En lo que pudo ser el evento más canadiense en la historia moderna de Canadá, un departamento de policía que había amenazado con castigar a los conductores borrachos con música de Nickelback, se disculpó con la banda. 

Acá está la publicación en Facebook con el que el departamento de policía de Kensington pidió disculpas:

Vulture reportó que el departamento decidió hacer la disculpa pública después de que los representantes de Nickelback les pidieron amablemente que removieran la publicación original. Toda una pena porque de hecho, amenazar a los conductores borrachos con el disco de la banda del 2001  Silver Side Up era una manera chistosa de resaltar lo serio que es manejar en este estado, lo cual es claro, una manera demasiado estúpida de cometer un crimen. 

Como sea, eventualmente tendremos que aceptar que la policía de Kensington son como el resto de Canadá: hermosos y encantadores.

Como antesala para su próximo proyecto titulado Syre, Jaden Smith soltó unos visuales que podemos decir que rifan sin temor a equivocarnos. El track está súper tranqui, con Smith cantando y rapeando holgadamente sobre un beat que me atrevería a ir tan lejos como para decir que suena a Portishead. En el video podemos disfrutar de un típicamente estilizado Smith tropezarse por ahí, mientras vomita y todo parece un acto complejo de simbolismo que solo la mente de un filósofo trascendental como Jaden Smith puede comprender, y es lo de menos: se sigue viendo bastante chido. 

Kid Cudi, quien debutó el disco vía su cuenta de Twitter, recibe un shot out visual en el video (Jaden baila junto a una copia del vinilo de Man on the Moon: The End Of Day), y con apoyo de toda la comunidad del hip hop, parece que el 2017 puede ser el año de Jaden Smith y Syre. 

Mira "Fallen" abajo:

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(Image via YouTube)

Kiko Amat dejó los estudios a los 17 años. En los años 80 vivió su adolescencia en Sant Boi, su pueblo natal ubicando en Cataluña, España. Se sorprendió por los primeros mods y skinheads que vio, con quienes comenzó a escuchar a Brighton 64, Sham 69, Cockney Rejects, The Jam y a consumir anfetaminas como si no hubiera mañana. Hoy en día, como novelista autodidacta, periodista cultural sin estudios, anglófilo y fan de la cultura pop, mientras sigue utilizando su vieja y oxidada Vespa por las calles de Barcelona –donde vive con sus tres pelirrojos; él mismo llama así a su pareja Eugènia Broggi [ex integrante de Los Fresones Rebeldes] y sus dos hijos– seguramente recuerda su juventud al lado de sus amigos, peleándose por las calles y bares de su barrio, acudiendo a conciertos, comenzando a coleccionar vinilos y descubriendo con su hermano –juntos editaban el fanzine La escuela moderna– bandas y melodías que tal vez los volvieron más sentimentales, cuando vivieron en Inglaterra y hacían de todo un poco; trabajando en McDonald's o para una tienda de discos. Kiko Amat, en su libro Mil violines y otras crónicas sobre pop y humanos , recuerda tal vez cómo entendió que era el –o ser– emo dentro de un submundo punk, el cual cada vez era más melódico: "Aquellos eran los años hardcore, y escuchábamos el Ten spot de Shudder to Think, el primero de Rites of Spring, Soulside, Samiam, el Demamussabebonk de Snuff, que acababa de publicarse, y también J Church y China Drum…". Recientemente, Kiko Amat ha gritado a los cuatro vientos que se mantiene atrapado a una especie de "banda sonora emo" para acompañar la escritura de su quinta novela. Y conociendo que es un melómano total, decidimos hablar con él acerca de esta música amada, odiada o malentendida.  

Noisey: Me comentabas que no eres un superexperto en relación al emo, pero actualmente andas muy enganchado, y seguro conoces la historia ¿Cuáles fueron las primeras bandas que escuchaste relacionadas al género?
Kiko Amat: Cuando empecé a escuchar esto, en 1991 o así, la línea entre "hardcore melódico" y "emo" no estaba trazada, o si lo estaba yo no la sabía, porque acababa de aterrizar en el asunto y era aún un neófito. Para mí, Samiam, Big Drill Car y Jawbreaker eran emo, porque hacían pop-hardcore con letras sensibles. Incluso Descendents (por "Clean sheets" y "Get the time" y "Wendy", no por las que hablan de pedos) y los ALL del "She's my ex". Había una parte épica en la música, y otra bastante llorona (en el caso de Samiam) que me gustaba. Además, no me recordaba a nada. No parecía punk clásico, y (aparte del ritmo endiablado de la batería) desde luego no era hardcore. "Don't break me", de Samiam, era puro emo de libro para mí. Letras confesionales de tíos mostrando su completa debilidad e indefensión, colocadas encima de una música que te daba ganas de pegar botes y tirarte encima de otra peña. Luego, al poco tiempo, gracias a mi hermano, empecé a escuchar a los grupos que sí eran etiquetados como "emo" (despectivamente) en el rollo DC: Rites of Spring, Soulside y Shudder To Think, sobre todo.

¿Y cuál es tu opinión sobre el término "emo"?
En cierto modo el término "emo" es una estupidez, porque como aduce Ian Mckaye, Minor Threat, también eran emocionales. Lo que sucede es que esos nuevos grupos eran emocionales pero tristones y tenían más ganas de confesar sus heridas, supongo.

¿Qué fue lo que pensaste sobre este "hijo bastardo" del punk? Lo llamo así como una especie de broma, porque me parece que nunca se ha consolidado como un estilo musical, más bien para muchos (por las masas, MTV, la confusión…) ejerce como un mal cliché hacía "la gente triste". No pienso que vaya más por esa línea. Si podrías decirnos para ti qué es emo, como estilo musical, sería lo mejor.
Nunca lo miré pensando en el  mainstream, porque para mí esto era otro más de los géneros secretos que solo parecían gustarme a mí y a otros cuantos cientos (de acuerdo: miles) de chavales en todo el mundo. Sí puedo decir que para mí, a mis 20 años, era como el invento ideal. Parecía más hondo y razonado que el punk clásico (que también me encantaba), las letras hacían alusión a cosas un poco más complejas, no temía hablar de nostalgia o dolor o emoción, y las notas tenían un no-sé-qué trascendente (épico) que me elevaba, y me tocaba la fibra, y aún lo hace. El emo para mí, sí es algo, es eso, y lo encarnan Texas Is The Reason. Sensibles, algo cabizbajos, siempre taciturnos, pero a ratos desmelenados y molestos y furiosos. Todas las letras llenas de remordimiento y anhelo, solo vagamente abstractas... "There's no way I can talk myself out of this one tonite (The drinking song)" es como una canción-lamento de borrachos a lo Tom Waits –un tío mirando su vaso en un bar vacío y reconcomiéndose o relativizando sus cagadas reincidentes– solo que para una generación que creció escuchando música pop o punk rock en lugar de crooners o blues.

Sé que Dischord Records te gusta mucho por su filosofía y por la manera en la que han trabajado para lograr lo que son dentro del mundo hardcore. Y justo de Dischord me parece que surgieron las primeras bandas que quizás el público comenzó a etiquetar como "emo". Por ejemplo, Embrace de Ian MacKaye o One Last Wish y Rites of Spring de Guy Picciotto y Brendan Canty ¿Tienes la misma opinión que fueron las primeras bandas emo? ¿Las consideras así o qué otras bandas agregarías?
Sí. Son las primeras, supongo. Porque punk emocional o sentimental ya había existido antes, pero no tenía esa parte angustiada y algo afectada que tienen los grupos de DC (que a su vez la aprendieron de los grupos afterpunk ingleses, sin duda). Hay un trozo buenísimo de  Salad days, el documental sobre la movida DC, donde Dave Grohl comenta, descojonándose, que flipó cuando vio que en los conciertos de Rites Of Spring los chavales se echaban a llorar ahí en medio, sin ningún tipo de pudor. Grohl dice que pensaba que era porque Piccioto les había mencionado personalmente, o algo así (rían ahora). Para mí, el emo defiende eso: llorar en público, en mitad de una cultura de machos. Llorar agresivamente, llorar de rabia, llorar gritando. De hecho, si tuviese que definirlo para un recién llegado, le diría que el emo es el sonido de chavales magullados que lloran a gritos. Es el sonido de los hijos de divorciados y de los que reprobaban en gimnasia. También me gusta la defensa de la no-estupidez. Me gusta cuando el rocanrol es estúpido, pero también me gusta cuando de repente no lo es en absoluto. De hecho, se transforma en revelador y trascendente, y habla de cosas muy bestias y inmensas. Como "My better half" de One Last Wish. Esa canción habla de mil cosas asombrosas: la alienación, la desconexión con el resto de la gente, la parte buena y la parte mala que todos acarreamos... Necesitarías 700 páginas para hablar de todo eso en un libro.

Entrando a los años 90, donde podría considerarse se gestó por completo la primera ola de bandas emo, sobresaliendo agrupaciones como Sense Field, Braid, Samiam, Mineral, Sunny Day Real Estate, Cap'n Jazz, Elliott, Pop Unknown, Texas is the Reason, Jimmy Eat World, The Get up Kids… ¿Cuál es el papel que tú piensas desempeñaron estas bandas, ya sea dentro de la industria o en un círculo underground?
No lo sé. Solo puedo hablarte desde un punto de vista personal. Para mí todos vienen un poco juntos, porque como empecé a escuchar esto entre 1991-92, ya me vinieron en paquete los nuevos y los viejos. Mis favoritos eran Sense Field y Texas Is The Reason. Aún se cuentan entre mis grupos favoritos, y es un puto drama que TITR no grabaran más. Su discografía es más exigua que la de Dexys, joder. Vi a ambos grupos en directo (TITR con Samiam!!!) y también es de los mejores conciertos de mi vida. Me pillaron en un momento en que estaba como místico y muy mohíno y a la vez excitado por las inmensas posibilidades del futuro, ya en 1995, y aquello era mi perfecta banda sonora. Penita + sobreexcitación.

¿Y qué puedes decir sobre los otros grupos, que quizás se hicieron mucho más comerciales?
El resto de grupos que mencionas, la mayoría me parecieron mediocres en comparación, y mucho más lineales y aburridos, pero ahora veo que estaba siendo injusto. Quiero decir que Mineral son exactamente lo que te decía, lineales y algo aburridos, pero están la mar de bien. Es solo que yo los comparaba con TITR, lo cual es muy cruel.  Nadie estaría a la altura. Braid me parecían demasiado abruptos y embrollados entonces, como si sus canciones fuesen un puzzle mal resuelto; pero ahora veo que esa era la intención, y me chiflan. También Christie Front Drive. Con el tiempo todo se diluye, claro, y al pasar las décadas esos grupos influenciaron a otros grupos más de radiofórmula que cada vez tenían menos que ver con los punks originales. No tengo ninguna conexión con la última o penúltima hornada de "emo" para adolescentes, cuando ya se transforma en ese rollo semi-gótico y autolesionante y afectado que es el "emo" actual. No es que me parezca una mierda, simplemente no se parece en nada a lo que yo escuchaba, ni le veo el mismo espíritu o intención.

Creo que no se les considera bandas 100% emo, pero qué prefieres: ¿Jawbreaker o Hüsker Dü?
Jawbreaker sí eran emo para mí, y lo mismo Hüsker Dü. Escuché el  Candy apple grey sobre la misma época que todo lo demás, quizás incluso un poco antes. Para mí encajaba con el sentimiento general: desazón y penas del alma, contadas a ritmo fuerte. "Sorry somehow" es más que emo, es una burrada de lamento exagerado. Hüsker Dü son mejor banda, y Bob Mould y Grant Hart son mejores compositores que Blake el-del-apellido-galimatías, pero Jawbreaker son más míos. Forman parte de mi vida de un modo mucho más íntimo. Igual que The Van Pelt, que no mencionas.

Es cierto. Me parece que ellos son de los mejores, junto a Jejune, pero pareciera ser pasaron más desapercibidos. ¿Qué canción es tu favorita de The Van Pelt?
Para mí, "Do The Lovers Still Meet at The Chiang-Kai-Shek memorial", al menos, es 100% emo, y podría estar en el álbum de TITR, por ejemplo. Una gran canción: de sentimiento desmedido, como uno siempre es cuando le aquejan penas del corazón, y tiene ganas de autocompadecerse en bares, y con un colosal crescendo hacia el final. Me gustan esos crescendos del emo, siempre consiguen ponerme la piel de gallina. 

Tus amigos son los Nueva Vulcano, una gran banda de Barcelona que han estado algo (o mucho) influenciados por el emo de la vieja escuela. ¿Llegaste a vivir con ellos una especie de boom en su ciudad en relación a esta música? ¿Había una escena? ¿Cómo era?
Todo lo que tengo que decir sobre el tema está en este artículo. En Barcelona, hacia 1992-93, había una serie de grupos que parecían el Club Catalán de Apreciación de Samiam. Eran cuatro o cinco, algunos se separaron, otros evolucionaron hacia otras cosas. Nueva Vulcano vienen de uno de esos grupos, y sé de buena tinta que para ellos el  Billy es más importante que mil de los supuestos grandes discos del rock. También son muy fans del rollo aquel post-Hüskers inglés de caravana y dreadlocks y pop-hardcore de 1989, Mega City Four o Senseless Things, igual que yo. De nuevo, para mí todo esto iba un poco en paquete: escuchaba a MC4 y a Big Drill Car, a Snuff y a Samiam. Eran mis grupos predilectos, durante una buena época. Parecían hechos para el tipo de persona que soy.

No puedo evitar esta pregunta: ¿Alguna vez le dedicaste alguna canción emo a alguna chica? ¿Cuál fue?
Claro que sí. La primera o segunda cinta que le grabé a quien hoy es mi mujer empezaba con el "Nickel wound" de TITR. "it's getting cold all over agaaaaaaain....". Era un mensaje encriptado que buscaba decirle que yo era un tío sensible, pese a la apariencia exterior y los eructos fuertes y las amistades skin y los tatuajes inmundos que arrastraba por estos mundos de Dios.

Esta pregunta es del todo estúpida: ¿Qué escritor considerarías es demasiado emo?
No lo sé. Emo aplicado a la escritura siempre suena a insulto. Si alguien me dijese que tal escritor es "emo" asumiría que es un autor un poco afectado, bordeando lo cursi, y que exhibe sufrimientos mayormente imaginados, y que se presenta como muchísimo más dañado y autoasqueado de lo que realmente es. No compraría su libro, te lo digo claramente.

En relación a las bandas (Algernon Cadwallader, Christie Front Drive, Joie de Vivre, Sport, American Football, Knapsack y otras), las cuales estás escuchando con mayor regularidad mientras escribes tu nueva novela, ¿por qué elegir un soundtrack así?
No puedo explicarlo muy bien. Me sucede lo mismo con Sun Kil Moon y Red House Painters y todo lo que hace Mark kozelek. Su música me va bien para escribir, y para hablar de ciertos sentimientos, y para narrar fragmentos que requieren de una cierta emoción especial. Esos grupos abren esa espita, y a la vez no se entrometen en la parte mecánica de mi escritura. No podría escribir con, por ejemplo, Samiam. Me emocionan demasiado, y me dan ganas de bailar y pegar aullidos. Sería asaz desconcentrante. 

Por último: ¿Qué bandas emo podrías recomendarnos?
Me da un poco vergüenza decir esto, en cierto modo, pero últimamente me he aficionado a escuchar a bandas que en mi juventud consideraba evoluciones comerciales y ablandadas de Green Day, pura bazofia para la generación MTV, y ahora me gustan mucho. No son emo como tal, pero hay pocas estrofas más emo que esta de Saves The Day: And I say, "Just go. Please, Dave, just drive. Get us as far as far can be. Get us away from tonight." And I say, "I'm sorry. I didn't mean to yell, I'm having a bad week And I miss my mom." Echo de menos a mi mamá. Genial, tío. También me gusta mucho el "Best of me" de The Starting Line, y el elepé homónimo de New Found Glory. Me importa un bledo que sean música para adolescentes sobreexcitados y medio gilipollas. Yo fui (y soy, a ratos) exactamente eso. Para mí no tienen nada que ver con el punk, ni desde luego viene de la misma tradición. Me gustan por las mismas razones que me gustan Bay City Rollers o el glitter rock o los Knapsack. Pop comercial y super memorable para bachilleres tontuelos, para enamorarte y hacer el idiota y olvidar tus problemas y creer que te va a hacer caso (mágicamente) un día la guapa de la clase. ¿Qué hay de malo en eso? El mejor pop viene precisamente de ahí.

