En los últimos años, la seguridad de las personas frente a las cámaras se ha incrementado dramáticamente. Una vez das un paso por fuera de la puerta de tu casa, ya tienes el selfie stick de un vlogger fashionista o turista extravagante apuntándote directamente a la cara. Todo esto se observa perfectamente en Boiler Room, la fiesta en la que los DJs y su audiencia frenética se pueden seguir en vivo a través de un streaming, para luego terminar en Internet de por vida. Un eterno recuerdo de una noche inolvidable.
Pero Boiler Room provoca un particular comportamiento entre sus asistentes. A veces solía mirar sus transmisiones cuando no sabía qué hacer con mi vida, y veía cómo las fiestas más normales terminaban convirtiéndose en todo un frenesí maniático. Si el vlogging es como la masturbación, Boiler Room es un gangbang gigante donde la cámara es la parte receptora. Siempre hay alguien en el frente que no puede seguir el ritmo y decide llevarse toda la atención posible. Espuma, entrecerrar los ojos, empujar a la gente hacia un lado, gritar e incluso tocar al DJ en casos extremos: parece que no hay límites para la cámara bestial.
Para comprobar qué tan cierto es este mito urbano, pero al escenario de Boiler Room en el festival Dekmantel 2018 para estar también en la primera fila. Quería saber si el comportamiento de divagación es cariñoso con la cámara, o si realmente es una tendencia irreprimible a la fama. Esto fue algo de lo que sucedió:
16:27 – Hola, amigos, ¡aquí estoy!
Cuando llego a Dekmantel, mi experimento de Boiler Room es la primera cosa que quiero hacer. Pero luego me retracto, porque realmente no es lo mío. Mido casi dos metros de largo, lo que significa que siempre veo mucha gente enojada en los conciertos cuando estoy demasiado adelante. De todos modos, quiero saber por primera vez qué se siente ser la estrella de un video de Boiler Room, y eso es lo que el público debe entender.
Así que agarro una cerveza y me ato un pañuelo ridículo alrededor de la cabeza para entrar en un estado de ánimo combativo. Respiro hondo y me sumerjo en la multitud. A veces me muevo de lado a lado, como un cangrejo, para deslizarme entre las personas. Pero, desafortunadamente, no siempre es posible evitar a la gran multitud fiestera. En el primer dedo del pie donde estoy parado, todavía digo cortésmente "lo siento". Pero cuanto más me acerco a la cámara mágica, menos lamento encontronazos como el que mi codo tuvo con el ojo de alguien. De esta forma, se produce una especie de selección y filtro natural: los compasivos nunca son los primeros en Boiler Room.
16:36 – ¿Estoy en la cámara?
Estoy atascado en algún lugar en la tercera fila. Delante de mí hay una chica que ocasionalmente se ve molesta cuando trato de empujarla sutilmente hacia un lado. Frente a ella hay un chico y una chica que parecen haber huido de una versión muy contemporánea de The Matrix. Son bastante pequeños, por lo que podría ser que estoy saliendo en cámara.
Saco mi celular para verificar la transmisión en vivo. El DJ está justo entre la cámara y yo, a pesar de todos los lugares en los que se puede hacer. Trato de poner mi cabeza entre las personas que tengo enfrente, pero no funciona tan bien. El chico de Matrix claramente no está contento con eso. Solo hay una solución: ir más adelante. Luego, recibo una aplicación de mi colega, que está mirando el streaming en la oficina (viernes por la tarde): "Sí, te veo". ¡Estoy triunfando!
Una primera aparición.
16:48 – ¡Estoy en cámara!
La chica que tenía enfrente se ha escapado, y solo la gente de Matrix todavía siguen en el camino. Veo la cámara, pero enfocan constantemente las manos de –otra vez– ese DJ. Hago los movimientos más ridículos para llamar la atención, y definitivamente ayuda. La mirada de la cámara se desliza de arriba hacia abajo sobre mi cuerpo, y esa es una sensación maravillosa. No puedo controlar la tendencia a lanzar besos al público que poco a poco se apodera de mi cuerpo. ¡Hola! ¡Aquí estoy! ¡Existo!
Besos.
16:53 – Me he convertido en un monstruo
También las personas conectadas a la transmisión me han visto, aparentemente se puede leer el hambre de atención de mi cara. "El chico alto es como Godzilla esperando atacar al frente", dice Tony Almeda en la sección de comentarios.
Godzilla.
16:56 – ¡Me paro al frente!
Mientras tanto, el DJ comienza a construir el clímax. Emocionado por la música, empiezo a gritar y a alzar los puños con entusiasmo. La construcción lleva mucho tiempo, lo cual es agotador. Puedes detenerte a respirar por más de veinte segundos, pero detenerte a mitad del clímax te hará sentir como un verdadero idiota. ¡Hey, ya es hora de soltar ese drop!
Los puños arriba.
Mientras estoy dando puñetazos, hay alguien saltando a mi lado. Cuando finalmente ese potente y hermoso track estalla, el hombre comienza a saltar como un loco descontrolado. Si trata de sacar provecho para adelantarse, comete un grave error, porque yo (y no él) me aprovecho del caos. Las figuras de Matrix se enredan en la vorágine, pero logro sacar ventaja con una elegante pirueta. Al enderezar mi bandana nuevamente, el éxtasis se apodera de mí:
Una pirueta elegante.
¡Soy el primero!
Lo que está pasando en mi cabeza es difícil de describir. Es una especie de manía salvaje. De repente quiero mostrar mi pecho, porque este año también fui al gimnasio una vez.
Mi hermoso pecho.
Comienzo a desabrocharme la camisa y a hacer los movimientos de la más diva de las divas mientras la cámara ya no puede estar a mi alrededor. El chico que brincaba como loco reconoce en mí a su dios y me pone su gorra en mi cabeza. No sé cómo se ve, pero en este momento álgido todo se siente demasiado genial para mí.
El DJ me proporciona la banda sonora perfecta. Tengo ganas de abrazarlo, doy un paso adelante. Todos gritan y bailan.
¿Para mí?
"¡Retrocede un poco!" Una escama de saliva vuela de mi boca, pero me abro un botón más de la camisa. "¡Retrocede!". Alguien me está presionando. Un idiota con un micrófono que cree que puede hacer todo lo que se le venga en gana. A medida que la música se vuelve más suave, comienza a anunciar DJs. Siento que mi euforia se marchita y las comisuras de mi boca caen. Mi momento ha terminado. Me quito la gorra de la cabeza. Es marrón, no es realmente mi color. Un poco inclinado hacia adelante, comienzo la retirada.
17:05 – Las consecuencias
Ya afuera, me siento en un rincón del tronco de un árbol, abrumado por el remordimiento y la vergüenza. De hecho, me dejé enloquecer completamente por la cámara, siendo testigo de la posibilidad de inmortalizar mis movimientos de baile en Internet. Ya no era yo, estaba completamente dominado. Y es por eso que mi desvergonzada torpeza se inmortaliza en Internet. Afortunadamente, tenía gafas de sol.
Lo siento, Identified Patient, tu set estuvo increíble, pero solo me ocupé en mi propia fama. Le pido perdón a todas las personas en cuyos dedos de los pies estuve parado. Perdón, niña que se paró en el camino, perdón gente de Matrix. Lo siento, gente en las casas. Estoy considerando hacer un blog patético en el que me disculpe, pero creo que incluso eso no podría ofrecer consuelo alguno.
Mira la hazaña completa a continuación:
Este artículo fue publicado originalmente en Noisey NL.
Para muchos seguidores del hip hop nacidos en la década de los noventa, Marshall Bruce Mathers III, mejor conocido como Eminem, es en definitiva el mejor rapero de todos los tiempos. El MC oriundo de Detroit, amado por millones de personas alrededor del mundo gracias a su ridícula capacidad para construir barras con los términos más complejos del inglés, puede darse el lujo de ser considerado una de las voces más autorizadas en el planeta para hablar de rap.
En un reciente video publicado por Genius, Eminem detalla junto a otro grande del circuito actual, el productor californiano Alchemist, una serie de mandamientos de carácter obligatorio que todo nuevo rapero debe cumplir para subsistir en el juego. El video, originalmente grabado por Em en un Instagram Live del pasado mes de julio, se convierte en la guía perfecta para saber qué rimas están desgastadas –y que no debes usar por nada del mundo–en la rica historia del hip hop contemporáneo.
