Iván Mayorquín es un tipo que mezcla su imaginación excepcional con muy buenas ilustraciones. El resultado son cómics con los que te puedes doblar de la risa por horas y que tienen el potencial de hacerte soltar un chorrito de pipí. 

Además de esta dosis semanal de humor ácido creada especialmente para Noisey, Mayorquín reflexiona sobre los pesares de la edad moderna a través de Pizza Sandwich, cómics tan buenos como los que hay aquí abajo.

Cómics anteriores: 

"Estas perdiendo la esencia del West Coast y el East Coast" le comentó un seguidor a Akapellah cuando hace meses publicó "Milki", un sencillo a ritmo de trap que narra la difícil situación por la que pasa su país, Venezuela. Otros fueron menos prudentes: "una gran basura", dijo alguien más; que la canción no era más que "trap barato", quiso juzgar otro; incluso uno más se atrevió a decirle "mala esa Pellah, por ahí no es la cosa". Pero Akapellah sabía la controversia que se le venía encima y se anticipó a las reacciones. Ya en la canción sentenciaba, "el hip hop es una cultura/ el rap es un genero". Y más adelante, en "Bomb", otro trap posterior a "Milki", lo dejó aún más claro: "solo es otra canción/ no dejé de hacer Boom bap/ esta es mi otra versión/ jódanse o se acostumbran".

Akapellah hace rato que se viene abriendo camino en la escena del hip hop latinoamericano. Muchos, quizás por su apariencia, lo comparan con el gran Notorious B.I.G, pero más allá del parecido físico, el creciente éxito de Akapellah se debe más a la frescura de su música, la versatilidad de sus versos y el contenido de sus temas. Sin embargo, ni el respeto, ni la admiración lo salvaron de la crítica por atreverse a hacer trap.

Al rap, que es un género musical, se lo ha encasillado en términos que lo mantienen estático: lo real y lo consciente. Y muchos de los que se hacen llamar raperos se sienten con la autoridad suficiente para decidir qué es o no rap, qué es o no real. El debate está abierto. Por eso buscamos a Akapellah, que se vio frente a frente con las críticas, para que nos contara cómo es eso del rap y el trap y cómo definirlo. Y de paso, nos contó sobre su próximo disco Como Nunca.

Graffiti homenaje a Akapellah en Engativá. Foto cortesía: Jes Ravelo y aerosoles Amen.

Noisey: Bueno Akapellah, hablemos de rap o de trap, ¿cómo es la cosa para vos?
Akapellah: A mí me encanta eso de la onda de que aquí (en Latinoamérica) se mantengan los 90 y todo eso, pero hay que respetar las influencias de cada quien. Mi influencia es gringa: películas americanas, el nigga gringo y no está mal. Y los negros gringos de ahorita no tienen peo en tolerar ritmos. Es más, ni siquiera hablan de ritmos. Nadie habla de si es trap o si es nada, es hip hop, sigue siendo hip hop.
Y el trap es una tendencia que refrescó la década, dejó otra ropa distinta y uno que otro ritmo diferente. Ahí se sabe quien es longevo y quien no, ahí esta Nas por ejemplo.

Incluso Snoop Dogg con su álbum Bush, que no es trap, pero suena distinto.
Claro, es que se tienen que adaptar a la década. O te quedas siendo un grupo de culto y te limitas a la gente de esa época, o te adaptas a los años que vienen y eres un artista longevo. Es lo que yo digo en "Milki": por qué Dr. Dre sí puede, por qué Jay Z sí puede. Ellos hicieron boom bap en los 90, cuando llegaron los 2000 hicieron R&B, ahora llegó esta década e hicieron trap y nadie está pendiente de cuando cambió el ritmo, de si cambió o no. Sigue siendo hip hop, sigue siendo música de negros, sea la ropa que sea, la tendencia que sea. Solamente pasa y ya.

El hip hop es un movimiento, una ideología, pero el rap es un género. 

La música, el rap incluido, no es una cosa estática, evoluciona.
Son tendencia, es versatilidad. No hay que casarse con un ritmo. El hip hop es un movimiento, una ideología, pero el rap es un género. También lo digo en "Milki", es un simple género que puede cambiar, se puede fusionar, se puede transformar.

La última vez que nos vimos me decías que si te salía cantar con Maluma lo harías también, ¿te imaginas cómo sería la reacción de la gente?
Si, por supuesto, ¿por qué limitarme? Ahí sí que me importa un bledo. El público jamás puede significar un stop para mí, en lo que yo quiero alcanzar. Creo que si se puede y tengo las herramientas, lo hago. Esas personas (las que critican), son las que significan un obstáculo y son las que, por el contrario, menos aportan a mi carrera. Seguro menos compran un disco o una franela entonces, ¿por qué tomar tan en serio su opinión? Además creo que todos los exitosos se tienen que enfrentar a eso, para después alcanzar el éxito rotundo.

Es una cosa muy de la evolución del rap aquí, ¿crees que no se mueve a la velocidad que lo hace en Estados Unidos?
Creo que ese es mi error, creo que estoy muy sumergido en ese peo de Estados Unidos, ese es mi mundo, yo no hago más nada. De repente estoy un pelo más adelantado que mis colegas de aquí, que el público de sur América. Suena un poco fuerte, pero es cierto. En seis años ya veremos que les tocará hacer y cuantos años tendré yo haciendo lo que había que hacer. Y cuando venga un ritmo nuevo dentro de 10 años también le voy a meter y también voy a ser el mejor en ese ritmo, porque este es mi business. Esta es mi carrera y creo que ahí es donde está la versatilidad.

¿En qué momento se te ocurrió hacerlo?
Hace como 2 o 3 años, a raíz que me mudo a Barquisimeto. Allí empecé a escuchar más hip hop nuevo y ya tengo rato, aunque yo también tardé en digerirlo. En el 2009 – 2010 no me agradaba, no había escuchado grupos que me identificaran. En este lapso de tiempo han salido muchos otros raperos que no cantan trap específicamente, sino que hacen hip hop y ya, me gustan. Kendrick tiene canciones hasta con Taylor Swift y no deja de ser Kendrick Lamar. Sigue teniendo el reconocimiento que tiene y no tuvo 6 millones de comentarios diciéndole: "me decepcionaste porque grabaste con Taylor Swift". Sigue siendo él y más bien lo toman como que se está expandiendo.
Aquí es lo que creo que aún no funciona. Eso de juzgarte porque hagas música, por la plataforma donde estés. Cuando quisimos incursionar en plataformas como Spotify también costó que lo entendieran: "no, como así que vas a vender tu disco en internet". Y ¿por qué está mal? ¿si me entiendes?

La gente está muy acostumbrada a pensar que todo tiene que ser, por decirlo de alguna manera, de presupuesto limitado, sin ambicionar demasiado, pero lo tuyo sí es a lo grande...
Por supuesto, pero si crecimos viendo a los raperos del norte, que son nuestros ídolos. Tienen letras sociales, de protesta, de racismo, pero igual tienen unas cadenas gigantes, Nikes. ¿Por qué a ellos les queda bien? Nos los tatuamos, tenemos a 2Pac rayado, nos gusta, pero entonces aquí eso está mal. Si yo mañana saliera con una cadena en algún concierto me van a criticar, me van a decir que cómo tengo una cadena.
Es como si el rapero latino no pudiera ser como esos que admiramos. Siempre tenemos que estar unos escalones abajo ¿por qué? Creo que ahí está mal. Yo sí me vivo la película. O bueno, aún de repente no, pero si dios quiere en unos años, si todo marcha como va, ¿por qué no vivirse la película?

Pero ya la estas viviendo. Youtube te hizo un reconocimiento por alcanzar los 100 mil seguidores en tu canal, ¿qué significa eso para Akapellah?
Ahí está. Por eso también soy partidario que, en vez de caer en polémica con esas personas que critican, es mejor prestarle atención a cosas como esas que demuestran que sí funciona. Igual también está el respaldo de otros artistas, que quizás para estas personas son como sus abanderados, y que terminan haciendo un comentario de: "oye hermano, qué bueno".
Entonces, ¿qué me estas diciendo si tu ídolo me está diciendo que la vaina está buena, marico? ¿Sí estas viendo como deberías entender y pensar la vaina?

La gente ha criticado más el ritmo que la canción en sí, pero el vídeo de Milki ya va para tres millones de visitas. Alguien lo tendrá que estar viendo...
Esa era la idea. A parte la temática es fuerte, es la realidad que se está viviendo en Venezuela, y curiosamente nadie había hecho un tema directamente de la situación que se está viviendo actualmente allá. Yo creo que nos tiene tan golpeados, con el autoestima tan abajo, que nadie ha había tenido una motivación de decir que esto está vuelto mierda. 

Mejor que termine un negro de ghetto en el  mainstream, con los blancos que huelen a Chanel, ¿por qué no?

La canción fue una buena manera de narrar lo que pasa en Venezuela. Muy parecido a lo que hacía 2Pac, que habló de todo lo que quiso al ritmo que quiso...
Esa es mi influencia, eso es lo que intento. Es lo que quisiera explicarle a un niño de esos en Youtube, pero imagínate: "hijo, mira 2Pac" … es imposible. Ahí es donde está mi molestia, saben el 10% de lo que deberían saber, ¿cómo estás hablándome así de esa manera, brother?
No tienen idea. Los grandes en verdad, los más gigantes de verdad, no separaban en ritmos, ni en géneros. 2Pac rapeo en cualquier tipo de genero, rumbiaba con Madona y no había nadie diciéndole: "ay, me decepcioné de ti, ¿cómo vas a estar con Madona? Ya no eres underground". Marico, es 2Pac y ya.
Mejor que termine un negro de ghetto en el mainstream, con los blancos que huelen a Chanel, ¿por qué no?

Un tema como "Milki" es coherente con tu propuesta de sonar como has llamado tus discos, Como Antes, Como Siempre y, el próximo, Como Nunca. ¿Qué puedes decir de eso?
Se supone que Como Antes (2012) es un homenaje al hip hop que crecí escuchando. Como Siempre (2014), que fue mi primera propuesta de desarrollar lo que puede ser Akapellah, es lo que quería que fuera, y fue, mi primer disco oficial. Y Como Nunca se supone es un intento que será lo que quizás nadie esperaba que hiciera Akapellah. Esa fue la trilogía que quise armar. Sigue teniendo el G-Funk, que es el ritmo que quiero seguir desarrollando, que quiero mantener vivo. El G-Funk en su máxima expresión.
Es mi teoría: no perder la esencia, pero no limitarme en ningún ritmo ni tendencia. Si pueden ser miles, si puedo tener miles de personas distintas en mi público, si puedo tener miles de personalidades que igual se sientan identificadas con mi música, mil veces mejor ¿por qué no?

