No hay nada por hacer: la temporada Drake ha comenzado. Sabes que eso significa muchas fotos y videos plagados de fiestas, beefs, contemplación y melancolía. Si estuviéramos en 2010, incluso podría hacer la broma sobre cómo Drake medita más que Edward de Twilight. Y hoy su estado contemplativo se elevó aún más, a través del lanzamiento de un trailer bastante oscuro para anunciar su nuevo álbum, Scorpion. En el clip Drake reflexiona un poco antes de ir a un estudio de grabación iluminado en rojo. Todo pareciera una referencia a Drive de Nicholas Winding Refn, en la que las chaquetas bomber, escorpiones y luces de neón hubieran sido la inspiración para la dirección creativa del disco.
Extrañamente, la canción elegida para ambientar el trailer, "The Mark (Interlude)", no es propiamente de Drake, sino del trío alemán Moderat. Mira el clip a continuación:
Scorpion es el quinto álbum en solitario de Drake (o séptimo, si cuentas la "playlist" More Life y el "mixtape" If You're Reading This It's Too Late), y llega después del EP Scary Hours, lanzado a comienzo de año y que incluye el aclamado "God's Plan". Scorpion, que también contiene los sencillos "Nice For What" y "I'm Upset" sale este viernes 29 de junio. Drake recientemente reveló el arte del disco a través de su Instagram, y ha estado lanzando fragmentos de su letra a través de vallas publicitarias en todo Estados Unidos.
Psicodelia, otro género o término musical complicado de definir, pues más que un tipo específico de sonido, pareciera que se trata de una serie de sensaciones que transmite la música y que contagia de un estado emocional a quien la escucha. Es cierto que hay diversos estilos de psicodelia, alguna es oscura y densa, hasta con pared de sonido creada por guitarra con muchos tipos de pedales. Otra incluye paisajes sonoros de ensueño, que te llevan a sentirte en el cosmos, a un desdoblamiento de cuerpo y alma. También está el estilo de psicodelia que tiende al folk, de ese que remite al verano del 68, en el que todo era peace and love. O la psicodelia que incorpora ruidismo y algunos elementos de krautrock. Incluso hay una ola que juega con el garage y otra que recurre a instrumentos del lejano oriente, igual que en su momento hicieron las bandas clásicas de la década de los 60.
La psicodelia ha sido una parte tan importante de la historia del rock, que se ha negado a morir, y ha buscado rincones por donde colarse hasta las bandas de hoy. Si te late el revival de psicodelia y amas a bandas como Tame Impala, Ahlla-las, Temples, Ty Segall, u Oh Sees, tienes que escuchar a los siguientes proyectos. ¿Listo para despegar?
Gold Celeste
Provenientes de las mágicas tierras de Noruega, este trío toma inspiración de la psicodelia sesentera, para crear una propuesta de lo-fi pop, muy al estilo de Tame Impala o MGMT, pero con exploraciones de paisaje sonoro, que recuerdan a Animal Collective. Su álbum debut se titula The Glow. Sus canciones son profundas y te hacen sentir en el espacio; piezas con una paleta sónica vibrante: guitarras refrescantes, sintetizadores vibrantes, mucho reverb, ambientes y vocales de ensueño. Para llegar a este resultado de una primera producción tan bien estructurada y con un sonido tan propio, pasaron varios años recluidos en un estudio. Bien podría tratarse del soundtrack perfecto para una escapada en un paraíso tropical. En sus letras exploran la injusticia, la cultura de la comida rápida y las implicaciones de la era del internet, en la que todo está al alcance de un click.
Kikagaku Moyo
Desde Tokio, Japón, Kikagaku Moyo ha experimentado con el sonido psicodélico desde 2013. Arribaron a la escena underground de su país con el EP Stone Garden. Sus viajados temas están construidos a base de guitarras con distorsión fuzz, brillantes pasajes de sitar y largos episodios de drones; completan la propuesta pesados riffs, infecciosas melodías pop y calmados pasajes folk. Todo crea una raza única de psicodelia, oscura, densa y con paisajes contemplativos. El nombre de la banda significa "patrones geométricos". De acuerdo a declaraciones de su fundador-baterista, sus creaciones son una extensión emocional del estado mental en el que se encuentran al momento de componer, y están lejos de pretender ser una declaración de valores o de preferencias musicales. Las películas de Serie B y la ciencia ficción de bajo presupuesto, son algunas de sus influencias. Sus dos LPs se titulan Mammatus Clouds y House in the tall grass.
Frankie and the Witch Fingers
Desarrollaron su sonido en Los Ángeles, California, y eso se nota al minuto de haberle puesto play a cualquiera de sus canciones. Una banda que incorpora lo-fi garage a sus creaciones de rock psicodélico, que se derriten al salir por tus bocinas o audífonos. La música de Franky And The Witch Fingers está llena de melodías neblinosas, pero añaden disonancias al estilo de 13th Floor Elevators, para darle un poco de sabor picoso. Las vocales están aderezadas con efecto de eco, para acentuar la atmósfera psicodélica. Líneas de bajo con mucho groove, riffs de guitarra funkeros, extraños solos de órgano y armónica, y una vibra sesentera, te mantendrán moviéndote en cualquier lugar que los escuches. Tienen tres discos: Lou Reed del 2015; Heavy Roller del 2016; y Brain Telephone de 2018.
The Holydrug Couple
Exponentes chilenos de la nueva psicodelia, iniciaron en 2008. Hacen canciones pachecas pero con mucha luz, que extraen no de guitarras densas, sino de diferentes sintetizadores. Cuando debutaron en el 2011 con el EP Ancient Land, su sonido estaba más orientado a ambientes nebulosos, creados con distorsión de guitarra. Esto también se nota en Awe, su primer largo, que por momentos recuerda a Spacemen 3. Ambas producciones están en Sacred Bone Records. Le siguió Noctuary en el 2013 y Moonlust del 2015. Este último presenta una psicodelia suave y pacífica, todo el tiempo cerca de atmósferas oníricas. Algunas de las influencias que permearon este disco son música francesa de los 70, principalmente de Serge Gainsbourg y también la banda de pop electrónico Air.
The Myrrors
De tierras antigüas y salvajes, la Ciudad de Tucson, Arizona, The Myrrors son especialistas en temas feroces que te pueden hacer alucinar. Crean ambientes hipnóticos y envolventes a partir de mucha distor fuzz, elementos de krautrock y minimalismo experimental. Ganaron atención desde su primer disco Burning circles in the sky del 2008. Algo que hace destacar al sonido de esta banda, es su peculiar acercamiento a elementos que regularmente no son parte de la dotación rockera: vientos de madera como clarinete y saxofón, así como instrumentos de folclor asiático.
The Babe Rainbow
Finalizamos esta lista llegando a Australia, para conocer a una banda de surfers que hacen música retro, con onda sesentera. The Babe Rainbow suena a súper buena vibra cósmica, psicodelia pop playera estilo hippie. Se trata de una banda congruente pues llevan un estilo de vida acorde con la música que crean: se alejan del consumismo. También se distinguen por retomar algunos sonidos de los Beach Boys. Llamaron la atención de Stu Mackenzie, de King Gizzard and the Lizard Wizard, y este les ofreció producir su disco debut, que después pasó a manos de Flightless Records, la disquera de esa misma banda. Psicodelia para dejarse derretir bajo el sol.
En la tarde noche de ayer 26 de junio, una foto publicada por René Pérez Joglar a.k.a Residente, junto a los raperos españoles Kase.O y Nach en el estudio, causó revuelo en las redes sociales y abrió la puerta a especulaciones que anunciaban una gran colaboración entre tres de los mejores MCs en habla hispana.
Horas más tarde, más exactamente en la mañana de hoy miércoles 27 de junio, el rumor lo confirmó Nach desde sus redes sociales, anunciando además que no sería una sola canción, sino dos las que se vendrían entre estos tres capos. En la imagen se ve la misma alineación junto a Residente y Kase.O, pero también aparece el productor español Pablo Cebrian.