En los últimos siete años, la superestrella colombiana J Balvin se ha convertido en uno de los músicos más grandes e influyentes del mundo. La estrella del reggaetón crea una música flexible que está a la altura de algunos de los artistas más grandes del mundo, y este verano, ha estado en la cima de las listas de Billboard con una colaboración junto a su aclamado colega Bad Bunny y Cardi B en "I Like It". La música de Balvin es alegre y pegajosa, y lo que lo hace tan atractivo es su dedicación intransigente al reggaetón. Recientemente, Noisey se encontró con J Balvin y nos invitó a su mundo.
Este video es presentado por TAG Heuer.
Este artículo fue publicado originalmente en Noisey US.
El festival de música electrónica y creatividad digital MUTEK se consolidó en nuestro país desde hace casi quince años como un puente entre actividades globales con actos en vivo interdisciplinarios; además de impulsar talentos emergentes, sellos, y distintos proyectos que experimentan con las tendencias vanguardistas en la música y cultura digital.
Esta edición será el momento perfecto para mirar hacia atrás y celebrar que, año con año, MUTEK.MX ha crecido y se ha consolidado gracias a la comunidad nacional que lo adoptó desde 2003 y que lo ha acompañado durante tres lustros.
Ya no hay necesidad de morderse más las uñas, hace unas horas MUTEK México anunció la primera ola de confirmados para su XV aniversario del 19 al 25 de noviembre. El primer anuncio del line up resalta a Errorsmith, quien recientemente se presentó en el Dkmntl de Ámsterdam; y al productor inglés Nathan Fake, además de Wolfgang Voigt y Varg.
Tras su presentación el pasado sábado 4 de agosto en el festival Lollapalooza de Estados Unidos, Bomba Estéreo lanza el videoclip de “Amar así”, una historia de amor en una base de entrenamiento militar en el medio de una isla caribeña. En el video del quinto corte de su disco Ayo, aparecen varios militares en la intimidad de su cotidianidad: jugando dominó, comiendo, entrenando entre ellos y nadando, mientras de fondo Li Saumeth le canta al amor. Mientras el video transcurre, se va aclimatando con miradas entre uno de los soldados rasos y el comandante creando una tensión en la base. Todo se resuelve con un combate de entrenamiento entre ellos dos en una garita donde el coronel pierde, poniendo su cabeza en el hombro del soldado, y después en un beso que le precede una pantalla en negro.
El videoclip realizado en una isla cercana a Santa Marta y lanzado el día de la posición del presidente Iván Duque, el pasado 7 de agosto, como un llamado a la resistencia. Según le dijo Simón Mejía, una mitad de Bomba Estéreo, a la Rolling Stone, la banda está tratando de “recordarle a todos que el mundo debería ser un lugar donde no hay prejuicios para la orientación sexual, raza o religión”. Iván Wild, director del video, en un comunicado de prensa difundido por Sony dijo que buscó “las representaciones de soldados e historias de amor a lo largo del tiempo para crear el videoclip y destruir la noción del hombre en uniforme, del hombre en guerra”.
En julio pasado, Tyler, The Creator lanzó su disco Flower Boy como una colorida exploración de su identidad y utilizó el álbum como una forma de alejarse del personaje pícaro que cultivó durante años. Un año después de Flower Boy, la maduración de Tyler merece doblemente ser tomada en cuenta, más centrada en las emociones que en el potencial shock que podrían provocar sus chistes. Hoy Tyler extiende la vida útil del álbum, con el estreno del video de "See You Again", la canción ultra suave que fue escrita originalmente para Zayn Malik.
Dirigido por Tyler, el rapero se alista en su propia milicia de colores que se destaca entre un mar de clones. A$AP Rocky hace un cameo, y Kali está varada en el mar. No sería un video de Tyler si no empujara los límites de lo que es normal, como cuando literalmente está pisándole la cabeza a la gente, y se pone una sábana encima de la cabeza para parecerse a un fantasma particularmente amigable.
El rave underground más grande de Colombia y uno de los más importantes de Latinoamérica para subgéneros como el hardtechno, el dnb y el hardcore, se prepara para la que sería su única edición de este año, la edición de Halloween, una fiesta que ya es institución dentro del underground bogotano.
Luego de una espera que duró meses y que tuvo mucho aguante por parte de un público que sabe esperar pacientemente el descontrol, ya es un hecho que el primer invitado internacional para el Radikal Styles Festival 2018, que se celebrará el próximo 27 de octubre en Bogotá, será Aphrodite, el inglés bautizado como “El Padrino del jungle” y una de las figuras más destacadas en la escena global de los sonidos rotos.
Uno de los pilares del género desde hace más de 20 años y el veterano detrás de himnos como ”Ganja Man” , “King Of The Beats” , “Style From The Darkside” , “All Over Me” y “Summer Breeze”, será el encargado de calentar la pista este Halloween y combatir con su jump-up violento el frío capitalino.
Aunque todavía no se ha dado a conocer el lugar en el que se llevará a cabo el evento, podemos adelantar que la fiesta se extenderá a lo largo de tres escenarios en los que retumbará lo mejor del hardtechno, dnb, hardcore y techno. Como su acostumbrada versión del primer semestre no se llevó a cabo este año, esta será la oportunidad de desquitarse y entregarse de lleno a la fiesta.
Si con este primer anuncio se animaron para asistir a la ceremonia anual del Radikal, planíllense por acá para asegurar sus entradas.
Para 1971 Héctor Lavoe y Willie Colón representaban la dupla de Fania más exitosa y en su palmarés se podían contar un puñado de discos que dieron forma a un estilo de salsa orientado a los metales, en particular a los trombones. Los ortodoxos de la música latina de esos años habían señalado que los trombones de Colón y el estilo particular de Lavoe en el micrófono no prevalecerían en los gustos populares y les daban el trato de una moda más bien pasajera. Así que a todos esos soldados del reggaetón: no desesperen, que prevalecerán.
Héctor y Willie habían grabado El Malo en 1967, con veintiún y diecisiete años respectivamente, para Jerry Masucci que había identificado un estilo único en la dupla. El disco es considerado como uno de los ejemplos más exitosos de lo que eventualmente se conocería como el sonido de Fania. También marcó el inicio de la saga de portadas y títulos con estética gángster que este par utilizó a manera de guiño a sus detractores, que los consideraban unos chicos quebrando los mandamientos de la música afro-latina: los reaccionarios no existen, son los papás.
En un breve espacio de tiempo comprendido entre finales de los sesenta y principios de los setenta, la dupla grabó varios álbumes que continuaron definiendo el sonido de la salsa en Nueva York y confirmando que su estilo no era una moda. Lo anterior también vino de la mano del éxito comercial pues Cosa Nuestra de 1970 había superado varios récords de ventas y la rola con reminiscencias de afrobeat "Che Che Colé" había sido un éxito en las listas y pasaría a la historia como una de los temas insignia de Fania.
El estilo de Héctor y Willie se diferenciaba del virtuosismo de Eddie Palmieri y el sonido más fusión de Barretto, como producto perfecto para la juventud latina de principios de los setenta. Con ese sonido agresivo logrado en buena medida por los dos trombones que Colón incluía en su orquesta, el dueto grabó en 1972 otro de sus discos más recordados e influyentes: La Gran Fuga.
La Gran Fuga o The Big Break en inglés es un disco fundamental en el ascenso de la Fania, pues resultó ser un éxito comercial además de que seguía escribiendo la leyenda de unos chicos veinteañeros de Harlem modelando el género afrolatino más exitoso del siglo pasado. En el disco se mantiene la fórmula que había probado ser exitosa, incluyendo un par de pistas orientadas al salón de baile, además de incluir otras composiciones que confirmaron a Willie y Héctor como dos de los grandes creadores de la música latina del siglo pasado.
El álbum está integrado por ocho temas. Destacam la abridora "Ghana’ E", que podría ser considerada como la segunda parte de "Che Che Colé"; ambas compartiendo esa similitud a una canción infantil de influencias africanas. La segunda canción, "Pa Colombia" es mi favorita del álbum y es la rendición que hacen Héctor y Willie a uno de los países (con Venezuela y Panamá) donde la salsa tuvo mayor éxito en Latinoamérica, siendo sede de varios conciertos de los Fania All-Stars y siendo uno de los semilleros más importantes para el desarrollo de esta música.