Si has experimentado un fuerte bajón de drogas, sabes que se siente como perder el corazón por un par de días mientras el resto de tu cuerpo permanece completamente desbalanceado. La cabeza pesa, las manos tiemblan y tu lengua y cerebro no han las conexiones adecuadas. En resumen, es una pesadilla. 

El día de hoy los Red Hot Chili Peppers acaban de publicar un video para "Sick Love", un sencillo que se desprende de su último disco The Getaway, en el que comparan el amor que se desprende de una relación trastornada con los terribles estragos que vienen después de comer más ácido del que deberías. El clip por si solo es un viaje loquísimo en el que vas a ver a gente convertirse en monstruos, el nacimiento de un bebé, gente vomitando,  a Anthony Kiedis desnudo y un payaso satánico bien puesto en aire comprimido. 

Arrepiéntete de tus relaciones y excesos pasados con lo que hay aquí abajo:  

Luego de lanzar la semana pasada su muy esperado EP,  The Dream Synopsis —en donde se incluyen covers a "Le Cactus" de Jacques Dutronc, "Totally Wired" de The Fall", "Is This What You Wanted" de Leonard Cohen, entre otros— The Last Shadow Puppets acaban de dejar caer en internet un nuevo video para "This Is Your Life", que originalmente fue publicada por Glaxo Babies en los 80. 

Rodeados de una escenografía que parece haber sido hecha con miles de rollos de papel aluminio y unas luces blancas terriblemente agresivas, Miles Kane y Alex Turner se revuelcan y brincan como si sus cuerpos estuvieran inducidos en alguna sustancia. Además de eso, lo de siempre: drama, guitarras rasposas y mucha sensualidad. 

Ve el video aquí abajo: 

Debajo de una carpa mal construida, adentrada en Ecatepec, municipio de fama internacional en el Estado de México, una horda de tipos espera para improvisar sus rimas raperas entre un sonido decadente y un escenario empobrecido. Mientras tanto, dos sujetos, con una avalancha de versos bien encarnados en la lengua, se enfrentan en la tarima para demostrar quién es mejor. No importan las condiciones, sólo fluir con las palabras.

Las batallas de freestyle en México eran así: llenas de fallas técnicas y errores de logística, pero no faltaba el talento. Desde los barrios más underground de la ciudad se construyó una escena sólida, gracias a la letra de batos con sueños de ser MC y a la creatividad de sujetos que idearon escenarios cada vez más grandes para batallar. Uno de ellos, Carlos Rodríguez alias "Pime", encontró el ánimo suficiente para revitalizar la escena esa noche, entre las punchlines y el beat que estremecía la carpa mal construida en Ecatepec.

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Pime es actualmente uno de los impulsores más importantes en el freestyle rap mexicano. Sus ideas, materializadas en eventos que no existían, avivaron las batallas gracias a conceptos como la Barrera del famoso torneo Eligere; la lucha intergeneracional de las batallas escritas en la primera edición de Línea 16; o la organización de una Batalla De Maestros (BDM) que fuera realmente un torneo de freestyle a nivel nacional. En pocas palabras, el resultado de sus movidas ingeniosas, trazadas a lo largo de casi una década, es la explosión de un fenómeno que no había encontrado un lugar propio: el freestyle.

El rap llegó a su vida durante una época complicada. Sólo tenía acceso a él en los discos que otros compañeros de su secundaria ponían en clase. El acercamiento más importante que tuvo fue gracias a exponentes españoles como Violadores del Verso, SFDK y Falsalarma; ellos llenaron sus oídos y los casetes que llevaba a la escuela para grabar sus voces. La precariedad económica en la que vivía su familia restringía sus posibilidades, pero él se las ingenió para escuchar la música que disfrutaba. "Darme la vida que quería era tener mi propia música", dice Pime tras rememorar sus inicios.

Al paso de los años, la situación no mejoraba para él y, por ello, le fue necesario empezar a trabajar. Para aportar dinero a su familia y costear su gusto musical, tuvo que sostener tres empleos. En uno de ellos conoció a Tavo, dueño de la tienda Tavos Rock, y organizador de eventos de MCs. El rap los unió de inmediato y, para su suerte, él le aseguró la entrada a un evento de Violadores del Verso que había organizado.

De allí en adelante Pime frecuentó varias presentaciones de rap, pero su primer acercamiento real con el freestyle lo tuvo gracias a RC. Él lo invitó a participar en un evento que se realizó en una pequeña carpa de Ecatepec. La emoción que se experimentó esa noche fue lo que impulsó a Pime a crear un nuevo concepto para presentar sus propias batallas.

Desde 2006, la Batalla de los Gallos, el torneo más importante de batallas de rap en Hispanoamérica, se apoderó de la escena del freestyle en México porque no existía ningún tipo de oferta similar. Los talentos que la gallera dejaba fuera tenían que batirse en la escena underground, en eventos que no tenían grandes patrocinios y no aseguraban una plataforma sólida para desarrollar sus habilidades. Así que el concepto de Pime, la Versátil War I, impulsada en el contexto de esa carencia, consiguió en un inicio una afluencia inesperada de gente hambrienta por otra oportunidad.

El flyer del evento se promocionó a través de Doble-H, uno de los portales en activo en México con más tiempo hablando de hip hop. Tiempo después de su publicación y una vez concluidos los cyphers del torneo en Plaza Peyote, la final de la Versátil War, en African Star, convocó a un gran número de chicos que batallaron durante 10 horas, aproximadamente, para llegar a concluir el evento. En ese escenario, raperos como Pala, Aczino y Jack (integrantes del grupo MC4), se reunieron por primera vez para tirarse un par de rimas con punchlines de miedo. Al finalizar, T-Killa, un famoso MC que había sido campeón de la BDLG nacional en 2006, dio una presentación para cerrar el ciclo de líricas diversas.

El premio era modesto: aquellos que vencieran en las finales uno a uno y dos a dos obtendrían el beneficio de grabar un demo en el estudio casero que Pime tenía en ese tiempo. Algunos de los campeones lo rechazaron, como Elik y Lirika inverza, hasta que Pala decidió reclamar su primer lugar para comenzar a producir junto con Pime en la firma de su creación, Delay Records. 

Delay Records

Delay fue el primer intento de productora que fundó Pime. Después trabajó en otros proyectos, cada vez más ambiciosos. Black Label nació en Coyoacán después de Delay y fue allí  le produjo un disco llamado Psicofonía a Aczino; pero la firma se dio a conocer, principalmente, por el patrocinio que le daba a eventos emergentes como Eligere. Cuando Black Label se deshizo, debido a la falta de talento y/o compromiso que tenían los MCs a los que Pime grababa, él se mudó a una nueva productora, fundada por K-Road, a la que tiempo después bautizaron como Apothheosis Mvsic.

Apothheosis es la casa en la que ahora MCs como Hadrián, Aczino, RC, Lobo Estepario y muchos más, graban sus rimas con K-Road al frente. Él dirige la mayoría de los proyectos, mientras que Pime se encarga de ser una ventana para difundir el trabajo realizado. La BDM y las batallas recientes de Eligere se promocionan con el nombre de la marca y ello es su responsabilidad.

"Solo por hoy" es la canción de desamor que K-Road y Pime grabaron juntos. Fue gracias a ella, y gracias a la participación que tuvieron ambos junto con RC y Lobo Estepario en BDLG 2013, que el equipo se unió para hacer más grande la productora, pero eso sucedió mucho después de Delay, e incluso, mucho tiempo después del primer demo de Pala. Actualmente, este último sujeto, antes alabado por su fuerza verbal y flow, parece haber abandonado la escena del freestyle y también del rap pero, de vuelta en 2009, fue su forma de tirarle versos al micrófono la que funcionó para grabar los primeros demos en Delay. 

"Grabar a Pala fue todo una revolución para mí, porque él fue el primer MC que vi rapear con profesionalismo y con corazón". El momento de la grabación fue el cenit de un esfuerzo que comenzó con sus casetes en la secundaria. Los promos en video y las fotos del primer demo de Pala pretendían reflejar eso: la revolución que Pime percibía al trabajar con él. El resultado fue el disco Inmortal y  una canción, que no logró conseguir lugar dentro de la placa, llamada "El silencio de los olvidados".

MC4 y el fin de Versátil War

El fenómeno MC4 creció a partir de esa entrega. Se inauguraba así una época distinta para el freestyle y el rap en el centro de México, en la que por primera vez las pequeñas productoras, compuestas únicamente por raperos con sus laptops y micrófonos, podían conseguir a sus propios fanáticos sin la necesidad de contar con el apoyo de otro medio que Internet. El rap en México nunca consiguió el apoyo de grandes disqueras, y mucho menos la escena del freestyle nacional que debía conformarse con el esporádico apoyo de una empresa de bebidas energéticas, pero eso sólo hace que el mérito de haberse puesto a la cabeza de un grupo, cuyo rap por fin se veía materializado en demos y discos, sea aún mayor. 

Por desgracia, esta serie de logros obtenidos por Pime, encontró su primer obstáculo en el fracaso de la Versátil War II. Contra todo pronóstico, la final del torneo, realizada en Casa Blanca, no jaló asistentes.

No sólo ese acontecimiento resultó contraproducente para la creciente generación de freestylers. El panorama, en general, decayó. Red Bull no organizó la BDLG en México después del 2008 y dejó a muchos raperos sin una oportunidad; otra prueba de que su interés real nunca ha estado en el talento. En ese punto, la escena del freestyle sólo se iluminaba esporádicamente por algún evento prometedor, como lo fue la Monster Verbal realizada en Aguascalientes en 2010, pero eso sucedía pocas veces. El mundo del freestyle cayó en una especie de letargo, pues las batallas no consiguieron un espacio serio y se utilizaban como relleno en ciertos eventos o se realizaba de forma precaria.

MC4, ante tales complicaciones, continuó produciendo su música y grabando batallas improvisadas. Se cerraron dentro de su mundo para seguir con el trabajo hasta que Pime, tras recuperarse de una aparente pérdida de fe, decidió retomar el camino. Fundó Black Label y también organizó Eligere, evento en el que se concretaron nuevas ideas: nació la famosa Barrera y las batallas con concepto. 

Eligere y el ascenso de Aczino

¿Qué fue la barrera en la escena del freestyle mexicano? Puede decirse que mucho: fue un cambio porque nadie lo había hecho antes y eso la hizo dominar en este campo. Pero, más allá de eso, la barrera de Pime logró reunir al talento de los mejores ocho freestylers de México en un mismo escenario. El objetivo era que 16 novatos, convocados por los jueces y el público, batallaran con sus rimas para abrirse paso entre los contendientes hasta llegar a enfrentar a los maestros de la barrera: si ganaban, se convertían en parte de ella y si no, podían intentarlo en otras ediciones. El hecho de tener que escalar hasta posicionarse en un lugar privilegiado para continuar dentro del evento, le dio vida a una escena que ya se encontraba estancada en las mismas dinámicas de siempre.  

Por eso, la promoción de la barrera para el torneo Eligere (del latín elegere, o sea, elegido) y la oportunidad de grandes rimas que esta prometía, tuvo un éxito rotundo. Kobe Maldonado, Aczino, Elik, Ezko, Forastero, Belcebu, Topis, JACK y Lirika Inverza fueron los integrantes de la primera barrera en la historia de Eligere, realizado en 2012.

T-Killa y el mismo Pime fueron los jueces que nombraron al ganador en esa ocasión. Aczino, gracias a esta victoria y a  su paso por una serie de eventos previos, consolidó su trayectoria al ganar dos veces consecutivas las finales del torneo, para luego cederle el reinado a Lobo Estepario en la segunda edición. 

La escena del freestyle, con estos tintes triunfales, comenzaba a retomar su sentido en 2013. La Barrera se fortalecía, Eligere comenzaba a entenderse como un torneo relevante y el grupo formado por Pime adquiría una fama sin precedente. Aczino, por poner un ejemplo, ganó la final de la BDLG en Colombia 2012. Este raper fue escogido por el público para contender en las batallas colombianas, lo cual lo convirtió en uno de los pocos MCs que logró participar en una final nacional fuera de su país; y no sólo eso, también lo convirtió en el campeón mexicano dentro de Colombia. Sobra decir que esa nación se quedó, después del fantástico evento inesperado, sin un representante local. 

Aczino Vs Dunkel

Mientras la fama y el reconocimiento hispanoamericano de Aczino crecían, Pime continuó alimentando la escena del freestyle mexicano. Su lucha en la organización se vio complementada por algunas participaciones que tuvo dentro de batallas. Las más importantes para él, fueron las realizadas en 2013 por Red Bull, año en que esta empresa decidió regresarle la BDLG a México. Pime, aún con su sueño de gallo, decidió mandar video para contender en ese encuentro. La gente votó por él y fue gracias a este gesto que él pudo participar dentro de la gallera. 

Línea 16

El freestyle mexicano por fin jalaba con fuerza. La oportunidad de contender en BDLG le dio ánimo a Pime, puesto que nunca había ocupado un lugar como gallo. Sin embargo, reconoce que su lugar en la escena del freestyle no se encuentra arriba del escenario: "Yo quisiera estar ahí batallando", dice, "pero mi lugar está atrás. Eso es algo que he pensado hasta la actualidad".

En el backstage del ya notorio momento cumbre del rap, Pime continuó con su labor como gestor de una parte sustancial de la cultura de batallas en el centro del país. Para abril de 2014 ya tenía planeado un evento diferente, uno que viraba la ruta hacia el campo de las batallas escritas. La diferencia entre estas y el freestyle es que, como su nombre lo dice, están escritas previamente; es decir, lo que importa aquí es el talento para componer rimas en papel y luego rapearlas. La improvisación queda en segundo plano.

Línea 16, nombre que le dio al torneo de batallas escritas, fue producto del trabajo conjunto de Pime, Sipo, Smog y Sner, cuyo resultado logró reunir a la llamada vieja escuela de las batallas junto con la nueva, cosa nunca antes vista en el recientemente explorado mundo del freestyle nacional. "Echamos toda la carne al asador" dice Pime, y se coció muy bien.

Los cuatro planearon batallas épicas rompe oídos. El público se extasió al ver a T-Killa, Gino, Danger y Sipo (todos representantes de la "vieja" escuela del freestyle, formada en las primeras ediciones de la BDLG en México), pelear con sus homólogos de la era actual, Aczino, Pala, Lirika Inverza y Jack. Los brazos se alzaron y las cabezas explotaron para apoyar este evento que, como ya se dijo, era el primero en reunir generaciones como familias.  

El formato para los encuentros era el siguiente: En el primer round los contendientes rimaban a capela los versos que habían escrito previamente. En el segundo, rimaban sobre un beat de su elección, lo cual hacía que las líneas preparadas fluyeran como en una canción. Para el tercero, el round que le dio punch a los encuentros, los MCs podían hacer de todo con tal de derrotar a sus contrincantes. Tenían la oportunidad de rapear a capela, tirar rimas preparadas o improvisarlas allí; además de usar artilugios o subir a otros raperos a la tarima. Los seleccionados usaban rimas, beats, gente del público y casi todo a lo que tenían acceso para apoderarse del tercer round de Línea 16.

Las batallas de la liga continuaron y en 2015 se organizó la versión Contra el mundo, la última edición de la liga que Pime ayudó a gestionar, marcando así su fin en la relación con Línea 16. Pero en esa ocasión, las batallas fueron internacionales: T-Killa y Aczino se enfrentaron contra los chilenos Gran Rah y Kaiser, mientras que RC y Jack se rifaron contra los argentinos Papo y Sony. También hubo batallas entre nacionales, como la de Eric el Niño contra Muelas de Gallo, que causó una impresión enorme entre los asistentes por su calidad y la cantidad de punchlines que se tiraron en la tarima. 