En la madrugada de hoy 27 de junio, Joseph Jackson, arquitecto de los Jackson 5 y padre de una de las figuras más importantes en la historia del pop mundial, Michael Jackson, falleció en Los Ángeles, California a sus 89 años, según informó el portal TMZ.
Joe, como era conocido en el mundo del espectáculo, habría sido hospitalizado en los últimos días a causa de un cáncer que se encontraba ya en su etapa terminal, razón por la cual era imposible ser tratado.
En la década de los 60, Joe fue la pieza clave para sembrar la semilla que evolucionaría de los Jackson Brothers a los Jackson 5 y luego a las prolíficas carreras de dos de sus 10 hijos: Michael y Janet Jackson. Y aunque en múltiples ocasiones se le acusó de explotación y abusos físicos y emocionales, siempre fue reconocido y admirado por su compromiso con las carreras de ambos.
Su último tweet, del 24 de junio, dio de alguna manera el mensaje anticipado de que se acercaban sus últimos días.
“He visto más atardeceres de los que me quedan por ver. El sol sale cuando le llega el momento y, te guste o no, el sol se pone cuando le llega el momento”.
Este próximo 18 de agosto, un nuevo nombre se une al circuito de festivales de música electrónica colombiano, haciendo de este uno de los más diversos y sólidos de Sudamérica. Las promotoras OFF Conciertos, BAUM y Trazendez han unido fuerzas para presentar Cøsmos Contagio Sonoro, una propuesta que busca reinventar lo que anteriormente se conocía como el festival de Cometas y Techno en el municipio de Villa de Leyva.
Para esta primera edición, el festival ha logrado armar un cartel con nombres importantes como FJAAK, el trío alemán apadrinado por Modeselektor; Function, pilar fundamental del recordado sello Sandwell District; Kevin Saunderson, leyenda viva del techno de Detroit; entre varios más, quienes estarán compartiendo escenario con varios DJs conocidos del ámbito local.
Conjugando el componente tecnológico con los campos místicos de la región de Boyacá, el Cøsmos Contagio Sonoro busca descentralizar la realización de festivales en las ciudades grandes, trayendo todo un banquete sonoro a una de las locaciones más atractivas del país, donde se espera la asistencia de unas 5.000 personas.
A continuación los dejamos con el line up del primer Cøsmos Contagio Sonoro. Y si desean conocer más detalles relacionados al festival, pueden pasarse por acá.
El hip hop en Estados Unidos es una de las ventanas más importantes que ha tenido la narcocultura latina, colombiana y mexicana en específico, para asomarse a lo pop y, posteriormente, formar parte del mainstream en forma de películas y series. Tanto en el uso e imitación de las imágenes y en el uso del slang del narco en español, como en hacer referencia a los grandes capos de la droga todo el tiempo en su música, el hip hop ha mostrado una fascinación innegable con este mundo: el narco mexa o colombiano son uno de los símbolos más poderosos dentro de su universo mitológico.
Y ahora Migos, que estuvieron calladitos por unos meses, regresan con otro video para su placa 2018 Culture II que, desde el título del track, es otro homenaje a los capos de la droga y la vida malandra. "Walk It Talk It" ha sido el éxito más grande que les ha dado hasta el momento ese disco (con su divertido video vintage con Drake), y decidieron regresar con un clip donde los vemos pariseando en una especie de casona muy latinoamericana y repasando todos los clichés narcos hasta terminar en un intercambio de balazos con la policía, porque pues... ¿así es el futbol? Mira el video arriba.
El mes pasado, 03 Greedo anunció que estaba casi a la mitad de su objetivo de hacer 30 álbumes antes de su sentencia de 20 años de prisión. Hoy entregó God Level, un álbum de 27 canciones con apariciones de Rich the Kid y producción de Kenny Beats. Mañana, el rapero de California se entregará a sí mismo para cumplir su sentencia por cargos de armas y drogas. "God Level cambiará la música para siempre", dijo Greedo a The Fader . "Yo soy la cultura Dios". Con menos de 24 horas hasta su sentencia, Greedo aún pone a sus fanáticos primero.
Escuche el nivel de Dios a continuación.
Kristin Corry es redactora de Noisey. Síguela en Twitter.
Este artículo apareció originalmente en Noisey US.
Dentro de la cosmogonía del funk, existen varios elementos que forman parte de la música popular y que han trascendido al género. Tal es el caso del pedal wah wah de Malvin Ragin, o Wah Wah Watson como era mejor conocido; el estilo de llamado-respuesta de James Brown y sus JB’s; y la ultra sexy guitarra de Sugarfoot Bonner de los Ohio Players.
Otro de sus elementos indispensables es la Talk Box que popularizó Roger Troutman con su banda de electro funk Zapp en el despertar de los ochenta. Si bien Troutman no fue el primer músico en usar una Talk Box en grabaciones, si podemos decir que es quien mejor dominó la técnica para hacer brillar estos aparatos.
El arquetipo del dispositivo llamado Talk Box fue originalmente inventado para ayudar a comunicarse verbalmente a aquellas personas cuyas cuerdas vocales estuviesen dañadas como consecuencia de alguna enfermedad degenerativa; pero para los setenta, músicos como Stevie Wonder estaban usando variaciones del artefacto desarrolladas para grabar música.
La Talk Box utilizada en el álbum de Peter Frampton, Frampton Comes Alive! de 1976. Foto vía Wikimedia Commons
La cajita lo que hace es modificar/adaptar el sonido de algún instrumento musical (guitarra, sintetizador...) alterando su frecuencia y adaptándolo a la voz humana. Uno de los casos más exitosos en la historia de su uso, es el del rockero inglés Peter Frampton en su multi laureado disco Frampton Comes Alive! de 1976 que usa prominentemente la Talk Box a través de una guitarra eléctrica. Una vez más, me remito a la programación de la estación de ‘rock clásico’ de la Ciudad de México Universal Stereo, que fue la encargada de hacerme escuchar "Show Me the Way" del mencionado disco de Frampton hasta el hartazgo.
A finales de los setenta, Roger Troutman había conocido en su natal Hamilton en el estado de Ohio a Bootsy Collins, quien para esos momentos ya formaba parte del grupúsculo de la que, desde mi punto de vista, es la banda de rock más grande de esa década: Parliament/Funkadelic. Bootsy, también oriundo de Ohio, presentó a Roger con el piloto de la nave nodriza George Clinton que inmediatamente lo incorporó a su fórmula.
Después de algunas intervenciones con la banda de Clinton, Roger formó un grupo con sus hermanos y editó su primer disco en 1980. El álbum homónimo Zapp poseía el sonido del funk de la nueva década, que incorporaba sintetizadores y otros recursos tecnológicos, para agregar a la exitosa fórmula del funk una estética futurista. Bandas como Slave, Mtume, Cameo y el mismo Prince, son algunos de los actos que, junto a Zapp, definieron el sonido del Funk Moderno de los ochenta.
Zapp en pleno efecto
Desde ese momento, Troutman se convirtió en una referencia por el dominio de la Talk Box en las grabaciones. Hasta entonces el dispositivo había aparecido en la música popular como un recurso o pincelazo, y la gran diferencia en el debut de Zapp es que el chico de Hamilton, Ohio había desarrollado una técnica que le permitía usarlo durante toda una canción y darle así un efecto robotizado a su voz.
El tema que abre el álbum y que fue el primer sencillo del mismo, es "More Bounce To The Ounce" (290 veces sampleada de acuerdo al oráculo). La canción tiene un beat basado en aplausos sintetizados, un riff de guitarra funk que envidiaría Prince, y la frase que da título a la rola repetida incesantemente por Roger Troutman a través de su Talk Box personalizada, haciendo gala de la técnica que había desarrollado, en la que el dispositivo parecía una extensión de su cuerpo: Roger se había convertido en un Cyborg.
