Después de dar un concierto impresionante en Guadalajara, Andrés Calamaro viene a la CDMX a presentar su tour "Licencia para cantar". El concierto será en Teatro Metropólitan este sábado (3 de diciembre) y creemos que es importante que vayas a disfrutar del show de uno de los compositores argentinos más importantes de las últimas tres décadas. Ganar es muy fácil:
4. En un mail a noisey@vicemexico.com con el asunto "Quiero ir a ver a Andrés Calamaro" dinos esto:
Menciona una de las canciones que ya nadie soporta del rock en español. Pista: Nosotros hicimos una lista que puedes consultar aquí.
También tenemos una lista sobre los peores plagios del rock en español. Dinos cuál de todos te parece el más evidente. Pista: Puedes leer el texto dando click aquí.
Para saber más sobre el concierto que dará Andrés Calamaro puedes entrar aquí.
Todos, absolutamente todos, en algún momento de nuestras preciosas y jóvenes vidas, hemos querido ser como nuestros ídolos. Precisamente por esa razón es que los llamamos ídolos. Quizás anden leyendo esto y empiecen a juzgar estas palabras diciendo: "No mames, yo no tengo ídolos". Ok, siéntanse en confianza, no tengan miedo de admitirlo y acá les cuento un poco de mí para que puedan reírse tranquilamente y así entrar en confianza.
Por mi parte siempre tuve una obsesión con David Beckham de niño y, además de comprarme varias playeras de Inglaterra y el Manchester United con su nombre en la espalda, me teñí muchas veces el cabello como él. Luego, de más grande, Gerard Way y My Chemical Romance hicieron que un pequeño inocente de 13 años se dejara crecer el cabello y empezara a desarrollar una atracción curiosa hacia la ropa negra y la subcultura emo. Ya a los 16, me di cuenta que toda la música que me enseñaron mis padres y que estaba en mi ADN – Beatles, Spinetta, Charly, Fito, Stevie Wonder, Fania – me hicieron crear una banda que sonara en sus primeros pasos, como todos mis ídolos.
Bueno, basta de hablar de mí. Esa introducción tediosa y que quizás no les interese era para tratar que hicieran empatía con Adrián Mezzina, mejor conocido como Adrián "Fito" Mezzina. Adrián es un músico argentino que lleva los últimos 25 años de su vida haciendo tributos en vivo al rosarino Fito Páez. La cuestión es que Adrián lo lleva mucho más lejos que cualquiera, no solamente suena muy, muy parecido a Rodolfo Paéz Ávalos en vivo, sino que también, el parecido físico que tiene con Fito es absurdo. Cuando contacté a Adrián me respondió con una nota de voz que me hizo reírme unos segundos –ya que su voz es absurdamente igual que la de Fito. Confieso que engañé a varios amigos que son ultra fanáticos de Fito enviándoles la nota de voz diciéndoles que iba a entrevistar a Fito Páez. Hasta el día de hoy –en el que esta entrevista está siendo publicada–, ellos piensan que estoy entrevistando al Fito Páez real y no a Adrián "Fito" Mezzina.
En el 2010, Adrián logró lo que quizás cualquiera de nosotros hubiese querido con su ídolo: conocerlo y charlar un rato con él. Pero, con la pequeña diferencia que Adrián logro ser parte de la portada del disco Confía de Fito Páez. "Fito me dijo algo muy especial, me dijo que mi vida iba a cambiar drásticamente". Para una persona que lleva 25 años tocando en bares como su máximo ídolo, dejar su cara en uno de sus discos, debe ser algo monumental e increíble.
Para hablar de esto, y de cómo lleva su vida como doble de Fito Páez, hablamos con Adrián ''Fito'' Mezzina.
Noisey: Cuando te contacté y me respondiste por nota de voz, me reí debido a lo terriblemente igual que es tu voz a la de Fito. ¿Cómo lo haces? ¿Siempre estás en el personaje o te sale natural hablar así? Adrián: Pienso que mi voz es como una mezcla entre la de Fito y la de Charly, algo ahí está la mezcla. Pero siento que es más parecida cuando canto.
¿Vives exclusivamente de ser doble de Fito? Sí, gracias a Dios sí. Este es mi trabajo y nada más, desde hace 25 años. El parecido con Fito Paéz es algo que no dejo de preguntarle a mi madre, jajá, ella es la fan número uno.
