan a lo largo de Latinoamérica, pero el pasado domingo, mientras finalmente me dirigía a descansar luego de haber asistido al último día del festival Dekmantel 2018, se me vino a la cabeza un dicho en particular, un presagio que seguramente estaría acompañando a gran parte de los asistentes de regreso a casa: “uno siempre vuelve a los lugares donde amó la vida”.

Esa, sin duda alguna, es la sensación más tangible que te deja Dekmantel. El festival holandés, en su sexta edición, logró gestar de principio a fin una verdadera oda a la música electrónica virtuosa, de nicho, underground o como quiera llamarla. Entre tantos festivales que se desviven por las regalías que los grandes nombres de la industria musical masiva pueda proveerles, Dekmantel prefiere jugársela por los desamparados de la escena, por aquellos cohibidos personajes que el estrepitoso mundillo del espectáculo EDM ha ido relegando con el pasar de los años.

En el corazón del Amsterdamse Bos, un oasis frondoso ubicado a pocos minutos de la capital holandesa, fui testigo de una mixtura de ensueño para cualquier devoto de la electrónica en su espectro más amplio. El solo hecho de ver a miles de personas parqueando sus bicicletas y corriendo desesperadamente para escuchar a Ricardo Villalobos tirar el clásico “Model 8” de Lemon 8, te hace pensar en que existen más como uno. El poder bailar sin parar el live percusivo y siniestro de Shackleton junto a dos chicas japonesas y un señor de sesenta años –quien desde hace 16 años conserva la camiseta de Skull Disco que lleva puesta–, te hace pensar en que existen más como uno. Ser testigo de lágrimas cayendo mientras Goldie y DJ Randall maquinaban una memorabilia en tiempo real con las gemas de antaño de Metalheadz, te hace confirmar que existen muchos más como uno.

Podría continuar con toda una lista de ejemplos que apelen a la nostalgia, pero prefiero recapitular y decir: ¡Gracias, Dekmantel! Por hacernos sentir en casa, por asumir un riesgo que pocos se atreven a asumir hoy en día y, principalmente, por permitirnos disfrutar la vida de la mano de esta música “rara” que hemos sabido elegir y apreciar.

A continuación los dejamos con la galería fotográfica y la lista de Spotify que Dekmantel preparó especialmente con varios de los tracks que sonaron a lo largo del festival, como "Gebrünn Gebrünn", himno elegido por Modeselektor para despedir el atardecer del viernes.

Escenario Selectors.

Escenario Greenhouse.

Escenario Main Stage.

Escenario UFO.

La siempre fina Lena Willikens.

Rødhåd, el caudillo de Dystopian.

Thundercat, ¡maestro!

El magistral escenario Main Stage.

La magia del Dekmantel 2018.

La iglesia bendita de Red Light Radio.

El embajador mundial del G-Funk: Dâm-Funk.

El sensei supremo: DJ Nobu.

Four Tet, ajustando.

Mark Ernestus y su siempre enérgico Ndagga Rhythm Force.

Mount Kimbie en escena.

Steffi, clase germana.

The Advent y su impecable homenaje al electro noventero.

El escenario Selectors, a reventar.

La señal siempre nítida.

La mística viva del Amsterdamse Bos.

Cátedra de sintetizadores a cargo de Carl Craig.

La siempre buena vibra de Floating Points.

DJ Randall y Goldie, Metalheadz para toda la vida.

La reina, Helena Hauff.

* Todas las fotos cortesía de Bart Heemskerk | Dekmantel.

Este artículo apareció originalmente en Noisey US.

Cuando una banda es incluida en el Libro Guinness de los récords, es fácil verla como un acto de variedad. Este tipo de honores suelen darse a artistas que intentan cosas absurdas como tocar con baquetas gigantes o intervenir los decibeles para ser la banda más ruidosa del mundo, pero para Napalm Death, el honor llegó orgánicamente. Aunque tienen el récord por la canción más corta que se ha grabado en la historia con "You Suffer", esta banda es mucho más de lo que la canción de 1.316 segundos puede exponer. En el transcurso de sus 16 álbumes y 14 EPs, Napalm Death ha probado ser un grupo vastamente ambicioso, incluso si superficialmente eso pareciera ir en contra de lo que representan.

