La era de "The Soundclown" alcanzó su punto máximo en 2013 y está mayormente involucrada en crear intencionalmente versiones mierderas de clásicos de la música pop, casi siempre mezclados con sonidos relacionados al EDM. Irónico, ¿no? Lo que nadie había pensado es que podrían modificar la composición de John Cage 4'33" que es literalmente silencio. Pero como el internet es un monstruo gigante que crece rápidamente, alguien por fin lo hizo.
Y no hay nada de sorpresas. El Soundcloud que está aquí abajo cuenta con cuatro minutos de silencio y treinta y tres segundos de un drop de dubstep malísimo. De alguna forma, este track es tan revolucionario como la composición de Cage en su momento. ¿Escuchas el silencio antes del drop dentro de tu ambiente?, ¿Es esa la pieza final?, ¿Eres de esas personas que van a caminar firme y pacientemente hasta el final del túnel?, ¿O serás como un niño pequeño que adelanta hasta el final para sentir gratificación instantánea? Es como un test de Rorschach en forma de meme. Tal vez, al igual que lo hace el peyote, este Soundcloud podría revelarte quien eres en realidad.
Las buenas costumbres indican que cada fin de ciclo anual se hagan listas de los hechos más importantes acaecidos durante los doce meses incluidos en la cuenta. Los mejores discos, la mejores películas, los festivales más exitosos; en fin, que hay listas de todo y para todos.
En Revancha nos unimos a esta tradición en la víspera del fin de año y les presentamos nuestros diez discos más vendidos durante este 2016. La lista es, desde luego, elaborada por el Empleado del Mes de Revancha: Manuel 'La Graneme' Carrasco. El EdM es el encargado, entre otras cosas, de seleccionar el catálogo de la tienda y por ello está al tanto de las estadísticas mensuales y de cierre de operaciones de año de la misma.
La lista está hecha sin ningún orden en particular. Una vez mencionado la anterior, comencemos:
DJ Shadow - Reconstructed: The Best of DJ Shadow
No es sorpresa que DJ Shadow esté dentro de lo más buscado de una tienda de discos pues Josh Davis puso de moda el vinilo cuando ya todo el mundo lo había dado por muerto. Esta edición doble incluye varias rolas del Endtroducing…. y la completan los sencillos más exitosos de sus tres discos posteriores. Aquí la columna que escribió el EdM sobre DJ Shadow.
Funkadelic - Maggot Brain
Este álbum abre con una rola cuyo nombre le da título al disco y que es un solo de guitarra de prácticamente diez minutos realizado por Eddie Hazel. El disco en su totalidad es uno de los mejores ejemplos de rock psicodélico de los setenta. Su influencia es enorme, pregúntenle al Childish Gambino. Pueden leer aquí la columna que también hizo el EdM al respecto de este fundamental disco.
J Dilla - Donuts
Nuestro productor favorito, sin lugar a dudas es J Dilla y el Donuts es considerada su obra mayor. Precisamente este año se cumplió el décimo aniversario de su lanzamiento original. El Donuts cambió la forma de hacer discos de beats en el hip hop. Pueden leer aquí esta columnasobre la ciudad de origen de Dilla, Detroit, también cortesía del EdM.
V/A - Roots Of Chicha
La diferencia entre la chicha y la cumbia son las guitarras estilo surf que se usan en la primera. Esas guitarras le dan una atmósfera psicodélica al género que desde hace unos años está tan en boga. Esta es una de las compilaciones de chicha más exitosas y más buscadas. Es una gran puerta de acceso al género.
Willie Colón - Cosa Nuestra
Este disco incluye "Che Che Kole" que es una de las canciones más populares de la mancuerna Colón-Lavoe. También posee esa gloriosa tapa donde se aprecian el puente de Brooklyn, a Willie armado de su trombón y un muerto envuelto en una alfombra. Esta portada forma parte de esa serie donde se usó la imaginería gángster para las tapas de Colón. Si quieres conocer más sobre el arte de las tapas de Fania, checa esta columna del EdM al respecto.
Orlando Julius - Disco High Five
El Disco Hi-Life mezcla el afrobeat con el boogie y el resultado son canciones para no dejar de mover los pies. La rola que le da título al disco es indispensable en cualquier set donde se pretenda que la gente baile. Para los que no sepan: Orlando Julius es uno de los precursores del afro-pop, precisamente por aportaciones como este disco. El EdM también escribió al respecto del funk en Nigeria, y puedes enterarte del chisme aquí.
Tim Maia - Nobody Can Live Forever
Maia es el responsable de introducir el soul/funk a Brasil. La historia cuenta que Maia llegó deportado a su país con las maletas transportando su colección de discos. La selección hecha por la disquera Luaka Bop para esta compilación está orientada al soul y debemos señalar que no fallaron. Esta es la mejor entrega de la sala World Psychedelic Classics editada por la disquera de David Byrne.
Charles Bradley - Changes
Charles Bradley se ganaba la vida imitando a James Brown hasta que en el 2011 el sello Daptone lo invitó a grabar un disco acompañado por la Menahan Street Band. Durante el 2016 editó el Changes que lo confirma como la voz más importante del soul en la actualidad, especialmente después de que Sharon Jones nos abandonara hace apenas unas semanas.
V/A - Tropical Disco Hustle
La música disco se convirtió en un fenómeno mundial a finales de los setenta. Esta compilación del sello Cultures of Soul incluye clásicos del disco y boogie del caribe donde el disco se mezcló con los ritmos folclóricos de la región. Mucho de este material no había sido reeditado y los originales son tan caros que pocas veces son una opción. Puedes leer aquí completa una columna sobre este disco.
El Michels Affair - Enter The 37th Chamber
La banda del baterista Leon Michels editó este, su segundo disco, en el 2009 con la legendaria disquera de hip hop Fat Beats. El álbum en cuestión está integrado por covers instrumentales del Wu-Tang Clan y de sus actos solistas y el resultado es un disco de soul/funk con atmósferas cinematográficas. También a este respecto se encargó el EdM de escribir esta columna.
Todas las fotos fueron tomadas por Daniel Patlán para Noisey
El segundo tiempo del concierto comenzó con "Pachuco". Cuando sonaron los primeros acordes yo estaba formado en la barra VIP esperando un vodka con agua mineral. Si esto hubiera sucedido hace veinticinco años, habría salido corriendo. Pero los años me han vuelto lento. Cuando llegué había rucos, rucos de mi edad saltando con sus hijos en los hombros. Otros, sí, aunque no lo crean, saltaban junto a sus hijos. Yo no saltaba: valoro mucho cuando me regalan un vodka. Pero estaba emocionado. Veinticinco veces había celebrado el fin de año desde la primera vez que escuché esa rola. Veinticinco veces, y había sobrevivido. Contra todos los pronósticos.
Hace veinticinco años yo vivía en la calle 25 de la colonia Ignacio Zaragoza. Hace una peseta de años no había probado ninguna droga. Cursaba el segundo año de secundaria. O el primero. No fueron sólo los primeros acordes de ese disco. Fue la primera frase, fue el coro. La rabia que contenía aquella frase. Mi padre no era pachuco. Algo hacía que ni el Piraña, ni el Tacua, ni el Geris, ni yo nos contuviéramos. No había otro ritmo posible. "Pachuco" era una rola que nos incitaba a golpearnos en el aire, a brincar.
Yo tenía una playera con el rostro de Tin Tan y una frase que decía: Ya llegó su pachucote. No cuestionaba mucho y me enrolé fácil en esa nostalgia de un barrio que yo no había conocido. El Geris y el Piraña llevaban siempre botas de casquillo, el Tacua unos zapatos de suela delgadita y yo unos tenis Nike de suela café. Cada quien pateaba al otro como podía. Y había que aguantar candela.
Hace mucho no me acordaba del Tacua ni del Piraña. Hace años no veo al Geris. Y yo brinqué y bailé, pero con ellos. Otra vez, con nuestro uniforme gris con verde de la secundaria 69. Hace veinticinco años no veo al que una vez fue mi mejor amigo, el Piraña.
Juanga llegó dos veces. La primera cuando sonaron los acordes de "Ya lo pasado pasado". Antes de esta rola Roco, en su papel de Tlatoani, de vocero del barrio y los desprotegidos, invitó al público a hacerse una limpia.
Como un brujo que dirige una masa para conducirla a un mismo fin, se sacudía, poniendo el ejemplo. Y decía adiós al pasado. Una limpia para quedar como hoja blanca, pulcra. Para recordarnos que por más chido que esté el pasado, no hay nada mejor que el presente.
Cuando el Triciclo Circus Band terminó de tocar yo todavía no pasaba al concierto. Me terminé como tres jiters de mota. Sentía algo de nervios. No veía a Luz por ninguna parte. Muchos hombres de mi edad sin pelo, con mucha grasa. Una mano de Luz descansó en mi hombro. Estaba salvado. Y no sólo eso, tenía tragos gratis. A veces tengo más suerte de la que merezco. Me quitaron un jiter a la entrada, cuando me revisaron, pero ya había fumado tanto afuera que no importó.
En el medio tiempo fui por más vodka. En el Carrusel hay un caballo pintado de Cocodrilo: esos taxis cincuenteros que nos causan una inexplicable nostalgia. Pues nunca los vimos en vivo, ni le hicimos la parada a uno.
El Circo fue festejado con glamour de circo chilango. "Solín" con esos acordes que recuerdan a la música gitana. Con esa nostalgia implícita por un personaje citadino que decide construirse un personaje mágico para escapar de la prostitución y la joda de todos los días.