¿Pasas la mayor parte del tiempo en personaje? Siendo Fito Páez y no Adrián Mezzina, digo. No, no. No paso todo el tiempo como Fito ni estoy en personaje siempre ni nada parecido, solamente cuando estoy en un show. Fuera de eso, soy una persona totalmente normal. No estoy en pose ni salgo a la calle loqueado ya que si no me volvería muy loco.
¿Cómo defines lo que haces? Lo que yo hago es admiración, ya que un imitador hace a muchísimos personajes. Si ven a algunos otros que dicen ser "imitadores" de Fito Páez, bueno, los resultados no serán muy buenos.
¿Te consideras el mejor? Y bueno, sí.
Estuviste en un programa de dobles que consiste en varios músicos cantando como sus ídolos, Hacelo Feliz. Estaban los dobles de Adele, Bruno Mars, Nino Bravo, Romeo Santos, Thalía entre otros ¿Qué tal la experiencia? Sí. Estuve recientemente en Hacelo Feliz. Lastimosamente no gané ya que pusieron a un jurado cumbiero... Obviamente iban a elegir a cualquier cosa que tuviese que ver con la cumbia porque les convenía. Eso estaba arreglado igual, no me hago mucho problema.
¿Qué es lo más raro que te ha pasado siendo doble de Fito? En Paraguay me quedaron debiendo plata, me estafaron y no pagaron después del show. En 25 años de carrera jamás me había pasado… Así que bueno, una primera vez para todo, imagino. Por todo Internet divulgué la estafa de este tipo y bueno. Se llama Lito Cáceres.
¿A cuales países has salido de gira? Paraguay, Chile, Uruguay y al interior de Argentina. Obviamente cuando salgo del país voy solo, con banda toco acá en Buenos Aires en los bingos y casinos. Es mucho gasto llevarte a los músicos afuera, entonces me llevo un iPod y canto sobre las pistas. Eso sí, jamás he hecho playback.
Llegaste a ser portada de Confía en el 2010 ¿Cómo te contactaron? ¿Cambió tu vida después de eso? Sí, Alejandro Ros llamó, él es quién hace el diseño gráfico de todas las portadas de los discos de Fito. Me vio en una foto de Facebook junto al doble de Charly y me llamaron. Las fotos fueron rápidas, salieron de una. No caía en cuenta que estaba en el lugar, parecía un sueño, pero todos fueron muy amables conmigo. Escuché todo su disco y lo canté con él. Si buscas el disco está Fito arriba y debajo estoy yo. No, no me cambió mucho la vida después de eso. No tuvo mayor repercusión. Lamentablemente en Argentina se consume bastante reggeatón y cumbia, el rock nacional está bastante decadente. La cultura en Argentina es deprimente.
¿Qué es lo que menos te gusta de la música de Fito? No hay algo que no me guste, me parece que todo lo que hace es genial. Ya siendo la gran estrella que es, siempre saca del repertorio poesías que son muy difíciles de lograr a su edad, o mejor dicho: mantener el nivel que tenía de joven ya de mayor, me parece que es muy difícil, y si le agregas todos los shows que hace al año, aún más.
¿Cómo te trata la gente en vivo? ¿Te has aprovechado de tu parecido para lograr cualquier cosa? Eso depende del lugar. Hay lugares que son muy receptivos pero en algunas ocasiones la gente es bastante despectiva, depende de la plaza en realidad. No, a mí no me gusta engañar a la gente. Es más, han engañado a gente diciéndoles que soy Fito, sobre todo para hacerles bromas o algo así, pero a mí no me gusta eso.
¿Cómo te la llevas con Fito? ¿Nunca tuviste la oportunidad de cantar con él? Sí, a veces lo voy a saludar. Aunque tengo más contacto con su hijo, Martín Páez, que con el mismo Fito. Nos hablamos por Facebook y eso, seguro Fito está muy ocupado. No, lastimosamente aún no he tenido la oportunidad de lograr cantar con Fito, casi me invita a Luna Park en Buenos Aires, pero al final no se dio.
Si tuvieses que presentar la música de Fito a una persona que jamás lo ha escuchado, vive en una isla desierta, y sólo puede escuchar un disco antes de morir, ¿cuál sería? Definitivamente sería Abre. Es el disco que más me gusta de Fito y pienso que es una buena manera para empezar a oírlo. Ya de ahí que arranque para atrás o para adelante, como sea.
¿Alguna otra anécdota curiosa que quieras contar sobre estos 25 años? Bueno, soy amigo de los músicos de Arjona, Giovanny el baterista y Víctor el tecladista. Son de Guadalajara. Cuando vienen comemos juntos y todo eso. Son una flor de músicos. Un beso a toda la gente de México que sigue a Fito, que sé que por allá lo quieren mucho. Gracias, y que ¡Viva México!