Al ser uno de los predecesores del grindcore, Napalm Death fue tildada de ser la banda más extrema, incluso antes de tener una alineación estable. Es ampliamente sabido que solo el baterista Mick Harris tocó en los lados A y B del debut de la banda Scum, y que ninguno de los miembros fundadores siquiera participó en el lado B. Pero, al existir estos cambios constantes, esto resultó en que no había una sola voz que dirigiera a la agrupación. Al no haber un status quo, obtuvieron algo de libertad, pues no tenían nada que debían defender o mantener.

Desde fuera, uno podría escuchar a Napalm Death y decir con sorna que toda su música suena igual. Eso no solo es reduccionista, es completamente falso. Después de definir el grindcore en sus primeros dos álbumes, la llegada del vocalista Mark "Barney" Greenway, los guitarristas Mitch Harris y Jesse Pintado, y el bajista Shane Embury, hizo que Napalm Death se alejara de su sonido clásico después de perfeccionarlo. A comienzos de los 90, pasaron al mundo del death metal, con más solos de guitarra, riffs más técnicos, y un estilo vocal un poco más particular gracias a Greenway.

Del mismo modo, a mitad de esa década, la banda sacó cuatro álbumes consecutivos que confundieron aún más a sus fans. Empezando en 1994 con Fear, Emptiness, Despair y terminando en 1998 con Words from the Exit Wound, estos álbumes carecieron de la velocidad que caracterizaba a la banda y, en lugar de eso, se enfocaron en el groove, que era lo que estaba de moda en ese entonces. Con frecuencia suelen hablar de estos álbumes como precursores del nu-metal, pero vistos desde hoy, estos muestran la habilidad de la banda de adaptarse, pues toma lo que está ocurriendo en la escena del metal y logra encontrar la forma de hacer que eso funcione a su favor.

A pesar de que algunos de sus primeros álbumes son considerados (con razón) como clásicos, Napalm Death ha probado tener una de las carreras más consistentes en el metal. Después de volver a su sonido clásico en los 2000, la banda sacó algunas de sus mejores canciones en las última década. Napalm Death, más enfocado en la melodía, la atmósfera y la experimentación avant-garde, ha demostrado que se rehusa a resignarse y más bien ha expandido su sonido en una época en la que la mayoría de bandas decide volver simplemente a tocar sus éxitos.

Pero entonces ¿cómo hace alguien para incursionar en una discografía tan densa, y en una banda que todavía es reconocida con burla por "You Suffer"? Aceptando todo el espectro de la banda, desde las canciones de un segundo hasta los temas más sentimentales —y toda la política izquierdista que hay en medio—, y entendiendo que, sin importar la era, siempre habrá algo que valga la pena encontrar.

Napalm Death como pioneros del grindcore

Como muchos álbumes que terminan siendo los cimientos de géneros completos, Scum es más importante que bueno. Aunque muchas bandas estaban incrementando el tempo en los 80, como Siege, Extreme Noise Terror, Discharge, o G.I.S.M., ninguna tuvo el alcance de Napalm Death. En gran parte, esto se dio gracias a John Peel de la BBC, que apoyó a la banda desde sus inicios, ayudando así a que Scum fuera el número siete en las listas independientes de Reino Unido, y permitiendo que el segundo álbum de la banda, From Enslavement to Obliteration, llegara al número uno en la misma lista solo un año después.

Aunque Scum tiene algunos temas destacables, al final se trata de dos grupos de chicos intentando llevar el metal y el punk a sus límites. En el lado A, canciones como "Scum" y "Siege of Power" presentan versiones rudimentarias de lo que después se convertiría en el sonido distintivo de la banda, con tonos de bajos distorsionados y un galope de D-beat junto a eso que, 30 años después, sigue sintiéndose potente. Y también están, por su puesto, las cortísimas canciones como "You Suffer" y "The Kill", que a pesar de ser breves, se sienten completas.