¿En qué está Como Nunca? ¿Cuándo sale?
Va por la mitad. Tiene colaboraciones de productores de Venezuela fuertes, fuertes. Hay featurings con personas que nadie se espera, que fluyeron muy chévere, de manera espontánea. Está demasiado trabajado. Puede que tarde en digerirse, como pasó con "Milki", pero va a ser un éxito rotundo. Es la proyección de "Milki", pero a nivel de disco entero. La producción de vídeos viene muy fuerte, muy limpia, muy pulcra, muy bien trabajada. Tenemos pensado hacerle visual a todo el disco.
Voy pendiente de ingresar en el mundo del trap sin dejar de ser Pellah. Algo así como lo que hizo Jay Z, que apareció en el disco de Dj Khaled y ya. Él tiene una trayectoria, pero aquí fue Jay Z cantando trap y todos los trappers atrás. Simplemente recíbelo, se está actualizando. Esa es la proyección que tengo. Sin embargo hay otros tracks de esos tipo: cállate que esto sigue igual. Rapeo.

Alguien comentaba que Akapellah es el Stephen Curry de la escena rapera, ¿te sentís así?
Sí, sí. Por la juventud, y porque es otra manera de jugar. No tan directa, un pelo más diplomática, más sana, más alegre, pero más imparable al mismo tiempo. Estás tan lejos, que eres inalcanzable. Estás en la misma cancha y de repente no te tienes que ir al contacto físico directo, sino que desde lejos puedes hacer un daño más contundente. Ese es Curry y ese es Akapellah.

Eso hacia falta, alguien que por lo menos pusiera a la gente a hablar y subiera el listón...
Claro, porque ya hay un Lebron, ya hay un Carmelo.

Vas a Europa, por primera vez, a países donde ni siquiera se habla español. ¿Qué expectativas tenés?
Eso es genial, es como el primer logro. Tenemos años girando en Latinoamérica y es hermoso, pero ya lo logramos, ya nos estamos afianzando, estamos reiterando, volviendo. Pero Europa son tierras nuevas, estamos haciendo la misma conquista que nos hicieron a nosotros hace años pero musical y culturalmente. Es nuestra venganza. El producto de ese mestizaje está yendo ahora a cobrarles allá en Euros la colonización.

2016 estuvo tan miserable que la mayoría de la gente prefirió ver videos musicales de años anteriores. Vevo publicó su lista con los videos más vistos en el año a nivel mundial, siendo "Sorry" con 1.8 millones de views el puesto número uno. Como seguramente lo recuerdas, el video centrado en coreografías tiene más de un año, el clip fue publicado en Octubre de 2015. En retrospectiva, era la opción apropiada: "Sorry"—y el disco de Bieber, Purpose, en conjunto—ayudó a cristalizar la influencia del EDM caribeño dentro del mainstream este año (puedes llamarlo "Biebercore" o "Diplowave si quieres, o no) así que solo hace sentido que sea él quien se lleva el primer lugar en las listas de popularidad. 

Otro clásico de 2015 es "Hello" de Adele, que es el segundo lugar. De hecho, solo cuatro de los videos en la lista de Vevo son realmente de este año. Dentro de los que resaltan están "Work from Home" de Fifth Harmony, "This Is What You Came For" de Calvin Harris, "Work" de Rihanna y "Closer" de Chainsmokers. Aquí abajo dejamos el resto de la lista en donde "Uptown Funk" de Mark Ronson que es de 2014. Pero, otra vez, lo merecía. 

Justin Bieber, "Sorry"— 1,824,823,909 
Adele, "Hello"— 1,255,754,358 
Fifth Harmony, "Work from Home" — 1,173,014,751
Calvin Harris, "This Is What You Came For" - 1,008,115,358
Justin Bieber, "What Do You Mean?" - 1,002,151,667
Justin Bieber, Love Yourself" - 966,846,883
Drake, "Hotline Bling" - 899,014,469
Mark Ronson, "Uptown Funk" - 825,589,463
Rihanna, "Work" - 800,984,121
The Chainsmokers, "Closer" (Lyric) - 776,806,154

El punk es alimento para el alma, parte importante de una dieta sentimental balanceada, el ingrediente libertario y nihilista en dosis exactas que aterriza al animal urbano en la tierra, como la primera gota del trago de cerveza helada haciendo casa en el estómago. Es la vitalidad bombeando oxigeno y el termómetro del subterráneo. Una de las muchas verdades que recorren las calles. Y nuestro siempre bien ponderado y obsesionado amigo de los guitarrazos breves y la potencia del pogo, Javier Ibarra (sí, se llama igual que Kase) estuvo revisando el pasado y presente de esta escena a lo largo del 2016. Así que lo mínimo es que nos aventara el estado de la cuestión al final del año, en cuanto a Eps y demos en la geografía nacional se refiere. Checa este top de proyectos fieles al espíritu y a la estética del punk y el hardcore en México para 2016 y apoya la escena local e independiente de tu país. 

DFMK – 7 canciones sobre un individualismo radical

Originarios de Tijuana, Baja California a.k.a. Bad Town, como dice en su Bandcamp, se formaron en 2010. 7 canciones sobre un individualismo radical es ya su séptima grabación entre Demos, un Split (con sus carnalitos Calafia Puta) y tres capítulos llamados Manual práctico para la autodestrucción. Esta última grabación salió gracias a Escalera Records (San Diego, California), Sex sheet Records (Portland, Oregon) y Get Better Records (Philadelphia, Pennsylvania). Alrededor de los diez minutos que dura el EP, se escucha todavía con mucha más energía de lo que DFMK nos tiene acostumbrados. En sus canciones hay influencia de Off! (una bandota con ex integrantes de: Black Flag + Circle Jerks + Rocket From The Crypt + Red Cross…). Como también, ciertos arranques de punk n' roll que hacen recordar melodías de los italianos La Piovra. DFMK se ha consolidado como uno de los grupos que más salen de tour. Este año tocaron en Guatemala y El Salvador, en The Fest 15 (el festival más grande de punk y sus derivados de Gainesville, Florida), en ciudades de la República Mexicana y por la West Coast de Estados Unidos, como parte de un tour que se organizaron en marzo y abril, donde desgraciadamente perdieron a Vanessa (su camioneta), que se incendió junto con sus instrumentos, merch, pasaportes, etc., cerca de Patterson, California, cuando regresaban a Tijuana.       

Sankinpankin – Ya valió verga

Desde las inmensas unidades habitacionales de El Rosario, ubicado en la delegación Azcapotzalco de la CDMX y parte del municipio de Tlalnepantla, Estado de México, Sankinpankin (del Chayito Yarkor para el mundo), finalmente, este año gritó: "YA VALIÓ VERGA". Pasaron un largo periodo sin lanzar algo nuevo. Prácticamente desde su Demo de 2010. Sin embargo, el último recuerdo que tal vez se tenía de ellos era la manera tan épica en la que cerraron el Chayito Fest 2015 con la canción de Charlie Monttana, "Vaquero rocanrolero". El Ep titulado Ya valió verga, el cual consta de seis violentas canciones, fue uno de los materiales más inesperados. Cada uno de sus integrantes estaba haciendo sus cosas: viviendo el sueño americano, vendiendo zapatos de baile, siendo padres de familia, apoyando a los Diablos Rojos del Toluca y dando clases de batería. Ya valió verga, en cada una de sus melodías que grabaron en Doomsday Records (Tepito, CDMX) representa lo que es ser del Chayo, ya sea dedicando canciones a valedores que estuvieron en cana, dando alaridos que buscan la libertad y a ser aferrados a la vida, y también buscando la manera perfecta de que algún día dejemos de juzgarnos unos a los otros sin antes conocernos, teniendo en cuenta que vivimos en un mundo de mierda. Sankinpankin dejó en claro que son el reflejo perfecto del Power-Bailes Urbano: una mezcla de Valedores juveniles de El Haragán y CIA, con mucho HC punk y salsa brava de Las estrellas de la Fania.

Especie Fallida – Fosa

La banda no hace mucho tiempo dio su último show en la Ciudad de México, de donde son originarios. Juan (guitarrista) emprendió un viaje a Europa y Especie Fallida, después de una serie de cambios en su alineación, como también de nombre, decidieron parar. Podría decirse que comenzaron llamándose NO hace dos o tres años. Los integrantes que dejaron la banda fueron Wendel (ex baterista de Libérate, Alguna Vez Fui Ciego, It's Now y Strong Belief) y Mito (ex vocalista de It's Now). Juan y Chamaz (bajista, quien también toca en Mujercitos y Prisión Oculta) son los integrantes originales. Benja (ex baterista de Inservibles y Muerte) junto con Mich (vocalista) se integraron tiempos después a los ensayos para grabar un Self titled en 2015 y al año siguiente lanzar Fosa, grabado en Casa del Terror (CDMX). Son seis temas los que componen esta grabación echa de ruido puro, o similar a un veloz golpe directo al rostro (sin dolor alguno), con un estilo que podría clasificarse en fastcore, bajo el legado de agrupaciones como Infest, Fuck On The Beach, Betercore o Hellnation. Pero Especie Fallida, en Fosa, sobresale por el tipo de letras que Mich expresa, tocando temas (algunas veces de una manera poética) de género, feministas, sobre ciertos egos del ser humano, o acerca de la dominación que sufre este mundo.

Cavernas – Maquetas 2016

Esta banda es completamente nueva. Comenzaron a tocar a finales de 2015. Cavernas de alguna forma vino a refrescar la escena regiomontana con las cinco canciones que grabaron caseramente. Una agrupación entre amigos y sin sentir algún tipo de presión para tardarse y hacer lo que ellos quisieran. Su sonido, el cual podría asemejarse al post punk, no se había escuchado desde hace mucho en bandas de la región. Entre sus integrantes destacan ex integrantes de Ratas del Vaticano como Rafa (guitarra) y Carlos (batería) de Contrakaos. La primera, de las últimas agrupaciones de punk regio con mayor arraigo, de las cuales salieron proyectos como Cremalleras, Era del Vacío, Tercer Mundo o Muerte. Y de la segunda, una banda clásica y de respeto entre muchos punk rockers de la sultana del norte gracias a su casete Desde atrás, y de la cual surgió Yo Linares. El grupo lo complementan Chris (bajo), Juan (guitarra) y Julia (voz). Para el próximo año se esperan más shows y seguramente una nueva grabación.

XDESDÉNX – Self titled

XDESDÉNX es un grupo vegan edge de la Ciudad de México. Aproximadamente tienen tocando más de un año. Su estilo se podría encasillar con el hijo bastardo del punk: el screamo. No obstante, el sonido que dejan escuchar en su EP homónimo se va haciendo más oscuro, apegado al de algunas bandas alemanas. Desde su primer Demo del año pasado, se nota la influencia del llamado neocrust de Alpinist, junto a una mezcla del eslogan keep it violent de React With Protest Records y June Paik, una de sus agrupaciones más representativas y llenas de emoción. XDESDÉNX son Meni (voz), Toy (guitarra), Sofía (guitarra), Omar (bajo) y Rene (batería). En un principio este material, las tres canciones que lo componen y que grabaron en Black Angel Label (CDMX), pensaron sacarlo en un formato de Split junto a Casavieja de Guatemala, quienes tienen un sonido muy similar, a un tipo de hardcore que parece evolucionar cada día más, hecho a base de blast beats en la batería, ambientaciones largas en las guitarras y bajos, y gritos agudos en las vocales.