Con esto, Pime empacó la escena del freestyle y las batallas escritas en su mochila para llevársela de viaje a donde quisiera. Sus eventos se consolidaron en Hispanoamérica y eso le dio un crédito que jamás había tenido. Aczino, uno de sus amigos y MCs más cercanos, tuvo la oportunidad en ese año de competir en la BDM chilena, un torneo organizado por Satul que tenía un gran jale entre la comunidad latinoamericana, y se llevó con él el renombre del país junto con todo lo que ya se había logrado.

Colisevm

Pime apoyó el tránsito de Aczino por la BDM Deluxe al darle publicidad a sus participaciones en las redes de Línea 16. El MC mexicano rapeó primero contra Deseb, luego JNO, Kodigo y finalmente contra Teorema: ganó todas las batallas en Chile con la gorra bien puesta, sin dejar de mencionar que en México la liga chilena es una inspiración. La victoria de Aczino se transformó pronto en una serie de invitaciones a Pime para organizar eventos y batallas de cala internacional.

Después de Línea 16, nuevas puertas se abrieron en el mundo de las batallas escritas para Pime. Colisevm llegó como un proyecto propuesto por un integrante de Apothheosis Mvsic. Juntos pactaron nuevos encuentros, entre las cuales se coló el regresó de un Hadrián que ya se encontraba perdido en el mundo del rap, y planearon la organización de esa nueva liga de batallas escritas. 

Colisevm se dio a la tarea de reunir a personajes talentosos, como Arkano, Aczino, Dtoke y Hadrián en la tarima del centro de espectáculos VD+. Para el 29 de agosto de 2015 todo ya se encontraba en funcionamiento: los MCs tiraban sus rimas en medio de las cámaras, la gente movía las manos y Colisevm se inauguraba como creación auténtica de Pime. Él era el verdadero emperador romano del Coliseo, aunque su lugar siempre estuviera detrás del escenario. Ese logro, junto con todos los anteriores, le bastó para recibir una llamada inesperada de un representante de Red Bull que le proponía organizar la BDLG en México. 

La distribuidora de bebidas energéticas se fijó en él después de haberlo tenido como gallo; después, incluso, de haber juzgado sus participaciones y videos sin saber que su mente era la que estaba detrás de eventos como Línea o Eligere. Pime no se tardó en hacer arreglos con ellos: trajo a MBaka, el famoso presentador de las batallas en la BDLG, regresó las eliminatorias presenciales y fungió como juez en la selección de los gallos para esa edición. Además, consiguió fundir su proyecto personal, Eligere, con el nombre de la liga para dar a conocer el evento como Eligere / Red Bull Batalla de los Gallos 2015.

Eligere / RBBDLG 2015

La final nacional de Batalla de Gallos 2015, organizada por Pime, se realizó en el Rock Son Madero, en el centro histórico de la CDMX. Hadrián, Arkano y Feli Dávalos fungieron como los jueces que le dieron la victoria a Aczino, una vez más. Pero la historia no se acabó allí, ni cercanamente, pues BDM también buscó a Pime, a través de Satul, para que recreara este torneo en México. 

Ya que el concepto se había convertido nacional, Pime no dudó en encontrar a los encargados de distintas sedes en la república. EN 2016 viajó, junto con la caravana de la BDM, para encontrar el talento oculto dentro de diez ciudades. Con shows invariables de Hadrián y Aczino, buscó a los maestros mexicanos que representarían al país en la BDM chilena. Y eso es lo que hace hasta ahora, invariablemente, para continuar con la tradición del freestyle.

Colisevm, Eliegere y BDM son los proyectos que Pime ha alimentado hasta convertirlos en las mecas de los batos que hacen freestyle en la república mexicana. En retrospectiva, todo el esfuerzo que se cocinó desde los casetes, las productoras independientes y los eventos que no jalaban, parece haberle conseguido una visibilidad sin precedente al freestyle mexicano.

Gracias a la escuela forjada en esos torneos, México alcanzó un nivel consistente a nivel batallas, sin mencionar que dejó de depender de una BDLG fluctuante. Ahora, los rapers que se funden con sus rimas en los escenarios nacionales, tienen reconocimiento en la mayoría de los países hispanohablantes, como Chile o España. Y todo eso debido a que un bato apasionado por el rap tomó su computadora y decidió empezar a producir y a organizar eventos.

Las grandes escenas se construyen así: con esfuerzo, picando desde abajo para llegar a convertirse en verdaderos hitos. Se forman con los talentos y es eso mismo lo que buscan constantemente; sin interesarse por obtener grandes ganancias o migrar a conveniencia entre países para asegurar que siempre fluya el dinero y las bebidas energéticas. Red Bull lo hizo así, pero, por fortuna, varios MCs, freestylers y personalidades clavadas en el rap en México, como lo fue Pime, se dieron cuenta de que ese no era el camino y forjaron uno propio. 

Los rumores empezaron a circular en agosto, después de que L.A. Reid dejara caer que A Tribe Called Quest sacaría nuevo disco antes de que acabara el año.

Pensé en Jimi Hendrix y en sus decenas de proyectos póstumos. Deseé que no fuera uno de esos discos puñeteros de "Lo mejor de". Para finales de octubre ya corría por todas las redes. La portada apareció en Instagram y fue de aquí para allá siempre acompañada de la misma pregunta: ¿Estará Phife (murió el pasado marzo) en este disco? Cuando vi que la respuesta era un "sí" rotundo, fue como si estuviera de vuelta en 1988, muriéndome por escuchar lo nuevo de A Tribe Called Quest.

Y me sentí bien.

Durante las siguientes semanas esperé ansioso. Me descargué We Got It From Here, Thank You 4 Your Service nada más salió e intercambié varios mensajes con mi hermano. ¿Cómo sonaría un disco de Tribe después de todos estos años? Esperaba que más como Low End Theory o Midnight Marauders y menos como Beats, Rhymes, & Life o Love Movement. Las cuatro primeras canciones se parecían más a las últimas que a las primeras. Se notaba mucho la influencia de Q-Tip. Pero cuando llegué a la quinta canción, "Dis Generation", salí de esa escucha prosaica:

Q-Tip: In the box with the capital G, balling the beat
Phife: Status, Chris Paul and John Wall in the league / Grabbin' mics till the knuckles'll bleed,
Q-Tip: 'cause I believe
Phife and Tip: The potent and the quote will have ya geek
Phife: like speed / If rationale is naturale, then we'll weave / It's all edges and peaks / Settin' picks, we on a permanent steez

Como siempre, Q-Tip y Phife se complementaban a la perfección, Tip era el tipo abstracto mientras que Phife era más un fanático del deporte con un interés por las calles. El primer minuto permaneció sin cambios, y luego continuó el intercambio entre Tip y Jarobi. De repente, no solo estaba emocionándome ante la promesa de algo nuevo; si no que me sentí afortunado simplemente por estar escuchando aquello. Me hizo recordar el momento en que me enamoré de Tribe por primera vez.

La emoción ante la expectación ha desaparecido con el fan moderno, se ha transformado. En lugar de emocionarnos por un nuevo disco, los fans ahora esperamos uno. Eso hace que se inviertan los papeles de la relación entre el fan y el artista. Antes el fan agradecía que le dieran algo, ahora el fan cree que el artista le debe algo.

En 1988 cuando escuchamos la voz de Q-tip por primera vez en el tema "Black is Black" del disco Straight Out The Jungle de Jungle Brother —"Ahora aquí tenéis a Q-tip de A Tribe Called Quest"— era normal escuchar la voz de un MC o de su grupo, flipar con ello y luego no volver a escuchar nada de él. En algunos casos, escuchábamos un nombre —los Violators, por ejemplo— sin saber quiénes eran, aparecían en los créditos de todos nuestros discos, y nunca supimos nada más de ellos.

Q-Tip salía en dos temas de Straight Out the Jungle: "Black is Black" y "The Promo". El primero era el más cabrón y la voz de Q-Tip era una cosa adictiva, pero fue el segundo el que me hizo querer escuchar más de él. Aparte de que la canción fuera más dura, en esos 50 segundos descubrimos que A Tribe Called Quest estaba formado por Q-Tip y su DJ, Ali, y que podíamos esperar algo más de ellos en abril ("un mes después de marzo, dos antes de junio").

Mi penúltimo año en el instituto empezó con la proliferación de pandillas de LA en Denver. Los tiroteos desde coches y las peleas entre pandilleros se convirtieron en el pan de cada día. O estabas en una pandilla o practicabas deporte, de lo contrario eras un completo marginado. Y eso era justo lo que éramos mis hermanos y yo: completos marginado. Nos autobautizamos como "Da Fellas" (Los colegas) –en homenaje School–, y nos flipaban los Jungle Brothers. Su música era una mezcla de orgullo negro, salir de fiesta y hip-hop puro y duro. Para nosotros eran los más molones, y ¿qué adolescente de instituto no quiere molar?

Era noviembre de 1988, y saber que quedaban cinco meses para que saliera un disco con un rollo similar era un regalo que no estábamos acostumbrados a recibir. Estamos hablando del mundo de antes de internet y antes de que existiera cualquier revista de hip-hop viable. Nos enterábamos de que iba a salir un nuevo disco cuando veíamos un vídeo musical o, si el sello ponía algo de pasta, veíamos los carteles promocionales en nuestra tienda de discos del barrio, Discos y Cintas de Russell— Russell era la tienda de discos regentada por un negro donde comprábamos todos nuestros discos— y, antes de que hubiera un Blockbuster, allí alquilábamos también todas nuestras películas.

Abril llegó y se fue. Y no había ningún disco de Tribe a la vista. Pero Q-Tip apareció en el debut de De La Soul, 3 Feet High and Rising, que se publicó en marzo del 89. Y en el tercer corte del disco, la remezcla de "Buddy", no solo escuchamos a Q-Tip, sino que también tenemos la primera aparición de Phife Dawg, la presencia de Queen Latifah —que lo estaba petando en la radio con "Princess of the Posse" y "Wrath of my Madness"— cantando, la representación de The Jungle Brothers y otra colega, Monie Love, desde Londres. (En uno de los mayores desaires de los primeros días del rap, Phife quedó completamente fuera del vídeo. Algunos dicen que fue por la duración del tema, pues la remezcla dura poco más de 7 minutos, pero aún así...). En resumen, pronto descubriríamos que esta gente representaba el movimiento de Native Tongues, un colectivo que se separaba de muchas de las tendencias de esa época y se centraba en la conciencia negra.

A finales de los 80 y principios de los 90 el crack se había extendido por todo el país. El dinero fluía y los raperos de Nueva York reflejaban esa vida. El estilo del hip-hop quedó definido por las gruesas cadenas de oro y la ropa hecha a medida de Dapper Dan. Pero los artistas de Native Tongues dieron la espalda a todo eso, cada uno a su manera. The Jungle Brothers, el primer grupo visible del colectivo, tenían una expresión más abierta del orgullo negro y De La Soul eran los raritos, con un nivel de chistes que no se escuchaba en el rap de la época. A Tribe Called Quest era más como una persona negra del día a día, como pudimos descubrir pronto cuando por fin sacaron un vídeo, "Left My Wallet in El Segundo". Como habíamos esperado, Tribe, tanto por sus pintas como por en su expresión, estaban en el mismo lugar que nosotros. Nosotros también luchábamos por encontrarnos en un mundo donde la gente asumía cómo tenía que ser un fan del hip-hop, siendo conscientes de que la gente nos consideraba nerds a pesar de mostrarnos de forma natural tal y como éramos. Cuando por fin salió el disco en abril (un año después de lo prometido) fue tal y como lo esperaba: reflexivo, ecléctico y lleno de samples inesperados.

Durante mi primer año en Clark Atlanta, "Bonita Applebaum (Hootie Mix)" sonaba en los cascos de todo el mundo y en los altavoces de cualquier fiesta. Tribe había conseguido un sólido grupo de seguidores, pero no tenía ninguna expectativa por qué vendría después. Nada más ver las imágenes en negativo, el stop motion y las Polaroids de los primeros segundos del último vídeo de Tribe, sabíamos que estábamos ante algo especial. Y la canción... ¿Qué no se ha dicho ya sobre "Check the Rhime"? Phife llega a tocar el cielo. Era el verano del 91. Ese verano andaba por casa y mi hermano y yo nos pasamos tantas veces por Russell —preguntando por la fecha de lanzamiento, si iban a regalar los carteles promocionales y dando la lata todo lo que podíamos y más— que estuvieron a punto de prohibirnos la entrada.

Por fin, después de meses de espera, salió Low End Theory, y fue una sensación en todas partes, desde la Universidad de Atlanta hasta el USA Today. Tuvo un papel clave en el origen del sonido cargado de samples de jazz que marcaría el rap de Nueva York en los próximos años y fue un disco lo suficientemente sustancioso para que los fans se sintieran satisfechos. Si Tribe nunca hubiera sacado otro disco, nos habríamos quedado satisfechos con el clásico. Ver a Q-Tip, Phife y Ali en ese punto —después de las medallas negras y antes del hardcore— era como ver un reflejo de dónde estábamos. Nos estábamos sintiendo cada vez más cómodos en nuestra propia piel y encontrando nuestras voces.

Por desgracia, esa era estaba llegando a su fin. El siguiente disco, Midnight Marauders, es personalmente mi favorito, sobrepasa los dos primeros sin ninguna duda. (Hoy todavía sigue abierto el típico debate de cuál es mejor, Low End o Midnight, así que podéis imaginaros lo intensa que era la discusión por aquel entonces). Pero el mismo día que salió Midnight Marauders, 9 de noviembre de 1993, Wu-Tang Clan irrumpió en la industria por la puerta de atrás con Enter the Wu Tang (36 Chambers), el rap empezó a adoptar un sonido más oscuro y violento y el tipo de música que hacían Tribe acabó quedándose obsoleto.

Esperé ansioso a que saliera Beats, Rhymes, and Life, pero cuando lo escuché me pareció que algo no cuadraba. Algo me decía que no era ni los beats de Dilla ni la presencia de Consequence. Lo que fallaba era la química. Que hubiera una canción solo de Q-Tip era algo normal, y también que hubiera otra solo de Phife, pero que hubiera una donde los dos casi ni intercambiaban unos versos... y donde solo destacaban las voces invitadas... eso no acababa de cuadrar. El Love Movement no era más que una formalidad, se notaba que lo hacían por pura fórmula. Cuando Tribe anunciaron que se separaban, a nadie le pilló por sorpresa, fue más bien un alivio. Esos discos para mí fueron como si el idealismo de la universidad se hubiera abierto paso hacia la vida real. Ya nada parecía encajar, aunque volver a escuchar esos discos otra vez años después me hizo apreciarlos más.

Para el 2011, Tribe había se había ido de gira con Rock the Bells e iban a sacar un documental, que parecía ser un anticipo de un nuevo disco. Pero ese docu, Beats, Rhymes, & Life: The Travels of a Tribe Called Quest, además de justificar nuestra opinión sobre los dos últimos discos, acabó con cualquier esperanza de que algún día pudiera haber una verdadera reunión. ¿Una actuación? Eso era una novedad. Flipé como cualquier otro fan cuando Tribe actuaron en el programa de televisión Late Night with Jimmy Fallon, pero tampoco esperaba que saliera nada más de eso. Sin embargo, al parecer empezaron a hacer planes para un nuevo disco esa noche. Y luego hace ocho meses, Phife murió. Fue algo inimaginable, como perder a un miembro de tu familia.

Antes ya teníamos la sensación de que nunca volveríamos a escuchar otro disco coherente de Tribe, y la muerte de Phife parecía confirmar nuestras sospechas. Habían surgido ciertas desavenencias desde que Q-Tip había empezado a incluir una mayor producción (con la consecuencia de que no puede evitar ser entrevistado sin que se le pregunte si arruinó o no al grupo).