La alineación del lado B logró hazañas similares, con canciones como "Life?", "Success?", y "M.A.D.", en las que se fueron por un enfoque de dos voces, con Harris contrapunteando con gritos penetrantes los cantos guturales de Lee Dorrian. Este estilo de ir y venir de voces dio sus frutos en From Enslavement to Obliteration, pues las grabaciones no solo sonaban mejor —uno ya podía escuchar los instrumentos diferenciados unos de otros— sino que además la banda pensaba más en sus ataques. Al escuchar canciones como "Its a MANS World", "Lucid Fairytale" y "Practice What You Preach", uno puede ver a un Napalm Death más agudo, donde todavía se puede sentir a Harris dirigiéndolos hacia un torbellino vertiginoso, pero en donde también es capaz de dar un paso al costado y en ocasiones dejar que la banda recupere el aliento con un par de grooves.

Playlist: “The Kill” / “Scum” / “You Suffer” / “Siege of Power” / “Its A MANS World” / “Lucid Fairytale” / “Practice What You Preach” / “Inconceivable” / “Worlds Apart” / “Mentally Murdered” / “Musclehead”

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Napalm Death Metal

Aunque los aportes de Dorrian en Napalm Death duraron poco, para muchos este es él mejor momento creativo de la banda. Aunque Greenway suele ser clasificado como el catalizador para el cambio de la banda al death metal, las raíces de ese sonido ya estaban presentes en From Enslavement to Obliteration. "Unchallenged Hate" y "Display to Me" se dirigen a un terreno de fraseos de guitarras y grooves de baterías propias del death metal, pero sería hasta 1989, con el EP Mentally Murdered, que la banda terminaría de darle forma a su fascinación por esta nueva tendencia de metal extremo. Con canciones como "Rise Above" y "Cause and Effect", Dorrian cantaba en su registro más bajo y la banda lo seguía, con secciones de un doble bombo más lento de Harris y riffs que empezaban a mostrar la habilidad técnica de la agrupación.

Mentally Murdered fue lo último que Dorrian grabó con Napalm Death, y cuando Greenway entró a reemplazarlo, la banda desechó el grindcore sin pensarlo dos veces. Harmony Corruption, de 1990, fue toda una sorpresa para los fans, pues anteriormente la banda sacaba discos con 27 canciones en poco más de media hora, y había pasado a sacar diez que duraban casi 40 minutos. Hay bastante relleno en Harmony Corruption, ya que incluso algunas de sus mejores canciones se sienten excesivas, pero "Suffer The Children" y "Extremity Retained" muestran a la banda acomodándose en este nuevo acercamiento. Utopia Banished de 1992, sería una mejora frente a Harmony Corruption en casi todos los aspectos. La grabación se ajustaba más a la banda, y Harris le había cedido el puesto de baterista a Danny Herrera. Aunque Harris había sido clave para establecer el sonido de la banda, así como el del grindcore, su apodo de "Human Tornado" (El tornado humano) todavía era apropiado, y en Harmony Corruption su inclinación por nunca asentarse en un beat hacía que el álbum sonara caótico de una forma poco halagadora e incluso desordenada.

En Utopia Banished, Napalm Death demostró cuán poderoso podía ser en esta nueva escena, con canciones como "I Abstain" y "Dementia Access" probando que este cambio al death metal podía ser algo en lo que, de hecho, podían ser muy buenos. Pero realmente fue con canciones como "Judicial Slime" o la apropiadamente titulada "Idiosyncratic" con que Napalm Death mostró interés en romper las barreras del extreme metal. Claramente, la banda estaba cansada de ser encasillada, y busco la forma de encontrar nuevas audiencias.