"Sigue feliz" y "Barrunto" son las rolas que se ajustan a los estándares de la salsa y de las pistas de baile de la época. ‘Panameña’ es una rola que también rinde tributo a un país que como mencionamos antes estaba sediento del estilo afroboricua del género. El otro tema que destaca de la selección es ‘No Cambiaré’ siendo una especie de bolero tropical con letra rompecorazones interpretada impecablemente por ‘La Voz’ que ya se empezaba a convertir en ese Don Juan sin límite para la fiesta.
La última del disco "Canción para mi suegra" emula el clásico de la era dorada del cine mexa: "Allá en el Rancho Grande". La instrumentación de la canción imita una ‘banda norteña’, aunque podemos identificar la percusión afrolatina y a Héctor hablando con acento mexa en lo que pretende ser una conversación de cantina: la enchilada completa en esta última pleitesía a América Latina.
La portada fue diseñada por Izzy Sanabria que además de ser el creador de la mayoría de las icónicas portadas de Fania también es considerado como el que bautizó al género musical conocido como salsa con ese nombre. La icónica tapa de La Gran Fuga imita un anuncio del FBI donde se identifica al peligroso criminal Willie Colón advirtiendo que anda armado con un trombón. El póster inundó las calles del Harlem Latino causando incluso confusión entre algunos que pensaron que el Buró Federal de Investigación en efecto estaba tras la pista del trombonista. El Buró tuvo que acercarse a Masucci y Pacheco para pedirles que alteraran el arte del disco para evitar más confusión entre la población.
La portada ha sido replicada en cientos de camisetas y debe ser considerada como una de las primeras ‘camisetas de bandas’ inspiradas en un motivo latino. Lo anterior hace perfecto sentido si tomamos en cuenta que Willie y Héctor eran unos chicos cuyo estilo pasaría de moda pronto pues no se ajustaba a los estándares de la música latina de la época.
El álbum editado originalmente en 1971 no había sido reeditado en formato de vinilo hasta este 2018 que el sello especializado en reediciones Get On Down lo incluyó como parte de los lanzamientos del Record Store Day.
Buenas noticias para todos los seguidores devotos de Mount Kimbie. El dúo británico conformado por Dominic Maker y Kai Campos ha anunciado hoy que serán los encargados de mezclar la próxima entrega del DJ Kicks, el icónico mix perteneciente al sello !K7 Records. Siendo así, este sería el primer compilado en ser mezclado por el reconocido dúo de post-dubstep.
La sesión incluirá tracks de artistas como Stanislav Tolkachev, Beatrice Dillon, Efdemin, Via App, entre otros, además del aclamado remix de Nina Kraviz a "Blue Train Lines", tema colaborativo del dúo junto a King Krule. Mount Kimbie ha asegurado que el compilado fue inspirado por una serie de presentaciones que tuvieron junto a su par londinense Actress a comienzo de año.
El DJ-Kicks de Mount Kimbie saldrá el 28 de septiembre a través de !K7. Mientras tanto, pueden escuchar un pequeño fragmento de "Southgate", track inédito del dúo que también será incluido en el compilado.
Un heterónimo es un nombre con el que un autor firma su obra cuando adopta una personalidad fingida. Como autor ficticio, el heterónimo es un personaje con personalidad, biografía y emotividad diferentes a las de su creador. No es un un nombre artístico, un apodo o un alias. Es un individuo artístico autónomo, un “otro yo” del autor.
El creador en este caso es el artista venezolano Gustavo Guerrero, y el heterónimo es el enigmático músico latinoamericano Augusto Bracho. La obra es Mercado de los Corotos, el disco que publicó en mayo y que representa el debut en solitario de Augusto, (que no de Gustavo).
Gustavo se dio a conocer en Venezuela hace una década al frente de Cunaguaro Soul, el power trío que lo coronó como la máxima esperanza del rock de su país. Internacionalmente, el reconocimiento le llegó en su etapa como guitarrista y director musical de Natalia Lafourcade, que quedó plasmada en esas tres obras maestras que son los discos Hasta la Raíz y los dos volúmenes de Musas. La idea de Augusto Bracho comenzó a masticarla hace nueve años en Caracas cuando se interesó en los ritmos tradicionales venezolanos y latinoamericanos, y se le ocurrió crear este personaje como vehículo para experimentar con ellos.
Para sumergirnos en el imaginario de Augusto Bracho llamamos a Gus, que antes de comenzar nos hizo una advertencia: “Quiero dejar claro que la entrevista se la estás haciendo tú a Gustavo Guerrero. Augusto Bracho no da entrevistas y eso es bueno aclararlo porque es un personaje que vive solamente en los escenarios y en los discos. De todas formas, la identidad es una cosa que no tiene mucha importancia para mí. Ahora mismo estás hablando con Gustavo pero a Augusto Bracho ya lo conocerás alguna vez en un concierto".
El personaje
Lo que se sabe de Augusto Bracho es que es un misterioso cantautor popular nacido en algún lugar de América Latina y se le conoce como El soldador de los ritmos por su capacidad de fundir elementos de un sinfín de tradiciones del continente en su ilimitado repertorio: puede cantar con el mismo entusiasmo un merengue, una ranchera, una cumbia, un son cubano, un golpe tuyero o una gaita zuliana.
Debutó ante el público en Argentina, registró sus primeras grabaciones en Ciudad de México, en donde fue visto en la estación Jamaica del metro cantando con su cuatro y una armónica prestada. En Lima lo escucharon recitando versos de amor a su perra Roberta frente a la tumba de Chabuca Granda; y aparentemente en Barranquilla hizo palmas en varios recitales de chandé con un entusiasmo solo comparable con el brío y la magia que se derivan del aguardiente o el ají. Son legendarios sus enigmáticos recitales por toda Iberoamérica, destacándose los célebres Cantinazos que organiza en el DF mexicano acompañado por conjuntos como La Bullanga Atronadora o el colectivo de tambó la Candela Matancera.
La primera aparición grabada fue en Pajarera Vertical, el disco a distancia que hizo en colaboración con el cantautor caraqueño José Ignacio Benítez y que firmaron bajo los heterónimos de Augusto Bracho y Moisés de Martín. Después vino el artesanal EP que editó en solitario en el 2014 y donde quedaron asentadas las bases estéticas del personaje. Luego cuando hizo junto al argentino Martín Bruhn el LP de El Conjunto (2017) Gustavo logra meterse por completo en la piel de Augusto Bracho y construye un colorido universo que se termina de consolidar en Mercado de los Corotos. Dejemos que el padre de la criatura sea quien nos termine de presentar a Augusto Bracho.
NOISEY: ¿Cómo nace Augusto Bracho? Gustavo Guerrero: Hace unos nueve años que empiezo a tener ganas de experimentar con la música tradicional venezolana pero sobre todo con la música y las tradiciones de gran parte de Latinoamérica. La idea era ponerse una especie de disfraz para trabajar en ese universo. Yo venía haciendo otra música más orientada hacia el rock, el funk, el soul y un poco de coqueteo con el jazz y la salsa en algún proyecto de los que participé; entonces se me ocurrió que una buena manera de jugar y tener un rol aparte era creando este personaje.
¿Qué tan ligado está el universo musical de Augusto Bracho con tu experiencia migratoria? El personaje no nació como una conciencia del proceso migratorio que iba a tener yo en mi vida personal. De hecho, nació en Caracas con este coqueteo con la música tradicional. Recuerdo que en ese momento descubrí el golpe curarigüeño que es un género que creó un músico llamado Don Pío Alvarado, un maestro y cultor de esas tradiciones del Estado Lara en Venezuela y Augusto Bracho nació un poco para rendir tributo a esa música que me pareció fenomenal. Después de eso, me fui a vivir en Buenos Aires pero ya estaba un poco integrado en mi concepción artística crear a través de este personaje que fue agarrando forma a través del tiempo; y luego mientras más yo viajaba por Latinoamérica en las giras de Natalia Lafourcade, fue agarrando más personalidad latinoamericana y eso ayudó muchísimo para el crecimiento del universo y de la poética musical y lírica del personaje.