"Dis Generation" me llevó de vuelta a unos tiempos antes de que todo eso me pareciera relevante.

Es un tema de Tribe clásico aunque actualizado, con un ritmo que va y viene. Tenemos un sample del año de todos los años, 1976, de una banda argentina nada menos; tenemos a Musical Youth, tenemos a los mejores tiempos de Tribe. ¿"Movin Backwards"? Colega, eso es hacer trampa. Anderson .Paak ha hecho arder cualquier cosa en la que haya puesto su voz este año. Evoca el espíritu de los grandes como Curtis Mayfield y Bobby Womack, así que con solo soltar una línea sencilla como: "Cómo se supone que debo saber cómo es estar en casa, si ni quiera estoy en mi hogar", evoca sentimientos de pérdida y pensamientos hacia los esclavos negros que fueron llevados hasta los Estados Unidos con cadenas. Y aunque Q-Tip es algo abstracto, lo que está diciendo es: "someterte a tus plegarias estos días es ir para atrás, es solo por las apariencias", y eso me hizo pensar en el significado más profundo de todo el proyecto.

Es el disco más político de A Tribe Called Quest hasta la fecha, y ha llegado en el momento más oportuno. El hecho de que pueda sacarle algo más con cada escucha me demuestra que We Got It From Here más que ser oportuno para los días que corren, es atemporal. Una vez más, Tribe han hablado por nosotros.

A medida que empezó a materializarse la realidad de la presidencia de Trump, también se materializó la conversación sobre hacia dónde podríamos dirigirnos. Mucha gente de color evocábamos el personaje de Nas en Belly, declarando sinceramente que íbamos a volver a África si Trump salía elegido. En "The Space Program" Tribe conceptualiza esta idea y utiliza el espacio como analogía, y menudo gancho: "no hay un programa espacial para negros, sí, estás aquí atrapado negro". Toda una profecía. Trump ha sido elegido, y no ha habido una emigración masiva. "We The People" trata tantos temas que podría ser una conversación en una barbería. Habla sobre la gentrificación, la amenaza de Trump de deportar a los "indeseables", la desigualdad de género. Está llena de temas sociales para adultos, y ahí está la cosa. Cuando éramos más jóvenes, la identidad era nuestra prioridad. Canciones como "Sucka Nigga" sacaba a relucir el debate sobre si debíamos o no utilizar esa palabra. Y, aunque ese tema todavía es importante, la amenaza de que infrinjan nuestras libertades civiles pasa a situarse en primera línea.

Así que cada vez que veo a A Tribe Called Quest después de esto, simplemente me parece una bendición. Su aparición en el programa Saturday Night Live es una bendición, la tienda pop-up We Got It From Here es una bendición. Las colaboraciones con Andre 3000, Elton John y Busta Rhymes son también todas ellas una bendición. No podría haber esperado nada de todo eso, pero sigo esperando con ilusión que las grabaciones que nunca se publicaron, las ideas que se quedaron en el tintero, que el EP y disco de Phife (!) algún día salgan a la luz. Espero que salga un nuevo disco y que ese momento pase a formar parte de mis recuerdos como sucedió con el resto de discos de Tribe. Espero que algún día pueda decir que We Got It From Here, Thank You 4 Your Service es un clásico. Y todo eso es una bendición.

SDQ ha sido editor e investigador sobre hip hop desde hace 30 años. Conoce su trabajo en Medium.

Traducido por Rosa Gregori.

Sí, ya sabíamos, los políticos son mucho más salvajes que cualquiera de nosotros.

Estos viejitos de apariencia inofensiva que supuestamente se la han pasado toda la vida leyendo y que la montan de ilustradísimos diciendo que la única arma es la palabra, los mismos que con sus discursos anacrónicos y amañados dicen representar pueblos enteros para terminar sumiéndolos en las crisis más estrepitosas y que en la televisión salen con la mirada perdida en el horizonte pidiéndonos que votemos por ellos, esos, guardan entre pecho y espalda planes maquiavelicos. 

Ya los hemos visto diciendo cualquier cantidad de mentiras  y han orquestado corruptelas elaboradísimas, desapareciendo a diestra y siniestra, instigando a quien toque, pasándose las leyes por el culo. Son unas joyitas de quinta estos lagartos antropomorfos.

Francamente merecen párrafos y párrafos de improperios, pero esta vez prefiero ahorrármelos para darle paso al simple disfrute de verlos pelar el cobre mientras sacan a relucir su estado más primitivo.

Ver a la clase política de un país cagándose a golpes pasa, en un santiamén, de ser un espectáculo bochornoso a ser una pieza de arte digna de los museos más reconocidos del mundo. O cuánto pagaríamos por ver un bonche entre Santos y Uribe, o entre Piedad Córdoba y Paloma Valencia, ¡millones!, yo daría millones por presenciar eso en una suerte de Celebrity Deathmatch Political Elite Edition.

Pues ahí no para el disfrute. Resulta que la potencia artística de esta escena, que sucede en el parlamento de Turquía mientras se discutía una propuesta de enmienda constitucional que podría terminar en el juicio de varios legisladores kurdos, fue combinada con exactitud milimétrica por algún genio del internet con el hardcore punk veloz y agresivo de Minor Threat, dando como resultado una pieza bastante catártica, perfecta para ver y descargar las tensiones de la semana sin terminar en la cárcel.

Mira y disfruta.

Así que parece que, literalmente, Shia Labeouf quiere ser rapero en serio. Cinco semanas después de su aparición en 5 Fingers of Death, "el Tupac judío" ha publicado otro freestyle con letras espirituales mágicas. Esta vez es en respuesta a Peter Rosenberg de Hot 97, quien cuestionó las habilidades de Shia durante su sesión con Lil Yatchy.  

Como es predecible, Shia dice que Rosenberg es viejo y Yachty no tiene experiencia, además de aventar un par de indirectas en donde se incluye a Drake y a Vin Diesel, lo que para nosotros es llevar las cosas demasiado lejos. El tipo ha sido Riddick y Xander Cage, además de que es considerablemente más grande que Shia. En cualquiera de los casos, puedes escuchar el freestyle aquí abajo vía TMZ. Es mucho mejor que el pasado. 

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A veces los caminos de la gente se juntan y las consecuencias pueden ser monumentales para el mundo: Bush y Blair. Obama y Trump. Elton John y Kiki Dee. Pero nadie podría haberse imaginado la colisión que ocurrió hace apenas nueve horas en los British Fashion Awards, cuando el destino se alineó para poner a Skepta y Marilyn Manson en el mismo edificio—y frente a la misma cámara de un iPhone—para ser inmortalizados en una publicación de Instagram. 

La reuniones entre artistas siempre están llenas de misterio, se presentan al público con una frase pegajosa y la imagen, nada más. Así que debido a la ausencia de información real sobre esta muy importante situación, decidí  hacer una lista de temas de conversación que pudieron haberse desenvuelto entre dos hombres cuyos únicos puntos en común son hacer hits y lograr que la ropa negra se vea increíble. 

1) La moda
Skepta es un hombre que siempre se ha visto bien en ropa negra, y Marilyn Manson hizo que el labial negro se convirtiera en mainstream. Imagínate lo que podrían lograr los dos con un par de lentes de sol—explotaría un nuevo trend en un abrir y cerrar de ojos. 

2) Escuchar la música del otro
Y espero que esto realmente haya pasado, porque la imagen que llega a mi cabeza es algo muy parecido a "La creación de Adán" de Miguel Ángel. ¿No crees que Skepta puede mover la cabeza al ritmo de "The Beautiful People", de la manera en la que solo un fan de Marilyn Manson lo hace?, ¿Puede Marilyn Manson escupir a tiempo los versos de "Man (Gang)", raramente haciendo una pausa para tomar aire? La respuesta a ambas preguntas es, obviamente sí. Cuando dos personas famosas se conocen, es casi cien por ciento seguro que los dos se sienten cómodos con el catálogo creativo del otro. 

3)  Jacuzzis 
Ah, la sensación de agua burbujeante en áreas sensibles. La calidez y frescura de agua caliente mezclada con sales de baño. Nada se compara a este sentimiento, el cual se puede asumir que ha sido discutido a fondo entre estos dos maestros. 

4) Muerte 
Ni Skepta, ni Marilyn Manson son nuevos con los temas relacionados con la parca— Manson, después de todo, lo utilizó como una técnica de marketing. Tal vez los dos están uniendo fuerzas para hablar de uno de los temas más difíciles que existen, esto para que tú no termines a las 4 am acostada en posición de feto mientras le cuentas a tus amigos cómo es que te afectó la reciente muerte de tu perro. 

5) Van a colonizar Marte 
Imagínate un planeta gobernado por estos dos. No solo los dos saben cómo hacerlo de manera natural (parece que es algo que viene en sus genes), si no que además la estética estaría fuera de serie.  

6) ¡Comida" 
Esto es, lamentablemente, lo más probable. Cualquiera que va a un evento donde hay tantas bebidas y comida gratis encuentra la manera de meter un par de bocadillos a sus bolsillos. Es una forma de combatir al capitalismo y a la desnutrición que hay en el mundo. Y sé que no soy la única que lo hago, ¿verdad? Gracias. Skepta y Manson son seres humanos. Es fácil asumir que también roban comida de los buffets que hay en los eventos. Es la forma en la que el mundo funciona. 

Habiendo cubierto casi la mayoría de las posibilidades, creo que he acercado a la humanidad a entender una de las mejores reuniones de nuestros tiempos. Y a cambio de mi labor, no pido absolutamente nada—más que una copia de esta foto, en tamaño poster, para colgar encima de mi cama. 

(Image vía Skepta en Instagram)

Hermosa Beach en Los Angeles, California vio formarse a Descendents. Era 1978 y en la guitarra estaba Frank Navetta (1962–2008), Tony Lombardo en el bajo (quien toco desde el primer ensayo, hasta I don't want to grow up de 1985) y Bill Stevenson en la batería (el minucioso productor musical, el compositor que parece niñote, el segundo baterista de Black Flag, el líder total de Descendents y ALL, el sobreviviente a un tumor cerebral, y uno de los fundadores del punk pop). Juntos iniciaron esta aventura que se acerca cada vez más a cumplir cuatro décadas.

En 1979 grabaron "Ride the wild" junto a "It's a hectic world", dejando escuchar ese amor por The Beach Boys o The Beatles, y la admiración hacia The Last, The Ramones o The Dickies. Un par de años después entró a la agrupación el cuatro-ojos –aquel dibujo que miles de seguidores ahora tienen tatuado en alguna parte de su cuerpo, o portan con pasión en una playera–, Milo Aukerman. Ese 1981 grabaron Fat, un EP donde comenzaron a encontrar su sonido que influenciaría al centenar de bandas que han desfilado –y lo siguen haciendo– por Epitaph Records, Fat Wreck Chords, Nitro Records, etcétera.

Rápidamente formaron parte del movimiento punk que se vivía en aquel entonces, en la costa izquierda de Estados Unidos, sin necesitar del estereotipo o poder de ese tiempo –el odio impreso en sus melodías hacia el presidente, Ronald Reagan– para gustar a miles de adolescentes que vivían furiosos. Su refrescante ritmo –tal vez derivado de las grandes cantidades de café que bebían, los pedos que se tiraban y sus días de pesca– no se había escuchado antes. Los hardocre kids, punk rockers, skinheads, skates, surfers y más subnormales que se refugiaban en los shows de punk –bajo sus vestimentas y la manera de vivir la juventud como unos desquiciados: golpeándose hasta sangrar, escupiendo en medio de las presentaciones de Circle Jerks, The Adolescents, Agent Orange, Dead Kennedys y más–, contemplando a estos tipos que proyectaban un sentir más personal, nadie imaginaba que un futuro científico, cantando con el corazón, desprendía tanta angustia desde lo más profundo del pecho.

Milo goes to college llegó en 1982. Todos, en medio del pogo y un baño de sudor en pleno verano californiano, se presentaban en sociedad gracias a "I'm not a loser", cantando: Think that I'm a loser / 'Cause no my pants are too low / Think that I'm a slob / 'Cause I got holes in my shoes / Think my cock is like / Just like my dirty shirt. También se enamoraban con "Hope": When he starts to lie / You know I'll be there / My day will come / I know someday I'll be the only one. Pero lo mejor, lo que a muchos nos convirtió en Descendents-maniacos, fue el: I want to be stereotyped / I want to be classified, de "Suburban home". Ninguno fan se salva de haber sentido algo así.

Persisten gracias a ex miembros como David Nolte (bajista), Ray Cooper (guitarrista), Doug Carrion (bajista) o el break que se tomaron cuando Milo regresó a la universidad a estudiar bioquímica, y Bill se unió a Black Flag. A su regresó lanzaron I don't want to grow up en 1985. Enjoy! vino al año siguiente. Desde esa fecha –entre sueños por la ciencia y prioridades de otro tipo– se mantienen con la misma alineación: Milo (voz), Bill (batería), más el nuevo ingreso de los amigos Karl Alvarez (bajo) y Stephen Egerton (guitarra), inyectándole al punk toques melódicos, contagiosos coros, y clásicos discos de punk rock como All (1987), Everything sucks (1997) o Cool to be you (2004). No obstante, su nueva producción Hypercaffium spazzinate salió apenas este año y podrían –más bien, deberían– ser miembros del salón de la fama del rock. Su trayectoria es larga. Sus seguidores existen en cualquier parte del planeta. Su logotipo aparece por todos lados. Y a pesar de eso, se mantienen como un grupo de culto para seres humanos que se niegan a comportarse como adultos.

Descendents son tan peculiares que su discografía irónicamente puede chocar con la discografía de su antítesis: ALL (banda en la que no ha participado Milo, sino Dave Smalley, Scott Reynolds o Chad Price en las vocales). Igualmente se puede mantener la bonita tradición de llegar a ellos gracias a algún Punk-O-Rama, o tal vez a primera vista, debido a lo llamativo de sus portadas, como con el EP de nombre 'Merican (2004), su sencillo "I'm the one" (1997), algún disco en vivo como Liveage! (1987) o con su recopilación Somery (1991).

Este cuarteto son los genios del punk melódico, de las canciones pop dentro del punk. Es un grupo que podría sacarte las lágrimas al ver su documental Filmage: The story of Descendents/ALL. Y bueno, como pueden comprobar, somos devotos de la banda, y cualquier pretexto para hablar de ella, por mínimo que sea, es suficiente. Y pues sin duda no hay mejor pretexto posible que el hecho de que vienen por primera vez a tocar a México y los vamos a ver en vivo. Esto será una realidad este próximo sábado 10 de diciembre en la Carpa Astros. Con todo esto en mente, pensamos que lo más propicio para calentar motores, era buscar a algunos fanáticos del cuarteto y charlar con ellos sobre la banda, sobre su influencia y sobre la oportunidad de verlos en vivo en la capital mexa por primera vez. 

Checa lo que nos contaron. 

Helena Rodríguez de 30 años – Docente de filosofía en Querétaro, Querétaro

Noisey: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste a Descendents?
Helena: La primera vez que los escuché fue hace como 15-14 años en el cumpleaños de un amigo.

¿Qué fue lo diferente que sentiste tiene Descendents a comparación de otras bandas de punk rock?
Los diferencia es que al escucharlos, para mí es como hablar de todo lo que siento y pienso. Es más una banda de gusto personal que social.

¿Cuál es tu disco favorito?
En realidad son dos: el Everything sucks y Milo goes to college. Me parecen son discos atemporales.

¿Qué canciones son las que más esperas que toquen?
"Hope", "Suburban home", "Myage", "Without love" y "Nothing with you".

¿Qué Descendent es tu favorito?
Bill, creo que tiene un sentido del humor demasiado peculiar, pero también Milo por nerd.