Playlist: “Unchallenged Hate” / “Display to Me” / “Rise Above” / “Walls of Confinement” / “Cause and Effect” / “Suffer The Children” / “Extremity Retained” / “I Abstain” / “Dementia Access” / “Idiosyncratic” / “Judicial Slime”

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Nu-Napalm

Los mediados de los 90 fueron años extraños para el metal. El death metal había explotado, había llegado al mainstream y rápidamente se había convertido en un estilo que, exceptuando a unas cuantas bandas, llegaba a ser cada vez más repetitivo. En ese mismo momento empezó a sonar el groove metal, un género que, con la ayuda de Rage Against The Machina, serviría de base para el nu-metal. Fue una época de abundancia creativa pero también de gran confusión, y se podía ver a las bandas viejas intentando crear nuevas ideas y algunas veces terminar cagándola en el proceso. El material de mediados de los 90 de Napalm Death suele ser considerado como lleno de mierdas inescuchables, pero eso es tal vez una exageración. Fear, Emptiness, Despair de 1994, es el más débil de los cuatro álbumes de ese periodo, y aunque todos suenan un poco anticuados, no son tan malos como la gente dice que son.

Tal vez es culpa de las terribles portadas, pero si uno escucha Diatribes de 1996, se puede notar que Napalm Death estaba reteniendo su pesadez y al mismo tiempo se volvía más tolerable. "Greed Killing" cumplía con todas las aristas para que una canción tuviera éxito en el mainstream —bueno, excepto por la voz de Greenway— y creativamente, la estaban sacando del estadio. "Ripe for the Breaking" y "Dogma" tomaron técnicas clásicas de Napalm Death y las retorcieron hasta que se sintieron frescas, y en Inside the Torn Apart de 1997 y Words from the Exit Wound de 1998, Napalm Death sonó aún mejor. Canciones como "Breed to Breathe", "Reflect on Conflict" y "The Infiltrator" pegan duro incluso hoy en día, con el tipo de sonido que bandas como Code Orange ha estado robándose desde hace unos años.

Playlist: “Twist the Knife (Slowly)” / “More Than Meets the Eye” / “Greed Killing” / “Ripe For the Breaking” / “My Own Worst Enemy” / “Dogma” / “Breed to Breathe” / “Reflect on Conflict” / “Drown in the Zero” / “Prelude” / “The Infiltrator” / “Cleanse Impure” / “Clutching at Barbs”

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Cómo Napalm Death recuperó su 'grind'

Aunque es sabiduría popular el hecho de que, después de cuatro álbumes de pura experimentación, Napalm Death regresó a sus raíces, hay que decir que eso no es del todo cierto. Aunque Enemy of the Music Business de 2000, Order of the Leech de 2002, y The Code is Red…Long Live de Code de 2005, fueron un regreso a un sonido más agresivo, el grindcore había evolucionado durante la ausencia de Napalm Death del género. Y no solo eso, la banda cambió de alineación por primera vez en una década. Enemy of the Music Business fue el último álbum con Pintado en la guitarra y el primero fuera de Earache Records. Es un álbum de puro veneno contra su sello anterior y, aunque las canciones no están mal, ninguna deja una impresión duradera. Lo mismo se podría decir de Order of the Leech, en el que Mitch Harris toca las guitarras en ausencia de Pintado e intentan hacerlo funcionar. Pero es con The Code is Red cuando empiezan a reacomodarse en el groove.

Después de estos tres álbumes de material decente aunque poco memorable, Napalm Death volvió vigorizado, con una serie de discos que compiten con sus primeros trabajos. Smear Campaign de 2006 demostró que Napalm Death era capaz de hacer grind junto a bandas mucho menores que ellos, pero también probó que estaban dispuestos a tomar riesgos nuevamente. "When All Is Said and Done" es su versión de una canción de rock puro, incorporando elementos con los que fueron criticados en los 90, pero con un estilo de producción que se adaptaba mejor a este sonido. De un modo similar, canciones como "Sink Fast, Let Go" e "In Defence" mostraron que la banda todavía podía noquearte, haciendo canciones que podían ir en mil direcciones pero sin salirse de control.