Cirqueros, fuego, malabares por todos lados. Una de la rola más encendidas, llenas de un caló chilango que sigue funcionando hasta hoy. Ninguno de los presentes permitió que los años y el sobrepeso los venciera, todos saltaron, como adolescentes rabiosos.
"Kumbala" fue anunciada por una rubia que se trepó a un trapo que colgaba del techo de la carpa. La letra nunca la he comprendido del todo. No la letra. La forma en que reacciona la banda. Como si fuera una rola que habla de un amor profundo entre dos amantes: yo sólo escucho una historia de cachondeo y de veneración a un salón de baile que ya no existe.
Eso sí, la rola invita a repegarse, al cachondeo, a moverse para lo oscurito y llegar a donde aparte de oscurito, está mojado.
A la entrada fue una amiga que hace mucho no veía la que me agarró a besos. A la salida fue otra. "Pinche negro, nomás volteo y te veo besando gente", me dijo Luz.
La rola que fue la cúspide del concierto fue "Un poco de sangre". El piso palpitaba como si se tratara de un corazón agitado. Y todos la cantamos sin equivocarnos una sola vez. Era un coro parejo que había ensayado en los conciertos masivos de Ciudad Universitaria. Hoy no hubo que dar un kilo de arroz o frijol.
La Carpa Astros no cierra enseguida, no es como esos lugares que en cuanto acaba el concierto te corren. Aquí te puedes quedar un rato más a beber y a escuchar música en vivo. Festejaron su primer año dando conciertos, y celebrando otros eventos, como peleas de MMA. En sólo un año se han vuelto referente. Larga vida a ellos.
El Circo fue un disco que dibujó en acordes la ciudad de los noventa. Con personajes que estaban en peligro de extinción, con otros tan recurrentes y repetitivos, como la Güera de los tacos o el provinciano que pasea por la ciudad, el músico callejero que se ha vuelto entrañable para todos los de la cuadra. Hasta los intelectuales, por cierto omitieron la bomba de Monsiváis en Mare.
Hace veinticinco años que la rabia se iba encendiendo. A algunos ya se les apagó, pero vinieron a recordar que una vez estuvo prendida. Yo pido que esa rabia, esas ganas de saltar no se me acaben nunca.
Al parecer dentro de las muy relevantes noticias del espectáculo del día de hoy, hubo una que cautivó y casi que paralizó a medio mundo, obligando a los medios a desplegar todo un equipo periodístico para cubrir las reacciones de fans y haters del ídolo del reggaetón J Balvin. El suceso que desató todo tipo de emociones no fue otro que el cambio de look del paisa y el hecho de que se pintó el pelo rosa.
Aprovechando la coyuntura, nos dimos cuenta que en los últimos cinco años, el reggaetonero ha cambiado de look por lo menos 317 veces, por lo cual quisimos reseñar algunos que van desde el rapado "bajito" estilo chambelán de 15 años, hasta toda la gama color arcoíris de los famosos muñecos trolls y todo eso sin dejar de lado otros como el de Guasón chicano desteñido.
La conversación en la peluquería debió ser algo como: - "Má, yo me corto el pelo, pero déjame la trensita, hasta le puse hilitos con la bandera de Colombia". - "No José, ya te dije que si no te cortas el pelo no puedes ir a los 15 años. - "Má, pero todo calvo, no. Si quieres: La base con la cero y arriba la uno". - "Bueno, pero no te vas a quedar emborrachándote, llegas a la 1:00 a.m. en punto". -"Tranquila, ma".
Este look, por otra parte es: ni tan gringo para que parezca integrante de NSYNC, ni tan local como para que parezca percusionista de Wamba. El despeluque bajo control, aunque parezca muy casual y muy descomplicado, es un peinado complejo, teniendo en cuenta que básicamente la armonía de este desorden se logra con varias horas sobre la almohada y para mantenerlo hay que invertirle tiempo a echar hueva.
Este es el corte "comodín" para ir a conocer a los papás de la novia. La base con la navaja del número dos pero sin mochar el copetito. Apenas para quedar como un príncipe con la suegra o para hacer casting de modelo de Colgate.
Esta es una pequeña variación de "El goleador", menos piramidal en el copete y más uniforme arriba. Este look es famoso entre estudiantes de carreras como Negocios Internacionales, Administración de Empresas o políticos. Para que te quede bien es importante tener la cara tan larga como el mechón.
Conocido también como el Fade, este corte se popularizó durante los primeros años del nuevo milenio. Entre 2003 y 2005 se popularizó primero por Daddy Yankee y luego se expandió hasta esas tierras.
Lamido de vaca por el exceso de gel marca Moco de Gorila. Este corte, con esa cantidad de gel, está científicamente garantizado que ninguna ráfaga de viento lo tumba ni lo alborota.
Esta es la salida más recurrente a la mítica pregunta "No sé qué hacer, si cortármelo o dejármelo crecer". Este es el resultado de la indecisión, aunque a algunos le lucen mejor, como Ibrahimovic.
Álvaro Díaz es un tipo que no es tímido con las cámaras. Cuando publicó Illumilatin Vol. 1—un EP con seis canciones de rap oscuro—a finales del 2015, el rapero puertorriqueño publicó a la par un mini documental que muestra el proceso de creación del material. Y ahora, para mantener la tradición intacta, con la publicación de San Juan Grand Prix también soltó una pieza en video de doce minutos en el que se habla del significado oculto en cada canción y se da una mirada cercana a los miedos, fantasías e imaginación del rapero.
San Juan Grand Prix es el segundo material de larga duración que publica Álvaro, cuenta con nueve tracks y tal como lo prometen los títulos de las canciones, todas ellas contienen beats brillosos, tropicales y muy sexuales. El material cuenta con las colaboraciones de Lara Project, Young Martino, Luny Tunes, Orteez, Monvco, Hydro y Vfro. En este disco también se incluye "Todo Bien" un track que Álvaro le dedica a su madre y que, según él, es el mejor que ha hecho en toda su carrera.
Álvaro es experto en mezclar deseo, alcohol y rimas arrogantes. Prepárate para una buena dosis de eso: San Juan Grand Prix está aquí abajo.
Han pasado tres años desde el ansiado regreso y trágico final de Porter como lo conocíamos. A principios de 2013 fue cuando la banda de Guadalajara regresó con su primera canción original en seis años, "Kiosko", y poco tiempo después se presentaron en un show inolvidable en el Vive Latino, en donde le dejaron la piel chinita a todos los asistentes y donde dejaron a todos ansiando un regreso hecho y derecho del grupo. Sin embargo, eso jamás pasaría. JuanSon, vocalista de la banda, renunció (o fue echado del grupo, las versiones chocan), y mientras que los demás decidieron seguir adelante con un nuevo vocalista, él pareció desaparecer de la faz de la Tierra, no sin antes publicar varias canciones con temática religiosa en su cuenta personal de SoundCloud.
Sin embargo, todo eso cambió ayer, cuando, como informó Sopitas, Juan Carlos Pereda rompió su silencio artístico y publicóun LP de 13 canciones bajo el pseudónimo de 7. El álbum es completamente acústico, con distintas influencias de folk, música eclesiástica y hasta samba; y con canciones en español y en inglés que hablan sobre Jesús y el Espíritu Santo.
El álbum representa un cambio drástico a todo lo que había hecho anteriormente, y sin embargo su escencia como artista y compositor se encuentran completamente en él. Hasta ahora no existe información respecto al proyecto, pero estaremos actualizándolos cuando sepamos más. Mientras tanto, escuchen el álbum completo aquí abajo.
Justo cuando el panorama actual del reggaetón no podía estar más dividido, y podíamos ver a defensores y a detractores del género protagonizar dramáticos choques por redes sociales, aparecen aquellos que están dándolo todo por llevar este ritmo al siguiente nivel de percepción.
Si alguna vez te lo habías preguntado, así se ve un reggaetón sucio en lenguaje de señas
Todo metalero tiene un lugar especial en su negro corazón para Death. Esta es una de las bandas más poderosas e influyentes de todos los tiempos. No solo porque se le atribuye, junto a Possessed, ser los creadores del death metal, sino por la versatilidad de la banda. La brutalidad y crudeza de discos como Scream Bloody Gore y Leprosy; el pesado y robusto sonido de Human; el elaborado y experimental sonido progresivo de Individual Thought Patterns y Symbolic; y la perfección que llevó el metal a otros niveles con The Sound of Perseverance, ponen a Death en lo más alto del panteón metalero. Este grupo se reinventó múltiples veces y cada vez que lo hacía transformaba a la música pesada.
Atrás de toda esa genialidad estaba Chuck Schuldiner. Guitarrista nacido en Nueva York, amante de la cerveza y los animales, quien fundó Mantas en 1983 que luego pasaría a llamarse Death. Sus ritmos de guitarra, su voz única y su poder sobre el escenario lo volvieron una verdadera leyenda del rock que dejó como legado siete álbums. Schuldiner era un perfeccionista que cambiaba constantemente la alineación y disfrutaba haciendo discos impredecibles, difíciles de enmarcar en un solo género. Pero en 1999 le diagnosticaron un tumor cerebral contra el que luchó durante dos años. Finalmente el 13 de diciembre de 2001, esta bestia de metal dejó de respirar a causa de una neumonía.
Durante su tratamiento se hicieron varios esfuerzos para recaudar fondos. Muchos músicos se unieron para conseguir dinero extra y se editaron dos álbumes en vivo cuyo finalidad era conseguir dinero para las operaciones. Entre esos estuvo Live in L.A. (Death & Raw), concierto grabado en Los Ángeles el 5 de diciembre de 1998.