¿Y cómo te las arreglaste para mantener vivo el proyecto de Augusto Bracho mientras estabas trabajando con Natalia? Era una especie de vía de escape. En ese momento se convirtió como en un hobby, suena horrible pero eso fue lo que pasó. Se convirtió en un pasatiempo para mí cuando no estaba de gira y no estaba trabajando con ella que me demandaba muchísima energía y tiempo. Yo visitaba el universo de Augusto en los tiempos que tenía fuera del universo de Natalia y hacia el final de mi etapa como colaborador y músico en su proyecto, hay muchos paralelismos con lo que yo estaba viviendo con Augusto Bracho. Yo pude tener alguna vía de escape de repente en mis viajes a Madrid que fue fundamental para poder definir lo que era el personaje.
Tenía un bosquejo y una pequeña historia en mi cabeza cuando hicimos el proyecto de Augusto y Moisés, pero yo no sabía meterme en el papel de Augusto Bracho todavía en la época en que vivía en Buenos Aires. Ahí nosotros simplemente éramos Gustavo y José Ignacio haciendo un proyecto familiar que nos gustaba muchísimo y eso dio pie a que yo experimentara un poco con la parte folclórica dentro de esas canciones y eso fue una punta de lanza. Después, cuando viaje a Madrid y conocí a Nacho Mastretta y a Martín Bruhn, que son otros pilares fundamentales de mis procesos musicales y de mi vida personal, ahí empezó a agarrar más sentido la voz de Augusto Bracho. La voz de Gustavo Guerrero se conoce poco pero es la que tenía Cunaguaro Soul, la que tenía Augusto y Moisés o la que aparece en la "Tonada de Luna Llena" con Natalia, hay una voz ahí medio ya desarrollándose pero definitivamente la etapa decisiva de yo entender a Augusto Bracho fue en Madrid con Martín y Nacho.
Pero la voz de Augusto Bracho ya había aparecido en el EP Primer Acercamiento al Mito. El EP fue todavía una transición. Estética y conceptualmente el personaje ahí tomó una forma, pero el momento en el que se descubre la personalidad del personaje y me meto en su piel es cuando voy a Madrid y empiezo a trabajar con Martín Bruhn canciones populares del repertorio latinoamericano y empezamos a hacer lo de El Conjunto. Ahí conozco a Nacho Mastretta, Marina Sorín y a toda la Orquesta Mastretta y eso me da muchísima motivación e inspiración para sentar un poco mejor las bases estéticas, expresivas, conceptuales y la vida misma de Augusto Bracho. Digamos que yo me fui convirtiendo humildemente en una especie de actor y ahí yo empiezo a entender que meterse en el papel de este personaje requiere muchísimo más esfuerzo y trabajo que simplemente cantar unas canciones que tengan un poco de inspiración y entusiasmo con respecto a las tradiciones latinoamericanas.
Eso del papel de actor se nota mucho con los distintos personajes que aparecen en el disco, como que Augusto Bracho puede tener muchas voces. Lo que pasa con Augusto es que es una especie de canalla. Él es muy camaleónico en su gusto por las canciones y por la música; entonces si él quiere volverse mujer puede volverse mujer, de hecho yo también tengo mis heterónimos femeninos y hay coristas que participan en el universo de Augusto y que son sus amigas o que fueron sus amantes en algún momento y que cantan en parte de las canciones. En el EP se puede observar eso en los coros, pero cuando ya yo tengo un poco más de cancha, de entendimiento y sobre todo de quitarme un poco el miedo de meterme en ese universo del personaje fue con el proyecto de El Conjunto que fue muy libre. Luego cuando conozco a Nacho y entra cono productor del disco de Augusto Bracho él le da una añadidura al proyecto y que es super importante para la música que básicamente es la dinámica, algo que yo tenía un poco revuelto y lo tenía un poco ignorado. Eso ayudó muchísimo a que la narrativa y los personajes de las canciones tomaran vida y el retrato de cada historia y de cada personaje fueran muchísimo más claros y mucho más bonito.
Foto: Elisa Rugo
La obra
Un mercado de los corotos es como se conoce en Venezuela a un mercado de pulgas. En este sentido, ya desde su título el LP, Augusto Bracho expresa una declaración de principios: llevarnos a un lugar pintoresco lleno de cosas del pasado que ganan otra vida y tienen su universo propio. En este disco, Gustavo Guerrero experimenta con diversos ritmos tradicionales para llevarnos a un viaje sin pasaporte por América Latina con las canciones de Augusto Bracho como medio de transporte: nos lleva a a una fiesta de chandé en el Pacífico colombiano, comemos pescado frito en algún lugar que se parece al litoral central venezolano, cantamos coplas en la Costa Chica de Oaxaca o caminamos por las calles de La Habana.
Si bien la fuente de inspiración de las canciones de Mercado de los Corotos son diversos ritmos latinoamericanos, es un disco que se aleja de la interpretación purista para sumergirse en la experimentación dando como resultado una delirante reinterpretación festiva de estas tradiciones que la música de Augusto Bracho respeta e irrespeta a la vez: pone un cavaquinho brasileño donde debería ir un arpa, sustituye una flauta de millo por un clarinete, le mete percusiones de chacarera a una gaita zuliana o toca una chilena oaxaqueña como una cueca. Cada canción tiene su propia identidad pero todo parte de la premisa de que la música latinoamericana se parece.
NOISEY: ¿Cuanto tiempo te llevó hacer Mercado de los Corotos? Gustavo Guerrero: No tardó mucho en grabarse, se grabó en enero del 2016. Yo me tardé seis años en escribir todo el material porque dentro de ese tiempo probablemente tres años fueron afortunadamente de mucho trabajo con Natalia y en los espacios libres que tenía es que yo escribía y trabajaba las canciones. Lo que hice fue grabar unos 15 o 20 demos en mi casa con los micrófonos de una laptop porque no tenía equipos para grabarlo mejor y esas maquetas se las mostré a Nacho Mastretta en una oportunidad que vino a México. A partir de ahí empezamos la pre-producción a distancia.
Después yo hice unos primeros bosquejos de partituras, la mayoría de los ritmos eran de palos más folklóricos que estudié y me puse a investigar porque que me gustaban y me llamaban muchísimo la atención, ritmos como el quitiplá, los culo ´e puya, el merengue caraqueño, la cumbia, el chandé y entonces yo me puse a jugar con eso. Luego un par de veces me fui con Nacho a Madrid a terminar de dejar los arreglos claros para la orquesta que básicamente casi todos los músicos de la orquesta de Nacho participaron de la grabación. Ensayamos un par de veces nada más, música completamente nueva para ellos que son músicos de un altísimo nivel y grabamos el disco entero en cuatro días prácticamente.
Se siente que muchas cosas fueron grabadas en directo. Toda la base rítmica, melódica y la voz están grabados en directo. Me refiero a dos percusiones que son Coque y Martín, contrabajo que es Pablo Navarro, algún clarinete que grabó Nacho en directo y la voz, el cuatro y la guitarra de Augusto. Después pusimos en over dubs los coros en los que todo el mundo cantó, algunos arreglos de cello y violín que grabó Diego Galán, arreglos de flauta que grabó Jorge Arribas y alguna trompeta que grabó David Herrington, pero casi todo se grabó en directo. Hacerlo todo en directo siempre favorece muchísimo a la música cualquiera que sea, de hecho después de esa experiencia yo no quiero grabar otro disco que no sea en directo, como yo he concebido la música hasta el momento me parece que es el estado ideal para hacer una canción.
Eso debe haber ayudado mucho a generar ese ambiente de fiesta popular que se siente en el disco. Esa era la intención justamente. Era importante registrar lo divertido que era el proceso de tocar esa música sobre todo para los músicos que no conocían esos géneros y no tenían tanta relación con esa música sudamericana, en especifico los ritmos venezolanos y colombianos. Era necesario que la espontaneidad tuviera un lugar primordial y eso creo que se consiguió.
Otro ingrediente importante del disco es el el humor, independientemente de que sea una canción de amor o estés cantando sobre una tragedia. En Latinoamérica probablemente el baile y el humor sean los dos pilares de nuestra cultura. Por lo menos yo lo veo así. Si no hay humor dentro de esa búsqueda, pues entonces es una expresión para mí fría y carente de sentido.