Time Waits for No Slave de 2009, es tal vez el álbum más agotador de este periodo, pero también es el más consistente. Aquí, Napalm Death brinda piezas maestras de grindcore moderno, escribiendo canciones que, desde un punto de vista de composición, son completamente distintas a las de sus primeros días. Al empezar con "Strong Arm", el disco muestra a la banda en su punto más álgido, con composiciones caóticas que, incluso cuando le bajan a la locura un poco, siguen siendo completamente arrolladoras. No hay una sola canción de relleno, haciendo de este no solo uno de sus álbumes más cohesivos, sino posiblemente su mejor trabajo. Utilitarian de 2012 y Apex Predator de 2015 siguen la misma línea, con la banda plantándose en la escena del grind, pero con más confianza para explorar, lo que hace de estos álbumes trabajos mucho más versátiles, y sin la preocupación de que por eso los llamaran vendidos nuevamente.

Playlist: “Thanks for Nothing” / “Out of Sight, Out of Mind” / “Silence is Deafening” / “Sink Fast, Let Go” / “When All Is Said and Done” / “In Deference” / “Strong-Arm” / “Work to Rule” / “On the Brink of Extinction” / “Errors in the Signals” / “Analysis Paralysis” / “Will By Mouth” / “Smash a Single Digit” / “How the Years Condemn”

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Napalm Death como art-rock experimental

A pesar de estar tan dispuestos a cambiar constantemente su sonido, hay un grupo de canciones que no encaja en ninguna de las secciones previas. Ya sean canciones de los años 90 que se sienten muy particulares, o temas como "Everyday Pox", su colaboración con John Zorn, hay mucho que destacar. Este es un lado de Napalm Death del que poco se habla y casi nunca se le da a la banda el crédito que merece por esto. Canciones como "Smear Campaign" y "Atheist Runt" son piezas con influencia de Swans que muestran gran habilidad para ralentizarse y extenderse, mientras que canciones como "Time Waits for No Slave", con sus extraños coros, prueban su capacidad de salir de su zona de confort. Son estos temas los que hacen que, incluso hoy, Napalm Death sea tan interesante y tan único. Están dispuestos a alejarse de la manada y comprometerse completamente con estas jugadas de una forma que muy pocas agrupaciones están dispuestas.

Playlist: “Contemptuous” / “Indispose” / “Just Rewards” / “Lifeless Alarm” / “Morale” / “Smear Campaign” / “Atheist Runt” / “Time Waits for No Slave” / “Everyday Pox” / “Fall on their Swords” / “Apex Predator - Easy Meat” / “Dear Slum Landlord…” / “Caste as Waste”

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Este artículo apareció originalmente en Noisey UK.

Kid Cudi contiene multitudes dentro de sí mismo. Es Mr. "Solo Dolo", fumador de marihuana solitario. Es el hermano menor de Kanye West, así como Ye se veía a sí mismo como el hermano menor de JAY-Z. Es un rockstar, un rapero, un actor. Es un artista. Si has escuchado recientemente al oriundo de Cleveland, tal vez en Kids See Ghosts o como un artista invitado (más notablemente en "A$AP Forever REMIX"), sabrás que se siente "renacido", "libre como un ave". Sí, todavía hace hhmmmmyhheah de aquí hasta la estratosfera, pero hay algo de Cudi que se siente más ligero, brillante y menos tinturado de oscuridad en estos días.

Para quienes están instruidos en la historia del rapero de 34 años, es satisfactorio y conmovedor verlo encontrar claridad mental; es como si se hubiera quitado un peso de encima. Como muchos de nosotros, Cudi ha tenido pormenores, ansiedad, y ha pasado por las aflicciones propias de ser humano. Cudi presenta estas experiencias en su música, y al hacer eso se ha vuelto en un individuo profundamente venerado y aun así, uno con el que puedes relacionarte. "Es el artista más influyente de los últimos diez años", dijo Kanye West. Y aunque es imposible cuantificar esa afirmación, sí tiene bastante peso al ver el panorama actual del rap.