Hoy recordamos está presentación en la que Death tocó 14 canciones entre las que estaban "The Philosopher", "Spirit Crusher", "Crystal Mountain", "Zombie Ritual" y " Pull the Plug". En el video vemos a Schuldiner tocando sin camiseta, hablando constantemente de lo feliz que está de ver la escena viva y llena de fuerza, y demostrando con su técnica y energía por qué, a pesar de los años, todos los metaleros seguimos llorando su partida.
Salud Chuck, sabemos que ahora estás sacándole llamas a tu guitarra en el Valhalla.
El Jueves 26 de agosto de 1976 los espectadores del Cheetah Club, una ex-pista de patinaje ubicada al norte de Manhattan en la ciudad de Nueva York, presenciaron lo que Johnny Pacheco, compositor, director, flautista, y co-fundador del mítico sello discográfico Fania Records, describe como "el nacimiento de la salsa". Se trataba del primer concierto de la Fania All Stars, una super-orquesta conformada por los mejores músicos del sello. Era el octavo año de Fania Records. Pacheco, de raíces dominicanas lo fundó junto con Jerry Masucci, un judío, abogado, ex-policía y amante de la música afrolatina. Bajo la batuta de Pacheco y Masucci, Fania ya se había posicionado como uno de los distribuidores de música latina más grandes del continente norteamericano y se comenzaba a proyectar como el sello que pondría a bailar al mundo entero.
Su catálogo musical sigue vigente y casi cincuenta años después, lo seguimos bailando. Parte de él ha sido considerado material de conservación por el Registro Nacional de Grabación en Estados Unidos. Para darse una idea de la grandeza de Fania se puede decir que solamente para este concierto la orquesta reunió en sus filas a seis de los mejores soneros y cantantes de la época (y de la historia): Pete "El Conde" Rodríguez, Ismael Miranda, Santos Colón, Héctor Lavoe, Adalberto Santiago, y Cheo Feliciano. No contentos, también incluyeron a Ray Barreto en las congas, a Bobby Valentín en el bajo, a Willie Colón liderando los trombones y a Larry Harlow en el piano, sin mencionar invitados especiales, que para esa ocasión fueron Richie Ray y Bobby Cruz. Afortunadamente la inteligencia empresarial de Pacheco y Masucci los llevó a grabar la presentación y a sacar un disco en vivo de esta.
Para entender un poco el contexto musical del momento hay que remontarse al boogaloo, un estilo que años atrás en la década de los sesenta tuvo una gran relevancia entre la población joven de la ciudad de Nueva York. Las manos de Pete Rodríguez, Joe Cuba, Johnny Colón y un gran número de artistas construyeron una sonoridad nueva a partir de ritmos afro-estadounidenses y música soul, con mambo y son montuno que se cantaba en español y en inglés. Este, junto con su hermano menor el shing-a-ling y su hermano mayor el latin soul, fueron estilos fundamentales para el establecimiento del sonido de la salsa que Fania estaba desarrollando en la década de los setenta y que llegó a ser un fenómeno a nivel mundial y que hoy por hoy está muy activa no solo como escena internacional, sino como insumo para exploraciones musicales actuales. Por eso es que el periodo de transición entre los últimos años de la década de los sesenta y los primeros años del setenta representa una época de transformación de vital importancia para el establecimiento de la salsa como un de los estilos más abanderados de la música latina. Un estilo que fue explosivo tanto musical, como social, político, y económicamente.
Investigadores musicales del fenómeno como el venezolano Leopoldo Tablante coinciden en que, en efecto, el término Salsa fue acuñado y aplicado por primera vez por Fania: "Esta nomenclatura fue concebida por la industria de fonogramas para aludir a la sensibilidad y a los anecdotarios correspondientes a un espacio social: el barrio latino."
Lo cierto era que en Nueva York la salsa comenzaba a pegar duro, sobretodo en los barrios con mayor población latina para la época: en el East Harlem, en Brooklyn y en el Bronx. Era un ritmo callejero y la moda y la estética gangster estaban en furor, lo que no solo permeó la imagen sino también la temática de sus canciones. Los álbumes de Willie Colón ostentaban títulos y carátulas que le hacían apología: Lo Mato, La Gran Fuga, El Juicio, Crime Pays, El malo, Cosa Nuestra. Además, las poderosas y oscuras descargas salseras de la Fania eran en sí mismas un fiel testimonio de la violencia del barrio, con su agresividad y desenfreno musical . El éxito del sello era cósmico y, a pesar de su relativamente corta historia, de detener su producción musical en 1979 y de ser vendida por Jerry Masucci un año después, llegó a ser tan poderosa que contaba con todo tipo de sellos subsidiarios como lo fueron Vaya, Inca, Tico, Alegre y Cotique, además de un excelso catálogo y varios conciertos alrededor del mundo.
El dinero se veía no solo en la excelente y prolífica producción de discos, sino también en las excentricidades, vicios y estilo de vida ocioso de algunas de las super-estrellas de Fania. Como diría Héctor Lavoe: "La calle es una selva de cemento", y como era de suponerse por el contexto de la época, detrás de este éxito hubo jugadas que muchos consideran no muy limpias, pero que para otros fueron consideradas necesarias para sobrevivir al agreste entorno del negocio de la música latina. Fue así como Masucci adoptó una arremetida comercial que de alguna forma afectó de forma importante a los sellos de música latina más pequeños. Algunos fueron desapareciendo paulatinamente.
Otros sellos especializados fueron adquiridos por disqueras más grandes, como Fania. Estos sellos subsidiarios cumplieron un papel muy importante para el desarrollo de La Fania, sirviendo como satélites de promoción e incluso como comodines contables. Mientras que Tico y Alegre fueron dos de las más grandes y que más contribuyeron al crecimiento del conglomerado, las malas lenguas dicen que Vaya fue por épocas, el sello que la Fania tenía que llevar a pérdidas como estrategia contable para disminuir el pago de impuestos. Lo cierto era que para finales de 1977 el grupo Fania era el indiscutible gigante de de la salsa que para entonces era un mercado de cinco millones de dólares (unos 31 millones mal contados al día de hoy). Investigadores de este fenómeno, como Leopoldo Tablante afirman con certeza que el sello de Masucci controlaba el 66.8% del mercado mientras que el 33.2% restante se repartía entre otros 7 sellos y grupos de la industria musical latina de los Estados Unidos. Su éxito musical también es innegable y sus legendarios músicos nunca dejarán de sonar en las pachangas de los amantes de la rumba latina.
Sin embargo, no toda la salsa que se hacía en Nueva York era dominio particular del sello, aunque eventualmente sí estuvo cerca de serlo. Existía al mismo tiempo una movida de música latina que no figuraba en la prensa y que no tuvo gran atención en comparación a la movida grande de La Fania. De hecho, se lanzaron muchos discos de orquestas y artistas. Algunos fueron firmadas por los sellos subsidiarios más pequeños de Fania, como Cotique. A estos artistas, sin embargo, poco se les invertía en promoción y estaban lejos de gozar del poder de distribución que tenían los artistas más grandes como Willie Colón, Ray Barreto o el mismo Héctor Lavoe. Otras, por su parte hacían parte del catálogo de sellos independientes locales, mucho más pequeñas . Algunas, incluso, tenían mensajes contestatarios o políticos que los ejecutivos del momento consideraron poco comercializables. Es más, hubo orquestas que trataron de iniciar un movimiento independiente que lograra responder de alguna forma al dominio que Fania tenía sobre la distribución de la música latina.
La estocada final llegó en los años 80 con los DJ's y programadores musicales ya que no era fundamental tener una orquesta para armar una fiesta salsera. Hay incluso quienes son fuertes críticos del llamado monopolio de la salsa y se atreven a decir que Fania con su poderío logró eventualmente que toda la salsa sonara igual. Cierto o no, su importancia y legado tiene, como diría Rubén Blades, ocho millones de historias. Una de ellas es la de muchas orquestas que no quisieron, o no lograron afiliarse al sello y se separaron a causa de muchas razones, incluidas la contratación de músicos individuales por Fania y sus sellos subsidiarios y las mafias de la industria en donde los productores y empresarios pagaban bajísimos honorarios a los músicos pero ganaban suculentas tajadas por gigantescos conciertos.
Johnny Pacheco dirige a la Fania All Stars. Vía Youtube.
Fue así como muchas orquestas que no estaban en el catálogo de los grandes sellos, se dieron lidia en un circuito que incluía al East Harlem, al Bronx, a Brooklyn y que se conoce como el cuchifrito circuit del que hicieron parte bares y centros de espectáculo. Se llamaba cuchifrito porque así se conocían los menús de carne y tripas a la parrilla que servían algunos restaurantes rústicos de barrios latinos. Lo conformaban restaurantes y bares latinos, fiestas privadas y hoteles pequeños que pagaban unos honorarios irrisorios. Sin embargo, el mismo Johnny Pacheco creía que muy buena parte del éxito de La Fania recayó en la contratación de cantantes y músicos entrenados en este circuito callejero.
En el cuchifrito se la guerrearon muchos de los que hoy son grandes figuras musicales. Algunas orquestas lograran obtener lo que muchas soñaban: firmar un buen contrato con Fania o alguna de sus sellos subsidiarios. Otras por su parte se integraron por reconocidos músicos que se quejaban de los malos pagos de las grandes disqueras y decidieron formar orquestas cooperativas. Muchas de estas grabaron uno o dos discos con sellos locales más independientes y eventualmente desaparecieron y sus miembros se dispersaron a orquestas más grandes, o simplemente dejaron la música. Otras por su parte grabaron con sellos subsidiarios de La Fania, pero nunca disfrutaron de su gran aparato comercial y de difusión y por ende solo alcanzaron un reconocimiento local. Desaparecieron prematuramente y aunque no fueron muy visibles fuera del circuito local, sí le dejaron a la historia un gran testimonio del movimiento salsero que se gestó desde su inicio en las calles de Nueva York.