En Califica tus discos, platicamos con miembros de bandas que han acumulado grandes discografías a lo largo de los años y les pedimos que enlisten sus lanzamientos en su orden de preferencia personal.

Band of Horses es una de esas bandas que aunque no hayas escuchado más de dos canciones, sientes que la conoces. Y Ben Bridwell es exactamente lo mismo. A los dos minutos de sentarnos a platicar sobre lo mejor y peor de su discografía, el líder de la banda ya me había contado sobre los problemas que implica formar parte de una disquera trasnacional, lo contento que está con que su música haya estado en Twilight, y cómo "The Funeral" seguirá siendo su mejor canción, hagan lo que hagan.

Y es que a pesar de que sería bastante ingenuo decir que una banda de indie rock ya puede ser considerada como un clásico, la música de la agrupación creada en Seattle hace apenas diez años suena como el soundtrack con el que muchos de nosotros crecimos y que al analizar su crecimiento, también lo estamos haciendo con nuestras propias experiencias y aprendizajes. Así de cursi me puso la plática con el líder de Band of Horses, y al revisar todos sus discos ustedes seguramente terminarán así también.

(A pesar de que las reglas de Rank Your Records no permiten incluir el último lanzamiento, Ben se vio bastante insistente en que valía la pena incluir Why Are You OK y que era por las razones correctas. Finalmente no lo fue, pero fui débil y me convenció)

5. MIRAGE ROCK (2012)

¿Influyó en algo la presión de la nominación al Grammy para su disco anterior en el resultado final de este disco?
Ben Bridwell: En ese entonces estábamos con Columbia y había una presión muy grande por repetir el éxito obtenido, sobre todo en ventas. Apenas era nuestro segundo disco con una major y aún se sentía esa frescura de una relación nueva, pero también existía la duda sobre si podríamos mantener la racha en nuestro siguiente álbum.

Sí había un poco de presión, incluso a hacerlo con Glyn Johns, el productor. Acababa de producir Ashes & Fire de Ryan Adams, que está en nuestra misma agencia de management, y nos ofrecieron trabajar con él. Recuerdo que nos decían: "Si Glyn Johns quiere trabajar contigo, no le dices que no". Pero sí me preocupaba que no fuera quien mejor encajara con nuestra versión más disonante. Glyn es demasiado rock, y un poco rígido en su modo de operación, entonces podía llegar a ser complicado.

Y en ese sentido, el proceso sí se vio un poco cooptado por nuestro management. No nos forzaron a nada, pero al menos queríamos poner nuestro toque en algo. Por eso decidimos hacerlo de forma totalmente análoga para que al menos se volviera interesante. Aún así, tuvimos que ir adaptando nuestro material al gusto de Glyn y eso alteró un poco el proceso.

De cualquier forma tiene muy buenas canciones y nunca me arrepentiré de haber tomado la oportunidad de trabajar con él. Somos muy buenos amigos hasta la fecha así que espero que no lea esto y se enoje conmigo. Fue una gran experiencia y a pesar de que no hizo explotar al mundo, al menos en el departamento de ventas o críticas, lo disfrutamos bastante. Me gusta, pero tenía que poner alguno en el último lugar.

A pesar de la experiencia difícil, ¿hubo algún momento memorable de este proceso?
Claro, sobre todo me enseñó una lección muy importante, que es que sólo te tienes a ti mismo para hacer que las cosas salgan correctamente. Tienes que creer en tus instintos, sin importar lo que otras influencias estén llevándote a otro lado con su opinión. Ya sea la banda, o tu agencia, o el tener que satisfacer a la disquera o lo que sea. En realidad me enseñó a confiar en mí y es lo que nos trajo a donde estamos ahora.

4. INFINITE ARMS (2010)

Uno pensaría que pondrías su disco más exitoso un poco más arriba.
Sí, sin duda fue con el que más exposición tuvimos. Pero fue un poco complicado. Tuvimos que terminar el disco nosotros mismos porque el productor (Phil Ek) se fue antes de que quedara listo. Fue él quien produjo nuestros dos primeros discos así que confiábamos mucho en su trabajo y terminamos en una posición en la que no sabíamos cómo seguir sin una parte tan cercana de la banda. Entonces tomamos el proyecto e intentamos producirlo nosotros mismos, pero todo se volvió una locura porque no teníamos a nadie que nos dijera cuando parar. Sobreproducimos demasiado varias canciones, sólo porque podíamos y no había nadie cuidándonos.

Nuestra situación personal también era un desastre en ese tiempo. Nos estábamos volviendo locos. Bill Reynolds y yo, nuestro bajista que también es productor, tomamos las riendas para sacarlo adelante. Nos mudamos Los Angeles, vivíamos en Hollywood Hills y podíamos estar todo el día haciendo lo que quisiéramos y siendo un desastre, pero de cualquier forma seguir siendo confiables para hacer esto. Al mismo tiempo, no teníamos una disquera que nos estuviera respirando en el cuello. El disco lo financiamos nosotros mismos así que sabíamos que una vez que estuviera listo podíamos empezar a buscar alguien que lo quisiera comprar. Y tiene que haber sido bueno porque hubo bastante interés de muchas disqueras, lo que terminó en nuestro primer contrato con una major. Finalmente escogimos a Columbia y Sony, no sólo por una cuestión económica sino porque fueron quienes más entusiasmados se veían de sumarnos a sus filas. Y fue algo muy emocionante. Nunca imaginamos eso viniendo de Sub Pop, que en su momento tampoco imaginábamos terminar firmando con ellos. Viví por 10 años en Seattle así que estar en ese disquera también era un sueño inalcanzable. Entonces todas esas altas expectativas haciéndose realidad nos afectaron demasiado.

Y creo que tiene grandes canciones y que ocupa su propio nicho en nuestra historia. Suena diferente, no sé si para bien o para mal. Probablemente para mal. En ese entonces usábamos mucho pinche reverb y tiene demasiadas fallas. Nos habría venido bien alguien que estuviera ahí y nos dijera que nos calláramos. Pero le tengo mucho afecto y hasta la fecha muchas canciones de nuestro setlist vienen de aquí. Tiene muchas canciones con las que la gente nos conoció, incluso más que en los primeros dos discos, y por las que nos siguen hasta la fecha. Entonces estoy muy agradecido con este disco todavía.

Curiosamente, una de las canciones que rechazaron para este disco, "Life on Earth", terminó siendo de sus temas más conocidos ya que formó parte del sountrack de la saga Twilight . Muchas bandas han dicho en algún momento que se arrepienten de haber dejado que esto pasara, pero ¿para ustedes qué significó?
Tengo cuatro hijos y una esposa en casa (risas). Entonces no nos espanta nada que pueda ayudarnos a hacer dinero. Mientras que el comenzar a licenciar tu música no te lleve a un camino comercial del que ya no puedas salir, no le veo ningún problema. En ese tiempo no muchas estaciones de radio estaban sonando a esas bandas. No estaban en los soundtracks ni en los comerciales. Entonces fue un equivalente moderno a estar en el radio y por supuesto que nos gustó que la gente pudiera escucharnos. Al menos mis hijos lo escucharon y eso fue grandioso (risas).

3. CEASE TO BEGIN (2007)

No creo que muchos de sus fans estén contentos con que el disco que incluye "No One's Gonna Love You" termine tan abajo en tu lista.
Por lo que a mí respecta, este podría ser nuestro mejor álbum. Sólo lo pongo aquí porque recuerdo que únicamente teníamos terminadas siete canciones y media, y quisimos extenderlas para hacer un álbum completo. No teníamos tanto contenido listo pero queríamos sacar algo rápido. El primer disco fue un éxito tan sorpresivo para nosotros que dijimos: "Mierda, la gente se va a olvidar de nosotros. Tenemos que actuar rápido".

Entonces sí, no teníamos tantas cosas y las estiramos bastante para que sonara a un disco en forma. Pero lo que hay ahí es muy bueno y esas canciones me encantan. Justo como con Infinite Arms, muchas de las canciones de nuestro setlist vienen de aquí. Si tuviera dos o tres canciones más con la misma calidad, creo que sería mi favorito.

2. WHY ARE YOU OK? (2016)

Estoy rompiendo las reglas de Califica tus discos, pero me convenciste de que su último lanzamiento verdaderamente merece un lugar aquí. ¿Por qué lo crees?
Lo puse tan arriba porque al aprender tanto en el proceso de Infinite Arms y Mirage Rock, el aprender a confiar en alguien como productor, que fue Jason Lytle, realmente trajo una paleta sónica que se expandió tanto a nuestros primeros discos como a los últimos trabajos y resultó en una muestra bastante redondeada de lo que hacemos mejor. Le tengo un afecto especial porque el haber aprendido esas lecciones nos hizo volver a confiar en nosotros más que en cualquiera en la industria.

Nos llevó de nuevo a un lugar creativo en el que podíamos seguir nuestros instintos y sentirnos creativos por las razones correctas. Por eso lo puse tan arriba, pero ahora que lo digo ya no estoy seguro si sea la mejor razón (risas).

1. EVERYTHING ALL THE TIME (2006)

Tengo que admitir que estoy completamente de acuerdo con esta elección. En el año de su décimo aniversario, ¿crees que le ha sentado bien el tiempo?
Sí, creo que sí. Es un poco difícil para mí escucharlo porque considero que con el tiempo me he vuelto un mejor cantante, entonces es horrible oír mi voz y decir: "Carajo, qué culero cantaba". Pero es la ingenuidad de ese disco, el sentimiento de amateurs que exhala, lo que me hace quererlo tanto. Todavía no perfeccionábamos nuestra forma de tocar. Podría decirse que aún no éramos una banda profesional siquiera. Ese sentimiento me gusta. Y que con todos estos factores aún así nuestra mejor canción esté ahí, "The Funeral", y que esa misma canción siga haciendo que nuevos fans lleguen, que vayan a los conciertos y que se interesen por conocer más de nuestro trabajo, me dice que algo tuvimos que haber hecho bien.

Le estoy muy agradecido a este disco por todo lo que nos ha dado. Diez años después, sigue creando su propia salsa. Incluso niños pequeños siguen descubriéndolo, y eso no pasa con cualquier disco.

¿Crees que su mejor disco aún está por venir?
No creo. En verdad no (risas). Digo, lo seguiremos intentando pero no creo que pase. Ya veremos.

A todo el mundo le gustan las caricaturas: Son un escape fácil, rápido y no dañino para salir de este mundo. Al igual que tú, nosotros también daríamos lo que sea por pausar el trabajo y darnos quince minutos de Rick and Morty o un capítulo de Los Simpson. Pero no todo en esta vida es como debe ser y en cambio tenemos que estar pegados a una pantalla escribiendo para ustedes, nuestros queridos lectores. 

La buena noticias es que tenemos para ustedes un escape de 4:32 minutos para ustedes. El video con ilustraciones geométricas y universos paralelos en colores muy brillantes para "Cosmos" es un viaje corto, conciso y muy divertido. El track es parte de Serpientes, el EP que Fishlights publicó hace unos meses. 