Todo empezó con A Kid Named Cudi. La mixtape, lanzada hace diez años, introdujo al mundo a la versátil caja de herramientas musicales de Cudi, y luego lo disparó al estrellato, todo a una increíble velocidad. Dos meses después de que saliera, Cudi fue firmado por G.O.O.D Music —el sello de West, que lanzó seis álbumes en seis semanas este año. Y aún más impresionante, antes de que acabara 2008, Cudi había estado en sesiones de composición para 808s & Heartbreak de West ("Robocop", "Welcome to Heartbreak", "Paranoid" y "Heartless") y The Blueprint 3 de JAY-Z ("Already Home"). En la liga de los grandes saltos al estrellato, Cudi fue rápidamente elevado al nivel de leyenda emergente de la nueva escuela, trabajando con dos de los nombres más grandes del rap.

En retrospectiva, 808s es ampliamente visto como un punto de inflexión en el que el rap se deshizo de su estereotipo más derrochador y decidió abrir su corazón. Pero aunque es verdad que el impacto de 808s es inmenso, y que preparó el terreno musical para actos como Drake, hay una posibilidad de que ese álbum no hubiese sido el mismo sin Kid Cudi. Pero no especulemos. En vez de eso, en su aniversario, volvamos a A Kid Named Cudi. ¿Por qué es un álbum debut especial e importante? E incluso antes de llegar a eso, ¿cuál es la historia detrás de ese lanzamiento? ¿Quién, cómo y qué es Kid Cudi?

Como muchos a esa edad, Cudi se mudó a una gran ciudad a sus veintitantos —en este caso, Nueva York— con solo 500 dólares. Por un tiempo, estuvo viviendo con un tío suyo en el sur del Bronx. Después de conseguir trabajo, se mudó a un apartamento con el productor Dot Da Genius, quien después sería el ingeniero de A Kid Named Cudi y produciría dos canciones ("Day 'N' Nite" y "Cleveland is the Reason"). Aunque Cudi trabajó en su sonido desde mucho tiempo antes —un demo de una canción llamada "Party All The Time", presuntamente grabada en 2001, tiene mucho de su famoso murmullo— no fue sino hasta 2006, cuando otro productor lo presentó con Plain Pat, en ese entonces un A&R, que las cosas empezaron a despegar. Según una entrevista de Spin de 2010, Plain Pat no firmó inmediatamente a Kid Cudi. Sin embargo, sí lo apadrinó, lo cual fue importante pues Pat también trabajaba con West (y en un punto fue agente de ambos artistas).

Aunque el rap ya se había diversificado más allá de las costas y el sur a mediados de los 2000, con actos como Kanye y Lil Wayne haciendo cambios para el futuro, Cudi parecía ser incluso más versátil. A Kid Named Cudi incluye un gama impresionante de samples —Nosaj Thing, Band of Horses, Paul Simon, N.E.R.D, Ratatat. Tal vez más importante, y especialmente en "Day 'N' Nite" (que suena extrañamente similar al tema de dubstep de Benga & Coki "Night") y "Cleveland is the Reason", Cudi y Dot Da Genius trajeron un sonido de electrónica underground al hip-hop; cosa que hoy es común en una serie de lanzamientos, de la producción de Noah '40' Shebib y Boi-1da, a Danny Brown o Vince Staples en Big Fish Theory.

Igual de impactante fue la sinceridad de Cudi al hablar de su salud mental. En "The Prayer", encima de un sample de "The Funeral" de Band of Horses, Cudi habla de la muerte, de soñar con ser libre desde su nacimiento, de estar "listo para un funeral". El primer track, "Down and Out" es aún más directo: "You'd commit suicide trying to read my mind" [Te suicidarías intentando leer mi mente]. Mientras tanto, en "Man On The Moon", Cudi planta la semilla del tono astral y del tema emocional que formaría su álbum debut de 2010 del mismo nombre. "Guess if I was simple in the mind / everything would be fine" [Creo que si tuviera una mente simple / todo estaría bien] dice en la canción, aludiendo al tipo de ansiedad que puede manchar cualquier situación en algo que parece estar mal, incluso si no lo está.