La diferencia entre Troutman y Stevie o el rockero Frampton, es que Roger practicaba con éxito todo el alfabeto en su caja de hablar. De acuerdo a otros usuarios del dispositivo, existen palabras con ciertas letras como la "y" o la "g", que requieren de mucha práctica para lograr un sonido que evite la distorsión al momento de pasarlas por el aparatito. Roger logró dominar la técnica, y lo que había comenzado como un guiño en la industria musical, para Zapp se convirtió en una constante: todas las canciones de la banda usaban el efecto.
Lo de Roger es una hazaña porque, si bien su técnica se convirtió en el estándar más alto en el uso de una Talk Box, el viejo Rog tuvo que pagar un precio muy alto: los tubos plásticos que se usan en el dispositivo eran difíciles de limpiar e imposibles de intercambiar durante conciertos, lo que le ocasionó a Roger varias visitas al hospital por envenenamiento debido a la falta de higiene en los mismo tubos.
Varios usuarios de la Talk Box han mencionado lo difícil que es usarla durante largos periodos de tiempo. Patrick Gemayel de Chromeo y Florian Schneider de Kraftwerk, ambos admiradores de Roger, han comentado que el uso extenso del dispositivo podría causar: mareos, vómito, desmayo e incluso electrocución. La lucha de Rog era real.
Después de ese disco debut, Zapp tendría una exitosa carrera durante los ochenta para luego incorporarse a la amnesia que se tuvo de esa década, durante la primera mitad de los noventa. Afortunadamente el sonido de la banda y de rolas como "More Bounce to the Ounce", fueron ampliamente favorecidos por la cultura del sampleo, por lo que su legado sería conocido por la siguiente generación como el sonido G-funk de la Costa Oeste de California, encabezado por DJ Quik, Warren G y, sobre todo, el Doctor Dre.
De hecho Troutman hubiera pasado prácticamente desapercibido, si no fuera porque en la cúspide de la era G-Funk fue invitado a participar en "California Love" de 2Pac. No solo es él el encargado de la Talk Box que se escucha en el coro: también aparece en el video inspirado en el Domo del Terror de la saga post-apocalíptica Madmax. Esta participación clave le dio nuevos bríos a su legado, más al final no a su carrera.
Después del video, los planes de Roger eran volver al estudio y trabajar para regresar triunfalmente a una industria que finalmente había revalorado su trabajo. Lo anterior nunca se concretó: el cuerpo de Roger sería hallado muerto afuera de su estudio en Dayton, Ohio. Larry Troutman, hermano mayor de Roger y también miembro de Zapp, había matado a su hermano para luego huir y suicidarse. Los motivos del asesinato nunca los sabremos, pero se especula que los hermanos no se habían puesto de acuerdo acerca del cómo iba a ser el regreso triunfal de Zapp a la industria. Vamos, cuestiones que bien se pudieron haber arreglado con una cabeza fría.
El legado de Troutman es invaluable para géneros como el G-Funk y el Funk Moderno, además de que su sonido ha sido inspiración para bandas como Dâm-Funk, Daft Punk y Snoop De-O-Doble G.
Les recomiendo toda la discografía de Zapp y los trabajos en solitario del cyborg conocido como Roger Troutman.
King Kong Records y Nacional Records en tu área con otro trabuco aceitado para comer bizcochos y dejar reguero. De la mano de una de las matronas en la nueva configuración de la música de bellaqueo, malandreo y perreo, Tomasa del Real aka la que te hace barrer con el pelo aka la jefa la mamá. "Sirena" es el cuarto tema en el tracklist de Bellaca del año, la placa 2018 de la chilena y, en realidad, su disco debut después del recopilatorio de temas del 2016 Bien y mal, y el primero que saca bajo Nacional.
Con Bellaca del año, Tomasa del Real se ha posicionado como una reina definitiva del así llamado neoperreo, de los ritmos postreggeatoneros y, en general, de toda esta movida independiente a nivel Hispanoamérica. Al respecto nos comentó:
¡Con Bellaca del año me lleve una gran sorpresa! Nunca pensé que la noticia del lanzamiento iba a llegar tan lejos. Ver cómo cambia el publico que me escucha a uno más grande y masivo es súper motivante. Lo otro es ver cómo crece el mercado del reggaetón en todo el mundo: me hace sentir muy afortunada de haberme metido en el perreo.
"Sirena" es una canción para seducir, para celebrar el triunfo y la libertad individual, y para naturalmente perrear hasta el suelo. Sobre ello nos dijo:
"Sirena" tiene un corte dramático y sí, me refería al canto de la sirena como una metáfora del efecto hipnótico que puede tener una voz que, en este caso, te atrae para que te pierdas bailando 1000 horas en el mar. Me imaginé en una película y este sería la canción de esa peli.
Y en el video, que presentamos por primera vez en la parte de arriba de este post, vemos a una Tomasa realmente haciendo uso de sus súper poderes de sirena: con solo verla quedas hipnotizadx. Se ve una evolución en su imagen y su relación con la cámara en este video, que es grata de apreciar para quienes hemos seguido su meteórica carrera. Puntualizó:
El video lo grabamos en Mexico junto a nuestros amigos argentinos de Ueso productora, fue una invitación del equipo donde ellos tomaron la dirección de todo, desde la producción hasta el makeup. Fue una muy linda experiencia y el resultado me encanta. Espero que al publico también c:
Luego de embarcarnos en un viaje introspectivo a través del caos de la capital colombiana con Equilátero, su segundo álbum de estudio, el MC bogotano TSH Sudaca regresa con nuevo sencillo para ponernos a reflexionar sobre las diferentes vicisitudes del día a día.
Respaldado por el rey Midas paisa de los beats, El Arkeólogo, el tema titulado "Sudacream" deja ver a un TSH lanzando barras acerca de esos trabajos mal valorados, donde personajes ingratos buscan compensar el buen producto con "likes", mas no por haberlo hecho bien. Un verdadero manifiesto para hacer valer su trabajo, al ritmo de un beat exquisito y de unas letras minuciosamente elegidas.
Escucha "Sudacream", lo más fresco de TSH Sudaca y El Arkeólogo a continuación:
Escuchar a Urdaneta es sumergirse en un viaje en busca de un paisaje desconocido y onírico. Su sonido, atrapado entre el Cerati dosmilero, el britpop noventero de Blur y Oasis y esa ola rockerita de Queens of The Stone Age o Muse es una mezcla de referencias al rock en español de hace un par de décadas, a la experimentación de riffs y percusiones y a la profundidad de un sonido que no se esfuerza por demostrar virtuosismo, sino por crear un ambiente y una emoción entre la nostalgia, la melancolía, la frustración, el amor y la abstracción.
Luego de irrumpir en la escena desde mediados de 2016, Urdaneta se ha preocupado por hacer presencia juiciosa en la caldera humeante de la escena emergente capitalina, soltando sesiones en vivo por redes y manteniendo siempre a su público alimentadito con cosas nuevas. En el 2017 lanzó los primeros cinco tracks de su disco debut Azul parcial, Pt 1 y en el primer semestre del 2018 publicó su segunda parte, razón por la cual quisimos aguantarnos para mostrar su obra completa y diseccionarla canción por canción, entendiendo los momentos, el concepto y las intenciones que le imprimen para llegar a esa idea tan suya que busca "redefinir el rock latinoamericano".
Bienvenidos al viaje
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"Distancia y vejez"
Esta es una canción que estructuramos muy poco durante la pre-producción del disco. De hecho nuestro primer dia en el estudio fue dedicado a grabar y producir de principio a fin lo que terminaría siendo "Distancia y vejez". Esta canción encapsula lo que nos proyectamos en términos de producción para todo el disco y hace referencia a “Sulky” de Cerati en su uso del ritmo de tambora para contar una historia de esperanzas y frustraciones.