Ponte tus audífonos y olvídate un rato de tus responsabilidades con lo que hay aquí abajo: 

Shazam es una de las aplicaciones más populares del mundo, con una base mensual de 125 millones de usuarios activos además de tener el récord de un billón de descargas totales. Aún con eso, irónicamente se ha tenido que esforzar bastante por alcanzar la rentabilidad económica.

En el 2016 esa empresa reportó ganancias por primera vez desde su lanzamiento como aplicación móvil hace ocho años y tras una etapa complicada con millonarias pérdidas. Los ojos de Shazam ahora están puestos sobre la publicidad: con Shazam for Brands se pueden shazamear comerciales de TV o radio para acceder a contenido adicional de estos en su plataforma.

La gran incógnita es si Shazam piensa utilizar toda su comunidad y maquinaria para expandirse en el mercado de distribución digital de música, donde actualmente sirve 'solo' de mano derecha para los grandes distribuidores que sí están metidos en el negocio.

En cuanto a música, la audiencia de esta App tiene cifras gigantes como la del artista más shazameado: el DJ francés David Guetta, que tiene más seguidores ahí (69 millones) que en sus cuentas de Twitter (20, 8 millones) o Facebook (54,9 millones). La influencia de esta App en la industria musical es tan amplia que sus estadísticas de consumo son la fuente directa de los grandes charts como Billboard, siendo capaz de analizar la probabilidad de éxito en canciones y artistas del mercado mainstream.

El manager comercial de la compañía en América Latina, Rodrigo Belmonte, dio un avance sobre una de las nuevas estrategias de negocio de Shazam: meterse al mundo del streaming. En una entrevista con la Revista Dinero, Belmonte dijo que Shazam competiría directamente con las otras grandes plataformas como Spotify o Deezer y permitiría descargar la música directamente desde la App.

Aparte de Spotify y Apple Music, ninguno de los principales catálogos de streaming supera los 10 millones de usuarios, ¿cómo sería medirse frente a frente con un gigante que por el momento es un socio importante de casi todos?

Actualmente Shazam cuenta con 14 millones de usuarios activos en Latinoamérica. Aunque reconociendo que todavía son indicadores bajos en proporción con los de Europa, Asia y Norteamérica.

A través de la App se maneja anualmente el 10% de las ventas digitales de música del mundo, remitidas a Spotify, Deezer y Apple Music entre otros aliados. Shazam es como el 'Pokédex' perfecto para referencias musicales, que supera el alcance de todos los catálogos de streaming combinados pero disminuye su potencial como distribuidor directo de música.

Sin embargo, el proyecto descrito por el español parece diferir frente a lo que la App se encuentra desarrollando realmente. Cuando pedimos detalles de esto a Giovanni Bossio, encargado de comunicaciones de Shazam para Latinoamérica, rectificó las referencias de Belmonte e indicó que: " No hemos entrado en el negocio de streaming, sin embargo, Shazam lanzó una pestaña de Playlists para ayudar a nuestra comunidad global a descubrir más música".

¿Entonces cuál de los dos tiene la razón? Pareciera que ambos tienen algo de verdad si nos ponemos a analizar de cerca el rol que tuvo dentro de estas Playlists uno de los aliados más recientes de Shazam: la plataforma Vadio.

Tras el anuncio de la alianza a mediados de octubre la aplicación fue desplazando lentamente su viejo vínculo con YouTube, uno de los portales web más poderosos del mundo, ya que ahora es a través de Vadio que se puede escuchar directamente en la aplicación de Shazam, la música encontrada si no tienes suscripción en ninguna de las plataformas de streaming.

Esta empresa se venía cocinando desde el 2015 con pequeños trabajos en distribución y streaming de videos musicales para compañías de entretenimiento, de forma similar a lo que hace VEVO para YouTube. Ese mismo año le llegó una capitalización de $7.5 millones de dólares y una nómina de lujo encabezada por Yair Landau, ex presidente de Sony Pictures Digital Entertainment y el ex director ejecutivo de VEVO, Rio Caraeff.

Su primer paso luego de eso fue buscar alianzas con todas las plataformas de streaming, cerrando tratos con Spotify y Pandora ese mismo año. El trato que logró cerrar con Shazam en 2016 también empezó con el proyecto para crear diversas playlists, incluso agrupadas por género musical, que se pueden reproducir en Vadio o en cualquiera de las otras plataformas.

Bossio incluso recalcó que la cooperación de Shazam con todas las otras plataformas como Apple Music, Spotify, Google Play fue la que permitió traer esta nueva opción y solo a través de estas se puede descargar la música también.

"Seguimos enfocados en crear innovación en el descubrimiento de música y nuevas conexiones entre artistas y fans, pero, como nos gusta decir, Shazam es la Suiza de la música y nos asociamos con los servicios de streaming y marcas más populares del mundo" comentó como conclusión de su respuesta.

En el mercado el único gran perdedor de esta maniobra a corto plazo es YouTube, que ya no puede generar tráfico a través de Shazam. Esta App seguirá siendo por el momento un gran estanque en el que los otros pescan, porque es muy interdependiente con los grandes catálogos.

Pero todo está calculado, ahora cuenta con un socio que de la noche a la mañana se robusteció con un alcance enorme en la industria musical global. Vadio podría ser el siguiente gran nombre que se expanda en el streaming audiovisual y fonográfico porque está respaldado por una audiencia que Shazam también está empezando a exprimir con las marcas.

Consolidar la marca de Vadio tiene jugosos beneficios para su nuevo socio más importante, ya que Shazam se expande lento pero seguro aumentando la interactividad de su aplicación con su gigantesca audiencia en la generación de contenidos que giran alrededor de la música.

Con este nuevo modelo de negocio las finanzas ya empiezan a sanar y Shazam está en un momento de proyección que será determinante para el consumo mundial de música. El principal obstáculo de una expansión al streaming son las condiciones de su alianza con las otras compañías de este sector, especialmente de Apple que es su principal socio desde 2006.

También habrá que ver qué planes puede sugerir para Shazam el multimillonario mexicano Carlos Slim, dueño de un paquete accionario nunca especificado tras una inversión de $40 millones de dólares que le giró en 2013. Fue a través de su empresa insignia América Móvil que esta App se expandió hasta nuestro continente.

En este nuevo capítulo de Primarios, serie en la que le preguntamos a varios de nuestros músicos favoritos sobre sus cosas predilectas en el mundo y las primeras veces que hicieron distintas cosas, platicamos con el trío escocés sobre la vez que Billy Corgan les rompió el corazón, su primer amor y  sus primeros pasos en el mundo del crimen.

Ve el video aquí abajo: 

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Primero, quiero que sepan unas ciertas cosas sobre Venezuela. En el país, nada más por el 2016, ha habido una inflación del 600% y, según predicen, para el 2017 se va a duplicar y Venezuela vivirá la peor inflación de su historia. La escasez de alimentos y medicinas es brutal, hay gente que muere a diario por no conseguir medicinas necesarias para tratamientos médicos. Incluso, una persona se suicidó para no tener que pasar por el calvario que significa padecer de cáncer en la Venezuela de hoy. La inseguridad está desbordada, es casi imposible encontrar un venezolano al que no hayan asaltado en el país, al cerrar el 2015 las cifras estaban en 90 asesinatos por cada 100.000 habitantes. El salario mínimo del venezolano se encuentra en alrededor de $24 USD.

La migración de venezolanos ha sido increíble y, se dice que ya van más de 1.500.000 venezolanos –en su mayoría millennials– que han dejado el país. Obviamente, la escena musical venezolana se vio afectadísima por esto. En el 2013 Venezuela vivió uno de sus mejores años en cuanto a edición de discos se trata y, este fenómeno del éxodo golpeó brutalmente a la escena local. Incluso, la CDMX ha sido una de las ciudades que más músicos venezolanos ha recibido recientemente.

Explico todo esto ya que es sumamente necesario, para entender el contexto en el que vive el músico venezolano y así saber la dificultad que tiene para poder editar una rola.

Incontables cantidades de proyectos musicales han tenido que parar debido a que algún integrante se muda del país, o todos se mudan pero a lugares distintos. Es sumamente difícil encontrar un punto en común entre las personas de la banda y decidir seguir con ella en otro país, donde lo más probable es que nadie te conozca y tengas que empezar de cero, volviendo a tocar en un bar de mala muerte frente a 4 personas.

Sin embargo, varios han seguido haciendo música, ya sea dentro del país –lo más probable es que la minoría que queda en el país huya para el 2017– o fuera del mismo. Quedarse en Venezuela o, mejor dicho, tener como centro de operaciones a Venezuela, es quemar tu carrera musical. El precio de boletos aéreos para el exterior se disparó sin frenos y hace que los costos de la logística para cualquier evento se vuelvan impagables.

La música ha sido para muchos un medio de catarsis ante tanto desastre que ocurre en el país, ya que podrán salir los integrantes de las bandas o músicos pero sus familias siguen viviendo las mismas penas que ellos vivían hace nada. La música independiente venezolana ha vivido una década muy buena, la cual seguirá dando sus frutos en varios rincones del mundo. Vendrán tiempos mejores, la camada de músicos que salió del país debería influenciar a una generación relevo para que llene el vació actual que hay en la escena venezolana, la cual, actualmente está muerta.

Así que, acá te damos nuestra selección de los cinco mejores discos venezolanos del 2016.

El Conjunto - Antología 2

Estos dos tipos son conocidos por ser ''músicos de músicos''. Cuando digo eso digo que son los músicos que más admiran otros músicos. Sé que dije muchas veces la palabra músico pero bueno, ustedes entendieron. Ellos son Augusto Bracho –guitarra de Natalia Lafourcade– y Martín Bruhn. Este es un disco de folklore que se agradece, ya que toma lo más nuestro y lo trae al día de hoy. Bachata, bolero, cumbia, chacarera, merengue, son etc.

Antología 2 logra un sonido que me gustaría bautizar como folclor Lo-Fi y se nota que fue adrede. Es una buena manera de jugar con los fantasmas del pasado de nuestra historia musical. Cuando haces un disco de folclor con covers, estás corriendo el riesgo de que tu versión sea muchísimo peor que la original y, afortunadamente este no es ni de cerca el caso. Versiones del gran bolero "Llévatela" demuestran esto.

La gran ejecución de los instrumentos típicos latinos se nota a leguas y, habla muy bien de las habilidades de Augusto y Martín como músicos.

Es una obra que todo latino fuera y dentro de su país de origen debería escuchar: toca fibras sensibles y te hace sentir orgulloso de la música que bailaban tus abuelitos mientras tú te quejabas de ella. Así estemos hablando de géneros que son más viejos que el pan, Antología 2 se siente más fresco que una lechuga –terrible, terrible broma, lo sé–.

Te reto a ti, amigo rocker, a que escuches "Jota Carupanera" o "Merengue Sin Letra" sin bailar. Déjate de prejuicios y de playeras de Metallica todos los días y siéntete orgulloso de tus raíces con esta obra de arte de El Conjunto.

Vargas - Radiocassette

Vargas lleva más de una década en la música venezolana entre bandas y proyecto solista, con el que lleva 3 discos. Radiocassette es un álbum sumamente nostálgico y de calle. Acá no hay una producción gigante si no una maquinita de beats, junto a su gran voz y un teclado barato que tiene como resultado más importante, quizás haberse reencontrado como persona y artista. Es un back to basics, un "dale a la maquinita y vemos qué pasa".