UJI es el alias como solista de Luis Maurette, a quien es probable que ubiquen como uno de los miembros del proyecto argentino Lulacruza, quienes forman parte de la comunidad neo tropical de Sudamérica y el mundo. Un poco alejado de la línea pop de Lulacruza, UJI se permite explorar ritmos más tribales, más ceremoniales, con elementos que provean al cuerpo de movimientos nocturnos.
UJI visitará la CDMX pronto y para introducirse formalmente a nosotros, tuvo una conversación con Noisey acerca de su sonido y su recorrido musical que pueden leer mientras escuchan este live set que grabó para el goce de sus finos oídos.
Noisey: Si bien ya has andado por la vereda tropical con Lulacruza, ¿cuándo decidiste iniciar con UJI? UJI: UJI nació espontáneamente en mayo de este año como una necesidad creativa. Si bien yo vengo haciendo música como Lulacruza hace 11 años, necesitaba hacer música más tribal, música más intensa, una música que agite al cuerpo, al corazón y al espíritu. Necesitaba expresar algo propio, una música que refleje mi visión personal. Por suerte, de la necesidad al hecho pasó muy poco tiempo, enseguida me puse a componer, pude compartir mis temas e instantáneamente sentí una respuesta positiva del oyente. Así que salté del deseo a la realidad rápidamente.
¿Cuál fue el primer release que editaste como UJI? El primer single de UJI es un remix del tema Sendero del Monte que hice para Mateo Kingman de AYA Records. Charlando con Grant Dull de ZZK y AYA Records, le comenté que empezaba un proyecto solista y me preguntó si me interesaba hacer un remix para Mateo. Me pasó los stems y el proceso fue tan natural que en unos días ya tenía el track terminado. Al sello le encanto, así que fue a parar como parte del single. Fue todo muy rápido.
¿Cuáles son dos de los sonidos/regiones que más fusionas en tu música? Más que un estilo o sonido particular, a mí me gusta pensar que mi música busca el lugar común entre los lugares y sus culturas. Por ejemplo, tengo un track inspirado en la música Gnawa del norte de África, pero que cuando suena en Argentina, la gente lo asocia con el Malambo y se pone a bailar pasos típicos de acá. Hay matrices rítmicas que se encuentran en los 5 continentes y para mí, mientras más reconozcamos esos lazos, mejor vamos a entender todo aquello que en realidad nos une. El paisaje latinoamericano es extremadamente diverso: va desde el altiplano a la selva, del desierto a las sierras nevadas, de la ciudad al pantano. Y de cada lugar brota una cultura y una música particular. Siento que mi música se nutre de esos lugares y de esas particularidades culturales y musicales. Todos somos parte de esta gran diaspora. Todos somos indigenas de nuestras tierras.
Desde sus inicios hasta hoy, ¿cómo ves el crecimiento/desarrollo de la comunidad electrónica tropical? Cuando hace 11 años nació Lulacruza realmente existía muy poco de lo que hoy conocemos como la comunidad electrónica tropical. Me acuerdo que cuando empezamos a componer nuestros primeros temas y a grabar nuestro primer disco en el 2005 no habían referentes musicales que estuvieran haciendo lo que nos imaginábamos. Y entonces, los primeros pasos fueron muy artesanales. Fue difícil encontrar el equilibrio entre lo electrónico y lo de raíz. El movimiento musical no tenía la identidad que tiene ahora, y fue un desafío encontrárselo. Y ni hablar de público. Costaba mucho encontrar gente que conozca y esté interesada en esta nueva música. No existía la comunidad como la conocemos ahora. Ahora las cosas son muy diferentes, siento que gracias a ciertos artistas que abrieron el camino (Chancha via Circuito, Nicolá Cruz, King Coya, e incluso Lulacruza) ahora hay un interés global por esta música. Hay una necesidad cada vez mas fuerte de la gente de conectar con las raíces, de sentirse en tribu y de redescubrir y reinventar nuestra identidad. Yo lo siento como una ola que cada vez toma más fuerza. Igual, siento que esto recién comienza, hay mucho por hacer y por crecer. Por eso estoy tan inspirado con este nuevo proyecto UJI.