"Formas"
Una mezcla de rock en español con mentalidad, estructura, y producción influenciada por el pop inglés, estilo Blur y Oasis. Es una canción que busca innovar la propuesta del rock en español con cambios de tiempo repentinos, elementos psicodélicos y una atmósfera de guitarras eléctricas con voces de apoyo que llevan todo a otra dimensión.
"Sin sabor"
Una canción que transporta al que la escucha a otro tiempo, queríamos experimentar con sonidos retro con una onda ochentera. Teníamos la intención de evocar un poco de romanticismo antiguo. Esta canción podría considerarse el experimento más atrevido fue un proceso donde nos salimos de nuestra zona de confort para buscar un aire distinto en el disco.
"Algo a qué volver"
"Algo a qué volver" es una canción que vino naturalmente, Alvaro Valencia tenía toda la estructura prácticamente hecha y solo fue crear ambientes con arreglos y la voz. Se pensaron en muchas influencias del la psicodelia noventera con espíritu "grunge". Queríamos evocar la transición que existe en el disco con las partes melódicas y rockeras de esta canción. De esta manera la canción nos revela el lado conceptual del disco, uno donde las canciones se comunican entre si para construir la ideas detrás de “Azul Parcial”.
"Azul I y II"
"Azu I y II" son una reacción a la rigidez que a veces se requiere para grabar un disco. Metidos en el estudio, tratando de sacar cada parte de las canciones de la mejor forma posible es fácil perder un poco el sentido de lo que es tocar en conjunto. Entonces sin buscar nada, a veces nos poníamos a jammear como para recuperar la sensación de vivir la música en tiempo real. Y eso son los Azules del disco: músicos en un cuarto tocando juntos. Este disco debut estaría incompleto sin los rastros de estos momentos de desfogue. Estos temas marcan la transición de la parte uno a la parte dos del disco porque capturaron los momentos donde descansábamos de la estructura de la canción y dejamos que la música tomara su rumbo para ser la marea que lleva al oyente de un lado al otro. También es un paso conceptual que da el disco el azul cambia de tono.
"Entrega y Delirio"
Esta una canción protesta disfrazada de canción de amor. Y aunque es una canción con estructura pop, encierra el dramatismo de los temas que trata como el tedio de la sociedad. Fue una canción donde buscamos satisfacer nuestras influencias un poco más Anglo, queríamos que los riffs de guitarra evocaran a Muse o a Queens of the Stone Age. Sus bases fueron grabadas en bloque
"Me quiero perder"
Me quiero perder salió de un poema pequeño y la búsqueda de una canción. Aún así es muy orgánica. Todas las partes se asimilan con las otras de manera natural, jugando siempre con los cambios de dinámicas que otra vez evocan el mar, el ir y venir de las cosas. Depronto por eso terminó siendo la canción con más groove del disco. Nuestro buen amigo Nicolas Gonzalez puso unos teclados que marcaron un punto de encuentro entre el feeling casi hiphopero de la percusión y la tónica psicodélica de las guitarras.
"Escrito"
"Escrito" pone a marcar el beat con el pie a cualquiera. Aquí quisimos experimentar con el sentido del espacio en la canción. Los versos se oyen como si estuvieran en una cueva. Los coros son amplios como el espacio abierto. Invitamos a Pablo Gómez, un reconocido bajista a que tocara y como la mayoría de las canciones de “Azul Parcial”, sus bases fueron grabadas en bloque.
"Cadenas"
Fue una canción que se creó en su totalidad dentro del estudio. La escribimos desde cero una tarde y la grabamos en la noche. Es un experimento donde intentamos dejar las influencias y encontrar un sonido más auténtico. Rítmicamente la cancion tambien es un experimento donde buscamos evocar un sentimiento de beat de hip-hop. Jugamos mucho con filtrar ambientes nos encanta llevar a las personas que escuchan nuestra música a un lugar que realmente no existe, donde los sintetizadores y las guitarras se vuelven uno. Consideramos que "Cadenas" fue un buen ejercicio de crear estando en marcha , de poder crear si tener ningún prejuicio al hacerlo.
Cuando se habla del escenario electrónico italiano, es imprescindible hablar de Alexander Robotnick. El nacido en la siempre bella ciudad de Florencia como Maurizio Dami, se ha mantenido como una figura de culto dentro del amplio espectro del circuito europeo a través de los años, gracias a sus innovadoras y disruptivas producciones que han ayudado a cimentar diferentes géneros como el electro, el italo-disco y el synth-pop.
Desde 1983, año en el que lanzó su himno más reconocido, "Problèmes D’Amour", Robotnick no ha cedido terreno alguno en su misión de seguir enriqueciendo el escenario musical con proyectos sonoros sobresalientes, que parecieran brotar con notable facilidad de su inseparable y querida familia de sintetizadores. Conocido también por producir piezas musicales para películas en la década de los ochenta, el italiano ha logrado reinventar su sonido a través de su propio sello Hot Elephant Music, además de contribuir en varias ocasiones para plataformas más contemporáneas como Crème Organization, forjando aún más sus estatus de leyenda viviente.
Aprovechando su presentación este próximo viernes en la ciudad de Bogotá, gracias a Armando Records, le preguntamos a Alexander Robotnick cuáles, según él, son esos cinco tracks esenciales a la hora de hablar de un género tan ligado a su prolífica carrera: el electro.
Patrick Cowley - "Megatron Man"
Lanzado en 1981 por su propio sello, Megatone Records, el segundo LP del productor estadounidense Patrick Cowley ha trascendido en el tiempo como una verdadera joya discotequera capaz de hacer bailar a cualquier persona. Electro de San Francisco para el mundo entero.
The Parallax Corporation - "Whore Of The Floor (Disco Sucks)"
"Whore Of The Floor (Disco Sucks)" se encuentra incluido en el único álbum lanzado por el dúo holandés The Parallax Corporation titulado Cocadisco
. Un corte que refleja a la perfección todo el poderío proveniente de la ciudad de La Haya, y que ha servido para posicionar este género parido por la reconocida TR-808.
Alden Tyrell - "Love Explosion"
Este maestro del house neerlandés lanzó "Love Explosion" en el año 1999 a través del sello Viewlexx, propiedad de su amigo y mentor I-f. Dos versiones del mismo track, una vocal y otra instrumental, pero una misma energía que te hace querer bailar toda la noche al comando de estas voces robóticas.
Savas Pascalidis - "Future Street Number 1"
El veterano DJ y productor alemán se une al sello francés Space Factory para lanzar Break It Down, un vinilo compuesto por tres cortes, en el "Future Street Number 1" se convierte en el arma predilecta de Robotnick para destrozar cualquier pìsta de baile. Lastimosamente, en redes solo encontramos el track homónimo del disco, el cual les dejamos a continuación.
Who made Who - "Out the Door (Super Discount Mix)"
El trío danés WhoMadeWho permitió que tres amigos franceses bajo el nombre de Superdiscount remezclaran su track "Out The Door" a comienzos de 2006. ¿El resultado? Una verdadera gema perfecta para conquistar cualquier club o festival a lo ancho y largo del planeta tierra.
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Si no se quieren perder esta noche con uno de los pioneros del electro en Bogotá, en Noisey les tenemos buenas noticias. Los primeros cuatro correos que recibamos en herrera.cristian@vice.com con el asunto "Noisey llévame a Robotnick en Armando", tendrán –cada uno– una entrada doble para ver a la leyenda italiana este próximo viernes en Armando Records.
Una muy mala costumbre de la hinchada futbolera mexa es ese grito trasnochado de "puto" durante los partidos. Normalmente lo hacen cuando el arquero rival va a patear un saque de meta, y justo antes que el portero toque la bola con sus zapatos caros. Cada vez que esto pasa, suena como trueno el grito homofóbico.