Andrés Carrillo de 30 años – Maestro del CETI de Guadalajara, Jalisco

Noisey: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste a Descendents?
Andrés: Tenía alrededor de 16 años. Ni siquiera me gustaba el punk rock. Mi gusto musical empezaba apenas a formarse. Recuerdo bien que trabajaba en una fábrica de plásticos, ahí conocí a un amigo. Un día le pregunté qué música le gustaba y en vez de responderme al instante, al otro día me llevó un casete grabado. Para ese entonces aún se usaban los walkman. Cuando puse el casete y le di play al artefacto, la primera canción que comenzó a sonar fue "Clean sheets".

¿Qué fue lo diferente que sentiste tiene Descendents a comparación de otras bandas de punk rock?
Lo que noté primero fue ese bajo fuerte y arpegiado, no sé cómo expresarlo, pero es esa diferencia de un bajo donde los dedos parecen caminar sobre las cuerdas y no aquel rasgado bruscamente. Luego están esos sentimientos románticos, nostálgicos y de furia juvenil que expresan sus letras.

¿Cuál es tu disco favorito?
I don't want to grown up, por la portada y el título. A los 18 años nadie quiere crecer y hacerse adulto. Además ese sonido de pop ochentero de algunos tracks… Ah, casi lo olvidaba, por "Silly girl".

¿Qué canciones son las que más esperas que toquen?
"Clean sheets" (fue la rola con la que los conocí y además es una de sus mejores canciones), "Silly girl" (la letra), "Get the time" (ese Milo es un romántico empedernido), "When i get old" (creo que es una canción que transmite realmente esa angustia por crecer, hacerse adulto, con responsabilidades y convertirse en un viejo), "Everything sucks" (porque la realidad muchas veces es tan dura, que realmente apesta estar aquí).

¿Qué Descendent es tu favorito?
Esa es fácil: Milo. Hay que verlo en sus años mozos: es imposible no proyectarte en alguien que en apariencia es el nerd de clase y que por las noches se transforma en un ídolo punk, como si fuera una especie de súper poder. Además, creo que es una de las voces más representativas del punk americano.

Alejandra Mendoza de 26 años – Psicóloga de la CDMX

Noisey: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste a Descendents?
Alejandra: La primera vez que los escuché, fue cuando estaba viendo la compilación del Punk-O-Rama y vi el video de "I'm the one".

¿Qué fue lo diferente que sentiste tiene Descendents a comparación de otras bandas de punk rock?
Sus letras son muy originales, sencillas y reales. Las canciones son cortas, como casi todas los temas punk.

¿Cuál es tu disco favorito?
El primero, Milo goes to college, porque me sentí igual cuando me fui a la universidad y todos mis amigos, los mejores que tengo y aún conservo, se quedaron en la preparatoria.

¿Qué canciones son las que más esperas que toquen?
A pesar de que es la tercera vez que los voy a ver, me emociona el hecho de verlos en mi país con mi novio, quien estará por primera vez en un show en México. También con mis amigos, y mi hermano. Por ello quiero escuchar "Thank you".

¿Qué Descendent es tu favorito?
Milo, porque admiro que es una persona preparada, estudió biología, es punk y nerd como yo.

Mario Hernández de 22 años – Estudiante de fotografía y publicidad de Xalapa, Veracruz

Noisey: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste a Descendents?
Mario: Tenía unos 16 años, me latía bandas como Black Flag y Bad Brains, y como escuchaba sus rolas en YouTube, me salían en las sugerencias los Descendents. Así los topé.

¿Qué fue lo diferente que sentiste tiene Descendents a comparación de otras bandas de punk rock?
Tenían letras muy diferentes, hablaban de cosas que te pasan cuando eres adolescente. Bueno, de adulto también... Algo que recuerdo y escuché en el documental, era que en esa época las bandas de punk hablaban sobre Reagan y política, pero los Descendents no, traían otra onda más de inconformismo, pero contigo mismo, sobre la vida cotidiana.

¿Cuál es tu disco favorito?
Everything sucks y Cool to be you. Me gustan porque me identifico con las letras de las rolas pertenecientes a esos álbumes.

¿Qué canciones son las que más esperas que toquen?
Sin duda espero "Nothing with you", "When i get old" y "Eveything sucks". También "One more day", se me hace bien nostálgica esa rola, como que te dan ganas de llorar jaja… "Cheer" es otra canción que espero, me mata esa parte donde dice Don't want to spend the rest of my days singing yesterday's love songs.

¿Qué Descendent es tu favorito?
Bill Stevenson. Porque después de ver parte de su historia en Filmage… te das cuenta que es un bato de ley.

Dulce Molina de 33 años – Psicóloga de la CDMX

¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste a Descendents?
Creo que fue en el Cinema beer nuts o en alguna de esas recopilaciones que compraba en videocasete.

¿Qué fue lo diferente que sentiste tiene Descendents a comparación de otras bandas de punk rock?
No sé, supongo que al igual que otras bandas, ciertas canciones han llegado en los momentos precisos...

¿Cuál es tu disco favorito?
Creo que disco tal cual no tengo, más bien son canciones.

¿Qué canciones son las que más esperas que toquen?
Me encantaría que tocaran "Here with me" y "We".

¿Qué Descendent es tu favorito?
Creo que siempre he admirado a la gente que además de hacer música tienen una carrera y se dedican a la investigación. Sería Milo.

Eumir  Urdiain de 37 años – Director editorial de la Revista Kino y ex integrante de Big Spin de la CDMX

¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste a Descendents?
Por ahí de 1996, cuando todavía era difícil escuchar ese tipo de bandas, época pre-internet/mp3... Un amigo se compró el Enjoy! en los discos rebajados de Mixup. Habíamos visto el nombre en los agradecimientos de otras bandas, pero nunca los habíamos escuchado. Al llegar a su casa lo pusimos y nos voló la cabeza. Me lo grabó en un casete y lo escuché hasta que se desintegró la cinta.

¿Qué fue lo diferente que sentiste tiene Descendents a comparación de otras bandas de punk rock?
Son los amos del punk melódico. Sus canciones tienen melodías que te llegan al tuétano y se te quedan grabadas para siempre. Además tocan y componen muy cabrón, nada sencillo. Son la banda de punk más "virtuosa" y aún así no suenan estériles y sin corazón, como la mayoría de los que se creen los Joe Satriani del punk.

¿Cuál es tu disco favorito?
Enjoy!, tal vez porque es el primero que escuché. Pero todos me gustan mucho.

¿Qué canciones son las que más esperas que toquen?
"We", porque además de que me gusta mucho, me ayudó a superar una etapa muy difícil de mi vida, y me recuerda a una de las personas más importantes de mi vida.

¿Qué Descendent es tu favorito?
Bill Stevenson. Es un genio.

Gabriela Romero de 30 años – Psicóloga de Tijuana, Baja California

¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste a Descendents?
Fue en casa de unos amigos que estaban formando un "intento de banda", yo tendría unos 13-14 años. Uno de ellos era más grande que nosotros y nos mostró unas canciones de ellos.

¿Qué fue lo diferente que sentiste tiene Descendents a comparación de otras bandas de punk rock?
Pues realmente el sonido que tienen es muy familiar por estos lugares, ya que somos frontera y la influencia de California está muy marcada aquí. El punk californiano es amigable y fácil de digerir. Descendents además de atraparme, en cuanto los escuché me daban esa sensación de bienestar y ánimo cada que sonaban a diferencia de otras bandas que tenía que estar en el mood para poder escucharlas.

¿Cuál es tu disco favorito?
Creo que mi favorito es el de Milo goes to college.

¿Qué canciones son las que más esperas que toquen?
Definitivamente la de "Hope", "Everything sucks", "I'm not a punk" y ojalá la de "Dreams".

¿Qué Descendent es tu favorito?
Milo. Obvio a todos los respeto y admiro profundamente.

Wenceslao Bruciaga de 39 años – Escritor de Torreón, Coahuila

Noisey: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste a Descendents?
Wences: Fue en Torreón. Sonic Youth me llevó a Black Flag, y ellos me llevaron a los Descendents. Recuerdo que en Torreón solo podía conseguir casetes de Black Flag. Fue hasta que me vine a radicar a la CDMX cuando en el Chopo finalmente pude conseguir material de ellos. También algunos amigos solían pasarme cosas de Descendents por esa época, ya había visto sus videos en el MTV gringo.

¿Qué fue lo diferente que sentiste tiene Descendents a comparación de otras bandas de punk rock?
Parecieran ser una banda muy irregular y desfasada. Aun cuando tocan desde finales de los 70's, entre las pausas que han tenido, solo tienen siete álbumes de estudio, pero eso los hace ser más una banda de culto, de tormentas privadas, buscando un escape de salida en el punk. Lo diferente me parece que es su cantante-científico, Milo, un frontman muy preocupado por sentir, haciendo una especie de punk académico. Algo así.

¿Cuál es tu disco favorito?
Me encanta ese sonido recurrente que tienen. Sus discos tal vez pueden llegar a sonar muy iguales. Pero hay bandas que suenan así, y no son afortunadas como Descendents. Yo creo que por el hecho de que la mayoría de sus álbumes salieron en años no tan seguidos, eso les ayuda. Los que me sé de memoria son el All y Everything sucks. Everything… lo escuchaba mucho cuando era una especie de obrero digital en Kodak. La recopilación Sumery también es muy buena.

¿Qué canciones son las que más esperas que toquen?
"Clean sheets" siempre me ha gustado muy cabrón. Desde luego "Everything sucks". "Pervert" me llega de una forma muy especial. Y su homónima "Descendents" también me gusta mucho.

¿Qué Descendent es tu favorito?
Milo. Es un güey de lo más bizarro. Me excita un poco esta bipolaridad intelectual que tiene: por un lado es bioquímico y también es el vocalista de una de las bandas de punk más emblemáticas. Es una figura tan represiva, que estoy seguro se le han de ocurrir una gran cantidad de porquerías en la cama.

Surgido de las cúspides ásperas de Tabasco, y prorrumpido de las grandes aguas espesas del místico río Grijalva, llega el predicador y nigromante en germen, Logan Hate. Rapero espiritual, consciente y transportador de un juicio que manifiesta que el hip hop también puede tener espíritu, y no solo fondillos (o corillos). Logan Hate se entierra en la cultura milenaria para radiar un idioma ajeno al cosmético; modula concepciones religiosas, metafísicas, abstractas, literarias e históricas, para introducirnos en un cosmos donde el rap se viste de retórica, de gentileza, erudición y mestizaje. Un mensaje que es el médium: un médium llamado futuro.

Jorge Olivé, alias Logan Hate, tiene 29 años y es originario de Tacotalpa, Tabasco. De Logan Hate, el poeta, locutor, rapero y editor Feli Dávalos ha dicho que: "El estilo de este originario de Tacotalpa, Tabasco, es letrado y cerebral, ejecuta con humildad y sentimiento. La leyenda del Dur An Ki es lo que descansa a la mitad entre J.J. Benítez, Carlos Pellicer y 'Above the clouds'. Una letra mesurada, con discreción en las imágenes, pero pulso firme. Logan Hate hace caligrafía contemplativa, como un aprendiz de hechicero meditando en el claro de bosque".

Los chicos de Ritmos Gordos en Torreón han sentenciado que Logan es: "Un rapping nonstop -muy noventero- aunado a la abstracción metafórica que Logan le ejecuta al condensador, hace que no sea tan batidos de escuchar 36 minutos de temáticas ocultistas y referencias a antiguas civilizaciones, una postura aislada de los bienes materiales como lo dicta el kybalion y el hincapié en todo momento a no olvidarse del título del disco; ésa unión que se está perdiendo entre lo paradisíaco y lo terrenal, entre el cuerpo y la mente, el ser uno con el universo, entender la diferencia entre la cartera medio llena y medio vacía, retomar lo sencillo y el valor que el amor le otorga a todas las cosas, la familia, los hijos, el bienestar".

En julio de 2016, Logan Hate lanzó el Maxi-Single "La palabra es el vínculo", que, continuando con la retórica del Feli, "es una evidencia rotunda de su pericia verbal: una sencilla y lograda reflexión sobre el momento de su vida actualmente".

"La palabra es el vínculo" es esgrima, es lengua, es mística, es sabiduría, pero sobre todo, es la estratagema del lenguaje abstracto a través del rap. A propósito de este Maxi Simple, de los videos que ha sacado, y en general del ciclo alrededor de La Leyenda del Dur An Ki, Noisey llevó a cabo una estupenda entrevista con Logan. Charlamos sobre sus referencias poéticas, místicas y musicales, sobre la definición que se otorga a sí mismo, sobre Carlos Pellicer y Caballo de Troya, sobre Gang Starr y nos regaló una rima que define, en su totalidad, su estilo. Algo completamente inaudito, que no debes dejar de leer a continuación.

Noisey: ¿Cómo es crear hip hop en la "Tierra de Breñas y Malezas" (Tacotalpa, Tabasco), en los linderos del gran río Grijalva?
Logan Hate: Tabasco es increíble. Tacotalpa alguna vez fue capital del Estado y por mucho debe ser mi lugar favorito; la calidad humana del pequeño municipio se ha proyectado para bien en mi carácter y eso se ve reflejado en el aspecto creativo. Puedo decir con certeza que soy el único rapper del pueblo, así que nunca me sentí presionado cuando inicie en esto, fue todo muy puro.
Alguna vez leí: "El rap de pueblo tiene otro aura". Me sorprendo cada día de la certeza de aquel comentario, pero a su medida, el tiempo me hizo ver que dos de los elementos más importantes dentro del hip hop son la comunidad y la competencia, por lo que tuve que salir de mi zona de confort, para coincidir con otros hiphops heads del Estado, salí de casa, pero me llevé al pueblo conmigo, en el corazón y en el carácter. 

"Letrado y cerebral – Humildad y sentimiento", ¿Cómo se definiría a sí mismo Logan Hate en una rima de rap?
"Redacto mis actos en cuerpo entero, no necesito escribir mucho para que sepas que soy bueno, este es mi terreno, pedirle a ese público de Cora, menos Hate… y más de Logan". Dracks Meckaniks.

"Yo solamente soy el vivo espejo de tus sentidos, / La fidelidad en la garganta del volcán" escribió Carlos Pellicer; sin duda, poeta ilustre de Tabasco, y uno de los más destacados artistas del grupo de los Contemporáneos ¿Qué fue lo que te atrapó de él?
La disciplina de escribir todos los días. Nunca dejó de ser poeta, lo era hasta en las cosas más simples, aquel vínculo con lo intimo, con la naturaleza, fue su pasión, "estar árbol a veces, es quedarse mirando, sin dejar de crecer, el agua humanidad y llenarse de pájaros para poder, cantando, reflejar en las ondas quietud y soledad", lo que me atrapa, y no solo de Carlos Pellicer, es ver a alguien comprometido y apasionado con sus proyectos, me inspira, me hace querer emular ese compromiso, hay que ser espejo de esos sentidos.

La vida de Jesús de Nazaret narrada por un viajero en el tiempo, proveniente del Siglo XX ¿Has leído toda la saga de Caballo de Troya de J. J. Benítez?
Para ser sincero no conocía el trabajo de J.J. Benítez hasta que Feli Dávalos asoció, en una pequeña reseña, el disco La Leyenda de Dur An Ki  a su obra. Hace unos meses me propuse actualizar el Bandcamp, busque la reseña para copiarla en la descripción, de nuevo noté la referencia, la curiosidad me llevó a descargar el primer tomo de "Caballo de Troya", apenas dio inicio la lectura y las referencias llegaron a mí. Basta con decir que la historia inicia en Tabasco. Me arrepiento de no conocer su obra antes de escribir el disco, creo que hubiese aportado muchísimo, no lo termino aún, seguro va a influir en un proyecto alterno que tengo, sabes, desde el primer EP que hice como Logan Hate (Born Nazareth) las referencias religiosas y espirituales han guiado una línea de trabajo. En ese EP quise crear una divinidad, dejar aun lado la abnegación y la doctrina, admirando el simbolismo, por eso me ha cautivado esta lectura.