Las melodías de este disco tocan fibras, "Lista De Deseos" es la mejor rola de amor de la música venezolana del 2016. La unión de Vargas –un músico muy a lo Charly y Fito–  en este disco y, específicamente en rolas como "La Ventana" con dos raperos muy importantes en la música venezolana, Gona y Psycho, fue uno de las mejores cosas de este LP. Le dieron un toque callejero a la música de Vargas que quizás ni el mismo sabía que podía darle.

Es un disco muy completo que demuestra la madurez de un artista que lleva buscándose mucho rato y, quizás sea una búsqueda interminable. Vargas se va reinventando en cada producción, muy a lo Charly de los 80 –salvando las gigantes diferencias–. Ya hizo el primer disco que todos amaron, ya hizo el segundo disco con una grandísima producción y, ahora mandó a todos a la mierda y editó un tercer disco con una maquinita de beats, dos raperos, mucha mariguana y un tecladito de menos de $150.

Radiocasette tiene la rola que puede sonar en la radio –Mala Señal–, la rola para llorar mientras la oyes –Lista De Deseos–, la joyita del disco –La Ventana–, y temas para escuchar bien pedo –Manzanas Borrachas–.

Quizás es su mejor disco de los tres y ni él mismo lo sabe. A veces, menos es más y definitivamente aquí aplica.

Rawayana - Trippy Caribbean

Rawayana quizás se ha convertido en la banda a la que nadie quiere darle algún elogio musical. Las razones son estúpidas, desde a que su estilo no es "original" o que se volvieron un cliché ambulante. Puedo entender la raíz de esos comentarios y quizás tengan una base lógica, pero que una banda se haya convertido en un fenómeno de masas en el país no es algo negativo en lo absoluto.

En Trippy Caribbean, su tercera producción, mandan a la mierda todos estos comentarios y juegan con reagge, pop, funk, folclor venezolano, bolero, para hacer su mejor disco hasta la fecha. Además de que estos chicos suenan mejor que la mayoría de las bandas venezolanas en tarima, agregaron una calidad musical a sus rolas que los distancia de la gran mayoría y los pone en la palestra internacional.

"Funky Fiesta", con el master DJ Afro, ex guitarra de Los Amigos Invisibles, nos da una muestra de lo que es Rawayana como compositores hoy en día. Esta rola te lleva a la mejor época disco funky de los 70 pero, en español bebé.

En "Volero", mi favorita del disco, nos acarician los oídos sin olvidarse de darnos besitos entre acordes con un aire a los años 80 en el DF. Esta es una rola sabrosa, que al oír te vas a poner feliz de una.

Rawayana mezcla demasiadas influencias y estilos musicales para crear lo mejor de sus carreras hasta la fecha. Trippy Caribbean es un disco delicioso, digno del trópico y con necesidad de mostrar en varios rincones del mundo.

Tomates Fritos - Tomates Fritos

Tomates Fritos es una de las bandas más importantes de la historia joven del rock venezolano. Tienen casi 20 años en la carretera y han rodado por más tarimas que nadie. Lo cual dice mucho más del gigante riesgo que tomaron al cambiar la propuesta sonora de su música. Su disco homónimo, es un cambio radical del sonido de la banda, alejándose de lo que habían sido hasta el día que decidieron editar este disco. Sonido con el cual habían coqueteado en su última placa Hotel Miramar.

Quizás lo mejor de hacer este tipo de discos que rompen con quién eras como artista, es que ya estás libre, ya no estás preso a ningún prejuicio o sonido antiguo. Puedes renacer o cambiar de piel con cada producción y eso está más que bien.

Un disco en el que se siente que la estética del sonido superó al esqueleto de las canciones. Nunca me había pasado, casi siempre es al contrario. Eso habla muy bien del trabajo de la banda en la producción del disco, quizás lograron darle a la escena venezolana un sonido que la música independiente del país ve muy poco, con excepción de la banda –TLX–, por supuesto.

"Calma", mi favorita del disco, es un buen resumen. Los teclados y riffs quizás nos llevan a The War On Drugs y Ben Folds Five. Los sintetizadores análogos son una constante en el disco y se podría decir que, casi en su totalidad, Tomates Fritos es un viaje en ácido mientras juegas con un Korg Poly 800 análogo. En "Hospital" hablan de la situación del país unido a acordes dominantes y riffs que vienen del inicio más bien western de la banda.

Luego de casi dos décadas los Tomates Fritos tienen un disco que quebró su sonido y veremos hasta dónde los lleva esta ruptura análoga.

Irán - La Metamorfosis

Tener un hijo te cambia, no vuelves a ser la misma persona. Como artista, ese cambio siempre es interesante: hay muchísimos casos en los que tener un hijo cambia la manera de hacer arte para el artista. Cambia la perspectiva que tenían sobre la vida, muchas veces dejan de ser esa persona desenfrenada que se droga todos los días mientras compone, para convertirse en un ser humano que toca la guitarra para también darle de comer a sus hijos.

Irán abre su disco con un manifiesto del cambio en su vida, la rola "La familia, la fauna, y la convivencia" habla de esto. Recuerdo haber leído que este tema lo compuso luego de escuchar a su esposa decir que en su casa había un insecto gigante y que él tenía que hacerse cargo. Curiosa revelación, ¿no? Vamos, hasta la portada del disco es una polaroid de su pequeño, es una obra sumamente influenciada por ser padre.

En esta metamorfosis no kafkiana, Irán también recuerda tiempos mejores de su país natal, Venezuela, en la rola "Maiquetía". La situación actual del país lo obligó a componer esta rola, así que es algo natural que este tema exista. Creo que la frase de "Dime si te vas mañana, dime si regresarás" es algo con lo que todos los venezolanos se relacionan en este momento.

Musicalmente es un disco muy bien producido y muy bien ejecutado, quizás esto llegando a su climax en "Laberintos" con las mejores guitarras de la obra, además de dejar en evidencia la clara influencia Beatle en Irán.

Es un disco confesional, en el que un artista se abre a viva voz sobre el cambio por el que está pasando como persona que vive en Venezuela y tiene que ajustarse a todo lo que significa vivir en ella y, además, ser padre. Una de las mejores obras del 2016 en Venezuela con la cual conectó mucha gente y, demuestra de nuevo, que la honestidad siempre es la mejor manera de llegarle a los demás seres humanos.

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El 2016 ha sido un año del culo. Dios sabía que necesitábamos un baño de sol para redondear el saldo de mierda que hemos tenido que soportar, así que nos mandó una participación de Gucci Mane y Zaytoven en la serie Tiny Desk Concerts de la radio pública estadounidense NPR, donde invitan a rendir versiones acústicas e íntimas de sus temas a grandes artistas contemporáneos. Gucci ha tenido un mejor 2016 que la mayoría de nosotros, y lo más propio sería que nosotros le diéramos un regalo a él por todas las cosas que nos ha brindado estos meses, pero haciendo eco a su generosidad infinita, Gucci invitó a Zaytoven a tocar el piano en un edificio de oficinas mientras él rapea sobre látigos extranjeros, el inventario de drogas que hay en su cocina y la adicción a la bebida texana conocida como Lean.

El dúo tocó "Waybach" del  primer disco post prisión de Gucci Everybody Looking, "Last Time" del Woptober y "First Day Out" del Writing On The Wall de 2009. Al finalizar el set, Gucci ofreció tomarse una foto grupal con todos los asistentes. No merecemos a este chico. Mira su actuación completa aquí.

En la vida, aveces la unión perfecta de dos elementos es obvia (cerveza y cigarros, Kim y Kanye, queso y vino). Pero hay otros que pueden parecerte repulsivos hasta que los experimentas y te das cuenta que era lo que hacia falta en tu vida (chocolate y tocino, Eminem y Dido, jager caliente en navidad). Kehlani y Little Simz están en la segunda categoría, y nos dimos cuenta en octubre cuando escuchamos el nuevo track de Kehlani titulado "Table" (en el que colabora Little Simz). 

Ahora, el video para el track acaba de salir y es toda una delicia. Dirigido por David Camarena y filmado al norte de Londres, el clip muestra al par improvisando un par pasos de baile muy ridículos, fumando un par de porros, disfrutando una noche de antro y pasear por las calles con mucho estilo. Después de verlo vas a querer que ellas sean tus mejores amigas. 

Lo dejamos aquí abajo: 

Ha sido un año increíble para la ciencia ficción, pero las historias más locas del 2016 han estado aterrizaras en nuestra realidad. Brian May, guitarrista de Queen y doctor en el increíblemente complejo campo de la astrofísica, ha estado luchando la hermosa batalla por generar consciencia sobre los asteroides. A menudo es fácil ser ajeno al hecho de que podríamos todos ser misericordiosamente aniquilados por insensibles rocas venidas del espacio en cualquier momento, sin ningún trabajador de plataformas petrolíferas con dotes paternales de por medio, listo para salvar a la humanidad si surgiera la ocasión. Brian May ha intentado que cambiemos nuestra manera de pensar al respecto de este fenómeno, con el Día del Asteroide, un proyecto que varias otras personas sumamente inteligentes y el propio May, han ideado en últimos años para asegurarse de que, como seres humanos, no olvidemos nunca que estamos a merced de las fuerzas gravitacionales. Y el día de hoy fue aprobado por la ONU. 

Según el sitio oficial, el Día del Asteroide se celebrará el 30 de junio cada año, dado que esa fecha marca "el aniversario del impacto de asteroide más grande que se haya registrado en la historia reciente, el bólido de Tunguska en Siberia, de 1908". Y aunque se podría argumentar que hay grupos de hackers en Siberia alterando los asuntos del gobierno estadounidense que deberían ser más preocupantes, Peter Gabriel y Bill Nye se sumaron a la iniciativa del Día del Asteroide, lo que debe de contar para algo. Los dejamos con "39", una súper buena rola de Country que Brian May escribió al respecto de la teoría de la relatividad. 

Luego de que Philm decidiera separarse súbitamente, en vez de quedarse en casa y disfrutar de todo el dinero que la fama y sus habilidades con la batería le ha dejado, Dave Lombardo decidió armar una nueva banda: Dead Cross, un grupo de punk crudo donde también participan Justin Pearson y Michael Crain de Retox. 

La noticia de este nuevo súpergrupo llegó a finales de 2015 y no fue hasta marzo de este año que soltaron un desgarrador nuevo track titulado "We'll Sleep When They're Dead". Junto con ese lanzamiento, también se anunció que había posibilidades de un LP e incluso Lombardo declaró que en este nuevo material su intención era jugar "con la velocidad del punk". Al final, 2016 terminó y no publicaron nada. 

Después de lanzar ese primer track la banda se mantuvo en silencio hasta el día de hoy: hace un par de horas anunciaron que Mike Patton de Faith No More y Mr. Bungle remplazará a Gabe Serbian en las vocales. De acuerdo con el boletín de prensa Mike ya se encuentra trabajando en el estudio con Dave, Justin y Michael para grabar un nuevo disco el cual saldrá el próximo año a través su la disquera independiente, Ipecac Recordings. 