Muchos de los raperos de hoy hablan con franqueza de su depresión, ansiedad o pensamientos suicidas. De hecho, en un grupo que va de Earl Sweatshirt a Isaiah Rashad, hasta el montón de raperos emo, sería difícil encontrar a algún MC nuevo y joven que no haya hablado de sus sentimientos de una u otra forma. Parte de eso es gracias a que las nuevas generaciones de adolescentes y adultos han decidido hablar bastante de su salud mental. Dicho eso, en medio de un género musical y un rango de edad donde Kid Cudi ha sido venerado como un héroe ("HAGO MÚSICA POR TI" escribió Travis Scott en un tweet de 2016 que fue borrado, una de las muchas publicaciones de amor hacia Cudi), no es difícil pensar que él ha sido un componente que ha envalentonado a muchos jóvenes a compartir lo que tienen en sus mentes.

Cudi ha pasado por momentos difíciles de salud mental en los diez años desde el lanzamiento de su primera mixtape. En 2016, se metió a rehabilitación por depresión y tendencias suicidas. "No me siento en paz", escribió en un post de Facebook en ese entonces. "Volveré más fuerte, mejor. Renacido". Si confiamos en las letras de Kids See Ghosts, Cudi por fin tuvo éxito en ese renacimiento. "I’m so, I’m so reborn, I'm movin' forward… / Ain’t no stress on me Lord, I'm movin' forward," canta en "Reborn" [Me siento tan, me siento tan renacido, voy para adelante… / No hay estrés en mí Señor, voy para adelante]. Su historia es inspiradora, humana, real, y al escuchar A Kid Named Cudi uno puede ver lo lejos que ha llegado a nivel personal y artístico. Sin Cudi, el rap sería diferente: algunos de sus elementos no serían tan oscuros, pero tampoco serían tan esperanzadores. Tiene un talento singular. A Kid Named Cudi es el punto inicial de su viaje, Kids See Ghosts muestra una gran evolución personal y espiritual en comparación a ese otro lanzamiento. Así que el futuro se ve bien. O como Cudi lo diría: “Hmmmmmmm yeaaaaaahh HmmmmmmmHmhMmmmmm”.

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Uno de los grupos relevantes de la música independiente mexicana en lo que va del siglo es, sin duda, Hello Seahorse! con una propuesta que resultó increíblemente refrescante hace más de diez años y se supo sostener en su línea de pop profundo y conectado con el Internet de las emociones, y ahora goza de un amplio público cautivo, gracias a la poderosa voz de Denise, a sus letras catárticas y sus arreglos de dreampop robustos y elegantes.

Después de recorrer varios festivales y presentar un disco en vivo, Hello Seahorse! estrenó el primer sencillo de la nueva etapa en la que trabajan actualmente, en noviembre pasado, "Dónde estabas (Azul)", un tema hecho en mancuerna con Bufi en la producción. Ahora el cuarto regresa con otra canción en la misma frecuencia congelada y galáctica: "Son", cuyo título no refiere a la composición de música popular sino es el verbo "ser" conjugado en plural. "Son" también fue producida por Bufi.

"Son" es sobre ese momento en el que sufres FOMO por la persona amada y el azote en la cabeza se pone bonito y entonces florece el sufrimiento emocional como hierba después de la lluvia y todo es sentimiento; justo como el saxofón ochentero que suena en el tema. La instrumentación es portentosa y los arreglos finales son dramáticos. "Son" marca la nueva etapa en la carrera del cuarteto y prepara la antesala de su quinto disco. Escucha abajo el pre-estreno en exclusiva y luego lee la breve entrevista que nos contestaron amablemente los cuatro.