Los discos que surgieron en los escenarios medianos y pequeños terminaron por convertirse en joyas que melómanos y coleccionistas han rescatado, y que hoy son una radiografía del fenómeno musical que se gestó. A continuación presento un pequeño listado que compila sólo algunos de los trabajos musicales realizados por artistas y orquestas que estuvieron alejados o decidieron desvincularse del fenómeno de Fania Records y del agitado mundo comercial de la industria salsera de los años 70 en Nueva York. Esta pequeña lista no tiene otra pretensión que compartir el sabor único que tuvo una parte de de este fenómeno mundial:
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The Brooklyn Sounds
Dos discos nos dejó el combo liderado por el trombonista Julio Millán: Brooklyn Sounds! (1971, Salsa Records), y Libre - Free (1973, Salsa Records). Millán reunió años antes del lanzamiento del primer disco a una orquesta que contaba en su nómina con músicos como Ray Rivera en el trombón, Tony Ortega en el piano, Julio Fonseca en el timbal y Willie Villegas en las congas. Esta orquesta se llamaba La Orquesta Original, nombre que el sello con el que contrataron les hizo cambiar por el que hoy se conoce.
El primer corte de su historia discográfica se titula "Suéltame ya". Un piano desafinado comienza a tumbar y encima de él un trombón estridente que desgarra cada nota canta una melodía agresiva. Un corte, de los contundentes, le abre paso al coro:
Suéltame ya, y déjame en paz, porque voy a fracasar.
Una canción de desamor que en la voz interpreta el cantante Leo Rosado y que fue lanzada como parte del larga duración Brooklyn Sounds! y que hoy distribuído por el sello Mary Lou Records que se dedica, entre otras cosas, a re-editar rarezas discográficas del contexto nuyorican de los setenta. The Brooklyn Sounds no duraría mucho. Su conguero original se fue para crear la Willie Villegas Band y fue reemplazado por Eddie Rodríguez quien en el pasado había trabajado con uno de los duros de Fania, el conguero Ray Barreto.
Su segundo y último álbum sigue teniendo el sonido agresivo del primero. El sello Mary Lou sigue siendo independiente y hoy se enfoca en el fenómeno cult que dejó la salsa underground de los 70. Lo cierto es que hoy aún se escucha el último grito de La Brooklyn Sounds, que no solo es un estamento político, sino también musical: "Libre Soy!"
Tony Pabón y La Protesta
Tony Pabón fue uno de los nuyoricans de primera generación. Nació en San Juan, Puerto Rico, pero se crió en las calles de Nueva York. Tocaba la trompeta de una manera espectacular y fue una piedra angular para el desarrollo del boogaloo y del shing-a-ling (dos de los estilos previos a la salsa) al componer canciones como "Micaela" e interpretar temas como "I Like it Like That" con el pianista Pete Rodríguez y su orquesta. Su cercanía con esta movida lo llevó a grabar varias veces con el sello Alegre fundado por el legendario empresario salsero Al Santiago. Grabó con este sello un álbum con una orquesta que se llamo Tony Pabon and his All-Stars.
Alegre fue en su tiempo casa de grandes artistas como Kako, Eddie Palmieri y Willie Rosario así como también realizó grabaciones con Sabú Martínez, Charlie Palmieri, Johnny Rodríguez, Mon Rivera, Tito Puente, entre muchos otros. Alegre fue absorbida por Tico Records que encabezaba el empresario Morris Levy a quien se le conocía públicamente por tener nexos con la mafia y, antes de morir en 1990, fue condenado por extorsión acusado por el FBI en medio de una seria investigación de presuntas infiltraciones del crimen organizado a la industria discográfica. Tico fue otro de los sellos que adquirió Fania Records durante los setenta. En el segundo corte del lado B del disco de Tony Pabon and his All-Stars titulado "Averigua" se puede escuchar un grito que antecede el discurso lo que más adelante se conocería como Tony Pabón y La Protesta: ¡abajo el establecimiento, arriba la cooperativa!
El mismo Tony Pabón dice que no congeniaba mucho con el estilo de hacer negocios de los empresarios de la salsa. Cansado de no recibir un pago justo, y de que los promotores se llevaran hasta cuatro veces lo que a él le pagaban, decidió independizarse y reunió a una comba de músicos que tenían gran experiencia en el circuito discográfico local y que de alguna manera también estaban inconformes con el modelo. En la orquesta que luego se llamó La Protesta participaron Cándido Rodríguez timbalero de Ricardo Ray, Kenny Gómez, pianista, José Magual, percusión menor, ambos de la orquesta de Willie Colón, mientras que en la voz principal estaba el sonero Néstor Sánchez. La Protesta era una orquesta contestataria que resaltaba el sentir del Puerto Rico libre. Tenía un sonido pesado.
En "Bandera" del LP La Protesta hace apología a Pedro Albizu Campo, nacionalista Puertorriqueño y mártir revolucionario. En medio de Nueva York, las generaciones que se desplazaron de su natal isla a la gran ciudad norteamericana aún seguían combatiendo el yugo que para muchos significó la adhesión de Puerto Rico a los Estados Unidos. Este disco fue distribuido por Rico, un sello local establecido en Brooklyn. Por supuesto que a las grandes disqueras y sellos les parecía que esto no vendía. La Protesta hizo dos discos más antes de que a comienzos de una presentación, a Pabón se le desprendiera el páncreas por una fuerza desmedida en uno de sus soplos trompetísticos. Sobrevivió pero dejó el juego, la bebida, y la música.
Fuego 77
José Arteaga, reconocido escritor y periodista especializado en la historia del latin jazz, la salsa, y de la música del caribe y presentador de programas radiales especializados como "La Hora Faniática", hoy vigente, asegura que 1977 fue un año increíble para la historia de la salsa y de la música latina en Nueva York. Los movimientos civiles vivían una época de choques intensos con la autoridad y la situación económica en los boroughs y barrios con población puertorriqueña y latina era de escasez. Esto sumado a las mafias, el crimen y la condición aspiracional que estos suscitaban en la población jóven, llevaron a que el setenta y siete fuera un año explosivo. Cerca de las 9:30 de la noche, ese 31 de julio se generó un corte de luz por una sobrecarga en el mayor generador de Nueva York que afectó a casi toda la ciudad. Durante esa noche la gente se abalanzó sobre las tiendas, saqueo, y desahogó todas sus frustraciones en un sin fin de actos de vandalismos que dejó más de mil incendios, más de quinientos policías heridos y un saldo total de 3776 detenidos.
La historia de Fuego 77 fue tan explosiva y efímera como esa noche. Frankie Vásquez que hoy en día uno de los soneros activos más reconocidos y que nos dejó grandes discos con músicos como el pianista Wayne Gorbea, apenas llegaba Nueva York, desde Guayama, Puerto Rico de donde lo trajo su primo el cantante David Sánchez que acababa de fundar esta orquesta. La historia de Frankie Vásquez con el mundo salsero es muy particular. José Arteaga también relata en uno de sus programa que Frankie conoció a Ray Barreto de niño durante el rodaje de la primera película de Fania, Our Latin Thing en un viaje que hizo en el 72. Se dice también que el carro de raspados que sale en una de las escenas más icónicas de la película, en donde Barreto sale preparándonos y vendiéndolos a los sorprendidos transeúntes, pertenece a los padres de David Sánchez, el primo de Frankie, sonero mayor de Fuego 77.
Más allá de las anécdotas y historias, Frankie Vasquez con apenas 19 años firmó su primer contrato la orquesta de su primo. Hizo coros junto a Mary Pérez para esta orquesta, que también conformaron Marcos Hernández en el piano, Baldy Caro en el bajo, Noey Matos en las congas, entre otros músicos e invitados importantes como Ismael Quintana en la percusión menor. Esta fue una de esas orquestas que pasó por el Cuchifrito Circuit y que logró el sueño de obtener un contrato discográfico. En este caso, descubiertos por Al Santiago, para el sello Alegre que ya hacía parte del conglomerado de Fania. Sólo grabaron un disco para luego desintegrarse. Alegre, fue generoso con la producción y el resultado es un disco con todo el sabor. Fuego 77 suena agresivo y está cargado con todas las vivencias del barrio y del sentir borinquen. Tuvieron un sonido especial, cargado, y diferente.
Frankie Dante Y La Flamboyan
Bajo el sello de Cotique en el año 1975, que La Fania ya había adquirido en el 74 como parte de su pool de sellos "paraguas" o subsidiarios, Frankie Dante lanzó uno de los discos más emocionantes e interesantes: Bethoven's V junto al pianista Markolino Dimond. Frankie Dante era cantante, uno de los menos laureados. Cierto puede ser que su garganta no expedía ese fraseo talentoso a lo Ismael Quintana, pero sus palabras siempre fueron ponzoña pura en una época en donde comenzaban a importar más las ventas, que los mensajes sociales. Era una época en la que como relata Juan Ignacio Cortiñas del reconocido blog salsero Akangana.com, Frankie ya no comía de la fama y de la promoción estruendosa maquinada por Jerry Masucci con Fania Records.