Visitarás México pronto, has venido con Lulacruza antes ¿Qué recuerdos tienes de México? Mexico para mí es como un segundo hogar. Tuve la oportunidad de vivir en el DF tres años durante mi niñez y tengo mucha familia argentina que todavía vive allá, desparramados entre el DF, Tepoztlán y San Cristobal de las Casas. Es realmente un país hermoso con gente muy querida y una raíz cultural poderosa. Y además soy fanático de su cocina. Con Lulacruza el concierto que más nos conmovió fue uno que hicimos en Tulum en el 2012 como parte del Riviera Maya Film Festival. Tocamos sobre la playa después de que proyectaran nuestra película Esperando el Tsunami bajo las estrellas. El concierto estuvo teñido de magia, fue épico.
¿A quienes estás escuchando que son los que alimentan tus ideas musicales? La verdad es que hoy en día no escucho mucha música, creo que sigo procesando todos esos años que estuve viajando por Latinoamérica, investigando las raíces musicales de nuestras tierras y participando de todo tipo de ceremonias indígenas. Creo que en esos viajes fue donde entendí el poder real de la música. La música no es solamente un pasatiempo o algo que nos entretiene, la música es la vida en movimiento, es energía, y para mí el músico tiene algo de mago. Igual hay varios magos dando vueltas por ahi, varios productores latinoamericanos que están escribiendo lo que para mi es el nuevo folklore. Amigos como Pedro (Chancha via Circuito), Nicolá Cruz, los chicos de Matanza y mucha gente mas. Creo que entre todos nos inspiramos y nos ayudamos a crecer.
¿Qué se avecina para Lulacruza en el 2017? Los últimos dos años con Lulacruza han sido realmente increíbles, ¡pero muy intensos! Desde que lanzamos nuestro disco Orcas no hemos parado de tocar y de viajar. Estuvimos en USA (varias veces), Costa Rica, Indonesia, Australia, Alemania, Holanda, España, Hungría y Argentina. Así que después de una larga temporada de viajes y conciertos decidimos darnos un poco de tiempo para explorar otras cosas, proyectos personales que pedían pista. En mi caso, nació UJI. Así que por lo pronto en el 2017 no hay planes con Lulacruza pero quien sabe, en cualquier momento encaramos el proximo disco!!
El largamente esperado nuevo disco de Run The Jewels finalmente fue anunciado hoy, jueves 1 de diciembre. RTJ3, como su nombre lo indica, es la tercera parte una trilogía de discos que fue pensada desde que El-P y Killer Mike concibieron su increíblemente exitoso y genial dúo. Este tercer proyecto estará disponible como descarga gratuita además de en formatos de CD y vinilo. Los artistas invitados para RTJ3 son Danny Brown, Kamasi Washington, Trina, Tunde Adebimpe de TV on the Radio, y más. La emoción no puede ser más justificada: los dos discos anteriores de Run The Jewels son la puta crema.
Además del anuncio, el dúo estrenó el tema que ponemos abajo, titulado "Legend Has It", producido por El-P y con créditos de coproducción para Little Shalimar & Wilder Zoby. Escucha el track y mira el tracklist de RTJ3 abajo.
Run the Jewels 3:
01 Down [ft. Joi Gilliam] 02 Talk to Me 03 Legend Has It 04 Call Ticketron 05 Hey Kids (Bumaye) [ft. Danny Brown] 06 Stay Gold 07 Don't Get Captured 08 Thieves! (Screamed the Ghost) [ft. Tunde Adebimpe] 09 2100 [ft. Boots] 10 Panther Like a Panther (Miracle Mix) [ft. Trina] 11 Everybody Stay Calm 12 Oh Mama 13 Thursday in the Danger Room [ft. Kamasi Washington] 14 Report to the Shareholders/Kill Your Masters
I Saw the Light is a documentary film about a trip to Creation, one of the largest Christian music festivals in the country. The film follows a youth group on their adventure from the outskirts of Baltimore to the middle of Pennsylvania—or as folks in the area like to call it, God's Country. The 35-minute piece is produced by VICE's Chloe Campion and hosted by Noisey's editor-in-chief, Eric Sundermann. Through conversations with Grammy winning pop duo for KING & COUNTRY and rapper Andy Mineo—along with speakers from the 50,000+ attended festival—the documentary takes a thoughtful look at the world of Christian music, belief, growing up, and Jesus Christ. To quote a character in the film, we're "not going to call this the Christian Woodstock, but… it's the Christian Woodstock."
Todas las fotos: Mónica Lozano (excepto donde se indique).