"The Mysteries of creation are there" dice la letra de la canción ' Above the Clouds ' de Gang Starr, el dúo de rap formado en Brooklyn en 1986 ¿Qué representa para ti esta lírica?
Ahora me vengo a fijar que Gangstarr se formó el año que nací, no había prestado atención a ese dato. Moments Of Truth es uno de esos discos que puedes recomendarle a un amigo para introducirlo en esto, es una joya, el sample de "JFK", el verso de Gurú, es uno de tantos tracks donde me di cuenta que podía abordar temáticas diferentes y más complejas a lo que el rap mexicano nos había acostumbrado, ese y otros tracks me quitaron la venda de los ojos.

¿Cómo combinar estos tres elementos en tu más reciente producción discográfica La Leyenda de Dur An Ki?
Sin querer, resultaron ser referencias increíbles, que bueno que las han notado, a veces me aferro tanto al trabajo que pierdo de vista esos detalles y análisis, pero bueno, afortunadamente hay gente como ustedes. He puesto toda mi pasión y compromiso en el álbum, así lo hacía Pellicer en sus poemas, la influencia de Mcs como Gurús para abordar temáticas fuera de guión a lo que la media se acostumbra, el ver una doctrina religiosa desde otra perspectiva y crear situaciones e historias en base a esta visión, creo que es lo mas relevante.

Dur An Ki (Lazo entre el Cielo y la Tierra), era el nombre de los santuarios de Nippur, Larsa y Sippar, en Babilonia. Utilizas el género del Hip-Hop como un medio, un medio que en sí, es el mensaje, como diría Mcluhan; en este caso, el Hip-Hop es un templo. ¿Cómo surgió la idea de La Leyenda de Dur An Ki?
Cuando terminé de promocionar el EP "Born Nazareth", me quedaron dos temas, uno llamado "Los Peces Gordos Nadan en Agua Bendita" y el otro "Krishna"; desde ahí supe el contexto y concepto, pero no tenia un nombre para el disco, fue hasta diciembre del 2014 cuando escribí "Dur An Ki", un track que conscientemente está a la mitad de todo, cuando lo escribí estaba nervioso, emocionado, tuve miedo, era un track completamente personal, que fue catalizador de emociones indescriptibles, me sentí en equilibrio, tanto que pensé llamarlo así "equilibrio", pero no estaba convencido, necesitaba buscar un titulo con el impacto que merecía el acontecimiento, lo nombré "La leyenda", porque incluí algunos elementos de ficción y también para contrarrestar un poco tanto discurso de "rap real" que abunda en el rap mexicano y Dur An Ki por el  vinculo entre cielo y tierra, entre el cuerpo y la conciencia, entre la vida y la muerte.

¿A qué te refieres cuando dices "Haciendo del conocimiento un lazo"?
A la mayor herencia que le podré dar a mi hija, creo que no solo transmitimos rasgos físicos en la genética, también actitudes y aptitudes, algún día todo ese conocimiento que emigra de generación a generación tendrá algún significado universal.

¿Cómo definirías el rap abstracto?
Como un herramienta más o técnica. A fin de cuentas, siempre quieres buenos resultados, para mí es el lograr una conexión con el escucha y generar empatía, esta herramienta permite que los escuchas le den el significado que su estado de ánimo y conocimientos le permitan, lo digo por que así me pasa al escuchar a quienes me inspiran a seguir en esto.

Háblanos de todo el arte visual en Logan Hate, creado por el artista Piethro de Visual Búfalo Film.
Piethro de Visual Búfalo Film se involucró desde el primer momento, le mostré los tracks, le platiqué mis ideas, concepto, y me entendió a la perfección, apenas escuchó Giza y me confirmó el arte del disco, todo fue muy profesional y respetando los plazos y tiempos, a pesar de trabajar a distancia ya que el se encontraba en Guadalajara durante todo el proceso, los videos se grabaron en menos de tres horas, pues era lo que nuestras agendas nos permitían, la verdad es que les recomiendo que vean los videos y conozcan mas del trabajo de mi homie Piethro.

"Los peces gordos nadan en el agua bendita", ¿te refieres al alcohol?
Si, aunque me gusta que la gente la interprete a su manera. Creo que en eso está la virtud de ser un poco "abstracto".

¿De qué manera lees la escena del rap hecho en México? ¿Sigue siendo tan solo "micrófono y brillantina"?
Siempre ha sido voz y cemento líder, cada vez hay mejores resultados, trabajos completos, conceptuales, comprometidos, divertidos. Hay de todo, para todos, el mercado crece y habrá quienes se aprovechan, quienes lo valoran, quienes protegerán su discurso, quienes lo cambiarán por sustento, pero al final, estamos todos en el mismo sitio, unos en el fondo y otros en la superficie de esta "pecera", es una armonía bizarra, pero me gusta.  

"Temáticas ocultistas y referencias a antiguas civilizaciones", ¿continuarás con esta semántica en tus siguientes discos?
En el siguiente disco no. También creo en la evolución, tengo un proyecto alterno que nació junto a "LLDDAK", y se trabajará a la par de los próximos proyectos. Es una miniserie animada de cuatro episodios, los cuales inician en el track "El Pueblo a Pie de Montaña EP 1". En el siguiente disco vendrá el "Episodio 2", y se llamará  "Bitácora de Renki, Expedición al Monte Ural EP 2", ya estamos cerca de que se estrene el primer video de la miniserie. Espero verlos en la próxima aventura llamada Lefttovers. Gracias por todo. 

Diciembre llegó y con ello un montón de nuevos pretextos para emborracharte: El año terminó, no tarda en caer tu aguinaldo, hay luces de colores por todas partes y nunca faltan las posadas con ponche con una buena dosis de "piquete". 

Como el pan de muerto en noviembre, esto último—hablamos de las posadas y tal vez también de su ponche etílico—es un acontecimiento que solo llega una vez por año y que es importante aprovechar. ¿En qué otra ocasión vas a usar ese suéter rojo con un árbol navideño en medio sin verte completamente ridículo?, ¿Vas a desperdiciar los únicos 31 días que tienes para cantar en conjunto esos villancicos que secretamente te gustan y hacen que tu piel se erice? Sabemos que no. 

La buena noticia es que hay una nueva posada para incluir en tu agenda: Carla Morrison organizó una en el Foro IndieRocks! donde presentará un EP con villancicos. El material se titula La Niña Del Tambor e incluye covers clásicos como "Noche de paz" y "White Xmas", además de música navideña inédita de su autoría. 

El evento será el ocho de diciembre (o sea, el jueves de esta semana) y los boletos ya están a la venta así que busca en el clóset tu suéter navideño y ve inventando un pretexto para llegar tarde el viernes al trabajo. Aquí abajo dejamos el flyer de la posada y dando click aquí puedes ir directo al evento en Facebook. 

Dante Terrell Smith nació en el vecindario de Bedford-Stuyvesant mejor conocido como Bed-Stuy en Brooklyn en 1973. Barrio históricamente fértil para MCs y DJs, particularmente de los años noventa. Su padre fue miembro de la Nación del Islam y es a través de él que se inicia en esa fe.

A los 21 años Mos Def ya formaba parte de una banda de hip hop, pero es hasta 1996 que participa en el tema "Big Brother Beat" del Stakes Is High de De La Soul, y que el joven brooklynita queda expuesto a una audiencia más grande. Para ese momento De La Soul se confirmaba como uno de los grupos más importantes de la década y con su cuarta placa tomaba una dirección diferente: era el primer disco que no les producía el genio de los sampleos Prince Paul. Curiosamente, también es en ese mismo disco que Common, el MC de Chicago, tiene una de sus primeras apariciones.

Foto: Ferrari Sheppard

En mi caso, la primera vez que escuché a Mos Def fue gracias al primer volumen de la saga Soundbombing, original de 1997 y editado por la disquera neoyorquina Rawkus Records. La historia de Rawkus es interesante pues fue fundada por un par de empresarios entusiastas del hip hop, pero quien financió la empresa fue James Murdoch, hijo del poderoso e influyente magnate de las agencias de noticias Rupert Murdoch. Habría que cuestionar la legitimidad del dinero aportado por el joven James a la sociedad. El cuento dice que una vez que El-P, que editó varios discos con Rawkus, se enteró de que el dinero tenía alguna relación con Rupert Murdoch, decidió deslindarse de cualquier responsabilidad con el sello y fundó su propia disquera: Def Jux.

La saga Soundbombing estaba armada como si fuera una mixtape y en ese primer volumen participaron Talib Kweli, R.A. The Rugged Man y Company Flow, entre otros. Este disco pondría en el mapa subterráneo del rap de Nueva York a los mencionados, quienes después editaron sendos y exitosos discos en la ya mencionada disquera. Mos Def participó con varios cortes pero había dos que repetí constantemente en mi reproductor de CDs: "If You Can Huh! You Can Hear'" y "Universal Magnetic". Ambas pistas sobresalían del resto en gran medida por las habilidades en el micrófono desplegadas por Mighty Mos.

Mos Def uniría fuerzas con Talib Kweli al año siguiente para editar su oda al panafricanismo producida por Hi-Tek: Black Star. Con ese disco, Mos Def y Talib se convertirían en los paladines del rap mochilero de la costa derecha de los Estados Unidos. A la postre ese sería el único disco que editaron juntos dejando a sus miles de aficionados con las ganas de escuchar más trozos de la vida de un MC en Brooklyn, en la voz de estos refinados artífices de la poesía vernácula.

Es en 1999 que Mos Def edita su obra mayor titulada Black On Both Sides. El disco era un golpe en la mesa desde el título y la cubierta que mostraba la cara de Mos Def en un acercamiento y la contratapa era la parte posterior de la cabeza Mos con cornrows y todo. El disco incluye beats de productores de la envergadura del Ayatollah, DJ Premier, 88-Keys y Diamond D. También cuenta con la colaboración de Weldon Irvine, el otrora director musical de Nina Simone, que se había convertido en un líder moral, espiritual y creativo de varios MCs.

Foto: Ferrari Sheppard

En el disco se incluyen sampleos de Aretha Franklin, Fela Kuti, Kraftwerk, Roy Ayers y la Fatback Back, por mencionar algunos. Y en cuanto a letras, Mos Def no duda en hablar de temas como racismo, esclavitud y los orígenes afroamericanos que tiene el rock, los cuales han sido apropiados por estrellas del rock blancas. También hubo espacio para temas más banales que es el caso del sencillo más exitoso (y el tema más famoso en su carrera): "Ms. Fat Booty", que habla de una chica de sinuosas curvas de la que se enamora el protagonista del tema.

Black On Both Sides es, a la fecha, el mejor disco de Mos Def y forma parte de esa generación de discos con un alto contenido social y crítico que pretendía derribar de una vez por todas el prejuicio acerca del rap y su supuesta naturaleza violenta. Habrían de pasar cinco años para que Mos Def volviera a editar un larga duración.

Entre discos, Mos Def continuó con su carrera como actor, la cual que había empezado desde 1991 y que retomaría después de su disco debut con participaciones modestas en filmes de directores como Spike Lee, acompañando a estrellas como Mark Wahlberg y Charlize Theron. No es ciertamente el primer rapero en hacer el crossover a la pantalla grande: LL Cool J, Busta Rhymes y el RZA también han incursionado en el cine, sin mencionar a Will Smith y Ice Cube.

No podemos dejar de pensar que si Mos Def se hubiera dedicado al 100% a su carrera musical, su influencia y trascendencia hubieran sido mucho mayor de lo que son actualmente. Hay que señalar que el viejo Mos también ha dedicado buena parte de su vida al activismo político, no solo atrincherado en las barras de su rap si no también de una forma más radical. El ejemplo más claro de su compromiso político-social es el valiente acto de haberse sometido a una de las torturas que padecen los prisioneros de la prisión de Guantánamo. El periódico inglés The Guardian grabó todo el proceso en un video que es realmente insoportable y el cual tiene como fin denunciar los crímenes de Estado que suceden en mencionada cárcel.

En el 2011 Mighty Mos decidió cambiarse el nombre a Yasiin Bey aunque durante el 2015 edita un par de rolas nuevas con su viejo nombre causando cierta confusión. Por si fuera poco, a principios del 2016 Yasiin Bey anunció su retiro de la industria musical pero hace apenas unos días el mismo Bey dio a conocer que el 9 de Diciembre saldría su nuevo disco que es el primero que sacará desde el 2009 y, posiblemente, el último que edite. Yasiin Bey mencionó que el disco se llamará December 99th. Lo anterior suma a la confusión acerca de su retiro y aunque ha insistido en que realizará una pequeña gira de despedida parece que no ha sido fácil dar ese paso definitivo.

No cabe duda que Mos Def es uno de los MCs más importantes de sus generación y también uno de los más opinionados y aunque a veces sus declaraciones han sido controversiales, sus canciones y actos han servido para denunciar y generar conciencia de situaciones que no pueden seguir sucediendo en nuestras sociedades. Él mismo reconoce que su Black On Both Sides es su disco más importante y este 2016 cumple 17 años de su aparición en los anaqueles de las tiendas.

En Revancha tenemos el Black On Both Sides y el Black Star disponibles.

FB: GranRevancha / Twitter: @revancha_df / Instagram: revancha_df

Amadeus Mozart, el prolífico e icónico compositor de música clásica, movió la mayor cantidad de CDs en 2016 a pesar de llevar más de dos siglos de haber muerto. De acuerdo con Billboard, la antología de 200 discos con el trabajo de Mozart que comercializa Universal vendió 1.25 millones de copias físicas desde su publicación en agosto. Ahora Mozart puede presumirle a otros compositores fantasma que logró ser disco platino sin tener que hacer ningún tipo de colaboración. Ve la foto de arriba, fíjate en su expresión sarcástica, esa mirada muestra que está consciente que va a confundir bastante a los escritores de música del futuro. Maldito. 

Mozart 225: The New Complete Edition además resulta ser el box set más grande de todos los tiempos. Dura 240 horas. Y vendió mucho más que Garth Brooks (el Mozart del country) quien publicó un box set similar titulado Ultimate Collection, con el que solo vendió 134, 000 copias en su primera semana. Views sigue en la cima con cuatro millones de copias, pero tal vez Drake debería empezar a enfocar su paranoia hacia los grandes de la música clásica. 

Dee Snider es un hombre que siempre dice lo que piensa y ahora ha levantado su famosa voz en apoyo a los nativos americanos protectores del agua en Standing Rock. Junto a muchos otros artistas (más de 290 han firmado esta carta abierta a Obama), Snider ha sido elocuente en su respaldo a la causa #NODAPL y su video nuevo para la sombría "So What" es un hermoso ensayo en blanco y negro de los monumentos y las caras en Standing Rock. 

Mientras que el Cuerpo de Ingenieros del Ejército de Estados Unidos ha negado la ruta de acceso propuesta por la compañía Energy Transfer Partners para el tramo final de esta tubería en Dakota, (una ruta que pasaría por un cementerio sagrado de los nativos americanos, y que pondría en riesgo severo la fuente de agua de esta comunidad), la compañía sigue buscando "una ruta alterna". En otras palabras, a los protectores del agua en Standing Rock todavía les queda una larga lucha por delante. Y como está la cosa, existe un peligro de abuso sumamente real por parte de las autoridades locales, quienes han tomado medidas violentas contra los manifestantes, como gas lacrimógeno, balas de goma y mangueras de agua.

Como Snider dijo en entrevista para Noisey: "El nivel de abuso a los derechos humanos en Standing Rock, por parte de autoridades estatales y locales y por parte de la seguridad privada que contratan las compañías petroleras, es para entumecerte la cabeza. Y la supresión que han logrado de los medios, ha llevado las violaciones a la primera enmienda de la constitución a un nivel completamente nuevo. Yo empecé a luchar contra la censura hace 30 años, y tristemente sigo luchando".

Mira nuestra premiere exclusiva para el video de "So What" abajo y si puedes, haz una donación al campamento de Standing Rock en este enlace. También puedes comprar el último disco de Snider, cortesía de Red River Records, en iTunes.