Años antes, en 1970 grabó con la orquesta Los Rebeldes y para 1972 grabó con la orquesta Flamboyan un disco con quien sería uno de los más grandes pianistas de la historia de la salsa, el neoyorquino Larry Harlow, ambos álbumes para el sello Cotique. Pero el álbum que realmente marca una diferencia es Salseros de Acero en donde Frankie Dante graba por segunda vez con la orquesta flamboyan e incursiona sonoridades caribeñas de los Steel Drums, instrumento oriundo de trinidad y tobago. Su lenguaje musical avanzado y por momentos muy cercano al Latin Jazz. Esto puede deberse a que para este disco contó con una nómina de virtuosos: José Mangual Jr. en los bongós, Milton Cardona en las congas y a Scipio Sargent en la guitarra, ademá de invitar al gran Tito Puente en la batería, a Mark Dimond en los sintetizadores, y a Charlie Palmieri en el órgano.
Frankie Dante no gozó de la explosiva popularidad de los principales productos de Fania, al igual que muchas de las otras orquestas y artistas que manejaban los sellos subsidiarios. Desde su disco con Los Rebeldes se caracterizó por sus letras que criticaban fuertemente el establecimiento político de la época:
Hay que cambiar, José la Flamboyán le dice por qué Queremos cambiar el sistema removiendo a todos los payasos Si los políticos no cambian la destrucción vendrá muy pronto.
Muchos dicen que una de las mayores fortalezas de Frankie Dante y de su parche fue que se le pararon a la raya a los empresarios para hacer la música como a ellos les parecía y no le comían a la maquinaria salsera. Cierto o no Frankie Dante se dió el lujo de sacar un álbum de salsa brava con letras de protesta y Steel Drums. Falleció en 1993.
Orquesta Amistad
No confundir con Orquesta La Amistad de Venezuela. La Orquesta Amistad lanza el álbum Tecato en el año 1970 con el sello local Borincano del que se conocen apenas otros 5 títulos. Esto sucede dos años antes de Our Latin Thing, y seis años antes de la mítica fiesta en el Cheetah Club en donde se concibió comercialmente el fenómeno de la salsa.
Tecato es un verdadero testimonio del sonido de la calle latina del gran barrio latino que unidos componían el East Harlem, el Bronx y de Brooklyn. Su sonido es psicodélico y oscuro. Se destaca la sonoridad oscuro de sus trombones, una supremacía del órgano sobre el piano y la incursión de un cuatro puertorriqueño interpretado por un invitado especial: el boricua Nieves Quintero que para la época tenía 39 años mientras que los integrantes de la Orquesta Amistad no superaban los 20 años. Quintero había colaborado en discos para artistas radicados en Nueva York durante los años cincuenta y sesenta e incluso tenía una agrupación, Los Bravos del Barrio, con la que se presentaba regularmente en lujosos hoteles.
La comba que componía La Orquesta Amistad la componían Justin Jimenez (arreglos, composiciones, órgano, timbales, coros) Benny Parson (trombón), Johnny Seda (conga), Alfred Del Valle (trombón), Louie Rivera (timbales), Victor Balbion (bajo), Pedro Moreno (piano), Jose Torres (vóz Líder), Mike Soliz (bongós) y Joe Espanol (coros). En su sonido también se encuentra implícito el sonido de La Fania, que apenas tres años antes había lanzado el primer disco de Willie Colón y Héctor Lavoe, "El Malo". "Tecato" es una palabra que en la jerga del barrio se utilizaba para describir a alguien que ya no tenía control por su vida al haberse rendido a las garras de la droga. Tecato también es el primer corte de la corta y desconocida historia de la Orquesta Amistad:
No puedes aceptar la realidad, y escapándose con su puyita y su bolsita de heroína, pobre infeliz, pobre infeliz, no tiene el ánimo para vivir.
¡Tecato, tecato!
Mira las lagrimas que están cayendo por la cara de tu madrecita, Haciendo rosario por ti para que puedas vivir.
La carátula original del LP, que hoy distribuye milagrosamente en CD el sello especializado Mary Lou Records decía en inglés lo siguiente:
Like a newly born baby, Orq. Amistad will grow and reach ultimate goals destined to be filled in the Latin field. Perhaps the master full work and extraordinary talents of one Justin 'Pupilo' Jimenez can be the main reason Orq. Amistad will surpass what many young Latin bands have tried to reach, not only instant popularity, but enduring success. The talent of Justin can be noticed in the daring and truthful tune "Tecato" which will definitely score in the Latin market.
(Como un bebé recién nacido, Orquesta Amistad crecerá y alcanzará sus metas destinadas a tener un especio en el terreno Latino. Quizás el maestral trabajo y talentos extraordinarios de Justin 'pupilo' Jiménez pueden ser la razón principal de que la Orquesta Amistad lo que muchas de las jóvenes bandas latinas han tratado alcanzar, no solo la popularidad instantánea, pero un éxito durable. El talento de Justin puede notarse en el osado y honesto tema "Tecato" el cual por seguro triunfará en el mercado Latino).
De la Orquesta Amistad no se sabe mucho, ni tampoco de sus músicos. Solo grabaron este álbum, que aparentemente no tuvo popularidad. Sin embargo, en los surcos de su acetato se encuentra una de las infinitas historias del Cuchifrito Circuit, del barrio latino de los 70 en Nueva York, de la salsa, y de la música latina.
Yung Lean se ha mantenido relevante en el hip hop gracias a su talento para mezclar su propia nostalgia con beats espumosos que nadie puede hacer igual que él. Su disco de este año, Warlord, lo demuestra y ahora, de la manera más abrupta que existe, publicó un EP titulado Frost God que reitera que es el rey de los sadboys.
El material cuenta con ocho tracks y se incluye el sencillo de "Hennessy & Sailor Moon", un verso de A$AP Ferg en "Crystal City", y algunas de las más brillantes producciones sobre las que ha rapeado Lean. También hay una canción que simplemente se titula "Kirby".
El título Bailando por nuestra cuenta, del nuevo libro de Café Tacvba publicado por Planeta, corresponde a una frase de "El fin de la infancia", una de las canciones más significativas de los señores de Ciudad Satélite, extraída de su clásico de clásicos Re. Un tema que es también un manifiesto, pues explica el poder último detrás de la obra de cuatro manitos que se juntaron hace casi tres lustros para hacernos mover el esqueleto al ritmo de un cancionero criollo que es también un himno de resistencia.
Compuesto por entrevistas de fondo con Meme, Rubén, Quique y Joselo, conducidas a lo largo de los años por el veterano periodista musical tapatío Enrique Blanc, el libro se divide en varios capítulos en los que se explora la vida y obra de la banda, su discografía, colaboraciones, giras y secretos, desde que echaban desmadre en el circuito subterráneo del DF y tocaban sus canciones en casa de sus padres en los 80. Contada por ellos mismos, su historia es el testimonio reflexivo de cuatro personajes que se hicieron adultos y artistas montados en la cresta caprichosa del rock latinoamericano, una experiencia llena de altos y de bajos que en últimas habla de un baile íntimo y rebelde. Porque si algo es "Bailando por nuestra cuenta", el libro, es la historia de cuatro amigos que siempre hicieron la suya.
Y que justo por eso, la hicieron.
Hablamos con Blanc sobre el libro.
Noisey: El libro toma su título de una frase de la canción "El fin de la infancia", una de las entrelíneas, no solo del Re, sino de la obra completa de los Tacvbos. ¿Por qué? Enrique Blanc: En "El fin de la infancia" había una frase que se preguntaba en 1994: "si seríamos capaces de bailar por nuestra cuenta". Para mí, dicha frase tenía que ver con la idea de si el rock en México en principio, y en Latinoamérica por añadidura, iba a poder ganarse finalmente un lugar, teniendo en cuenta la identidad propia de donde surgía; y así, metafóricamente, llevarnos a bailar por nuestra cuenta. Tras más de dos décadas de exitosa trayectoria de Tacvba en ese contexto —a la par de otras agrupaciones— yo quise afirmar en el título del libro que de hecho ya estamos Bailando por nuestra cuenta.
¿Qué es lo que más te conmueve de la historia de estos chamaquitos que se tomaron un continente con su desmadre? Creo que muchas cosas. En principio la libertad con que se propusieron hacer un proyecto musical fuera de los formalismos del rock, creando personalidades muy estrambóticas en sus inicios —su indumentaria, los sobrenombres de Rubén, sus recursos instrumentales, etc.—. Pero que, indirectamente, su curiosidad y la creatividad que surgió de su amistad, los llevase a dar un paso gigantesco a la hora de hacer su segundo álbum, el muy logrado Re. Y después, el impulso por no querer seguir siendo los mismos, sino por buscar reinventarse tras cada disco. Y claro, el hecho evidente de que tras haber conquistado éxito y fama internacional, seguir siendo cuatro personas con los pies en la tierra y una humildad a toda prueba.
¿Dónde crees que estuvo la magia que los hizo tan grandes? Diría que son varios factores. Uno, que su trabajo fue desarrollándose con base en experiencias que fueron adquiriendo gracias a su éxito, particularmente los viajes que hicieron, primero por la República Mexicana, y posteriormente por Estados Unidos y América Latina, de donde tomaron elementos para reinventar su sonido. Asimismo de los riesgos que corrieron y que dejaron muy en claro que sus ambiciones artísticas eran prioridad por encima de cualquier otro interés, lo que abonó a la credibilidad de su proyecto. El disco Revés es un argumento categórico en cuanto a ello. Además, la coyuntura en la que surgen, en un momento en que el rock con identidad propia se valora como nunca antes en todo Iberoamérica, cosa que les redituó asimismo un éxito a lo largo del continente, especialmente en países como Chile y Argentina.