En este disco se siente más la influencia de la música venezolana que en los anteriores en los que aparece Augusto Bracho. Mucha gente lo siente así pero yo no lo siento así. Si la hay es una cosa realmente accidental porque no pensaba yo crear una declaración super criolla a nivel musical, en todo caso una declaración de que la música de toda Latinoamérica se parece entre sí, que toda me gusta, que no le tengo miedo y que quiero indagar en eso. Sí hay ritmos venezolanos muy claros, el que conoce los ritmos venezolanos lo va a conseguir pero no necesariamente fue la intención.
Foto: Elisa Rugo
El Cantinazo de Augusto Bracho
El otro aspecto fundamental en la idea de Augusto Bracho son las presentaciones en vivo, que son no amplificadas, con instrumentos acústicos y contacto muy cercano con el público. Esta puesta en escena se materializa en los Cantinazos de Augusto Bracho, la serie de presentaciones que Gustavo Guerrero organiza en la cantina el Puerto de Veracruz en la Ciudad de México y en donde la canción desnuda y la relación con sus autores son los protagonistas principales.
NOISEY: ¿Cómo se te ocurre la idea de las presentaciones íntimas sin amplificación ? Gustavo Guerrero: Me sentía un poco cansado y aburrido del tema de la amplificación, los efectos, el sonido y el volumen y me pareció muy novedosa y gratificante la experiencia que tuvimos en Buenos Aires con Augusto y Moisés de ir a tocar en salas de departamentos frente a poco público pero que estaba realmente atento a lo que estaba pasando. Eso se fue transformando en un gusto adquirido de no confundir la calidad con la cantidad y brindarle a esas pocas personas que estuvieran ahí lo mejor de lo mejor y que fuera una noche única. Después cuando conozco a Martín, a Nacho y a la Orquesta Mastretta y veo que también tienen un poco esa declaración de no tener demasiada microfonía en el escenario y de tratar de hacer conciertos muy íntimos, ahí me fui sintiendo menos solo en ese sentido porque en mi generación la gente siempre busca experimentar con la guitarra eléctrica, los efectos, los loops y las baterías, cosa que me parece algo super valioso y es de donde vengo, pero para mí se abrió un universo nuevo y una cosa muy bonita al poder brindarle al público eso.
Yo como músico me siento mucho más atrapado cuando la música viene desde la fuente. Ver a un cantante cantar a capella y defender una canción sin instrumento que lo sostenga me parece admirable y eso es algo que yo creo que deberíamos apuntar los artistas que trabajamos con la expresión musical. Digamos que es volver a los inicios y a la raíz de las cosas, yo supongo que el hombre cuando descubrió su propia voz y empezó a hacer música sintió lo mismo… un poder, una fuerza, se sintió super dotado y ahí yo veo un llamado de atención para estos tiempos porque ahora es muy difícil captar la atención de la gente si no tienes unas buenas luces o un buen sonido que te atrapé.
La experiencia con hacer música así a “cuatro y buche” me parece una herramienta poderosísima. No era necesariamente una intención en un principio pero ahora sí, digamos que es una necesidad también de cantar y tocar mejor porque el público que te va a ver va realmente a escuchar, a entretenerse y a ver que es lo que le puedes ofrecer tú directamente, no una máquina, unas luces o un humo, sin quitarle mérito a eso porque las personas que están por ejemplo detrás de la producción de un concierto de Roger Waters también son artistas pero no hay que desprestigiar tampoco a las gente que solo toca una guitarra y canta.
¿Y cómo surge la idea de El Cantinazo de Augusto Bracho? Yo visité un espacio que se ha convertido en un clásico en Ciudad de México que se llama El Depa de los Plebes que es una gestión cultural que ocurre en la casa de un gran músico y artista que se llama David Aguilar. Cuando yo conocí ese espacio donde van un par de artistas a cantar sus canciones sin ningún tipo de compromiso formal ni de infraestructura me pareció muy arriesgado y muy necesario. En Buenos Aires yo ya había vivido eso de conciertos en casas y departamentos pero cuando vi que se estaba instaurando en Ciudad de México y que David estaba haciéndolo me contagió el entusiasmo por hacer eventos así, entonces se me ocurrió que el universo para hacer algo parecido para Augusto Bracho era una cantina. Era un poco como rememorar esa cosa del siglo de oro del cine mexicano donde tenías a Tintán con Marcelino cantando en cantinas y la gente iba, pagaba, se tomaba unos tragos y escuchabas la música, entonces se fue creando como un universo paralelo y como una especie de obra teatral en donde Augusto Bracho interviene e invita a otros artistas y es toda una experiencia realmente especial para el que va a verlo.
La gente tiene que callarse en una cantina donde generalmente tu vas a beber y a alborotarte y hay música a todo volumen, en este caso no, la gente si va, se emborracha, arman escándalo pero cuando cantan los artistas se callan, escuchan, aplauden, se emocionan. entonces eso se fue convirtiendo en el Cantinazo. Ya llevamos unas cuantas experiencias de esas, estamos tratando de hacerlo todos los meses, ha sido difícil pero ha sido muy placentero tanto para el público como para nosotros los que estamos detrás del proyecto.
¿Y hoy en día cómo te llevas hoy con la guitarra eléctrica? Digamos que no es una de las herramientas que más utilizo pero sigue siendo mi instrumento principal, lo que pasa es que me enamoré de otras cosas y así sucede. Yo supongo que volveré en algún momento a tocarla pero ahora digamos que la colgué y la dejé un poquito en reposo. Por ahí de vez en cuando me pongo mis discos de Eric Clapton y vuelve un poco la ilusión por ella, pero realmente lo que más ilusión me da ahorita y me mueve las entrañas es poder hacer música afroperuana como la que hacían Oscar Aviles, el zambo Cavero y Lucila Campos.
Yo no sé si en unos años yo vuelva a tener un proyecto de rock pero para mí lo que hace Augusto Bracho es rock también, más en actitud que en un género preestablecido, tienen la misma esencia. Cuando yo canto Coplas Oaxaqueñas en un Cantinazo para mi tiene exactamente la misma fuerza que si estuviera tocando Purple Haze de Jimi Hendrix, exactamente el mismo feeling.
Es cierto, a pesar de lo fuerte que es el tema del folklore en la música de Augusto Bracho hay estructuras que tienen espíritu de rock Es que el rock bebe de cosas tradicionales también como el blues y el gospel. Esas son estructuras tradicionales que se fueron convirtiendo en un género popular llamado Rock and Roll pero que ya existían en canciones tradicionales de los negros y canciones de campo. No es tan diferente a las tradiciones nuestras de Latinoamérica, un negro estaba recolectando algodón en Mississipi y aquí había unos negros campesinos recolectando caña en Cuba que también tenían sus canciones y sí hay algo de eso en la música de Augusto Bracho, es inevitable… y es inevitable que a mí se me salgan mis credenciales rockeras.
Para saber cuando son las próximas presentaciones de Augusto Bracho, cónectate con él en Facebook e Instagram.
El originario de Cabo San Lucas Alemán alias Alemalandro alias La crema del juego, es uno de los referentes más importantes de la música urbana en México actualmente, y el 2018 ha resultado ser un año de vital relevancia para él, con un deal con Apple Music, una gira internacional que incluye su primera parada en España, Chile y Argentina, y la publicación de uno de los discos clave en el calendario anual: Eclipse.
Eclipse es un disco cuyo concepto es la dualidad que Alemán siente como artista: 21 temas en tres discos diferentes. La primera parte son diez temas que representan el día, con una estética que va del G-Funk de la Costa Oeste (de donde es originario Alemalandro), a boom bap clásico y callejero, ritmos noventeros ejecutados con maestría: hip hop para todos los reales. La segunda parte son otros diez temas, que de algún modo representan la noche, y es puro trapicheo maniaco y música de codeína; flows en forma como Lebron en las finales y Auto-Tune para toda esa razita que se la sigue cotorreando. Finalmente, Eclipse acaba con un tema aparte, titulado "Eterno", en homenaje al mejor amigo de Alemán, fallecido a principios de este año, Pachón.
Este artículo apareció originalmente en Noisey UK.