¿Te acuerdas que pronosticamos que en 2017 habrá muy buen punk? Pues eso. 

Los aficionados a las estadísticas estiman que internet se ha expandido en más del 1000% durante la última década. Ahora mismo, hay más de mil millones de páginas web y no para de crecer. Sin querer sonar como una abuela leyendo un panfleto en voz alta, eso es un montón de internet. El resultado de todo esto es que a veces la World Wide Web nos acaba presentando algunas cosas muy raras: comunidades de Tumblr donde podemos ver a gente fumando anfetamina, este vídeo de buen rollo y ratemypoo.com, el sitio que califica cacas. Pero esas páginas no son nada si las comparamos con la más freak de todas: el Instagram de Geri Halliwell.

Antes de pasar a analizar el universo realmente surrealista, reconfortante y entrañable que ha creado Geri Halliwell, vamos a retroceder por un momento. ¿Quién es Geri Halliwell? La mayoría de nosotros la conocemos como la Ginger Spice o la Spice Girl pelirroja, una cuarta parte del mayor grupo de chicas que jamás haya pisado la Tierra. La conocemos por haberle dado un pellizco en el culo al príncipe Carlos en 1997. La conocemos por haber lanzado su carrera en solitario durante el milenio, durante la cual se presentó en los Brit Awards saliendo de dos grandes piernas abiertas con pantalón de chándal y tacones. Publicó "Raining Men" y "Look at Me", y en algún momento llegó a parecer un curso acelerado de cristianismo evangélico junto con la anterior modelo Samantha Fox.

Pero la Geri Halliwell del pasado no es la Geri Halliwell del presente, porque en los tiempos modernos Geri parece haber tomado la forma de un imán inspirador de refri. Se ha convertido en una estrella del pop de media jornada y usuaria de Instagram a tiempo completo, y utiliza lo segundo como un foco de motivación estricta, un recipiente donde nos presenta todo lo bueno de la vida.

Lo primero que nos llama la atención del Instagram de Geri es su pasión por hacer pasteles. Puedo pasarme horas viendo cómo Geri da forma a la masa con moldes para galletas, remueve una exquisita mezcla de chocolate en un bol y llena sus pasteles de puntitos con glaseado. Acompáñame...

Geri Halliwell acaba de hacer su primer pastel battenberg. Corta una rebanada pasando el cuchillo a través de ese glaseado amarillo perfecto como si fuera un alcalde inaugurando un hospital para niños. Su mirada se encuentra con la nuestra y se ríe en silencio. Hay un ganso de madera inmóvil sobre la ventana, los árboles verdes que se ven desde fuera se mueven ligeramente con la brisa. Se escucha una música agradable; parece encajar a la perfección con sus movimientos, el crescendo de la canción llega cuando mueve la cabeza hacia atrás llena de satisfacción. Vive este momento, sumérgete en él. Es como un nirvana sensorial. Es lo que los daneses definen como hygge.

Lo segundo que vemos es que Geri Halliwell habla con un tono suave y susurrante. Olvídate de los zig-a-zig-ahs del pasado, la nueva Geri se comunica como si se acercara a tu oreja para contarte un secreto que cree que es de lo más lascivo pero en realidad es bastante inocente. La comparación más cercana sería el canal de YouTube de ASMR. (Si no estás familiarizado con ASMR, es cuando la gente de internet se hace vídeos mojando oreos en el té, dando una lección de ruso con una voz muy suave o pasando lentamente las páginas de una revista para que los espectadores se sientan felices y sientan un cosquilleo en el cerebro).

Geri Halliwell mira fijamente a la cámara y murmura las palabras "Estoy haciendo un pastel muy, muy grande", antes de empezar a verter lentamente un bol infinito lleno de yemas de huevo en una chirriante batidora eléctrica para luego quedarse observándola en silencio. Sientes una calidez sobre tu pecho; una tranquilidad líquida ha marinado tu corazón.

Pero no todo son yemas de huevo y susurros conspirativos. También publica fotografías de ella pasando el rato con una serie infinita de animales de granja. Aquí la tenemos agarrando fuertemente un gallo gordo llamado Usain. Aquí está dando de comer unas chucherías de menta a un trío de bebés de burro. Esta es ella dejando que un caballo le de un lametazo en toda la cara. Aquí se está haciendo un selfie con un cordero acabado de nacer y aquí la tenemos, en el barro, rascando a dos cerditos pelirrojos en la barriga. Cuando no puede estar cerca de todos estos animales, sigue publicando fotos de archivo de ellos.

Todavía se te encoge el estómago al recordar eso que hiciste una vez. Cogiste el teléfono para ver tus redes sociales, esperando encontrar una notificación o dos que te diera un chute rápido de dopamina. Geri Halliwell acaba de postear una imagen de archivo de un león y aparece en tu pantalla. Su melena ondea gentilmente con el viento. Su expresión es de pura aceptación; con los ojos cerrados en una calma total. El pie de foto no dice más que: "Respira". Dejas escapar lentamente el aire de tus pulmones, como si fueras un anciano que acaba de contar su secreto más doloroso. Se te desencoge el estómago. Ya te sientes mejor.

Pero lo mejor del santuario digital de Geri no es ninguna de estas cosas –ni los pasteles, ni la aparición ocasional de su marido de catálogo–, lo mejor son las publicaciones que dedica exclusivamente a su rostro. En estas publicaciones podemos ver a una Geri libre de accesorios, durante sus momentos de reflexión. Nos revelan el funcionamiento interior de su mente, de una forma cercana e íntima, por lo general mientras piensa profundamente sobre la vida, la existencia y esas cosas.

Geri Halliwell reposa la cabeza sobre su mano, en busca de respuestas. Se escucha una suave guitarra revolotear por el aire como mariposas, ella parpadea lentamente. "Pueden cambiar sus opiniones pero no pueden cambiarme a mí", su voz se repite detrás de ella, mientras la más pura inspiración fluye con libertad a lo largo de sus venas. Observa a Geri durante este fructífero momentoy empápate del esplendor de un humano en el trabajo. Es creatividad en movimiento. Encuéntrate. Ábrete a una nueva experiencia. Esto es tu nuevo tú.

Si estallara una guerra nuclear y nos viéramos todos engullidos por un enorme agujero negro, estoy segura de que Geri Halliwell continuaría actualizando su Instagram. Se quedaría ahí con calma en medio del caos, con una sonrisa fija sobre la cara, sin parar de remover la masa para el pastel, sin parar de pulsar el botón para grabar y publicar, sin parar de decir "hola" y lanzar besos en el aire. Porque en el bonito mundo que Geri Halliwell ha creado para su yo online, no existe la destrucción, ni las palabrotas, ni las promesas rotas o los pensamientos negativos. Solo hay seguridad y amabilidad, jerseys de cachemir y corderitos suaves. Solo estamos Geri, nosotros y tú, y tú y Geri, comunicándonos para siempre en un remolino de confort y luz. A través de su Instagram, Geri Halliwell ha abierto las puertas hacia el cielo, y nos invita que nos unamos a ella, para siempre.

Tal vez no te habías dado cuenta, pero en España hay una fuerte obsesión por el rap, con una gran cantidad de actos abultando la oferta, y con estilos regionales y escuelas de rapeo realmente distinguibles entre sí, además de un calendario anual de lanzamientos igualmente frondoso. En este contexto, uno de los actos que más nos gustan viene de las Islas Canarias y se llaman Locoplaya. Antes que nada, hay que recordar que en las Islas Canarias es verano todo el año. Y claro, en verano lo que uno quiere  es salir a la calle todo el tiempo y pasarla bien. Y sí, cuando uno escucha a Locoplaya eso es exactamente lo que surge del fondo de nuestros corazones como deseo irrefrenable. Tampoco podríamos afirmar que esto suceda siempre en cualquier cosa que haga un canario, pero a veces sí. Y bueno, con Locoplaya sí es el caso; y ayer salieron de su refri después de un par de meses centrados en sus carreras solistas para sacar un nuevo video con mucho sexo divertido, seducción y juego. Todo alegría veraniega.

A estas alturas del año, es casi imposible pensar en otra cosa al escuchar cada canción nueva del colectivo canario Locoplaya. Juntos y separados se han convertido en el grupo más fresco de una escena que sigue creciendo como una bola de nieve -y no, no hablamos de esas bolas de nieve. Son Rels B, BNMP o ellos, todos venidos de islas distintas y haciendo canciones que suenan como un soplo llegado desde todos los junios pasados y por venir, cuando empiezan los días de playa y el precopeo nocturno antes de salir a bailar al antro. Ya lo dijimos hace unos días pero no nos importa repetirlo: estos chicos son los Native Tongues de España y eso está muy bien.

En su nueva canción, los acompaña uno de los mejores grupos de soul de la península, Al Supersonic and the Teenagers. Mira el vídeo aquí:

Todas las fotos: Daniel Patlán

Lo sucedido el pasado sábado 10 de diciembre fue casi imposible, un hecho que por más que poco no sucedía. Los Descendents visitaron México, a casi 35 años del lanzamiento de su hito, Milo Goes To College. Casi no lo logramos pero lo hicimos.

Por supuesto, en los últimos años hemos tenido una avalancha especial de bandas de punk y derivados que están pisando nuestro país para saldar cuentas con fans. Especialmente en ese subgénero del pop punk, hemos tenido suerte y bendición de algunos promotores independientes que no olvidan sus primeras adquisiciones de disqueras como Epitaph y Fat Wreck Chords (seguro en forma de cassette pirata o CD-R provenientes del Tianguis Cultural del Chopo). Pero esta vez recibimos a los meros papás del género. Claro, los Ramones fusionaron las guitarras de sierra eléctrica con sus melodías favoritas de las Ronettes, y los Damned, Buzzcocks y Undertones hicieron lo suyo con los discos de Merseybeat de sus hermanos mayores. La melodía y el punk nunca han sido nuevos pero en las manos de Descendents, esas melodías eran más desesperadas, burlonas y a ratos vulnerables, lo que hizo que más de un adolescente sintiera que no estaba tan jodido como pudiera pensar.

Muchos adolescentes perpetuos y/o que tuvimos años mozos de bullying, patinetas y fingir no ser tan ñoño, nos dimos cita en la Carpa Astros. Calzada de Tlalpan a esa altura se cubrió de camisetas ilegales con variaciones de Milo, la mascota de la banda basada en su vocalista, el doctor en bioquímica Milo Aukerman. Una vez dentro, pudimos ver a Gula hacer de las suyas, nuestros ya veteranos del punk melódico que siguen intactos en eso de los tres acordes y los coros multitudinarios; da gusto verlos siempre. Siguieron After The Fall de Albany, Nueva York; una banda que no esconde su afición a los Descendents; inclusive han tocado ya varias veces en el mismo escenario desde hace 10 años. Aprovecharon la ocasión para hacer lo mejor que saben hacer con un estilo de pop punk carismático si es que un tanto monótono.