Sí, es cierto. La canción "Cuatro Babys" de Maluma junto a Noriel, Bryant Myers y Juhn es machista y hasta misógina. Esta es la noticia de la semana en el género urbano, originada por el artículo de la activista española Yolanda Domínguez en El Huffington Post y por la petición en Change.org que requiere bajarla (además de otra segunda, que pide que investiguen al colombiano por posible delito de apología de violencia de género). Pero no basta con decir esto para desacreditar o desentenderse de una canción así. Aclaremos el panorama:

1. Esta canción no es reggaetón, es trap. El trap usa otros beats, otra temática y tiene otros exponentes – y tanto Bryant Mayers como Noriel son astros del género. El trap conecta con el reggaetón en tanto le devuelve su espíritu underground, de calle, de donde nació. Ese flow violento con el que comenzamos a saber sobre Daddy Yankee y que luego blanqueó sus letras, para volverse cada vez más románticas, más comerciales, más naif. Así nace el reggaetón colombiano. Exponente de esas letras es el mismo Maluma, que últimamente canta un insípido "Vente pa' cá" con Ricky Martin, cada uno a dos metros de distancia del otro, en una piscina. Por tanto, que Maluma cause este impacto, se condice con el espacio que ocupa dentro de la industria musical; él es un ídolo infantil y adolescente que, intuyendo correctamente para dónde va el género urbano, invitó a los jóvenes más prometedores de esta escena a cantar cómo ellos saben hacer, con Auto-Tune saturado, letras barrio bajeras, mucho sexo y, de paso, descripciones medio burdas de las mujeres. Pero esto, dejémoslo claro ahora mismo, no es algo adjudicable a Maluma, sino que al trap. Por tanto, amiga activista, si te molestó esta canción, es que te molesta el trap. Y si quieres censurar esta canción, quieres censurar a un género completo; que si investigas bien, no sólo habla de cómo un hombre eyacula en la boca de una mujer, sino que también de armas, revanchas, drogas, billetes, de cómo vas a desaparecer a otro que se adueñó de la calle o de quien simplemente habló mal de ti. Es música de matones o de quienes quieren parecerlo. El trap hereda hoy en día la cultura gangsta que antes radicaba en el rap, pero lo hace pasar por máquinas, le pone bling bling y le suma las antiguas tiraderas del reggaetón. El rap, recordémoslo, tampoco estuvo exento de culos de mujeres y champañas espumeantes; de hecho, las tiraderas del reggaetón también son una herencia de este hermano mayor estadounidense. El trap es la trampa callejera, es la violencia de esa trampa y eso no tendría por qué ser censurable, pues este género responde no sólo a inquietudes de determinada población, sino que refleja de algún modo, sus aspiraciones vitales. No todos los adolescentes latinos tienen oportunidad de estudiar, de viajar, de comprar ropa, de alcanzar cierto "éxito material" o de ser educados y cuidados por sus familias. Insisto, al censurar el trap, lo que estás haciendo también, es censurar una realidad que existe y cientos de aspiraciones que este mismo sistema de vida valida y les ha heredado. Si quieres realizar algún cambio, lo peor es la ceguera.
   
   
2. Hablemos de sexo en serio, de una buena vez ¿Cómo se vive la sexualidad en una población/cacerío/barrio latino? Yo soy feminista, como mi colega columnista de El Huffington Post, pero me niego a pensar como madre. Me niego a pensar desde la moral del bien superior. Más bien, prefiero pensar sobre lo que hay y lo que no hay en Latinoamérica, sobre lo que vivo a diario: una sexualidad intercultural e interracial, una sexualidad de (no con) clase, donde el hombre no sabe darle placer a la mujer, porque ni la mujer sabe darse placer a sí misma, ni el hombre accede a información a causa de ese tabú masculino y masculinizante que inviste toda erección como igual a placer femenino. No es cierto que las mujeres tengamos sexo para quedar "preñás" como sugiere Maluma; tampoco es cierto que pase algo si tu pareja sexual no "se va" dentro tuyo –en caso que sea varón-: eso no nos da placer. A muchas les da asco. Pero me parece más interesante que leamos otra cosa: antes de esa sarta de idioteces que cantó Maluma y los traperos (que deben estar avergonzados pero enriquecidos por esta colaboración), comenzó la canción diciendo que las Cuatro Babys lo maltratan en la cama. Que le exigen. Que dos están casadas, que una le paga "para que se lo hunda", que lo tienen confundido. Prefiero pensar esta canción desde la crisis de todo lo que se exhibe. Esa masculinidad que los chicos tanto quieren subrayar está en crisis, pues son ellas las que pagan, las que reclaman, la que se ponen cabronas. Y a pesar de que después se peguen un tiroteo de machismo, son esas sombras de la canción las que a mi parecer son estructurales. Porque sí es posible enamorarse a través del sexo, sí es posible enamorarse de más de una persona, sí es posible tener sexo entre tres o cuatro, e incluso es posible amar a más de una persona, al mismo tiempo. Existe un término llamado "poligamia", otro llamado "poliamor". Así como existe otro que se llama "machismo". Y estamos de acuerdo en que esta canción es eminentemente la tercera; pero no seamos mojigatas, no sólo se desea o se ama de un modo. Incluso, no sólo se desea cuando se ama. Si a eso le sumamos las ya tres generaciones completas que hemos aprendido a follar mirando porno y de las enfermedades, sólo por la muerte de personas cercanas, eso te da por resultado un continente hipersexual, con cuerpos y música disponible, además de cero políticas públicas enfocadas a las ETS o VIH, unido al estigma, no sólo de ser portador, sino que también de ser una "puta", ser un "maricón": un excluido. Así ocurre acá, en el tercer mundo, donde ni siquiera tenemos derecho a tirar o abortar en paz. "Cuatro Babys", en ese sentido, nos está poniendo sobre la mesa la crisis de esa identidad masculina que ya no puede proveer, porque ella paga para que le den placer. Y, tal y como ella da, exige su paga (en cash o placer, eso es lo intercambiable en el capitalismo). Insisto en este punto: a pesar de que él diga que manda, ellas –durante toda la canción- demandan. Entonces, Maluma objetualiza tal y como está siendo objetualizado. Esos hombres necesitan reafirmar una y otra vez su virilidad, porque ésta ha sido vaciada desde que ellas han dejado de amarlos y los usan para su placer, para su "relajo". Ellas, incluso les han permitido tener sexo con otras y han participado de ello. Además pongamos esta canción en contexto. Hay algunas de alto calibre como "La ocasión", donde el reggaetonero  Arcángel nos cuenta cómo desea a una mujer lesbiana que a veces lo usa y demanda, por eso él quiere que se repita la ocasión (esta canción también puede leerse en clave gay, por eso es un hit: es transversal). Entonces tenemos una pregunta que cae de cajón ¿Es tarea de la música educar sobre la sexualidad, sobre el feminismo, sobre cómo desear? ¿Es tarea de la música enseñar algo?
   
   
3.  En alguna parte de esta canción Maluma dice que ellas "chingan cuando yo les digo/ninguna me pone pero" y me parece bien. Latinoamérica, no España, Latinoamérica, sigue viviendo en el cartuchismo moral heredado de la moralina que nos trajo la Iglesia Católica, esa que llegó y arrasó con todo junto a la conquista española. Hasta antes de eso, la sexualidad no sólo cumplía una función reproductiva en los pueblos de América, por tanto, que las mujeres de ahora, sean solteras, casadas, nalgonas, flacas, locas, etc., y no tengan peros para sentir placer, me parece saludable. Tener sexo, darse placer, exigir placer, es una práctica saludable. La ciencia lo recomienda. El problema es que Maluma, a lo eyaculador precoz, se jacta demasiado en circunstancias en que acaba de hacer un video Ricky Martin, ícono gay (¿Acaso no responderá también a una estrategia comercial de ese tipo, del dejar "las cosas claras"?.). Pero el problema de la crítica, considero, es seguir viendo disponibilidad cuando lo que hay es posibilidad. Así como él las usa, ellas también lo hacen. El sexo da para eso y más. 
4. Hay machismo y hay misoginia cuando la mujer queda reducida a su mínima expresión: "Dos son casadas / hay una soltera / la otra medio psico / y si no la llamo se desespera". Pero hay misandria cuando en la crítica se le espeta al colombiano hablar mal, tener problemas de dicción, no ser un genio, no servir para nada. Hay misandria cuando se habla del trap desde el oscurantismo de la moralina. Cuando se desoye un modo nuevo –que incluye machismos- de gozar la cuerpa en el sexo colectivo. 
   
   
5. Las mujeres en el género urbano tenemos pocas exponentes. Muchas, la mayoría, siguen patrones machistas y, sin embargo, se hacen un espacio en el género; hacen concesiones. Ivy Queen –como su nombre lo indica- es la reina de todas y es feminista: su última placa se llama Vendetta (2015) y está escrita contra el machismo del género musical. Sin embargo, la proliferación de varones blinblineados no se detiene y, sin previo conocimiento más que la propia experiencia, hacen germinar letras agresivas que no sólo violentan, sino que llegan a ser de mal gusto. Allí la mujer sigue siendo resumida a los glúteos duros del twerk, las tetas con pezones parados y esa idea de mujer caliente que les encanta, pero que también es tan mala porque es caliente. De algún modo en el género urbano, en el trap sobretodo, esa mujer es juzgada a través de quién la desea. Vale decir, al mismo tiempo de ser requerida es sumida en la moral del gángster, que es tan moral como cuando se dice que en "Cuatro Babys" las mujeres son intercambiables. Amiga activista, yo también he amado a más de un hombre y también he tenido que decidir con cual estar; eso no implica, en ningún caso, que no valore sus condiciones particulares; más bien, las estoy pensando. Qué es lo que quiero, qué es lo que me hace bien, qué es lo que me hace sentir mejor. Y eso es empoderamiento. En el caso de Maluma, no pongo en duda, que tenga a su disposición a cuatro, ocho, dieciséis babys ¡Es Maluma! De las más altas estrellas del reggaetón y así como él las provoca, ellas se le lanzan encima. Basta con tener un mínimo de rose con algún cantante de reggaetón para ver cómo los buscan para ser "irrespetadas", si quieres ponerlo en esos términos. Más bien, compañera feminista, habría que hacer un trabajo de activismo por otro lado. No basta con espetarle al hombre su machismo, sino que ante todo, es necesario que las mujeres sean conscientes de su posición dentro de este juego de fantasía, deseo, discos y reggaetón. El camino no es acusar al "machista-misógino-reggaetonero", sino empoderar a las "abusadas", desestabilizar las certezas desde las cuales se las pueda violentar. Y para hacer eso no es necesario, e incluso es inútil, estigmatizar a un género musical. El mismo estigma sobre el trap que estamos viendo hoy, lo vivieron en Puerto Rico hace veinte años atrás con el reggaetón. Les prohibieron incluso publicar y comercializar sus canciones. Y eso no detuvo la evolución, ni aceleración del género. Lo comento sólo porque la historia de la música urbana nos enseña cómo estas críticas tienen por consecuencia justo el efecto contrario.
   
   
6. ¿Somos las mujeres intercambiables? Pareciera que cuando Maluma no sabe con cual quedarse, las valora, las sopesa, como también las avalúa cuando dice que "me salieron más caras que un reloj de Ulysse Nardin". La objetualización hace que no sólo sean intercambiables entre sí "cuando chingan gritan todas por iguales", sino que también sean equiparables a un reloj. Y más allá de que esté bien o mal cantar esto, deberíamos pensarlo en un contexto global de objetualización y fetichización de la mujer ¿Está mal que Maluma cante esto o está mal que estén las condiciones para que una canción así tenga sentido? Censurando una canción, insisto, no vas a generar un cambio cultural en la cabeza reggaetonera de miles de adolescentes, lo que vas a hacer es reafirmar su capital rebelde, haciendo pasar por rebeldía una concepción conservadora y profundamente materialista de la sexualidad. El asunto, por tanto, no es que Maluma cante algo así, sino que pueda tener sentido y –para mi colega del Huffingtonpost- que lo pongan en un programa para adolescentes asesorándolos. Todo eso se puede, porque sistémicamente es posible. Quizá Maluma no sabe mucho de mujeres, me parece; pero de industria musical sí sabe. Eso salta a la vista. Pero además, otra cosa ¿Desde cuando la TV tiene una responsabilidad ética con los personajes que exhibe? Yo nací en los ochenta y nunca, jamás, me ha parecido que los canales de televisión se responsabilicen por ello. Incluso la TV de dictadura del cono sur se desentendió y exhibió los primeros culos de la pantalla chica. La televisión subsiste gracias al avisaje y la entretención. Y Maluma entretiene, con su sexualidad machista, con su hashgtag de #Nomasfeminismo, entretiene. Detengámonos en esto: en agosto del presente año habría posteado algo en contra del feminismo. Volví a revisar su cuenta de Twitter y no encontré nada. Lo borró. No le convenía, seguro. Sin embargo, fue noticia. Y ahí estuvieron las feministas para hacerlo noticia, para denunciarlo. Como es noticia este enjuiciamiento, que es una denuncia, sobre su trabajo. Es sano que seamos capaces de exigirle cosas a los ídolos y es más sano que sus fans se den cuenta de ello. Pero cuando hagamos la crítica, hagámonos el favor de no repetir las formas de lo que criticamos. Oprimiendo la música de la calle, de los pobres, de los nacos, de los mismos oprimidos, estamos reproduciendo el modelo autoritario del machismo: subyugando al otro, suprimiéndolo, aplastándolo, borrándolo, censurándolo ¿Qué autoridad tiene la moral feminista en el reggaetón? Ninguna: la moral (feminista o no) no tiene nada que ver con la música, la moral es personal. Y así como lo personal es político, la música también puede serlo cuando la leemos en su contexto real; no cuando se toma un índice y se le arranca de su subtexto original. Maluma tiene muchas cosas por aprender, sin duda, pero nosotrxs, lxs que escribimos y lxs que perreamos sus canciones también.

Daniel Patlán estuvo allí para retratar los mejores momentos del festival, y esto es lo que nos entregó.

Viernes 

Sábado 

Domingo

El 2016 estira las patas y con su fin llega el rito poco elegante de proponer un puñado de discos a manera de repaso crítico, de estocada editorial. En realidad estas listas son como preguntas filosóficas tipo ¿J Balvin es rivotril? ¿existe vida después de TITÁN? Un poco el sino del 2016 ha sido la incertidumbre. Su carácter de inédito. Su aparente disfraz de fin de algo. Y en ese contexto, a ratos pareció que la música tuvo un papel difuso, como una atmósfera sudorosa que se pega a la piel, más que una serie de coros memorables y riffs pegajosos que pudiéramos cuantificar, como en un pasado más simple y ochentero. Y aunque naturalmente y por fortuna, hubo muchos coros y riffs gloriosos, es inevitable incomodarse en esta sensación de cambio de piel, esta expectativa por una furia que aun no sentimos pero que imaginamos materializada en forma de discos. Lo que quiero decir es que le dieron un maldito premio Nobel de literatura a un rocker: tampoco esperen grandes verdades de nosotros. No sabemos si estos son los mejores discos hechos en América Latina y España este año y, probablemente, si volviéramos a hacer esta lista sería diferente; pero es una selección que responde al más fiel de los parámetros: lo fácil que ha sido tener esta música en alta rotación en nuestros audífonos y aparatos. Es el mejor antidepresivo que pudimos automedicarnos. Y lo mínimo era compartir la receta. 