Estos últimos días de ver el Mundial de futbol más improbable que recordemos, se platicó muchísimo sobre cambiar este grito por (inserte aquí cualquier canción). Defensores del grito argumentaban que era algo "cultural", sin "mala intención"; pero no vamos a enumerar las razones por las que esto es falso, tanto a nivel uso del lenguaje como a nivel historia de la homofobia en un país como México. Tan solo citemos el siguiente ejemplo durante la marcha del GAY PRIDE en CDMX el pasado fin de semana, en el cual queda patente que es precisamente un grito homofóbico, y no algo que provenga de "cultura futbolera" o eufemismos de banqueta análogos.
La cerrazón machista ha llegado a tal extremo de terquedad, que la federación del futbol de México recibió una sanción por parte de la FIFA por el monto de 10 mil francos suizos (como 10 mil dólares) por haber gritado el cántico homofóbico en nuestra jornada inaugural del Mundial Rusia 2018 contra Alemania.
Ante este tipo de situaciones, es difícil encontrar quién puede ser el punto de encuentro entre dos sectores de la sociedad a ratos tan polarizados, para que todos naveguen en paz. Pero siempre hay un héroe con una capa de miel y peinado de seda que viene a salvar nuestros terribles y pesados días.
Y en este año del Señor, ¿quién más podría ser el que nos unifique y logre resolver un tema tan delicado como este? Nadie más que Luis Miguel Gallego Basteri. Además de ser nuevamente relevante veinte años después de sus últimos éxitos, gracias a su serie en Netflix que, desde nuestras abuelas hasta nuestras ex parejas, estamos viendo todos religiosamente cada domingo a las nueve de la noche, Luis Miguel ha hecho que el idiota e imbécil grito de "ehh, puto", sea eliminado de la faz de la tierra y sustituido por uno doscientas millones de veces más hermoso: "ehh... ¡entrégate, aún no te siento! Deja que tu cuerpo se acostumbre a mi calor". Poesía en estos tiempos de posmodernidad con wifi.
Así es, el himno imperecedero de "Entrégate" de Luismi, escrito, producido y arreglado por Juan Carlos Calderón y segundo sencillo del 20 años de 1990, ha sido el responsable de que unos machines borrachos entren en razón.
Habrá que darle las gracias una vez al sol más brillante de México. Mira el video:
El 2018 nos ha demostrado que básicamente las cosas siguen jodidas pero estamos diseñados para seguir sonriendo y seguirnos emocionando y, como dicen todos en México ahora, no nos queda de otra que tener que seguir "imaginándonos cosas chingonas". Y bueno, un posible cambio democrático en México, el orgullo latinoamericano, el fútbol y, ejem, el kpop, son algunas de estas posibles cosas a imaginar. Las tres cosas se combinaron hoy cuando los fanáticos mexicanos posicionaron a BTS en el Chart de iTunes después de la victoria de Corea del Sur contra Alemania en la Copa del Mundo.
Para los que no tienen contexto del partido o para quienes no siguen los deportes mundiales de ningún tipo, en estos momentos está sucediendo La Copa Mundial de la FIFA en Rusia y hoy se llegó a la fase final de la eliminatoria de grupos. El total de puntos que cada equipo obtiene es de acuerdo a las victorias y derrotas en sus tres primeros partidos y este puntaje determina si pasan a octavos de final o no. México estuvo a punto de no pasar: si Alemania le hubiera ganado a Corea del Sur. Para sorpresa de todos, Corea del Sur ganó 2 a 0 y eliminó de ese modo al equipo que ganó la Copa en 2014. Es tan sorprendente la victoria de Corea del Sur, que es la primera vez que Alemannia no pasa a la siguiente fase en su historia mundialista.
Y esto quiere decir que el total de puntos de Alemania fue más bajo que el de México y, por ende, México pasó en segundo lugar de este grupo, después de Suecia. Corea del Sur le dio a los aficionados mexicanos nuevos sueños de gloria en este mundial, y México lo está agradeciendo con descargas de BTS, la exportación musical más importante de Corea del Sur en la actualidad.
Según informes de Remezcla, el sencillo "Fake Love" de BTS experimentó una alza en las listas mexicanas de iTunes después del partido, y aunque no pudimos acceder a las estadísticas anteriores al juego, un fan de BTS se dedicó a buscar las gráficas que sugieren que la banda subió 31 lugares después del partido, y en las horas posteriores subió diez lugares más. Ahora tenemos un sin fin de tuits que expresan gratitud y amor a Corea del Sur, y son realmente conmovedores:
Del mismo modo, EJÉRCITOS BTS se sorprenden y se divierten con las repentinas muestras de amor a la banda surcoreana:
Esto se ha convertido en algo tan importante para México que el famoso cantante mexicano Aleks Syntek hizo comentarios bastante racistas con su agradecimiento hacia Corea del Sur, en el más reciente de los insultos que se le suma a su interminable lista. Pero cosas como esas no pueden arruinar la magia del momento. El mundo es mucho más que una desesperación aislada. A veces, dos países se conectan a través de canciones k-pop después de destruir a otro país en una competencia sana. La humanidad es simplemente divertida.
Tal vez no lo sabías y no te juzgamos por ello, pero la que fuera la banda más grande del planeta a principios de los años noventa, preparó un compilado con un valor en el mercado de $999 USD que incluye 49 canciones inéditas, un montón de tatuajes temporales y una moneda coleccionable, y pues básicamente quién vergas va a gastar el equivalente a veinte mil pesos mexicanos en un box set de una banda en la que todos acabaron peleados. Sí, ya sé, tu tío el rockero.
Y nada, mañana sale a la venta, y si no posees esa suficiente cantidad de dinero para invertir en un box set, una de estas canciones inéditas ya está en Internet. Es una versión a piano de su power ballad más famosa, "November Rain", originalmente el sencillo más exitoso que tuvo su tercer disco de estudio, Use Your Illusion I de 1991.
"November Rain" es una canción que existía en el universo de Guns desde 1983, y esta versión es un año anterior a que apareciera la placa debut de la banda, el legendario Appetite For Destruction (1987). Dura diez minutos y puedes escucharla a continuación.
El track es solo Axl Rose, un piano y algunas voces cantando ah-ah-ah. El solo de Slash y los coros brillan por su ausencia, pero es tan ambiciosa como la versión canónica de "November Rain". Incluso hay partes de este demo que elimina al resto de la banda. Supongamos: Axl Rose se sentó un día de 1986 y se dijo a sí mismo: Sí, hoy voy a grabar una balada de piano de 10 minutos. La ambición es adictiva.
Este artículo se publicó originalmente en Noisey US. Léelo aquí.
En los tres años que han transcurrido desde que lanzara su deslumbrante álbum debut de tres horas, The Epic, el saxofonista de jazz Kamasi Washington ha alcanzado niveles de interés por parte de la escena mainstream que artistas del jazz puro de la generación anterior jamás hubieran soñado.
Mientras que los escenarios más grandes a los que pueden llegar otros artistas de jazz son tipo el Newport Festival o el Festival de Jazz de Montreux, Washington comparte escenario con los actos más grandes del mundo en festivales como Coachella y Bonnaroo. En sus giras no va a pequeños clubes de jazz llenos de baby boomers. En vez de eso, Kamasi toca en los mismos lugares que reciben a artistas de pop, bandas de metal y raperos.
Tras obtener comentarios y reseñas entusiastas por su segundo álbum Heaven and Earth, Kamasi pasó de ser un completo desconocido a ser el rostro del jazz, que además está en medio de un pequeño renacimiento gracias las vibrantes escenas musicales de Chicago y Los Ángeles. Kamasi merece parte de ese crédito, pero el giro más inesperado y dramático que ha orquestado este músico increíble, no está en lo que toca, sino en su instrumento: el saxofón.