Es increíble cómo narran en detalle su historia. Cómo recuerdan sus procesos creativos en casa de sus padres, las primeras salidas a festivales como el Lollapalooza en el 92, donde tocaron prácticamente para los que barrían el luga ¿Cuál crees que es la gran lección de Café Tacvba para las demás bandas del continente? Creo que hay muchas lecciones a ser consideradas por todo músico en Bailando por nuestra cuenta con respecto al compromiso que debe tenerse a la hora de dedicarse a crear música. La paciencia que trae confianza a la hora de que las cosas no salen bien. La perseverancia para seguir trabajando aún cuando no hay recompensas a la vista. La asimilación de la propia experiencia humana que se da entre quienes participan de ella. El respeto que hay hacia quienes toman parte de la aventura y la importancia que hay tanto en los intereses individuales como en el trabajo de grupo. Incluso las exigencias económicas que un proyecto como un grupo de rock trae consigo, y lo importante que es responder a éstas. Y, claro, la importancia de dejar memoria de ello, como lo hace este libro o el documental Seguir siendo Café Tacvba. Estocon el interés de quienes vengan detrás tengan un referente que pueda ayudar a dar luces en un camino tan tortuoso como es, en muchas ocasiones, el camino del arte.
El libro está compuesto por entrevistas muy reveladoras con ellos. En pocas bandas actuales se siente una reflexión tan profunda sobre el oficio. Es interesante darse cuenta de que cada uno de los integrantes de Café Tacvba, no sólo ha destacado como parte del grupo sino también de forma individual, lo cual habla muy a favor de sus talentos y su conciencia sobre estos. Allí está la faceta de Joselo como escritor, el activismo a toda prueba y las numerosas colaboraciones de Rubén, la versatilidad de Meme como productor y emprendedor de proyectos propios y en colaboración con otros músicos, el trabajo que Quique ha hecho como diseñador gráfico tanto dentro como fuera del cuarteto. Diría que son cuatro personas que reflexionan constantemente y con mucha profundidad —como puede verse en el libro— sobre el lugar que tienen en el mundo.
En apartados del libro, como el que le dedicas a discos como Yosoy/Revés o a algunos de sus trabajos solistas y colaboraciones, queda la percepción de que, a pesar del éxito, se sienten incomprendidos artísticamente ¿Lo consideras así? Así sucedió tras la aventura de la grabación de ese disco instrumental, Revés, que fue incomprendido por la discográfica con la que tenían contrato. Pero creo que eso está ya rebasado. La prueba de que ahora hayan decidido seguir adelante por su cuenta, es decir sin asociarse más con una multinacional, me parece que habla a favor de la confianza que hay en ellos para seguir haciendo música que resulte vigente y atractiva para los oídos siempre cambiantes del mundo que los rodea.
Es sorprendente que uno de los miembros más importantes de la banda en su historia haya sido una caja de ritmos. Claro, así era en sus inicios. Y que además le sigan guardando cariño a esa caja, como al menos Meme expresa en el libro. Ese hecho me parece que pone muy en claro el espíritu lúdico que el grupo ha tenido desde sus inicios. Y que claro, como Joselo y Quique lo expresan, hubo que transformarlo en función de que el grupo sonara mejor aún a costa de las extravagancias que les dieron cierta personalidad. Y entonces canalizar ese espíritu lúdico, que me parece los sigue explicando, hacia otras acciones: trabajar con otros productores, probar distintos instrumentos, interpretar canciones de otros, hacer un disco instrumental, grabar otro completamente en vivo frente a una audiencia, etcétera.
Es bonita a la conclusión que la banda llega en su disco Cuatro Caminos, que no solo hace referencia a una estación de transporte del lugar de donde vienen, sino que habla de que igual sigue siendo un grupo compuesto por cuatro individuos muy distintos. ¿Dónde estuvo el equilibrio de estos cuatro sujetos tan diferentes? Creo que en el mismo aprendizaje que fueron obteniendo de su relación y de la riqueza de la misma. Meme lo explicaba con claridad hace unos días en la presentación de Bailando por nuestra cuenta en el marco de la Feria Internacional del Libro en Guadalajara, aludiendo a una relación de amor entre los cuatro que sobre todo se explica en el momento del acto creativo. Algo hasta cierto punto inexplicable que me parece el grupo no sólo ha aprendido a tener muy presente, sino también ha desarrollar dinámicas para salvaguardarlo, como el hecho muy conocido de darse esos sabáticos con el propósito de dar continuidad a sus proyectos individuales de vida, para así de nuevo retornar a sus procesos de trabajo cargados de ideas y con muchas ganas de encontrarse y trabajar como lo han venido haciendo desde siempre.
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Pregúntale a don Enrique dónde puedes conseguir su libro por aquí.
Cuando Kourosh Yaghmaei empezó a trabajar en su disco Malek Jamshid a principios de los 2000, estaba prácticamente recogiendo los escombros de su carrera musical.
Desde 1970 no había actuado ni en la radio ni en televisión. La revolución iraní de 1979 había traído consigo un nuevo gobierno islámico que tomó duras medidas contra su música, y muchos de sus amigos y familiares habían decidido abandonar el país. Incluso dentro de su estudio de paredes rosas situado en su piso en Teherán, tenía problemas para expresarse, por culpa de una ventana que daba a la autopista y le obligaba a grabar de noche para evitar el ruido de los coches.
"Puede parecer increíble, sobre todo para artistas que trabajan con la música, que grabara Malek Jamshid en una habitación de mi piso sin ningún sistema acústico, sin equipo de sonido ni micrófonos profesionales, amplificadores u otros elementos necesarios para la grabación", recuerda Yaghmaei.
Yaghmaei necesitó dos años para acabar el disco, trabajando con un presupuesto limitado y con cualquier equipo que tuviera a mano. Pero tuvieron que pasar otros 12 años para que lo pudiera publicar. Años que pasó luchando contra las autoridades para obtener los permisos necesarios para publicarlo. Malek Jamshid por fin salió este verano —sin haber conseguido los permisos— en un pequeño sello con sede en Los Ángeles.
En un país que regula la música de forma estricta y a menudo arbitraria —donde los artistas tienen que pedir permisos para actuar y publicar discos y las leyes prohíben que las mujeres actúen como cantantes solistas—Yaghmaei ha sido víctima del impacto directo de la autoridad estatal. El músico, que ahora tiene 69 años, logró el éxito comercial en 1970. Luego llegó la revolución iraní de 1979, el país se transformó en una república islamista y Yaghmaei pasó de ser estrella nacional a enemigo del estado. Prohibieron su música, le embargaron sus ingresos y su nombre dejó de aparecer en la prensa. Aunque los artistas iranís de hoy en día han conseguido burlar las leyes del gobierno, la experiencia de Yaghmaei le ha dejado una sensación amarga y una gran frustración, y su lucha es una muestra de los efectos mortales que la censura puede tener sobre las mentes creativas.
"Nunca podrías imaginar el daño emocional irreversible, el daño económico, la angustia y la tortura psicológica que tuve que sufrir a lo largo de todos esos años", me dice Yaghmaei en una de sus escasas entrevistas, escribiendo por e-mail desde su casa en Teherán con ayuda de un traductor.
"¿Puedes hacerte una idea o llegar a aceptar que te quiten los 27 mejores años de tu vida, cuando puedes dar lo mejor de ti a tú país, y que te torturen y castiguen quitándote todos los ahorros de tu vida?".
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Cualquier músico iraní actual conoce el nombre de Kourosh Yaghmaei. En los 70, fue uno de los dioses de las guitarras en Irán, un atractivo rockero que, con su larga melena y bigote francés, parecía el George Harrison de después del Sgt. Pepper, y conseguía mezclar a la perfección el psycho rock del estilo de The Ventures con letras melancólicas con influencias de los poetas persas del siglo XXI.
Nacido en 1946 en el seno de una familia acomodada —uno de sus antepasados lejanos fue un popular poeta y su abuelo era un rico terrateniente—, Yaghmaei se introdujo en la música desde pequeño cuando su padre le regaló un santur, y empezó su primer grupo con unos amigos en su adolescencia. Escuchaban vinilos de importación de grupos como los surf-rockeros de Washington The Ventures, se hacían llamar The Raptures y tocaban canciones de sus grupos favoritos de garage rock y de la British Invasion. Más tarde, formó un grupo con sus hermanos y poco después de cumplir los 20, Yaghmaei escalaba las listas de pop nacionales con baladas como "Gole Yakh", un hit melancólico de 1973 sobre un amor que sigue vivo a través de los inviernos más duros.
"Cuando estás conmigo, el viento se lleva mi soledad / Las flores del invierno crecen en mi corazón", canta Yaghmaei en su farsi natal, con una voz que gana intensidad mientras su hermano Kamran toca acordes llenos de dolor con la guitarra eléctrica. Con un piano y percusión suave, "Gole Yakh" ha resultado ser su canción más perdurable, y hoy los artistas más jóvenes le atribuyen el mérito de haber ayudado a asentar las bases del rock iraní.
"Era uno de los tipos que sabía mezclar bien la música occidental y la oriental", dice Ashkan Kooshanejad, un músico afincado en Londres que graba música electrónica experimental bajo el nombre de Ash Koosha, y que fue protagonista de la película de 2009 Nadie sabe nada de gatos persas, sobre la escena musical underground de Irán. "Todo el mundo le respeta, no era un cursi".
Pero aunque la música de Yaghmaei le hizo cosechar muchos fans, también le convirtió en objetivo de los islamistas que tomaron el poder a finales de los 70. La revolución empezó como un levantamiento popular contra el monarca Mohammad Reza Pahlavi, que contaba con el apoyo de los EE.UU. y que junto con su padre había sometido al país a políticas de modernización y desarrollo nacional, con un gobierno que aplicaba mano dura y censuraba a muchos artistas pop en el proceso. Cuando el régimen del sah colapsó en 1979, Ayatollah Ruhollah Khomeini, el líder islamista que acababa de volver del exilio, tomó el poder e instauró una nueva república islamista.