En algún punto de 2005, cuando era apenas una adolescente, My Chemical Romance llegó a mi vida. El video de "Helena" pasó directamente de la pantalla de MTV2 a mi alma gótica y regordeta, y mi obsesión solo creció a partir de ahí. Horneé un pastel en el cumpleaños de Gerard Way y escribí en crema su nombre, cubrí las paredes de mi habitación con recortes de los miembros de la banda de la revista Kerrang! y escribí fan fiction atrevida, vivaz y muy inapropiada para una chica de 14 años. La banda no era simplemente algo que le "gustaba" a uno en los 2000: eran una adicción. Y así, todavía se siente como una sorpresa para mí —una mujer de 24 años con un tatuaje de Gerard Way— que MDR aún signifique todo para muchos adolescentes del mundo.
La banda creció y finalmente se separó hace cinco años, en 2013, pero su base de fans nunca disminuyó. De hecho, se expandió. Esta nueva ola de fans de My Chemical Romance se comporta con la obsesión de una secta, y con intensidad feroz. Lo que una vez fue llamado MCRmy ahora tiene forma de cuentas de Instagram como @gerardsdick y @ieromance. Estos fans más jóvenes interactúan con memes y chistes internos, publican fotos raras de los miembros de la banda y han declarado a Gerard Way como el daddy máximo (lo es).
Para un desentendido del tema puede sonar extraño que chicos de hoy en día escojan a MCR —la banda que aparecía en todas las revistas musicales de 2005 pero que no ha dado señales de vida en cinco años— como su obsesión. Se trata de una agrupación cuyos miembros rondan los 40 años. Todos están casados y tienen hijos. Y estos nuevos fans probablemente nunca los verán en vivo. Por esta razón, decidí hablar con los fans adolescentes de MCR que mantienen vivo el espíritu del emo en Instagram, en contra de todo pronóstico.
“Como dijo Gerard Way, no es una banda, es una idea”
MCR significa muchas cosas para mí. Su música me entiende de maneras que ni siquiera mi terapeuta puede. Me enseñaron a quererme a mí misma incluso si nadie más lo hace. Y he conocido a mucha gente maravillosa gracias a ellos, me he descubierto, y he podido ver a la comunidad amorosa que compone esta fanaticada. No sé qué hubiera hecho estos últimos años si no me hubiese vuelto miembro de MCRmy.
Es un poco una mierda el hecho de amar una banda que probablemente nunca veré en vivo. Pero como dijo Gerard Way, no es una banda, es una idea. Es una idea que juntó a muchas personas. Y MCR no se ha terminado en realidad: todavía tienen sus carreras como solistas, a las que puedo ver en vivo. De hecho, he visto dos veces a Frank Iero porque ha tenido muchos conciertos en Nueva Jersey (donde él y yo vivimos). Así que aun si no están junto, han logrado juntar a otros, y por eso todavía los amo.
Creo que hay una pequeña posibilidad de que se reunieran, pero yo no contaría con eso. Todos se ven muy satisfechos con sus carreras de solistas y si ellos están felices, yo también lo estoy. —Kris, 16.
“No creo que se vuelvan a juntar y no quiero que lo hagan”
Es obvio que los amo —por eso el fanpage—, pero significan algo muy... inusual para mí. Para mí la banda es una especie de artefacto histórico, una pieza de arte, más que la criatura viviente que la mayoría de fans cree que es. Fue un artificio increíble, claro, pero creo que terminó cuando tenía que acabar. Sé que Gerard no veía futuro en el proyecto después del tercer álbum y, siendo honesta, lo entiendo. La separación fue necesaria para el bienestar de los chicos —mental y físico— así que no los culpo.
La teoría de 'Smashing Pumpkins' es bastante popular: Gerard dijo una vez en una entrevista que él quería que MCR tuviese el mismo destino/futuro que los Smashing Pumpkins, que se separaron por seis años y luego se reunieron. Esto significaría que, si la profecía es correcta, My Chemical Romance se reuniría en 2019 después de un lapso de seis años, tal y como hicieron los Smashing Pumpkins.
Y hay otra teoría: la del álbum The Danger Days. Muchos fans creen que el dicho de "los killjoys nunca mueren" que la banda tanto enfatizó señalaba que la banda realmente nunca moriría. Como Danger Days pasa en 2019, algunos fans creen que en 2019 la agrupación podría reunirse y hacer otro álbum. Gerard dijo en una entrevista después de la separación de MCR que él siempre planea muy a futuro, así que es posible que haya pensado en el año 2019 para los videos de Danger Days para una reunión en ese año.
Pero, la verdad, no creo que se vuelvan a juntar y no quiero que lo hagan.Todos han seguido con sus vidas y en realidad es fascinante escuchar la música que hacen por separado y ver de dónde vienen sus influencias. —Eveline, 16.
“Es triste y genial al mismo tiempo”
MCR es más que mi banda favorita. MCR es como… mi religión. Su música me cambió mucho y salvó mi vida varias veces. Estoy muy orgullosa de poder llamarme una 'Killjoy'. Es un sentimiento muy extraño [el de amar a una banda que ya se separó]. Es triste y genial al mismo tiempo.
Realmente aprecio su increíble música y todo lo que han hecho, pero no puedo creer que nunca vaya a poder verlos en vivo. —Kate, 18.
“Si no pienso en su separación, ni siquiera me doy cuenta”
Para mí, My Chemical Romance significa "hogar". Es como una máquina del tiempo. Puedo ir a la era que quiera, para corresponder a cualquier sentimiento. Siempre están ahí para mí. Me gustan muchas bandas y muchas canciones, pero My Chem siempre me atrapa de vuelta. Siempre hay algo nuevo que descubrir de ellos, incluso ahora que ya se separaron. Ellos dan seguridad, y son una de las pocas bandas que pueden hacer eso por mí.
Si no pienso en su separación, ni siquiera me doy cuenta. Es cuestión de investigar un poco y podré encontrar cosas nuevas, pero también me gusta lo viejo. Estoy feliz por ellos y por su música como solistas, y si ya no quieren estar juntos esa es su decisión. No creo que vayan a reunirse en un futuro cercano. Sería genial poder verlos así nuevamente, pero quisiera que todos se sintieran cómodos con eso. —Jessie, 18.
“Ver esas fotos de hace más de 10 años me producía una sensación desgarradora”
Realmente no puedo describir lo que significan para mí, así que solo daré adjetivos: nostalgia, rebelión, amistad, amor. Tienen una canción para todo y todas son asombrosas. Fueron capaces de capturar [en canción] todas las emociones y me han inspirado mucho.
Dicho eso, ya no estoy tan obsesionada con ellos. He ido superando esa etapa. Siguen siendo mi banda favorita, pero cuando estaba obsesionada era realmente horrible. Ver conciertos y fotos de hace más de diez años me producía una sensación desgarradora de tristeza, porque sabía que nunca iba a poder ver sus conciertos ni nada parecido. La fanaticada es increíble pero es realmente deprimente pues todos están en un estado constante de luto. —Bridget, 16.
“De vez en cuando uno los empieza a extrañar”
He sido fan de My Chem por unos tres años. Mi amiga no paraba de hablar de ellos cuando estábamos en quinto grado, así que los escuché y de inmediato me obsesioné con su música. Realmente me han convertido en la persona que soy hoy y me han ayudado con problemas que he enfrentado y siento que puedo relacionarme mucho con ellos y sus letras.
Obviamente estar obsesionada con una banda que ya no existe tiene sus pros y sus contras. Los pros son que ahora están mucho más felices de lo que estaban cuando eran una banda; tienen hijos y esposas y eso me hace feliz. Lo malo es que de vez en cuando uno los empieza a extrañar. A veces uno se mete muy profundamente en la música y piensa "Wow, ahora que ya no están juntos, nunca más tocarán estas canciones". Y hay momentos en los que uno piensa que estas cosas pasaron, que en algún punto ellos fueron a un estudio y grabaron canciones que salvaron muchas vidas. Es un poco triste. —Remi, 13.
“Gerard Way es nuestro indudable rey emo”
My Chemical Romance no es solo una banda para mí. Esta banda me ayudó mucho durante años. Cada vez que estaba en problemas, sabía que contaba con su música para sentirme mejor. Me identifico con sus letras y, de alguna manera, la banda me apoyó incluso más que mis propios padres. Son como mi familia.
¿Qué se siente estar obsesionada con una banda que ya no es una banda? Bueno, es triste en ocasiones, porque uno quiere ir a sus conciertos y emocionarse cuando sacan nueva música, pero uno sabe que eso no se puede porque ya no están juntos. Otras veces es bueno, porque uno está completamente seguro de que están sanos y felices y que están haciendo otras cosas que también disfrutan, y, como fan, eso es reconfortante.