El saxofón ha quedado en el olvido estos últimos 30 años, después de los desastrosos años 80, cuando los saxofones en el pop podían reducirse al video viral de Sexy Sax Man y el jazz fue dominado por Kenny G, un personaje que otros saxofonistas de jazz desearían que las personas olvidaran. Varios cambios en la música hicieron posible que estos dos elementos derribaran al saxo por knock-out.
En ese entonces, los jóvenes afroamericanos que inyectaban creatividad al jazz desde sus inicios, se mudaron al hip hop. La institucionalización del jazz estaba en marcha desde antes de los 80, pero el nacimiento del rap significó que el jazz fuera una cosa exclusiva de directores de orquesta en colegios, de profesores universitarios, y de instituciones culturales como el Lincoln Center de Nueva York.
En manos de estas instituciones, el jazz comenzó a hacer mayor énfasis en el pasado que en el futuro. En los 80, un joven Wynton Marsalis se autoproclamó el embajador plenipotenciario del jazz y tomó la decisión unilateral de embalsamar el jazz en el museo, para preservar la santidad de su preciado pasado. Todos los músicos de jazz de ese momento en adelante, según Wynton, tendrían que hacer un homenaje directo a ese linaje.
Pero tomando en cuenta que el jazz se enseña en las bandas de los high schools gringos, es extraño que Marsalis incluso creyera necesario embarcarse en semejante cruzada. Charlie “Bird” Parker —el Dios de los saxofonistas— perfeccionó su oficio en los años 40 experimentando con nuevas ideas en los pequeños clubes que poblaban la calle 52 de Nueva York, e incorporando la retroalimentación que recibía de estas pequeñas audiencias.
Pero los jóvenes saxofonistas de hoy literalmente aprenden jazz haciendo transcripciones de los solos de Parker y de los otros grandes del pasado. Sus principales audiencias son jueces de competencias, que los califican por precisión y destreza técnica, más que por creatividad. Su prioridad no está en complacer a las audiencias y en tener discos exitosos, sino en ganar competencias con interpretaciones prístinas y en conseguir un asiento en las bandas estatales de jazz. En muchos estados de Estados Unidos, las competencias de bandas son tan intensas como las de deportes.
Este ataque aparentemente intencional a las nuevas ideas, así como el énfasis en la maestría técnica, proporcionaron las condiciones perfectas para que un paria como Kenny G, cuyo trabajo repele a cualquiera que en verdad se interese por la música, haya dominado el género por completo. Pero bueno, al menos estaba tocando algo nuevo.
En el pop y rock de los 70 y 80, los saxofonistas tenían dos opciones: podían adoptar el estilo smooth de Kenny G como en “Careless Whisper”, de George Michaels (o en la canción de Alf); o podían tocar el saxofón con una crudeza que podría confundirse con el balido de una cabra, como en el solo de "It’s Still Rock and Roll to Me" de Billy Joel.
El saxofón y el jazz están intrínsecamente unidos. La música clásica de saxofón todavía existe pero es muy probable que si no la tocas tú mismo, jamás la hayas escuchado. Y aunque compositores románticos como Hector Berlioz y Richard Wagner incursionaron con él tras ser inventado, el saxo nunca echó a andar como instrumento de orquesta. No encontró su lugar, hasta que las orquestas de jazz big band se desarrollaron en los años 20.
Así que cuando Kenny G, David Sanborn, y otros evangelistas de smooth jazz tomaron las riendas del género en los 80, el saxofón se hundió con ellos. Teniendo en cuenta el uso que se le había dado al instrumento en el pop y el rock, era entendible que las audiencias populares su cansaran del saxo. Cuando llegó el grunge a comienzos de los 90, cualquier cosa relacionada con los 80 era una sentencia de muerte, de todas formas. El saxofón había desaparecido virtualmente para los fans casuales de la música. Afortunadamente.
No es que no hayan existido buenos saxofonistas desde los 80; es solo que nadie por fuera de los Baby Boomers, de los fanáticos acérrimos del jazz (los tres que existen en el mundo), y de los otros músicos de jazz, estaban interesados en escuchar su música. Tal vez lo más asombroso del ascenso de Kamasi es que él no está trazando nuevos territorios para el saxofón o el jazz, sino mezclando estilos existentes en nuevas formas que se sientan accesibles y atractivas para personas que en realidad no son fanáticas del jazz. Le arrebató el jazz a las instituciones y lo devolvió al linaje de John Coltrane.
Kamasi es el nombre más importante de este renacimiento del saxofón, pero no está solo. El saxofonista tenor Donny McCaslin y su banda suministraron las texturas de fondo en Blackstar de David Bowie, en 2016. El intérprete del alto, Terrace Martin, es una voz esencial en To Pimp a Butterfly de Kendrick Lamar, en el cual Kamasi también contribuyó.
Aunque es menos conocido, Ben Wendel y su grupo Kneebody también dan de qué hablar en los círculos del saxofón, con un jazz fusión atractivo propio del siglo XXI, y reconocido por colaborar con el productor de Brainfeeder, Daedelus. La intérprete chilena Melissa Aldana maneja su inigualable virtuosismo en servicio de una visión artística emotiva, en vez de ser ostentosa y exhibicionista, como suele pasar con muchas jóvenes intérpretes con un instrumento dominado por hombres.
Colin Stetson convierte a su saxo bajo —el más inmanejable y temperamental de los saxofones— en un show de hombre orquesta que tiene que verse para creerse, y él podría ser el instrumentista de viento más innovador de nuestra era. Recientemente fue aclamado por su banda sonora para la película de terror Hereditary, y aunque su música como solista varía de estilos desde el techno hasta el metal, su formación formal en música le dan las herramientas de composición necesarias para que Philip Glass o John Cage sean una mejor comparación que cualquier otra influencia directa en su música.
El volumen de representación del saxo en la música pop no es ni la mitad de lo que era en los 80, pero lo que se ha sacrificado en cantidad, se ha ganado en calidad. El álbum de 2013, Cupid Deluxe de Blood Orange, nos mostró el uso más sofisticado que ha tenido el saxo en el pop en décadas, y el instrumento se ha escuchado en canciones populares como “Run Away With Me” de Carly Rae Jepsen, “Midnight City” de M83, y hasta en “Dope”, de la agrupación de k-pop BTS (aunque siendo justos, BTS tiene prácticamente todo). Existe incluso una nueva banda conformada por una pareja, llamada simplemente The Saxophones.
En 2016, The Outline publicó una historia en la que se detalla el fallecimiento del saxofón, concluyendo así que era un instrumento muerto. La historia no se equivocaba; simplemente fue escrita cinco años tarde. Para 2016, el renacimiento del saxofón estaba en marcha, y ahora con el nuevo álbum de Kamasi, el lanzamiento más anticipado por un saxofonista en generaciones, es tiempo de hacer oficial la resurrección del instrumento.
A finales de 2016, el planeta entero recibía con alegría uno de los trabajos más esperados por cualquier devoto de la religión universal del hip hop. A Tribe Called Quest, la legendaria escuadrilla conformada por Q-Tip, Jarobi, Ali Shaheed Muhammad y el espíritu del recordado Phife Dawg, presentaba We Got It From Here…Thank You 4 Your Service, su sexto y último álbum de estudio.
Casi un año y medio después de este impecable regreso, ATCQ nos deja un último y preciado obsequio, sellando así uno de los capítulos más trascendentales en la historia del rap, de la música y del arte contemporáneo. Se trata del video para el tema "The Space Program", el tercer sencillo del álbum que recibe tratamiento audiovisual, luego de los intachables clips para "We the People...." y "Dis Generation".
Siendo este el último video lanzado por el grupo, "The Space Program" sintetiza en un puñado de situaciones lo que el espíritu de ATCQ representó a lo largo de estas tres décadas: letras fluidas, placenteras y contestatarias, lejos de las fórmulas banales que abundan en el plano actual; una portada del diario The New York Globe titulando "Inmigrantes ilegales capturados", haciendo referencia a las recientes políticas de deportación implementadas por el gobierno Trump; un llamado a la unidad entre hermanos y hermanas, personificado por figuras como Alicia Keys, Pharrell Williams, Common, Questlove, Erykah Badu y Anderson .Paak.