Según Kevan Harris, un sociólogo de la Universidad de California, Los Ángeles, que estudia la política y cultura iranís, los líderes del nuevo gobierno estaban decididos a acabar con los artistas con influencias occidentales como Yaghmaei, en un intento de frenar el desarrollo del poder americano y europeo, como parte de un discurso nacionalista más amplio que en ese momento se desplegaba en Irán y muchos otros países.
"La cultura de masas de los Estados Unidos tuvo un doble efecto en el periodo de postguerra, por una parte estaba el espíritu de liberación y por otra la importancia del poder norteamericano", dice Harris. "En los 70, casi cada país del Tercer Mundo tuvo un movimiento que pedía la recuperación de la 'autenticidad' y los 'valores nacionales'. Los islamistas formaron parte de este discurso, pero se convirtió en algo mucho más grande que Irán".
Según Yaghmaei, cuando llegó el nuevo régimen, las autoridades acabaron rápidamente con la música. Le prohibieron publicar discos, viajar y actuar en directo, y le llamaban a declarar constantemente ante los Tribunales Revolucionarios recién instaurados, donde los supuestos opositores al régimen eran juzgados y en ocasiones ejecutados. Durante los primeros años tras la revolución dice que también tuvo que rendir cuentas en la prisión de Evin, un popular centro de detención en el nordeste de Teherán que cuenta con su propia sección para prisioneros políticos.
Yaghmaei tuvo tres hijos antes de la revolución, pero el gobierno embargó sus fondos y le obligó a ocultarse en el underground, durante 27 años que tuvo que pasar luchando contra largos periodos de censura. Ahora reconoce que pudo haber hecho muchas cosas para sortear la normativa: sobornar a los funcionarios, escribir canciones para otros artistas o marcharse del país sin más. Muchos otros artistas abandonaron Irán tras la revolución y se establecieron en comunidades de exiliados en grandes ciudades como Los Ángeles. Su hermano Kambiz se mudó a Europa y su hijo Kaveh, que también es músico, ahora vive en Vancouver, Canadá.
Pero Yaghmaei decidió permanecer en su país natal, manteniéndose fiel a sus principios aunque eso implicara el riesgo de que le arrestaran por ganarse la vida dando clases de guitarra.
"Creía que cambiar mi carrera era un claro insulto a la música y a mí mismo, además de la negación de mis raíces culturales", recuerda Yaghmaei. "Ahora, cuando miro hacia atrás, me alegro de no haber sobornado a nadie ni haber cedido ante las presiones, sino que viví esos 37 años con honor. Creo que incluso en una batalla desequilibrada, es mejor resistir que rendirse".
¿Puedes creer, aceptar o siquiera pensar que 27 de los mejores años de tu vida, cuando estás en tu mejor momento para serle útil a su país, te los arrebaten, y te torturen y te castiguen privándote de tu sustento?
A finales de los 90, el gobierno iraní llevó a cabo una serie de reformas políticas con la elección del presidente Mohammad Khatami. Surgió una nueva generación de artistas del rock iraní, y tras años de silencio, Yaghmaei obtuvo el permiso del gobierno para publicar un disco de estudio titulado Sib-e Noghre'e, o La manzana plateada. El proyecto le volvió a situar bajo el foco de atención y le generó unos ingresos más que necesitados, pero su lucha contra la censura del gobierno persistió. Aunque todo el país podía disfrutar del pop y jazz de occidente, muchos grupos de rock todavía ensayaban en el sótano y tenían que pasar por un estricto proceso de aprobación por parte del gobierno, dirigido a cualquier rockero, mujer y otros artistas que quisieran lanzar un disco o actuar para el gran público.
Al principio, dice Yaghmaei, le prohibieron poner su cara en la portada del disco. Luego, cuando acabó Malek Jamshid, tuvo que esperar más de una década para recibir la respuesta del Ministerio de Cultura y Orientación Islámica sobe el permiso de publicación. Noisey intentó en varias ocasiones ponerse en contacto con el Ministerio Iraní de Cultura pero no consiguió obtener ninguna respuesta.
Yaghmaei dice que el disco pasó muchos años cogiendo polvo en una oficina de archivo del Estado. En algún momento, según dice, las grabaciones originales y copias en CD salieron de la oficina y las autoridades dijeron que habían desaparecido. Este verano, el sello de LA Now-Again Records por fin sacó el disco en formato digital y en CD.
Now-Again había reeditado previamente viejo material de Yaghmaei en un pack de tres LP con un diseño precioso bajo el título Back from the Brink, pero la verdad es que el nuevo disco no tiene la magia de sus viejos temas. La canción que abre Malek Jamshid, "Key To Miaei (When Do You Come?)", suena como la sintonía de inicio de una teleserie imaginaria de los 90, con unos bajos digitales a lo Seinfeld y guitarras de rock pesado. En "Ghatar (Train)", un ritmo latino se abre paso entre unos teclados dramáticos y las letras en farsi, como si fuera una versión persa de "Smooth", el hit de Carlos Santana y Rob Thomas de 1999. Yaghmaei parece ser consciente de la calidad de su música, pero se defiende diciendo que como la mayoría de estudios en Irán no cumplían con los estándares en ese momento, tuvo que supervisar el disco en su piso, afrontar varios problemas técnicos y trabajar con un equipo limitado, que incluía una guitarra, un teclado Roland y su apreciada guitarra eléctrica, Ovation Breadwinner.
"Espero que los que escuchen el disco tengan en cuenta estas limitaciones básicas", dice.
Pero la pasión y política de Yaghmaei sigue patente en su trabajo. El disco toma su nombre de un rey de la mitología persa, que según la leyenda gobernó el mundo durante cientos de años y cubrió a sus súbditos de todo tipo de invenciones y necesidades. En los comentarios del artista, Yaghmaei habla sobre las dificultades que tuvo su familia durante los años que siguieron a la revolución, pero también nombra a varios poetas que le han influenciado, instrumentos tradicionales y conquistadores mundiales de la historia persa. Por e-mail, escribe largo y tendido sobre el conquistador persa Ciro el Grande y defiende que el violín (instrumento común en la música clásica de occidente) es una copia de un instrumento de cuerda de Oriente Medio y Asia Central llamado rebab. Destaca una visión orgullosa (y, según el sociólogo Harris, nacionalista) de su país natal, una visión que contrasta mucho con el actual gobierno, al tiempo que reclama una influencia global.
"Hemos visto y oído hablar de países que intentan robar los nombres de poetas, filósofos, artistas, etc. de otros países porque su historia carece de una cultura rica y de este modo intentan compensarla", dice Yaghmaei. "Pero nunca hemos visto a un país que tire por la ventana sus bienes culturales o artistas, los niegue o los esconda. Está claro que en una carrera de caballos, si detienes a los caballos más fuertes y potentes, cualquier burro puede ganar la carrera. Un país sin sus artistas y eruditos es un país muy desafortunado".
Eothen "Egon" Alapatt, el dueño de Now-Again, dice que las ventas de Malek Jamshidhan sido escasas. En un principio ni tan siquiera quería sacarlo, pues el sello se centra básicamente en la reedición de material antiguo. Pero al final lo vio como una oportunidad para que Yaghmaei pudiera compartir sus experiencias.
"Él representa a mucha gente, no solo en Irán, sino en todo el mundo: Indonesia, Zimbabue, Nigeria, Etiopia, en todas partes", dice Alapatt, recordando que muchos artistas han de enfrentarse a una lucha similar contra la censura de su país. "Es triste pero cierto. Hay mucha gente ahí fuera que no es capaz de hacerse escuchar, y esta es mi única oportunidad para, de algún modo, hablar en representación de todos ellos".
A lo lardo de los años, los estudiosos han asegurado que incluso algunos medios de comunicación financiados por el Estado han acogido la música pop y occidental. Mientras tanto, los artistas han ido estableciendo emocionantes escenas underground, que a menudo son literalmente underground, como deja claro el director Bahman Ghobadi en Nadie sabe nada de gatos persas. Este emotivo documental de ficción, que se desarrolla en Teherán, sigue a Kooshanejad y a su compañero de grupo, Negar Shaghaghi, mientras se mueven por los locales de ensayo y estudios escondidos en sótanos, azoteas e incluso en un granero. La película se estrenó en 2009, en pleno apogeo de las manifestaciones del Movimiento Verde contra la reelección del presidente Mahmoud Ahmadinejad. Desde entonces ha tomado posesión un nuevo presidente, y algunos músicos iranís aseguran que la normativa se ha relajado un poco. The Quietus informó hace poco sobre el aumento de artistas de techno experimental afincados en Teherán, y el músico Siavash Amini dijo a la revista que él y sus compañeros artistas todavía tienen que pedir permisos para actuar, pero los consiguen con facilidad en parte porque tocan música instrumental.
Raam, un cantante y compositor que solía estar al frente de Hypernova, un grupo de indie-rock afincado en Nueva, volvió hace poco a Teherán y ahora actúa bajo el nombre de King Raam ante un creciente público. Dice por e-mail que prefiere con creces ser músico en Irán que competir con un millón de otros grupos en Nueva York.