Alemán - Rolemos Otro 

El hip hop es un género caprichoso. En él la mezcla entre calle, fineza, identidad, habilidades, originalidad, un mensaje crítico y una idea artística con capas y fiel a su espíritu adolescente, debe poder ser percibida de inmediato. Debe poder palparse como se tocan las cosas, como embarrarle mantequilla a un pan tostado. Y quien más nos gustó cómo mezcló estos ingredientes en su caldera mágica fue Alemán en Rolemos Otro. Alemán se siente en plena exploración en su segundo disco de estudio (y el primero que hace realmente en forma dentro de Homegrown). Se siente como un astronauta montado en la nave (una nave de blunts, claro). Con esta placa, el originario de Cabo San Lucas confirma su rol protagónico en la música popular independiente de México, con temas como "Pues que pues" y el homónimo al disco, que ya forman parte de la consciencia colectiva, y con una personalidad entrañable e inteligente que tiene la característica de que le crees cuando habla. Con Rolemos Otro la penetración cultural de este homie va en ascenso. — Feli Dávalos 

Alex Anwandter - Amiga 

Once canciones demuestran de qué está hecho el astro del pop chileno. Perdón, del pop político chileno. Que no es lo mismo. Queriéndolo o no, en este disco Alex exhorta a su generación a explicitar sus posiciones políticas -que también son musicales. Heredera de la fuerza de "Cómo puedes vivir contigo mismo" o "Tatuaje", esta placa se presenta bailable, íntima y comprometida. "Manifiesto" es la cúspide de su tarea, un himno de solo piano que arrasa con lo que se ponga a su paso. Infancia, disidencia sexual y feminismo están presentes: "Hoy soy mujer / el maricón del pueblo / aunque me prendan fuego". Eso es valentía. Con tintes de soul y un eco Motown, aparece "Cordillera" secundada por resabios de disco, que critican a un país y, al mismo tiempo, lo invitan a bailar. "Amiga" dignifica el espacio de las letras en el pop, pues desconociendo la palabra ingenuidad, nos hace conscientes de que lo intimo es político y de que la vida sucede en la intemperie, ese espacio donde no podemos resguardarnos. El disco contó con la colaboración de Miranda! para el súper hit "Siempre es viernes en mi corazón" y con Julieta Vengas en "Caminando a la fábrica" donde encarnan el amor entre un obrero y una escolar; un amor callejero que lo emparenta directamente con la historia de la canción chilena, con la guitarra de palo de Víctor Jara y su "Te recuerdo Amanda". — Andrea Ocampo Cea

El Guincho - HiperAsia

La controversia no se hizo esperar cuando Pablo Díaz-Reixa rompió su silencio y publicó "Mis Hits", su primer sencillo original en seis años. Las reacciones fueron extremadamente divididas, y no hay algo que mejor lo demuestre que esta nota de Jenesaispop, en donde los integrantes de su equipo editorial respondieron a la pregunta que todos tenían en mente: 'Mis hits' de El Guincho: ¿Irritante o hit? Y cuando por fin se publicó HiperAsia, su primer álbum desde Pop Negro (2010), la respuesta fue básicamente la misma: miles de fans irritados, enojados, y sacados de onda por este rumbo tan distinto al pegajoso pop electrónico de Pop Negro, pero también varias personas sorprendidas gratamente y emocionadas por esta nueva dirección. 

HiperAsia no es sencillo: merece varias escuchas antes de juzgarlo y apreciarlo propiamente. Díaz-Reixa experimenta con distintas estructuras, y toma la influencia de géneros como el trap y el reggaetón y los convierte en algo completamente distinto, único y propio. Como nos explicó en entrevista cuando recién había salido HiperAsia, para él no es tal cual un álbum, sino un proyecto multimedia con una línea de ropa, una película animada, y varias canciones más que están siendo publicadas en el sitio web del proyecto. Es algo extremadamente ambicioso, innovador, y emocionante, y demuestra a un artista tomando riesgos con el fin de seguir a la vanguardia y evolucionar su sonido. En tiempos en los que la música puede parecer homogénea, eso es algo que no sólo se agradece, sino que inspira a hacer lo propio. –Lucas Vernon

El Último Vecino - Voces

Voces es un disco que, independientemente de si te gusta el pop atascado de guitarras vulgares o no, desde la primera escucha se queda pegado. Las letras traen una fuerte carga de drama y la música es lo suficientemente ligera como para poder disfrutarse bailando con los ojos cerrados. Voces es pop simple, sin pretensiones, pero completamente descarado. Tanto, que resulta incómodo: asimilar su magia es tan complejo que uno de nuestros colaboradores pasó una semana escuchando el disco sin parar y ni así logró descubrir en qué radica su perfección. Tal vez solo se trata de aprender a sufrir mientras bailas o de usar los coros pegajosos a tu favor para canalizar la tristeza. Hay enigmas que a veces es mejor dejar sin resolver. Disfruta. — Gio Franzoni 

Exploded View - Exploded View 

El éxito de Exploded View ha sido uno de los hechos musicales más sorpresivos del año, ya que mucha de su existencia resultaba bastante improbable. Una artista sueca que se hizo de nombre en Inglaterra se junta con ex miembros de los brillantes Robota, Los Fancy Free y Nos Llamamos; pero lo más azaroso y afortunado de este fenómeno es la química que los diferentes miembros de la banda logran tener para lograr un disco con un sonido que asemeja más a un organismo biomecánico salido de la mente de H.R. Giger. Exploded View ha logrado un disco para nuestros tiempos llenos de nuevos mundos sonoros, donde ningún sonido es lo que parece. — Marcos Hassan 

Francisca y los Exploradores - Franco

Vivimos en tiempos frenéticos, en los que la información nos satura, y en donde siempre hay algo más importante e interesante que lo que estás haciendo en ese momento. Y por eso siempre es bueno un recordatorio de lo contrario: de la importancia del presente, de lo ordinario, de que la felicidad se encuentra en pequeños momentos que a otros les parecerían insignificantes. Del amor y, sobre todo, de lo importante que es dormir. Y de eso se trata justamente Franco, el tercer álbum de estudio de Francisca y los Exploradores. Mientras que Barbuda (2014), su debut, era un indie pop que a veces era demasiado azucarado, su segundo disco, Ra (2015), era una exploración de distintos géneros, que pasaba del folk al kraut y al stoner rock. Franco, en cambio, es un disco que fue creado tras haber ganado la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, y que por tiempos tuvo que grabarse en dos días, con la producción de Adrián Dargelos, vocalista y líder de Babasónicos. Y pese a las restricciones de tiempo, el tercer LP del proyecto de Fran Saglietti es lo mejor que ha publicado a la fecha: un álbum de baladas y canciones de folk pop que te hace apreciar las cosas comunes y corrientes, y cuya simpleza y tranquilidad funcionan como un antídoto contra los males de nuestros tiempos. —Lucas Vernon 

Hinds - Leave Me Alone 

Tal vez soy igual de compleja que un cachorrito labrador. No necesito mucho más que el calorcito sonso de una banda de chicas españolas en sus veintes que hacen un garage pop esponjado como este. Sobre todo cuando dicen cosas como "podría ser tu nena, pero voy a ser tu güey". Si tu estado emocional se mantiene permanentemente en el no-te-puedes-quedar-a-dormir-pero-quédate-tantito-más, sabes que la vida se reduce a perseguir a ese par de rodillas raspadas. Lo demás es una espiral eterna de croquetas rancias. Ah, sí. Este disco habla de amor, uououo. — Raquel Miserachi 

J Balvin - Energía

¿Cómo hacer de un fenómeno regional algo global? José Osorio —alias J Balvin— entrega su respuesta en su cuarto álbum de estudio. Ya no se trata de llevar el reggaetón hacia el pop como lo hizo con "Ay vamos" o "6AM", sino que trae al género el hip hop, R&B y sintes, con pegajosas melodías pop y muchas fotos pal' Instagram. Luego de haber colaborado con Justin Bieber en el remix de "Sorry", la estrella colombiana aprendió algo: ser fiel a su idioma, a su género y a la apropiación cultural sudaca. De la mano de Fuego ("35 pa las 12"), Pharrel y BIA ("Safari"), Balvin llegó a la cima del flow actual con resabios del reggae, dancehall, beat tribal, trap y soul. Pero no es sino con "Ginza" que hace leyenda: "Si necesitas reggaetón dale" es un hito que aparece en el momento en que el reggaetón —saliendo de su zona de confort— vuelve a buscar sus orígenes en la rítmica under y la cadencia clásica del perreo, como lo escuchamos en "Malvada" o "Pierde los modales" junto a Daddy Yankee, su ídolo de infancia. El disco fue producido por Infinity Music, colectivo colombiano formado por Sky, Mosty y Bull Nene. Además, J Quiles le escribió "Por un Día" y "Primera cita", trayendo todo el romantikeo que amamos. Luego de romper sus propios récords de ventas y presencia en los charts con "Energía", ser jurado de La Voz México, aparecer en New York Times y retirarse de Miss U.S.A. tras los comentarios xenófobos de Trump, Balvin se vuelve no sólo el mayor exponente del reggaetón colombiano, sino que en un legítimo exponente de la música latina.  — Andrea Ocampo Cea 

Las Kellies - Friends and Lovers 

Lo que nos gustaría que fueran nuestras novias si nosotros valiéramos en algo la pena: músicas sudamericanas que no encontraban el suficiente eco en este lado de Greenwich hasta que las oyeron en Europa y no las dejaron ir jamás. Rock nebulosos y oscuros, como sus hermosos, hermosos cabellos. — Juan José Relmucao 

León Larregui - Voluma

Voluma es el segundo esfuerzo solista de León Larregui, y un disco que lo reafirma como el exponente más importante del rock pop alternativo en México. Su estilo se mantiene educado y original, con un sello personal innegable que navega entre pop melódico, folk experimental, rock suave y psicodelia, sin dejar de sonar sencillo, y en control de su intención. Voluma es un disco personal, alejado de etiquetas, donde fluye naturalmente la esencia artística de León. El productor del disco (que resultó el mejor para la empresa), Adanowsky, también metió en la ecuación a los franceses Robin Coudert y Jack Lahana y es un afortunado encuentro: La química entre todos es palpable y el disco se siente pensado hasta el último detalle. Sobre el disco, León dijo: "Voluma es un disco en donde hay canciones de amor y también canciones que tienen que ver con mi historia y todo el rollo de ser padre". Y sí, se nota eso y más en la última apuesta de Larregui. — Feli Dávalos 

Lido Pimienta - La Papessa

Como meter los pies en agua helada, o como darle un trago a un refresco en plena seca, así es La Papessa. Luego de hacer una pausa que se extendió a cinco años sin publicar nada nuevo, Lido Pimienta regresó con más psicodelia, beats entrecortados y vocales agudísimas que amenazan con romperte el tímpano si te pones atascado con las bocinas. Las letras por su parte hacen referencia a la individualidad de Lido y refuerzan un pensamiento que con urgencia necesita ser asimilado por todos: las mujeres no somos objetos, ni le pertenecemos a nadie. Estamos felices de tenerla de regreso. — Gio Franzoni 

Little Jesus - Río Salvaje 

Más que música nueva, Río Salvaje nos mostró una cara concreta de lo que Little Jesus puede lograr como banda. No más nexos con El Guincho y el tropipop con el que tanto les relacionábamos en Norte. Río Salvaje conjugó entre solos de guitarras filosos y un gran paisaje sintético en los teclados, un esquema de pop alternativo que retoma viejas bases del indie/rock en un contexto contemporáneo y sin dejar de sonar fresco. "La Magia", "TQM", "Mala Onda" y otros tracks, demuestran en Río Salvaje la respuesta a la constante y cansada pregunta de si en México "han surgido propuestas de calidad"... Sí, lo han hecho, están apuntando al extranjero y hoy por hoy, saben hacer hits. — Erich E. Mendoza 

Lorelle Meets The Obsolete - Balance 

En estos últimos años América Latina se ha convertido en uno de los destinos más atractivos para la nueva explosión de psicodelia, y una parte importante de esto ha sido el trabajo de los mexicanos Lorelle Meets The Obsolete. Es loable que no sólo sigan con el trabajo que comenzaron hace cuatro discos, sino que lo han logrado de una manera muy singular; Balance es probablemente su trabajo mejor desarrollado donde las guitarras saturadas, las melodías y los teclados atmosféricos recuerdan al pasado (San Francisco y Nueva York en los 60, Alemania en los 70, Reino Unido en los 80) sin seguir un modelo en particular. Lorelle Meets The Obsolete han definido un sonido lleno de euforia y melancolía, armonía y discordia; algo totalmente propio. — Marcos Hassan 

San Pedro El Cortez - Un Poco Más de Luz 

Después de un par de EPs ridículamente salvajes, San Pedro El Cortez se cimentó como una de las bandas de rock más explosivas de nuestra época con Un Poco Más de Luz, la primera entrega completa de la banda tijuanense. Las canciones son interpretaciones musicales de la Zona Norte, el barrio más pegado a la frontera con Estados Unidos, donde la ley y el orden no existen, donde el término post-apocalítico queda corto y donde puedes encontrar lo que quieras a la vuelta de la esquina. 

Como las mejores drogas, Un Poco Más de Luz es un viaje corto pero efectivo. Desatando la euforia con "Aleluya", un himno garage que te pide levantar los brazos para recibir la luz del más allá. Pero el viaje no es sólo risas y coros, hay lugares oscuros como "Fukushima" y "Sombras", canciones que intentan escarbar la costra para tratar de entender la psique de la banda. Finalmente "Chilam Balam", una de las mejores canciones de rock fore en memoria reciente, cierra el disco con un riff digno de los mejores días de AC/DC seguido por un solo de bongos y saxofón que le pondrían la piel chinita a Omar Rodriguez Lopez. Para todo su enojo, frustración y búsqueda de redención espiritual, Un Poco Más de Luz es la solución, hermanos. — Joey Muñoz 

TITÁN - Dama 

Desde que se anunció el regreso de TITÁN, las expectativas eran altísimas. Por pura trayectoria del grupo y sus miembros, el disco tenía asegurado un lugar en cualquier top 5 local. Si a eso le sumamos el cuidado hype con que se soltó, el disco ya estaba entre los tres mejores. Tras escucharlo, no queda duda que bien valió la espera de más de 10 años. Pocas bandas entienden su momento y el de su entorno desde la música como TITÁN lo ha hecho con cada uno de sus discos. DAMA, en este sentido, es quizá la más contundente de sus entregas –el disco que siempre quisieron hacer, en sus propios términos, con sus propias reglas. Una pieza clave que despunta en esta ya permanente sucesión de sonidos/géneros cada vez más efímeros. Una perversa mescolanza de dance análogo, como una puñalada con giro de muñeca, que es indudablemente una reacción y un retrato preciso de el cagadero que es este lugar y este momento, pero que a través de precisos callbacks a ese tipo de post punk altamente bailable y a ese new wave de los tempranos 80, embrutecido, inflamado, agreste, puede sonar como algo de hace 30 años o sonar como lo que se hará en 5. — Rodrigo Alcocer 

Triángulo de Amor Bizarro - Salve Discordia 

Cualquier manual para el Apocalipsis decente se va a centrar en el Principia Discordia para lograr su cometido. Esto es, generarlo, no detenerlo —ni que quisiéramos rescatar el batidero que llevamos armando los últimos 150 años y que al parecer ha cuajado en fosa séptica este último par de años. Para su cuarta entrega, los TAB le agarraron la pista directo a los autores del Principia y de la Trilogía Illuminatus para refundarse como una banda que supera ya, por mucho, esa muy comodina catalogación de shoegaze. Si antes era fácil relacionarlos con MBV y el JAMC, en Salve Discordia estos gallegos se fueron a lugares más densos y molones, de la mano de Sabbath, Hawkwind, y de la pandilla olvidada de la 4AD, editando un disco de absoluta madurez lírica y de clara pero nada obvia inclinación política hacia la izquierda, que lo mismo da ganas de ponerlo a uno a chasquear los dedos en plan pop chicloso, que de aventársele a quien tengas en frente. — Rodrigo Alcocer 

La artista multidisciplinaria y torbellino humano FKA twigs parece sentirse muy cómoda ante las cámaras últimamente. Después de estrenar a través de BBC4 un  cortometraje titulado Soundtrack 7 el mes pasado, ahora ha publicado un documental de larga duración titulado Baltimore Dance Project. 

Baltimore Dance Project obviamente muestra parte del taller de danza que dio Twigs en la ciudad en julio de este año, donde después algunos bailarines fueron escogidos para hacer un performance. La película es hipnótica y atmosférica, y ofrece una visión más cercana de una de las artistas más importantes de está década, quien es por supuesto Twigs, porque es una especie de bruja perfecta y fascinante. 

Puedes ver el documental dando click aquí.

(Imagen vía YouTube)