Un último viaje que se despide con un pequeño homenaje a Phife Dawg, al ritmo del inconfundible “Can I Kick It?”. El fin de una era, pero el comienzo –y reivindicación– de un mito.
Si jugamos a encontrar Mexicali en un planisferio sin división política nadie podría dar con ella. Es una ciudad mínima comparada con su hermana popular y mean girl por excelencia, Tijuana. Mexicali, incluso, está atrapada en un enorme agujero: un chiste que se cuenta solo. A los cachanillas, como se nos denomina a los habitantes gracias a una planta endémica que tiene un irónico parecido con las bolas estepicursoras usadas en las pelis del viejo oeste para subrayar el abandono de los pueblos fantasma, no nos aporta nada saber que somos “la ciudad más al norte de América Latina”, porque siempre sale algún fan de Manu Chao a recordarnos que Tijuana es la esquina del mundo (generalmente un fan poco enterado, porque “La esquina del mundo” es una canción de la banda noventera Tijuana No).
El caso es que, planisferios aparte, Mexicali con sus cincuenta grados Celsius a la sombra, rara vez resulta ser el lugar al que las personas quieren, por su gusto y decisión, ir para quedarse. Hasta en los libros de historia los testimonios de los pioneros dicen que fundaron la ciudad porque no les quedó de otra. De común, se trata de una zona de paso, de un tránsito obligado para aquellos que quieren asentarse en Tijuana o pasar a los Estados Unidos. O así era hasta hace algunos años. A veces parece que el flujo migratorio de pronto ha dejado de fluir para estancarse: miles de deportados y migrantes de diversos lugares del país y Centroamérica, por distintas razones, han terminado atrapados en una ciudad de clima ingrato y aspiraciones inverosímiles.
Podría pensarse que las dinámicas de Mexicali son tan distintivas como en cualquier otra ciudad fronteriza, pero juro cruzando mi corazón que aquí es peor porque estamos de verdad, sincera y totalmente seguros, desde el fondo de nuestras acaloradas almas, de que no somos racistas ni clasistas. ¿Cómo podríamos serlo si la clase media lleva una década dando sus últimos estertores y coexistimos con chinos, japoneses, colombianos, cubanos e hindús en una santa paz multicultural? Ah, pues sí somos. Quien diga que no quisiera ser ciudadano gringo, miente. Aquí se odia con ganas el Tratado de Guadalupe Hidalgo, pero no por alguna forma de espíritu nacionalista, sino por el más rampante malinchismo. Total, qué les costaba a los estadounidenses anexionarse otro pedacito. Aquí, si no se tiene la suerte de la doble ciudadanía, se atesoran con fruición la visa y la sentri card, y en cada casa mexicalense se marca en los calendarios la fecha de renovación como si se tratara de un evento especial.
Y resulta que en estas condiciones, el periplo haitiano detonado por el terremoto que hubo en 2010 en la isla, tuvo su culminación en nuestra frontera hace casi dos años, cuando llegaron los primeros haitianos con intenciones de pedir asilo político en los Estados Unidos, en un timing tan desafortunado que coincidió con el arribo de Donald Trump a la presidencia y su cruzada política de muros, racismo y misoginia. Y atención: la mayoría de los haitianos aterrizó directamente en Tijuana y solo cuando la situación en los albergues se volvió insostenible, algunos decidieron descender por la Rumorosa buscando un modo más sencillo de legalizar su situación migratoria.
¿Recuerdan que ahí arribita escribí que en Mexicali somos racistas y clasistas? Pues en un ejercicio de exotización sin precedentes, los cachanillas podemos mirar con miedo, asco y lástima a los migrantes deportados que sobrevivieron a los minuteman y los agentes de la border patrol, o a los salvadoreños y guatemaltecos que sobrevivieron a La Bestia y que ahora hacen lo propio en las calles cercanas a la garita internacional, y tildarlos de muertos de hambre que son pobres porque quieren, por adictos y huevones, pero a los haitianos, a ellos los recibimos con los brazos abiertos porque son gente de bien, con estudios, profesionistas que hablan más de tres idiomas y se vieron vulnerados por un desastre natural.
Y adivinen qué: son negros. *Guiño*
Así, desde 2016, los haitianos han ido integrándose de a poco a la vida económica formal e informal de la sociedad mexicalense, trabajando donde y como pueden durante la semana, pero cada sábado después de las once de la noche reuniéndose en el Rancho Grande. El lugar es conocido como “el bar de los haitianos” desde que lo regentean Pouchon, un inmigrante de la tan vapuleada América Insular, y su novia, una matrona cachanilla de cepa que por las mañanas atiende un salón de belleza en el primer cuadro citadino, (tan cerca de la aduana que bien podría estar en Calexico, CA.), y al anochecer se aposta detrás de la barra con su hija, desde donde ambas dan salida a caguamas en todas direcciones y Pouchon se encarga de que la música suene a decibeles imposibles.
El Rancho Grande es un galeroncillo rectangular que se anuncia con capacidad para 150 personas pero en el que no caben apretujadas ni la mitad. Gran parte del espacio lo ocupa la barra, larga y gruesa como una mala metáfora de lo que pasa dentro de esas paredes. Al fondo están los baños, sin puertas en la entrada, de drenaje caprichoso y más o menos funcional con unos cubículos “hechizos” que recuerdan mucho a una favela. El resto del bar está salpicado de mesas escuálidas, desbalanceadas, y sillas que habrán conocido mejores tiempos y ahora se esfuerzan por soportar el peso de los traseros que se dejan caer en ellas.
La pista improvisada del Rancho Grande se abre al ritmo de Tony Mix, el DJ favorito de los asistentes, que Pouchon pone en las pantallas directo de YouTube y cuyas canciones, según lo que indica el traductor de Google del criollo haitiano al español, tienen cierta marca combativa; es decir, no solo es música bailable, sino que muchas de sus letras reivindican el poder negro, mezclando los estribillos típicos del reggaetón con estrofas que abordan temáticas sociales de actualidad y otras que hacen alusión a la esclavitud histórica. Puede decirse que el Rancho Grande se ha convertido en el punto nodal del intercambio entre las culturas cachanilla y haitiana.
Este bar es el espacio que los haitianos han hecho suyo para mostrar los mejores pasos de hip-hop creole y afro electrónico de Puerto Príncipe que se intercala en las bocinas con el más estruendoso reggaetón de moda, cumbia, banda, corridos y hasta Juanga con mariachi, para después ponerse románticos con un poco de konpa, un sonido simple y lento derivado del carabiné y el merengue antillano. Con la voz de Pipo, frontman de Klass, la banda favorita de konpa de Pouchon, las luces se amortiguan y las parejas, en su mayoría conformadas por hombres haitianos y mujeres mexicanas que han encontrado en ellos ciertas satisfacciones, se dedican a darse cariño; mientras grupitos de haitianos solos cantan con verdadero sentimiento las baladas, abrazados y golpeándose el pecho para enfatizar lo que parecen ser letras sobre amores perdidos y nostalgia por la isla.
Entonces, Pouchon decide que ya estuvo de cursilerías y Tony Mix vuelve a la carga haciendo perrear sin descanso hasta al guardia de seguridad, que desde la puerta juega a disparar su taser a las travestis y transexuales que deambulan por la avenida a la espera de clientes, en la acera contraria, porque los haitianos son famosos por haber dejado clara su heterosexualidad, su poca tolerancia y sus humores volátiles, por lo que no tienen caso las confrontaciones gratuitas. Y por cierto, también han dejado claro su machismo, porque aunque es obvio que en la ciudad hay cientos de haitianas que llegaron con sus familias, es casi imposible toparse con una. Públicamente, en lo que se refiere a la vida nocturna, pareciera que sólo hay hombres haitianos.