"Volver a casa ha sido el mejor paso que he dado. Fue mi pequeña versión de ' Searching for Sugarman'. El resto del grupo se quedó en Nueva York, pero yo estaba hasta las narices del tipo de vida hípster cliché (sin ánimos de ofender o generalizar; el problema de NY es que hay demasiado talento)", dice. "Aquí en casa estoy marcando la diferencia", pero Ashkan Kooshanejad, aka Ash Koosha —que se vio obligado a pedir asilo en Inglaterra después del estreno de Gatos persas, y no ha vuelto a casa desde entonces— dice que el problema con el sistema de Irán es que da el poder a las autoridades para acabar con cualquier artista provocador que consiga lograr demasiada popularidad. Esto supone una limitación para las ambiciones de la gente, que lo tienen difícil para pasar de un nivel local o nacional.
"No voy a hacer algo a medias solo por conseguir un permiso. Porque me he estado dejando la piel", dice. "Si notan que hay algo de sentimiento en tu música y que está logrando conectar con más gente, acabarán con ella".
Hoy, Yaghmaei se gana la vida a duras penas en Teherán, sobreviviendo gracias a una herencia que recibió de su abuelo. Como Irán ha vivido un momento de nostalgia por los años anteriores a la revolución, ha podido disfrutar de un pequeño renacimiento con su música. Sellos como Now-Again y Finders Keepers han reeditado muchas de sus canciones, acercándolo a un público más amplio. Su música se puede comprar online, podemos ver vídeos de sus años de gloria en YouTube y al año pasado el joven DJ Kasra V le dedicó todo un programa de dos horas en la emisora de radio online londinense NTS Radio.
Ahora que Malek Jamshid por fin está en la calle, Yaghmaei dice que no le preocupa la respuesta negativa que pueda recibir del gobierno, pues el daño ya está hecho.
"A los seres humanos nos han dejado caer en este mundo sin preguntarnos. La calidad y estilo de vida es diferente en los diferentes países, y en ocasiones son también contradictorios", dice. "Pero basándome en mi vida, no puedo decir que esto sea vivir. Quizás puedas llamarlo 'pasar por la vida'".
Desde 1968 Deep Purple se ha consolidado como un grupo legendario. Su influencia ha pasado todas las fronteras del mundo y su nombre se pronuncia con respeto en todos los círculos rockeros. Son una muestra de la esencia primigenia del rock y el heavy metal, y ejemplo del aguante rockero. Pero después de casi 50 años de carrera y ocho formaciones, es hora de descansar y la banda anunció que a finales del próximo año comenzará su gira de despedida llamada The Long Goodbye Tour.
La fiesta con la que partirá un semidiós se celebra por todo lo alto. Hoy, 14 de diciembre, la banda estrenó el lyric video de su nuevo sencillo llamado "Time For Bedlam", el primero de inFinite su veinteavo álbum de estudio que saldrá el 7 de abril del próximo año. La canción es un tema clásico de hard rock que empieza con una voz robótica, pero después toma ese clásico riff distorsionado de guitarra que nos hace agitar las cabezas de un lado para otro mientras brindamos con un vaso de cerveza.
Escuchen el tema aquí, y larga vida a Deep Purple.
¿Sabías que los conductores de Uber tienen dentro de su aplicación una función privada que se conoce como "God View"? ¿Y no les parece que la idea de que alguien pueda observarte como un Dios es algo siniestra?
Recientemente se dio a conocer, gracias a un caso que Samuel Ward Spangenberg, un empleado de Uber, presentó en la corte contra la compañía. Al parecer los conductores pueden ver el historial de los clientes, sus viajes pasados o en trayecto. De acuerdo con The Guardian, el tipo de clientes que más eran observados eran "políticos de alto perfil, celebridades y gente relacionada sentimentalmente con los empleados, incluyendo ex-novios y esposas". Y según el testimonio de Spangenberg, Beyoncé fue una de las celebridades que fue espiada.
Si tienes planeado agarrar un Uber después de una noche de borrachera, asegúrate de no haber pedido uno antes a algún lugar al que no debías ir. ¡Pedir un taxi nunca se había sentido tan distopico!
¿A veces no sientes que el imán de tu refri no es lo suficientemente simbólico como para representar tu último viaje a Europa?, ¿No sientes un leve remordimiento por no haber capturado del todo ese mágico viaje a la playa? La realidad es que es muy difícil darle una carga de recuerdos increíbles tan pesada a un objeto o un par de cientos de miles de pixeles, pero si eres un viajero frecuente al que le gusta la nostalgia, definitivamente debes tener mínimo un souvenir que te recuerde tus aventuras.
Residente de Calle 13 salió a viajar por el mundo en busca de los orígenes de su ADN. Visitó Siberia, Rusia, Armenia, Georgia, Osetia, China, Burkina Faso, Ghana, Níger, Serbia, España, Inglaterra, Nueva York y Puerto Rico. Mientras viajaba Residente fue contactando artistas locales para grabar música con ellos. También hizo un documental, un libro, está por publicar un disco y tiene una página loquísima que conecta toda esa información. Mucho mejor que cualquier imán de bandera o pulsera bordada, ¿no?
Este es el primer material que René publica en solitario después de su salida de Calle 13. El disco será publicado el próximo año pero en su página web hay extractos de documental y muchas fotografías espectaculares. Mira, da click aquí.
This episode of people vs is a Noisey Blackpool special.
We managed to do the impossible for the second time and get Afghan Dan, Soph Aspin and Little T, in a room together to read YouTube comments from Noisey Blackpool the documentary.
Su trabajo se acerca tanto a la perfección que es uno de esos artistas que cualquier amante del hip hop desearía ver en vivo. Nosotros seguimos esperando ese glorioso momento en el que anuncien que viene a México a un festival. Pero mientras esperamos, acá hay una buena noticia: Kendrick dará un concierto secreto en Nueva York y, como ya no hay boletos, decidió hacer livestream del evento.
El show será transmitido a través del Facebook de Kendrick a las 9 PM, horario de Nueva York. Acá un preview de lo que va a pasar:
Anoche Childish Gambino llevó su viaje alucinógeno de neo-funk... Awaken, My Love! a The Tonight Show. El trackque interpretó se titula "Redbone", es uno de los que más resaltan de este material y es una pieza en colaboración con Bootsy Collins.
Sin camisa, Gambino se subió al escenario enfundado en unos pantalones metálicos y logró un falsetto robótico que imaginamos logró gracias a algunos efectos en el estudio, acompañado de un escenario llenos de tubos de luz que nos recuerdan cómo se veía "el futuro" en 1999.
Sin nada más que decir, es una de las presentaciones más increíbles de este año. Así que deja de preocuparte por lo demás y dale play, va a cambiar por completo tu perspectiva del día de hoy:
En 1992 la Asamblea General de las Naciones Unidas acordó el 3 de diciembre como el Día Internacional de las Personas con Discapacidad. Todo en miras de buscar la igualdad de oportunidades y una mayor integración en la sociedad. Pero también enfocado a entender que la discapacidad no debe verse como impedimento para desarrollar actividades rutinarias o de esparcimiento y por esta razón no suena nada descabellado que el 14 de diciembre se haya celebrado un concierto para sordos (que en realidad es también para todo tipo de personas con diferentes discapacidades o incluso sin discapacidad alguna) con una de las orquestas de salsa más poderosas de la escena: La 33.
Aunque la idea suene compleja de ejecutar e incluso difícil de imaginar, la actividad, más que empatar con la celebración de aquella fecha pactada por las Naciones Unidas, busca darle a la comunidad de personas con discapacidad auditiva, la experiencia de vivir un concierto como muchos de nosotros lo vive cada vez con más frecuencia, con tanta emoción y con esas ansias que nos hace hervir la sangre.
Pero, ¿cómo funciona eso de organizar un concierto para sordos?
Existen dos grandes "impedimentos", por así decirlo, para disfrutar del show de una banda cuando se sufre de una condición de discapacidad auditiva: no saber qué dice la canción y no identificar fielmente el ritmo. Por esta razón los organizadores del evento, dentro de los que se encuentra el INSOR (Instituto Nacional para Sordos) han decidido implementar diferentes herramientas que faciliten la experiencia de este concierto.
Según Ray Fuquen, productor técnico de La 33, "después de hacer varias pruebas lo que vamos a hacer es que vamos a tener tres intérpretes del lenguaje de señas que se aprendieron las letras de las canciones y van a estar en la tarima con los cantantes. También pudimos apreciar que algunas de las personas que tienen esta discapacidad, mediante un globo que pongan en su caja toráxica, pueden captan mejor el ritmo". Por otra parte también se tomaron en cuenta temas de ecualización para determinar las ondas sonoras que esta población capta mejor, así como temas de angulación de los altoparlantes. Se dirigirán algunos hacia el piso para que las ondas tengan mayor vibración y la música se sienta en los pies para lograr dirigir mejor el sonido
Laura Gómez, fonoaudióloga de la Universidad Nacional, afirma que es la primera vez que en Colombia los interpretes de lengua de señas van a estar interpretando la música lo cual es muy importante, al igual que tomar en cuenta que el sonido sea dirigido a las cajas toráxicas para que las personas puedan apreciar mejor la música.
Por su parte, Nataly Barahona, Miss Sorda Colombia 2016, quien asistirá al evento, cuenta que en la salsa el ritmo de la percusión es el que genera las vibraciones más fuertes y que la intensidad de estos instrumentos se siente especialmente en el pecho, por lo cual, teniendo en cuenta la potencia y la descarga acostumbrada de La 33, será la que mande en la pista de baile.
Placebo anunció que festejaría sus 20 años dentro de la industria musical con una gira alrededor del mundo en la que, con afán de sorprender a sus fans, van a tocar sus mayores éxitos—incluyendo esos tracks que dijeron que nunca más tocarían en vivo. Además de estar agendados para participar en la edición de Pal'Norte 2017 en Monterrey, la banda de rock irá a Mérida, Puebla y CDMX.
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