El tiempo es un adversario cruel. Al subir al escenario, Aukerman, el baterista Bill Stevenson, el guitarrista Stephen Egerton y el bajista Karl Álvarez se veían muy lejanos de esas fotos de sus lanzamientos para la SST cuando era todos unos peques. Reclamarles juventud es injusto porque está fuera de sus manos pero sobre todo porque luchan con cada célula de sus cuerpos por no dejarse abatir por la vejez. Tras el anuncio de Milo de que tocarían "todo chupa" comenzó su set con el track que le da título a su álbum de 1996, Everything Sucks. De ahí al final, se vieron totalmente generosos con su catálogo, tocando canciones de todos sus LPs e inclusive tres de su EP que consagró su sonido y lírica, el Fat EP.

Para todos los enemigos del subgénero, el pop punk es caracterizado en pinceladas burdas y gordas: melodías fáciles sobre chicas y flatulencias cantadas por voces irritantes sobre progresiones de acordes simples en chinga. Como padrinos de la forma, Descendents demostraron que no hay una sola manera de hablar de chistes inmaduros; a través de sus múltiples reuniones han podido demostrar un gran rango con pocos elementos a su disposición y este concierto fue toda una exposición a través de sus etapas. Desde los 40 furiosos y absurdos segundos de "I Want To Be A Bear" a los 10 brillantes segundos de "Weinerschnitzel" a la sofisticación de "I Am The One" a lo aprendido y demostrado en las selecciones de su disco de este año, el Hypercaffium Spazzinate del cual tocaron bastantes canciones siendo bastante coreadas. El slam no se dejó esperar ni un segundo después de la primera nota cuando las cervezas comenzaron a volar por todo el lugar. La banda incansable dio con todo, Egerton tocando con furia y rapidez igual que Álvarez quien aportaba a los coros; el también miembros en un tiempo de Black Flag, Stevenson tocaba con facilidad y conversó en español con el público, y Aukerman imparable, yendo de un lado a otro del escenario e inclusive bajando con las primeras filas del respetable aunque era obvio que no le era sencillo hacerlo.

Aunque es difícil encontrar el negrito en el arroz cuando escuchamos "Suburban Home", "Bikeage", "I Don't Want To Grow Up", "I Like Food", "Coffee Mug" y un brevísimo desliz hacia "Shut Down (Annihilation Time)" de los Germs (con dedicación a Darby Crash), se extrañaron algunas canciones de su época dorada, aunque puede que les resulte incongruente cantar canciones de adolescentes chiqueados como "I'm Not A Loser" o "Parents" cuando ese tiempo ya fue hace mucho. Cualquier desperfecto se disminuyó casi a cero al ver a tantos asistentes de público portando grandes sonrisas por haber presenciado un casi milagro. Por fin los vimos, algunos años después de atender la universidad, ya creciditos, pero los vimos; y mientras lo hicimos, todos nos unimos en varios coros de juventud eterna sin siquiera pedirlo. Los Descendents son por siempre y también esas canciones que aún resuenan en guitarras primerizas. Ojalá se repita el milagro.

En la mañana de este martes 13 de diciembre, alrededor de las 9:15 am, Kanye West entró a la Torre de Trump en Manhattan para verse con el presidente electo Donald Trump. De acuerdo a TMZ, el rapero había solicitado la reunión, que duró unos 15 minutos.

Como a las 10:00, Kanye y Trump bajaron el elevador juntos y posaron para fotos en el vestíbulo. Se negaron a responder preguntas sobre lo que hablaron — ¿una posición en el gabinete? ¿Una actuación en la investidura de Trump? "Simplemente amigos", dijo Trump. "Es un buen hombre... hemos sido amigos durante mucho tiempo. Vida. Hablamos sobre la vida."

"Sólo quiero tomarme fotos por ahora", contestó Kanye a las preguntas.

Se despidieron con un apretón de manos, Trump diciendo "Cuídate, nos vemos pronto" al oído de Kanye.

Mira el video grabado posteriormente a la reunión, vía C-SPAN below:

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A principios de este año, Q-Tip anunció que We Got It From Here...Thank You 4 Your Service sería el último disco que lanzaría A Tribe Called Quest debido a la muerte de uno de sus miembros, Phife Dawg. Sin embargo, ese podría no ser el verdadero motivo. Ayer en la noche Q-Tip le dijo a Annie Mac en BBC Radio 1 que el grupo continuará haciendo música. 

"Manténganse alerta porque no tenemos intención de parar", dijo durante la entrevista. "Ese era el modus operandi de Phife, 'esta vez lo haremos y no vamos a detenernos'. Nos mostró la ecuación para hacerlo, y vamos a necesitarla, vamos a continuar". Puedes escuchar la entrevista completa dando click aquí.  

El ácido y la música. Están hechos el uno para el otro. Un buen disco puede elevar tu experiencia a niveles inimaginables. Quizás John Lennon y sus amigos pusieron de moda esta droga, de la cual hay muchísima información documentada y no deberías estar abriendo este artículo para aprender sobre ella.

El LSD y el arte en general tienen una relación bastante estrecha, sobre todo en los años sesenta y setenta cuando el boom de esta sustancia celestial estaba en su mayor apogeo. Las posibilidades creativas que te da el ácido lisérgico están bastante bien estudiadas y su uso recreativo para expandir las posibilidades artísticas siempre –o casi siempre– ha dado buenos resultados. Un ejemplo rápido de como el LSD abre posibilidades creativas que jamás hubieras imaginado, es uno de los mejores discos de una de las mejores bandas de la historia, The Beatles y su Revolver, como el mismo John Lennon lo cuenta. 

Ahora, sabemos que no todo el mundo va a crear un disco en LSD. Pero, lo que sí puede hacer cualquiera es escuchar su música favorita para que haga de banda sonora del viaje. 

Antes de hacer esta lista, quisimos contar con un poco de ayuda de expertos en el tema. Aquí entra en juego el Sr @lisergicos, psicólogo y escritor experto en temas de LSD –imagínatelo con un turbante blanco, bien hippie, llevándote por el aceite camino del bien–. Le pedimos de favor a nuestro amigo lisérgico que le preguntara a su comunidad de seguidores qué música les gusta oír en LSD. Los resultados fueron variados, como imaginamos.

A ver, cada experiencia es única, lo cual es lógico. Así que quizás, lo que a ti te haga bien –digamos un reaggeton de J Balvin – quizás al wey que anda enamorado del nuevo disco de Childish Gambino no.

En conclusión, la diversidad de opiniones sobre la consulta a la hora de escuchar música en ácidos, no nos dejó de otra opción para poder hacer esta lista y que quedáramos todos contentos. Decidimos tomar un ácido para poder vivir la experiencia a plenitud y ver qué rolas potenciaban el viaje y así darles una experiencia de primera mano –que si en honor al periodismo de investigación, de inmersión y eso–.

La idea para disfrutar un buen viaje en ácidos –o al menos en este caso– era cambiar abruptamente de géneros, no escuchar a un mismo artista dos veces, ni escuchar a Pink Floyd, porque simplemente odio los malditos clichés y ya bastó con Pink Floyd y el ácido.

Así que, llamamos a nuestro dealer más cercano, seleccionamos una lista bien diversa y nos comimos un ácido para darte las 8 mejores canciones que puedes oír en LSD

Advertencia: si quieren repetir la experiencia sonora y mental de este viaje, esta lista sólo la pueden oír en ácidos.

Robbie Williams & Rufus Wainwright - "Hotel Crazy"

El ácido hizo efecto después de la cena, –coman antes de hacer esto y así no los agarra con estómago vacío, amigxs. Estaba en mi auto llevando a una amiga a su casa y a mitad de camino, gracias a la radio mainstream comenzó a sonar esta rola de Robbie Williams y el amigo Rufus. La voz femenina detrás de un tipo de filtro con la que comienza la rola, empezó a hacer que mis ojos distorsionaran los árboles en toda la carretera.

Esta rola tiene una melodía pentatónica bastante retro y arreglos de metales sesenteros que hacen que te sientas en la fiesta de navidad de la oficina de Noisey UK. Te crees inglés, sientes tu cabello espectacularmente peinado hacia atrás mientras ves tu traje blanco con una rosa en el saco y esperas tus fish & chips. Juro que de repente vas a sentir la necesidad de tomar té mientras ves a Inglaterra perder cualquier mundial de fútbol.

Quizás también sientas la enorme necesidad de jugar con las luces de tu auto al ritmo de la batería, y mires al retrovisor seguidamente para ver si tu cabello está igual de increíble que te lo imaginas mientras Robbie te susurra al oído "Holding on to something that's gone in the wind".

Childish Gambino - "Boogie Man"

Primero: según Urban Dictionary, un Boogie Man es "un monstruo inventado para asustar niños pequeños". 

Segundo: Awaken, my love! es el disco del año 2016 y probablemente del 2017. De seguro es un fracaso comercial pero, hazme caso, siempre confía en la opinión de una persona en ácidos.

Los gritos con los que comienza la rola te van a hacer sentir en un barrio peligroso de Detroit por el año 1972. En el que estás buscando comprar un poquito de mariguana mientras caminas unos pocos pasos y ves que en cada esquina está un wey sin camisa lleno de tatuajes tribales, lentes oscuros para que no sepas que te anda mirando, y sospechosamente sudados y agitados.

Cada vez que la rola dice "With a gun in your hand, I'm the boogie man" estos tipos te voltean sus caras, tú no sabes qué hacer y aquí es donde te puedes poner medio paranoico.

Pero cuando piensas que todo está perdido en el barrio de Boogie Man, la rola entra en su fase más funky y te saca del mal viaje. Al final todo va a estar bien, y terminarás moviendo tu cabeza al ritmo de los teclados eléctricos que cierran la rola pensando que lograste tu objetivo.

Gorillaz - "DARE"

Los Gorillaz son ya de por sí caricaturas que hechas para verse en LSD, pero bueno. Estoy sudando, mi corazón late exageradamente rápido y siento cómo los músculos de mi cuerpo se tensan solos mientras imagino que juego un arcade de Street Fighter II en los años noventa. Eres Ryu ataviado en su keikogi y todo, le das al botón B para lanzar una patada voladora y así ganarle a tu cuate. Los teclados en esta rola quizás logren que te preguntes si lo que te comiste fue un ácido o una píldora de éxtasis. Me hizo sentirme en un antro donde todas las personas estaban bailando excepto yo, y no sé por qué. En verdad sí sé: es porque bailo terriblemente.

Algo sumamente curioso en "DARE" es que en ácidos vas a escuchar que en vez de "never did no harm, never did no harm" dice "necesito bajar, necesito bajar". Entonces que mi cerebro escuchara esto no hizo mayor cosa que preocuparme. Primero Ryu en un arcade, luego un wey que baila terrible en un antro y ahora alguna persona diciéndote que "necesita bajar". No manches.

Héctor Lavoe - "Periódico de Ayer"

No conocí a Héctor Lavoe pero está bien documentada su historia con las drogas. A mitad de mi viaje, decidí irme a la salsa de los setenta y sentir lo que sentía mi papa cuando consumía drogas para esa época.