Una peculiaridad del Rancho Grande es la gran cantidad de señoras de mediana edad, entradas en años y en carnes, acompañadas por haitianos jóvenes con los que han llegado a algún tipo de acuerdo para el intercambio de favores sexuales por efectivo. Lo mismo que mujeres quizá no tan mayores, pero sí poco agraciadas de acuerdo a los estándares de belleza vigentes. Algunas son, a plena vista, bastante pudientes en términos económicos y llevan sendos anillos de matrimonio brillado en sus anulares; otras han gastado hasta su último centavo acicalándose y han reunido con esfuerzo la cantidad necesaria para pasar tiempo con alguno de los pocos haitianos que no están “comprometidos” y se pavonean por el sitio dejando un rastro de tetosterona en el ambiente que las hace babear.
Geoffrey, un ingeniero en sistemas egresado del École Supérieure d'Infotronique d'Haïti, quien por ahora trabaja como despachador en una cadena de fruterías locales con la esperanza de reunir lo suficiente para volar a Canadá, donde lo esperan su esposa y dos hijos, me ofrece el revolcón de mi vida por $1500 pesos, con posibilidades de establecer una relación esporádica en la que cada vez que me ponga de cabeza en algún hotelucho de mala muerte, tendré que desembolsar la módica cantidad de $500 más el cuarto. Es entonces cuando empiezan a cargarse de sentido muchas escenas de la noche, aunque pensándolo bien, veo a las morras a mi alrededor y lo último que se me ocurre es sentirme halagada.
Pinche Geoffrey. Le pregunto si es cierto eso que dicen de los negros y me sonríe dejando expuesta una dentadura perfecta, que de tan blanca, al contacto con las luces de colores audiorítmicas lanza unos reflejos que hacen parecer su piel pulida en ágata. Cuando le explico que no estoy ahí para buscar novio haitiano, insiste un poco haciendo una rebaja en su tarifa pero finalmente se da por vencido y pasa de mí como si no existiera a pesar de que más tarde nos topamos varias veces en la barra.
Otro fenómeno que puede observarse en el Rancho Grande, es el denominado “efecto rémora”, que es cuando un mexicano (porque nunca se puede asegurar que sean locales o foráneos) se pega a una camarilla de haitianos ligadores a ver qué chava queda fuera de los emparejamientos interraciales y, para no irse como una perdedora, debe resignarse y tirarse al tipo que sobra. Después de ver dicho efecto materializarse tres veces, tengo ganas de ir a detener a la cuarta desconocida que está a punto de dejarse fajar por el fulano rémora, tomarla por los hombros y decirle “date cuenta, amiga”, pero supongo que por lo menos a los mexicanos no hay que pagarles.
Algo me posee y aunque no me interesan para nada los abuelos tarareo “a mí me gustan mayores, esos que llaman señores” y bebo mi cerveza apaciguando el impulso de metomentodo profesional, consciente de que a Virginie Despentes y Camille Paglia les acaba de dar un retortijón donde quiera que estén, y de que en un universo alterno, mientras el hombre rémora lleva al estacionamiento a la desconocida, un hada ha muerto y un unicornio perdió sus coloritos.
El tijuanense Fntxy estrenó su disco Rey de corazones rotos hace unas semanas y como su consumo de drogas no le impide ser un artista comprometido, el homie no parece tener botón de off y ahora nos regala los visuales para uno de los temas clave en la música independiente mexicana de 2018: "R8". Esta canción es el segundo sencillo formal de La Plebada, que es el proyecto de beats de trap y ritmos de banda sinaloense que Fntxy comenzó con Bobby Bass aka Cozy Cuz desde el año pasado, y es el tema más acabado que han sacado y donde hace mayor sentido esta fusión que, en menos de lo que puedan decir "Mi gusto es", seguro la escucharemos en muchos más lados.
En términos del acompañamiento visual, La Plebada ya había coqueteado con esta estética en "Los Plebes", el primer video que estrenaron de este cigarro. En "R8" lo llevan al next level, con otro producto más en nuestra sociedad ultra consumidora que rinde homenaje romántico al tren de vida que permite el trasiego de sustancias ilegales. En el video los acompaña Ezequiel y, como bien dice un comment en YT, "No sabes si sacar el buchanans o el lean". El video es producción de Coyote Films y dirigido por Ramón Pineda y Michel Pax, sospechosos comunes de la saga Homegrown. Dale play arriba ¡y puro pinche trap alterado la verga compa!
16 años de trayectoria se dicen fácil, sin embargo, sobrevivir en la escena electrónica mexicana con sus continuas altas y bajas, implica perseverancia, agallas y un profundo amor por la música. A la fecha, son contadas las agrupaciones a nivel nacional que pueden presumir de una trayectoria de tantos años.
El colectivo surgió en 2002 en el entonces Distrito Federal. Actualmente está integrado por los DJs Oyster, Nihilnimal, Knife y Phonyfake. El crew se ha mantenido congruente a sus principios, fieles a la causa del techno y del house. No han caído en la tentación de montarse en ninguna tendencia fugaz tan en boga hoy en día. “Es el amor a la música, muchas cosas son solo pasajeras, todos se suben a una tendencia, luego se suben a otra, y eso no genera nada. Ser constante es lo que hace que construyas”, afirma Carlos Morossini, mejor conocido como DJ Knife.
Sus postulados se sintetizan en dos slogans: “no nos creas” y “el discurso está en la pista”. Lejos de predicar o de intentar evangelizar a su público con un estilo o subgénero de música electrónica en particular, difunden, exponen y aportan información para que el escucha decida por sí mismo.
A lo largo de los años han desarrollado distintos conceptos festivos, sin embargo Panorama y Dansafe, han sido las fiestas con mayor resonancia en la escena. Su propuesta la han llevado a sitios tan disímbolos como los museos Rufino Tamayo y el Ex Teresa Arte Actual, al festival Bahidorá, Ibero 90.9, Rock 101. Gracias al esfuerzo del colectivo, el público mexicano se ha deleitado con los beats de un puñado de DJs y productores internacionales considerados de vanguardia como: DAT Politics, Norman Bambi, Cobra Killer, Chris Mitchell, Joachim Spieth, Hank Jackson, Patrice Scott y Joey Anderson.
Jadir Zarate en Panorama.
Cuatrocuartos Bestial Crew ha visto reflejado el resultado de más de una década de arduo trabajo, que se traduce en una base de leales seguidores, caracterizados por la búsqueda de música de calidad, por estar informada y abierta a lo que acontece alrededor de la electrónica. “La gente que va a las fiestas se identifica con nosotros y nosotros con ellos, creo que sí hemos logrado a través de la comunicación, llegar a la gente que le importa esta música. Creo que a cierta escala sí lo hemos logrado. Ha sido un camino en el que hemos evolucionado todos, nuestros eventos tienen mayor calidad". DJ Knife
El crew se plantea a corto y mediano plazo continuar con la organización de las fiestas Panorama en conjunto con Ultradisko, y Dansafe, dejando un tanto de lado los eventos con artistas internacionales, salvo aquellos que consideren que puedan aportar algo distinto. Su objetivo principal es abrir el espacio al talento local, es decir, fortalecer la escena nacional.
Cuatrocuartos Bestial Crew mantiene la misma actitud combativa con la que inició, asumiendo los cambios y la evolución que han acontecido en la escena en los últimos 16 años, sin quitar el dedo del renglón, dispuestos a seguir construyendo un circuito de música electrónica de calidad. “Yo veo a la escena prometedora, es un momento en el que hay propuestas comerciales, propuestas más subterráneas, ya hay público para todos. El público es cada vez más critico; es un buen momento que se está capitalizando, algunos lo han hecho mejor que otros, pero creo que está funcionando para todos”, concluye DJ Knife.