Esto muestra un nivel de respeto de parte de la cultura de los fans que pocas veces se ve. Que estos fans quieran ver felices a los miembros de la banda en vez de querer que se reúnan y hagan un par de canciones que tal vez no signifiquen mucho. My Chemical Romance saved my life fue un mensaje que se discutió mucho en Piczo y MySpace en 2007, pero los adolescentes de hoy están emulando el mensaje sin ningún incentivo. Tal vez el legado de MCR es entender a los adolescentes de una forma que, aparentemente, no pasa de moda. Hazte a un lado Holden Caulfield, Gerard Way es nuestro indudable rey emo. —Lauren, 19.
Para nadie es un secreto que gran parte de la historia viva del drum & bass se le debe a un sello en particular, fundado en 1994 por el visionario dúo Kemistry & Storm, y un joven grafitero y MC con dientes de oro llamado Goldie. Combinando una receta única inspirada por géneros como el techno, el hardcore y el breakbeat oscuro, este revolucionario tridente decidió darle vida a Metalheadz, el sello que se convertiría en el pilar fundamental del drum & bass en el nuevo milenio.
Inspirando a generaciones enteras de DJs y productores, Metalheadz se ha convertido en la academia base para todo aquel que desee explorar y adentrarse en las entrañas más profundas y atemporales del d 'n' b. Aprovechando el recuerdo fresco que nos dejó el tributo a Metalheadz realizado por Goldie y DJ Randall en el festival Dekmantel 2018, quisimos también rendirle un pequeño homenaje a esta institución de la música electrónica contemporánea, próxima a cumplir bodas de plata el siguiente año.
"DJ Storm y Kemistry fueron las primeras DJs que vi. Hubo un festival en Brighton (Inglaterra), y mis amigos y yo decidimos ir. No nos permitieron quedarnos por mucho tiempo, yo tenía 12 o 13 años. Kemistry & Storm estaban tocando, y esa fue mi primera experiencia. Puedo sentirla ahora, vívidamente. Esa fue la primera vez que me golpearon en la cara, porque con el drum & bass hay una cierta sensación física que obtienes y que no puedes sentirla escuchándolo en un Walkman, ¿sabes? Y una vez que me golpeó en la cara, viendo a Kemistry & Storm, eso fue lo que me encaminó hacia donde estoy ahora", le contó Mumdance, el artista británico de hardcore y grime experimental, a Resident Advisor a comienzo de año.
Si deseas recibir el mismo golpe en la cara, escucha a Kemistry & Storm junto a Goldie en este brindis por la realeza Metalheadz grabado en la ciudad de Brighton en 1996.
Una vez que se calmaron las aguas —después de las cartas de acoso del FBI, después de la intimidación policiaca en su gira, después de los millones de dólares y después de que MTV cediera bajo el yugo del street knowledge—, los protagonistas de esta saga comenzaron a atacarse entre ellos. N.W.A, uno de los grupos más importantes creativa y comercialmente de la historia del rap, no pudo permanecer unido para darle un seguimiento adecuado a su obra maestra. Y así, Straight Outta Compton, el LP que cambió el equilibrio del poder en el hip hop hacia el Oeste, lejos de Nueva York, y sirvió como caballo de Troya para que el gangsta rap conquistara el corazón de los hogares de la clase media, quedó como el único testamento del grupo en el pináculo de sus poderes. El álbum ha sido estudiado y diseccionado y formateado para las pantallas de cine; ha sido sampleado y retrasado y despojado por partes, incluso convertido en municiones para peleas posteriores entre integrantes del grupo.
Sin embargo, aunque Straight Outta Compton está ubicado con precisión en la historia del hip-hop (y en el organigrama de la cultura pop estadounidense de fines de los 80), no se suele entender como un punto de inflexión en la historia musical de Los Ángeles. Cuando una de esas peleas al interior del squad alcanzó su punto más álgido con "Real Muthaphuckkin G’s", el diss track de Eazy-E a Dr. Dre de 1993, el fundador del grupo se burló de su productor por haber adoptado la imagen callejera de N.W.A relativamente tarde en su vida. Lo que Eazy olvidó (u omitió convenientemente) es que esa era la fortaleza del grupo: N.W.A no era solo el producto del racismo de Estado y del sistema de justicia cobarde de California. También fue el producto de movidas atrevidas y descaradas en la sala de juntas corporativa, y en los clubes y discos brillosos y más decididamente "para adultos". Straight Outta Compton se reduce fácilmente a un par de declaraciones clave: "Fuck The Police" salta a la mente. Pero el disco es igual de fascinante cuando se lee como un acto de síntesis.
Hoy en día, la mera mención de Compton tiene un peso moral y narrativo extraordinario en el hip-hop. Kendrick Lamar, el artista más célebre del género para esta década, pudo usar el nombre de su ciudad como la forma abreviada de un linaje que los fanáticos del rap han internalizado. En los años 50 y principios de los 60, Compton era un suburbio aspiracional para los angelinos afroamericanos; en los años 80, cuando Dre, Eazy, Ice Cube, MC Ren, DJ Yella (y el otro miembro fundador, Arabian Prince) estaban rozando la mayoría de edad, Compton estaba en decadencia y con demasiados policías en las calles.
Como ha sucedido en diferentes épocas y culturas, esta brutal penuria generó música brillante, pero al principio no tuvo nada que ver con rap callejero. La fundación creativa de N.W.A se remonta a Eve After Dark, un club nocturno en Avalon Boulevard que engendró al World Class Wreckin 'Cru, un equipo de DJs que incluía a Yella y Dre. El Wreckin 'Cru abarcaba toda la gama sonora de la época, de R&B a electro, y sirvió como laboratorio de pruebas para que Yella y Dre perfeccionaran sus habilidades en los decks y aprendieran a mover multitudes. También en Eve's fue donde el par de DJs trabó alianza con Ice Cube.
Cuando Eazy sintió la cosquillita de formar su propia disquera y, poco después, convertirse en uno de sus artistas emblemáticos, sabía que necesitaba un productor para que sirviera como columna vertebral de la música. La leyenda dice que en 1987, Eazy le pagó la fianza a Dre y lo sacó de la cárcel a cambio de sus servicios como productor. Lo que Dre aportó a N.W.A fue una amplísima paleta musical; además de, claro, la magia técnica y las habilidades de coaching en la cabina que hicieron que Eazy, de ser un amateur se convirtiera en una de las voces más distintivas del rap. En el momento en que N.W.A estaba grabando Straight Outta Compton, sus canciones se desdoblaban en grooves luminosos y llenos de aire ("Gangsta Gangsta"), el pánico absoluto de Public Enemy (en la canción homónima al disco) y jabs lúdicos ("I Ain’t Tha 1", "Parental Discretion Iz Advised"). El álbum incluso termina con "Something 2 Dance 2", un showcase de DJ que tiene más que ver con "Planet Rock" que con "P.S.K.", considerada la primera canción de gangsta rap de la historia.
Por supuesto, las imágenes de Straight Outta Compton que quedaron tatuadas en la memoria colectiva son del grupo vestidos todos de negro, atravesando el fuego y arrojándole piedras a la policía; la voz definitoria es la de Ice Cube, gritando contra policías abusivos. Es, no cabe duda, una canción de protesta. Estas eran voces marginadas gritando por encima del ruido. Pero la música que acompañó esos gritos no fue utilitaria. Fue una investigación compleja de los instintos que Dre et al. perfeccionaron después de vivir una infancia obsesionada con el baile, en uno de los barrios con mayor diversidad cultural, en la segunda ciudad más grande de Estados Unidos.
Como se mencionó, fragmentos de Straight Outta Compton fueron utilizados por los miembros beligerantes de N.W.A cuando estaban peleando uno contra el otro: las proclamas de Dre de estar libre de drogas en "Express Yourself", lo convirtieron en un blanco fácil para Eazy; cuando Ice Cube sacó "No Vaseline" en 1991, uno de los diss tracks más célebres de la historia, sampleó a Eazy diciendo "Ice Cube writes the rhymes that I say" de "8 Ball". Pero durante un breve periodo de tiempo N.W.A le atinó a la fórmula, con su mezcla perfecta entre lo comercial y la arrogancia, entre el sarcasmo y la furia. Straight Outta Compton es el contraste perfecto para la imagen brillosa y ruin que proyectaba la prosperidad troglodita de Wall Street en la época de Reagan, y fue un paso definitivo para que el hip hop terminara por ser el género dominante de la música estadounidense. Pero también es una cápsula del tiempo para revisitar lo que sucedía en las calles amplias y los clubes estrechos de Los Ángeles en el momento en que se hizo.