NOISEY: ¿Qué significa esta canción?
Bonnz: Yo creo que primero marca una nueva etapa de la banda, después de estar separados año y medio y luego juntarnos de nuevo a componer y crear música muy emocionados. Creo que es una canción muy directa, que habla de cosas por las que todos hemos pasado. Eso me gusta de esta rola. Va muy al grano.

Joe: Significa un nuevo terreno para explorar. Armónicamente e instrumentalmente se aparta de lo que hemos hecho antes. En lo rítmico, es una oportunidad para explorar más las dinámicas entre Reez, el percusionista, y Bonnz.

Burgos: Es un parteaguas o una transición muy importante para la banda. Creo que este par de sencillos ("Dónde estabas (Azul)" y "Son") se identifican mucho. Creo que nunca habíamos pisado estos terrenos, y nos da camino al nuevo sonido que hemos estado trabajando para nuestro quinto disco de estudio.

Denise: “Son” se siente como un puente entre el Hello Seahorse! del pasado y el que viene con el disco nuevo. Así como su dupla “Dónde estabas (Azul)”, hicimos mancuerna con Bufi para producirla. Recuerdo el día que decidimos buscarlo a él. Acabábamos de componer ambas canciones en nuestra pequeña casa de bosque rentada para trabajar. Queríamos producir con alguien con quien nunca hubiéramos pensado hacerlo, pero alguien que conociéramos. Bufi fue la primera persona en quien pensamos. Así, en este nuevo capítulo de la banda, el propósito es trabajar y colaborar con colegas externos. Poder entonces llegar a donde jamás habíamos pensado llegar a través de las ideas de todos.

¿En qué consistió el proceso creativo para llevarla acabo?
Bonnz: Esta canción se creó en el mismo periodo de tiempo que nuestro anterior sencillo “Dónde estabas (Azul)”. Pero a pesar de haber sido hechas en el mismo lugar y fecha, tomó otro rumbo muy diferente. Pudimos experimentar más y probar distintas ideas con Bufi. Daniel Zlotnik toca el saxofón en la canción y eso le da un toque muy especial.

Joe: El proceso fue similar al que hemos llevado anteriormente. Nos encerramos a componer y aunque la idea estaba bastante cercana en ese momento, Bufi entró con muchas ideas nuevas que la llevaron a este lugar.

Burgos: Nos fuimos lejos de la ciudad para trabajar en un par de canciones. Al terminar las ideas, pensamos que Bufi (productor mexicano de música electrónica) podría hacer buena mancuerna, lo invitamos y le gustó la idea. Nos juntamos un par de veces, todo fluyó muy natural. Y al final de todo, está padre ver cómo experimentar y dejar fluir te lleva a caminos y terrenos no explorados. Creo que logramos transmitir esas ideas que teníamos con un toque más electrónico.

Denise: De nuevo, una huida al bosque, una encerrona, un vaivén de ideas. Pero sobre todo, viniendo de dos años sin componer y sin tocar juntos, el objetivo principal era reconectarnos. Eso al final fue lo más fácil de todo.

¿Qué sigue para Hello Seahorse!?
Bonnz: Estamos justo en el proceso creativo de un nuevo disco. Queremos hacer un disco largo, una obra entera y eso nos está tomando tiempo, pero queremos hacer algo nuevo y del que nos sintamos súper orgullosos. Y en eso estamos. Además queremos tocar mucho y en lugares a los que no hemos podido llegar o hemos ido pocas veces. Hello Seahorse! está de vuelta y viene con todo.

Joe: Sigue un disco nuevo el cual ya esta avanzando, así como varios shows dentro y fuera de Mexico para seguir apoyando el material que lanzamos anteriormente "Dónde estabas (Azul)" y Entretanto.

Burgos: Estamos trabajando en nuestro quinto álbum. Vienen muchos shows, vamos a visitar muchas ciudades. Tenemos muchas ganas de tocar y estamos muy emocionados por terminar y enseñarles nuestro nuevo bebé. Esperen noticias pronto en helloseahorse.com.

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