Lo primero que vas a sentir con esta rola es seriedad, lentes aviadores y un buen habano en algún bar con luces azules de Nueva York. Me empecé a sentir con estilo, una persona más sabia y con una seguridad en mí mismo que jamás había sentido. Y claro, ¿para qué leer el periódico de ayer? Piensas en esa persona a la que aún revisas sus redes sociales analizando cada mensaje o foto que deja concluyendo cosas que, en el 99% de los casos, no son así. De repente me siento empoderado, con ganas de comerme al mundo y estudiar otra carrera –todo esto mientras fumo mi tercer cigarro, para imaginarme que es un habano–.

En el break de vientos y metales, toda tu vida amorosa te va a pasar por los ojos y te vas a dar cuenta lo idiota que eres. Decides no volver a pensar en esa personita especial que de seguro está con alguien más guapx y exitosx que tú, ¡y por fin! ya vas a poder abrir Tinder de buena gana.

Sí, esta es la canción del viaje para superar a tu ex.

Tyler, The Creator - "Tamale"

Esta me agarró comiéndome un helado mientras veía el video de la rola en YouTube, ya que mi cuerpo estaba muy caliente debido al ácido y bueno, necesitaba compensar. El grito de "Tamale, tamale" en la canción, más la misma voz excesivamente aguda gritando, hizo que este ejercicio de comer un helado mientras veía el video fuese la cosa más rara que he hecho en mi vida hasta ahora.

Dato: Tyler brincando sobre las nalgas de la modelo del video en ácidos es la mejor mierda que he visto en el 2016.

La percusión, más el rapeo, más los tamales, más otra vez los tamales, hizo que todo a mi alrededor tuviese un aire medio japonés. No me pregunten por qué, pero hagan la prueba. Tyler, The Creator te lleva a comer Tamales en ácido por Japón.

Mi cabeza para este momento ya iba a explotar, fue la parte más rara del viaje y aun no entiendo qué diablos fue lo que sentí. Quizás en algunas semanas logre entenderlo. Bueno, algo así pasa con los discos de Tyler, The Creator, ¿no?

Damien Rice - "The Blower's Daughter"

Después de oír Gorillaz, tamales, funk ácido, creerme inglés y olvidar a mi ex, sentí la necesidad de escuchar algo suave, que no tuviese mucha información y que fuese medio acústico. Andaba en una nota medio romántica, si les sirve.

Lo primero que se me vino a la mente al ponerme medio romántico, fue obviamente Natalie Portman y Closer –acá les explico sobre mi obsesión con esa mujer–.

Apenas entra el "and so it is" de la rola, pasas a modo reflexivo, sientes el viento acariciar tu cabello y te imaginas lanzando piedras al vacío, al horizonte, mientras te acuerdas de todas las cagadas de tu vida y ves cómo tus zapatos están llenos de arena, porque estás sentado en una roca en medio de un desierto.

Los rasgueos de la guitarra son como los regaños de tus padres y los "te lo dije" que tanto odiaste en tu infancia. La hermosa voz del buen Damien también ayuda a esta vibra reflexiva, es como todos esos videos de Bon Jovi comenzando los noventas con onda medio western, en blue jeans y botas de vaquero, donde luego encuentras a tu chava en la cama con otro wey. 

Ahora entra la voz de la chica y, de una piensas que es otra vez el fantasma de tu ex, que renace de sus cenizas como el ave fénix. Pero consigues apretar tus puños y lanzar más rocas al vacío y logras superar ese mini mal viaje, y termina con la voz de Damien reflexionando "I can't take my mind off you, till' I find somebody new". Le haces caso, la superas, te levantas de la roca en medio del desierto y sigues tu camino. 

Charly García - "Estaba en llamas cuando me acosté"

Todas las fotos fueron tomadas por Carlos Molina para Noisey 

Llegó el fin de año y los vientos del huracán comenzaron a soplar más fuerte que nunca. Qué importa el conflicto del Beagle, qué hay con finales futbolísticas polémicas, y qué irrelevante puede llegar a ser cualquier rencilla política contemporánea entre Argentina y Chile; tenemos algo mucho más bonito para estos días, y por delante.

El pasado jueves 8 de diciembre, feriado en Chile por la Santísima y estupenda Virgen, el festival que lleva por nombre Huracán volvió para hacerle todo el honor a su nombre: un ciclón tropical del indie de esta parte del mundo, buenas bandas del cono-sur que han sostenido la independencia y, por sobre todo, la amistad.

Desde bien temprano diversos exponentes promesa de la escena santiaguina empezaron a darle forma al evento de bastantes horas de duración, más de las que estábamos preparados mentalmente, pero a medida que fueron pasando los músicos y los minutos, nos fuimos a acostumbrando al calor, a la sed, y al cansancio. La organización que lleva la bandera del DIY volvió a hacernos sentir que un horrible galpón ubicado en el centro de la capital era nuestra casa, donde estaban nuestros amigos, con un patio perfecto para respirar y quemar. Sólo nos faltó la piscina, pero al menos tuvimos las canciones bonitas.

Pirámides en Festival Huracán

Cuando la noche venía lenta pero segura, las bandas más destacadas del año pasado y de este hicieron su paso brillante por el escenario en altura. Algo peculiar para estas bandas sub25 como Amarga Marga o Pirámides, dos agrupaciones que con paciencia y talento han sabido colarse en los carteles junto a sus amigos y colegas de los que ya te hemos contado y vendido como la apuesta en la que están todas nuestras fichas. Una de esas es Niños del Cerro, que en show exprés y resumido -a causa del atraso de dos horas que llevó cada presentación por la mismísima estupenda Vírgen que nos regaló el dìa libre pero nos dejó una congestión asquerosa por sus fieles seguidores- se robaron el escenario, los saltos, y las fotografías para Instagram. Ya saben lo que hacen, ya no estamos frente a niños improvisando algo que podría transformarse en hit. Los Niños del Cerro conocen sus piezas al revés y al derecho, así que tienen la confianza de hacer lo que se les ocurra con ellas y el resultado fue nítido, una vez más. No por nada son la revelación del año pasado.

Niños del Cerro

Algo similar pasó con Patio Solar, sólo que la lágrima venía a acompañar a la agrupación. Su guitarrista, talentosísima Yaney Salgado, decía adiós a la banda que musicalizó todo el verano de la parte sur de América con su Temporada. Y tal como se escucha en una de sus canciones más coreadas le decimos a la multi-instrumentista que nos morimos por casarnos con su voz, que la cuidaremos tanto, tanto. Pero la verdad es que no estamos tan tristes. Salgado sólo deja Patio Solar, pero su talento es demasiado como para atraparse en una sola banda: también hace su parte en Emisario Greda y El Cómodo Silencio de los que Hablan Poco.

Largo nombre, un disco debut grabado pista por pista en la casa de cada integrante en computadores llenos de virus, y muchos saltos cuando sus canciones suenan. ECSDLQH se robó la película en Chile durante el 2016. No sólo lanzaron su esperado primer largo titulado Run-Run, si no que se convirtió rápidamente en uno de los discos de Youtube más escuchados durante el último semestre. Cuando los primeros acordes de la agrupación —que trae a dos integrantes de Patio Solar en su formación— empiezan a sonar, no hay nada que detenga los brincos y a los niños voladores que a todo pulmón escupen cómo ya no aguantan el paso de los días y se la pasan mirando el viento en la cortina. Es difícil el limbo de ser joven, pero tenemos música, tuvimos cervezas y la comodidad de estar en silencio, que se fue despidiendo de a poco mientras dos hombres de raros peinados se colaban en el escenario para conectar sus equipos. El regreso del Huracán traía algo esperadísimo por quienes han seguido los sonidos independientes durante los últimos años en la capital de Chile: el retorno de Las Olas (Noispop).

Hacía calor. Realmente mucho calor. Pero de pronto Camila Felcucci sube al escenario del Espacio San Diego con una pistola de agua, y aunque no te haya llegado ni una sola gota, la presencia de estos amigos pop punk refrescaron el lugar en un dos por tres. Todas las ciudades, todas las escenas, siempre tendrán una banda legendaria, una especie de mito, una especie de recuerdo borroso y hermoso. Algo así es lo que pasa con Las Olas, una agrupación que presenta la crudeza y la ternura en una sola capa, músicos que irradian arte y que además tienen mucho para contar. Por desgracia, esta tocata fue excepcional y no sabemos qué pasará con el futuro de los responsables de 'Para No Irme Lejos', pero con sus maquillajes y performance dejaron el ambiente perfecto para abrazar a los vecinos con sus Canciones para Mis Amigxs, como cuenta su último corta duración.

Directamente desde Mendoza, que es casi Chile, debutaron Las Luces Primeras. La primera patita de esta comunión sin fronteras que dejó el paso del Huracán, que se llevó algunas formaciones originales pero que dejó mucho residuo hermoso y ruidoso. Los músicos argentinos fueron como un respiro, un oasis en medio del acalorado indie-pop-rock-punk que explotó al frente de una de las distribuidoras de alcohol más grandes de Santiago. Calentamos los pies, las gargantas, y llegamos al ojo de huracán: Las Ligas Menores.

Ligas Menores

Aquí somos todos como amigos. Los oriundos de Buenos Aires, que se pasean flamantes como integrantes del Sello Laptra, tuvieron bastante para entregar y mucho para recibir. Desde que subieron al escenario a pelear contra el tiempo y los desperfectos de sonido, las cuatro chicas y el varón que conforman la banda entendieron de qué iba esto.

Los huracanes se forman cuando la energía expulsada por la condensación del vapor de agua presente en el aire cálido produce un bucle de alimentación positiva. Eso mismo fue lo que pasó cuando Anabella entonó la primera frase de su repertorio. Aquí somos amigos, vamos a cantar tus canciones porque han decorado nuestras vidas, vamos a volar por los aires para que te quede claro que no me importa tu presidente y más bien me voy a fijar en lo que tienes para entregar en forma de temazos. Así te voy a recordar.

'Crecer', 'Tema 7', 'Accidente', y tantas otras— entre ellas las recién estrenadas del simple Ni Una Canción— empezaban a despedir el fenómeno meteorológico y musical que pasó otra vez por Santiago. Entre sonrisas de los engranajes de Las Ligas Menores y las de los asistentes que por fin pudieron corear "vos y yo nos vamos a salvar" en vivo, volvimos a entender por qué esta instancia lleva este nombre. Tal vez no sea la historia real, pero encaja perfecto pensar en el clásico huracán y cómo es increíblemente circular y redondo en todos sus lados. Eso mismo fue el festival: circular, redondo, amoroso, y amistoso. No importa que a ratos se hayan acabado las cervezas, mucho menos que los músicos tocaran con retraso. Cientos de personas, haciendo una densa nubosidad de amigos, saltos, cantos, indie y mucho cariño y respeto por el trabajo ajeno. El debut de dos grandes bandas argentinas ya es una realidad, y hoy, después de cuatro días, seguimos sonriendo como estúpidos drogados contemplando las nubes, esperando que otro huracán se vuelva a formar. 

Dejamos el resto de las fotos aquí abajo: 

Juan Gris

Patio Solar

El cómodo silencio de los que hablan poco

Las Olas

Las luces primeras