Ya no es Maluma al que le parten el corazón, sino al puertorriqueño que se quedó sin su blinblin. La historia ahora es la de nada menos que Daddy Yankee, quién se encontraba en Valencia, España, hospedado en el hotel Meliá Valencia el martes 7 de agosto, mientras se presentaba en el Latin Fest. Según el diario La Provincia, los elementos hurtados de la habitación de El Cangri y su crew fueron retirados por un ladrón que se hizo pasar por él en la recepción del hotel.
Según el diario valenciano, la policía afirmó que el valor del robo perpetrado al ícono mundial del género urbano está por encima de los 2,500 millones de euros que comprenden diamantes, cadenas, joyas en general y efectivo. No sólo tomaron lo que había en los closets, sino que abrieron la caja fuerte, pero según la misma Policía Científica del estado valenciano no hay manchas o huellas que puedan delatar a los ladrones. Esperamos que el big boss con las 10.000 millones de views que tiene en su video más viral, "Despacito", los conciertos que tiene alrededor del mundo y sus contratos discográficos recupere pronto su pérdida. Ah sí, y que cojan al que se hizo pasar por él.
Un caso extrañamente particular y peligroso sucedió el pasado fin de semana en la edición 2018 del festival inglés Bestival. Realizado del 2 al 5 de agosto en el castillo Lulworth Castle, ubicado en la región de Dorset, Inglaterra, el Bestival contó este año con artistas de renombre como Diplo, M.I.A., Jorja Smith, Faithless, Gilles Peterson, entre varios más.
Con la presencia de miles de asistentes ansiosos de fiesta y descontrol a lo largo de los cuatro días del festival, era de esperarse que las sustancias psicoactivas también dijeran presente en dicho agasajo colorido. Según ha informado The Loop, organización inglesa sin ánimo de lucro y defensora del consumo responsable de sustancias psicoactivas, en el Bestival 2018 se testearon alrededor de 450 muestras de MDMA, de las cuales un gran número arrojaron como resultado 'Pentilona' y 'N-etil-pentilona'.
Estas sustancias, de acuerdo con estudios médicos, llegarían a ser tres veces más fuertes que el propio MDMA, a pesar de tener una textura y sabor similar al famoso "Mandy". "Se ve igual y huele igual al MDMA. Esto parece ser un serio problema con los dealers vendiendo esto en un festival de estas características. Y la gente no se da cuenta hasta que lo consumen. Habían personas en el Bestival que habían estado despiertas por tres o cuatro días luego de haberlo consumido", le contó Fiona Measham, directora de The Loop, al diario inglés The Metro.
"Exactamente la mitad de las personas que se acercaron a nosotros ya habían consumido sus respectivas sustancias. Así que estamos encontrándonos con personas que se acercan a nosotros luego de que comienzan a pasarla mal. La gente a veces cree que nuestro servicio fomenta el consumo de drogas en el futuro, pero lo que verdaderamente hacemos es ayudar a las personas a entender el consumo actual", aseguró Measham.
Muestra de 'N-etil-pentilona'. Imagen cortesía de The Loop.
La militancia global de Underground Resistance está de fiesta. De acuerdo con una imagen posteada en Instagram por la tienda de discos Technical Equipment Supply, propiedad del veterano productor Todd Osborn, el revolucionario sello y colectivo de Detroit vuelve a entrar en escena con un nuevo vinilo producido por los mismísimos Mike Banks y Jeff Mills.
Compuesto por dos tracks, Electronic Emotions / Like That, el 12" incluye música producida por los fundadores del sello entre 1993 y 1994, años dorados en los que la mística del Detroit techno se esparció por el planeta entero. Quienes deseen llevarse a casa esta reliquia moderna de UR, deberán acercarse hasta Technical Equipment Supply, ubicada en la ciudad de Ypsilanti, Michigan. La fecha del lanzamiento aún no ha sido revelada.
¿Alguna vez se les cruzó por la cabeza tener un juego de mesa en el que los símbolos de los naipes fueran reemplazados por tus DJs favoritos de techno? Gracias a la cuenta de Instagram Techno The Gathering, finalmente podrás hacer realidad tu fantasía de convertirte en el jugador de poker technero más aclamado de todos los tiempos.
Con apenas dos semanas de actividad, la cuenta ya tiene más de 5000 seguidores dispuestos a obtener las preciadas cartas de artistas como Ben Klock, Jeff Mills, Richie Hawtin, Rødhåd, Marcel Dettmann, entre muchos otros más. Inspirado en el original juego Magic: The Gathering, las cartas vienen con una pequeña descripción de cada artista, además de las habilidades especiales que caracteriza a cada uno de estos personajes del universo techno: la indestructibilidad de Richie, el aura mágica del hechicero Mills, o los pantalones holgados de Adam Beyer.
Si fuiste un devoto seguidor de Pokemon o Yu-Gi-OH!, y hoy en día te consideras un verdadero raver purista, Techno The Gathering definitivamente será tu pasatiempo predilecto. Mira todo el juego completo de cartas por acá.
Hace una semana anunciamos que un disco compilatorio de colaboraciones de Gustavo Cerati, quién ha sido uno de los más grandes referentes del rock en el continente tanto en su faceta de solista como cuando era la voz en Soda Estéreo, saldría a la luz en contados días. Finalmente hoy, 10 de agosto, Sony lo pone en las plataformas digitales y se espera que salgan a la venta unos cuantos LPs para quienes disfruten de la música en tocadiscos.
En el disco hay momentos icónicos del ex soda como el cover “Bring On The Night” con Andy Summers, guitarrista de The Police, y también las versiones en vivo de “Bajan” y “Té Para Tres” con el Flaco Spinetta en el 2010, entre otras joyitas que vale la pena volver a escuchar una y otra vez. Píllalo aquí abajo.
Uno de los grupos relevantes de la música independiente mexicana en lo que va del siglo es, sin duda, Hello Seahorse! y tuvimos el pre-estreno de su nuevo tema esta semana en Noisey. Después de haber estrenado en noviembre pasado "Dónde estabas (Azul)", un tema hecho en mancuerna con Bufi en la producción, el cuarteto regresó con otra canción en la misma frecuencia congelada y galáctica: "Son", cuyo título no refiere a la composición de música popular sino es el verbo "ser" conjugado en plural y tema que también fue producida por Bufi.
Sobre el tema, Denise nos dijo: "'Son' se siente como un puente entre el Hello Seahorse! del pasado y el que viene con el disco nuevo. Así como su dupla “Dónde estabas (Azul)”, hicimos mancuerna con Bufi para producirla. Recuerdo el día que decidimos buscarlo a él. Acabábamos de componer ambas canciones en nuestra pequeña casa de bosque rentada para trabajar. Queríamos producir con alguien con quien nunca hubiéramos pensado hacerlo, pero alguien que conociéramos. Bufi fue la primera persona en quien pensamos. Así, en este nuevo capítulo de la banda, el propósito es trabajar y colaborar con colegas externos. Poder entonces llegar a donde jamás habíamos pensado llegar a través de las ideas de todos. Puedes checar el resto de la entrevista que tuvimos con el cuarteto dando click al lado.
Dale play a nuestra playlist con canciones favoritas del 2018 y checa abajo las otras canciones que metimos en nuestra actualización de esta semana.
Hello Seahorse! - “Son” Girl Ultra con Fntxy - “Bye Bye” Clubz - “Templos" Trïp Trïp con Le Rue Boys - “Real" Danny Ocean - “Epa wey" Maluma - “Mala mía" Ximena Sariñana - “¿Qué tiene?" Akapellah con DJ Khaled y Fat Joe - “Los Goldos" Hawaiian Gremlins - “Americana" El Freaky con Apache, Toby Letra y Stanley Jackson - "NMF" Phyzh Eye con Jozue y Heber - "Natural"