Rojo en los labios. Rojo en la sangre simulada y en la sangre que en ella hierve al ejecutar guitarra, pianos y voces, así como la que hierve en todo aquél que la mira. Rojo en el fuego que deja en el escenario. Rojo su discurso feminista. Rojo el sagrado sangrado de su entrepierna. Rojos los sueños dislocados de Teresa Suárez, mejor conocida como Teri Gender Bender (Denver, Colorado, 1989), comandanta de la entidad garage-punk-grunge Le Butcherettes (agrupada en Guadalajara, 2007), cuya ascendencias española y tapatía la han llevado a arrojarse al ruedo desde joven, con una fuerza que quién sabe si ella misma alcance a ver, pues en toda una huracana se convierte la chica tímida y frágil que tartamudea ligeramente cuando dialoga fuera del tinglado, para luego transformarse en diabla. La energía genuina que trae dentro es sobrada y no se ve cerca el día en que pueda dejar de derramarla, más a través del sonido, de enérgicos movimientos, que de posibles choros mareadores. Porque su furia escénica no es fingida: simplemente no la puede contener. Detrás de esa carita angelical hay un vendaval imposible de frenar, alimentado a veces por la tristeza, a veces por la impotencia y la ansiedad, a veces por el despecho.
Cuando hablas con ella sobre su trabajo, no te menciona géneros musicales ni influencias, ni de técnica en la guitarra ni de ídolos del rock. Te habla de los resortes emocionales que la han llevado a hacer de la música su forma de vida. Tampoco te presume cómo ha impactado al mismísimo Iggy Pop, a Henry Rollins, o a Omar Rodríguez López, datos que me hizo llegar su mánager, aunque si se lo preguntas a ella, sólo sonríe y fluye, sintiéndose un tanto abochornada, pero sobre todo agradecida.
Teri vivió de niña, hasta los 13 años de edad, en Estados Unidos. Luego se fue a vivir a Guadalajara, de donde es oriunda su madre. De 2007 a 2010 armó gran ruido en suelo mexicano con su proyecto Le Butcherettes, en un principio al lado de Auryn Jouline en batería. Después se fue a vivir a Los Angeles, California y ahora vive en El Paso, Texas. Ella habla poco de cómo fue tratada por el público y medios mexicanos en aquellos días, pero quien escribe atestigua que la escena local la trató con cierto recelo, como suele tratarse a muchas mujeres aguerridas en México, en cualquier área. Se le tildó de ser "puro teatro y nada de música" (como si muchas bandas de punk, rockabilly, etcétera, no fueran sólo eso), que no sabía tocar (como si muchos músicos que empiezan, dominaran su instrumento), que medio le iba bien "sólo por ser guapa y andar con Adanowsky" (porque en México no se te perdona el éxito y menos si eres mujer y estás buena: "está donde está porque se acuesta con equis").
De este tema y más habló en entrevista para Noisey, aprovechando una fugaz visita a la Ciudad de México, en donde participó hace varias semanas en el festival feminista Ruidosa. Hizo promo y actuó en una sesión para el doceavo aniversario de la estación de radio Reactor: en ese show, Gender Bender demostró haber crecido muchísimo como músico y performer. También habló de cómo le empezó a ir mejor desde que dejó este rancho machista (esto último, acotación de quien escribe), de lo que significó conocer y compartir cartel con Iggy & the Stooges (ella fue su acto abridor en una gira; grabó una canción con él), así como con Queens of the Stone Age, Flaming Lips, Jane's Addiction, Faith No More, Melvins. Habló igualmente sobre su formación adolescente tras la muerte de su padre; sobre el poder del amor; sobre racismo; sobre Donald Trump.
Foto: Dena Flows
En el principio fue el dolor
Noisey: ¿Cómo comenzó este escape a Estados Unidos? Teri Gender Bender: William Morris, un agente que hace booking mundial, se vio interesado en Le Butcherettes y empezó a hacernos girar con varias de las bandas que él mueve. Eso empezó a abrir otras puertas y colaboraciones, lo que a su vez me llevó a vivir en diferentes lugares. No fue tan planeado: El trabajo sólo se fue dando muy bien allá.
Tú viviste allá de niña. Imagino que eso facilitó las cosas. Muchos artistas mexicanos ven el ir a tocar allá y tener un lugar en la escena estadounidense como algo imposible. Tú además de tocar con grandes figuras del punk, has tenido excelentes reseñas en medios… Sí, viví antes allá, porque mi padre se fue con mi madre a conseguir trabajo a Denver. Trabajaba como cocinero en una cárcel. Pero cuando murió mi padre (yo tenía 13 años), mi madre no le vio sentido a quedarnos allá. Nos vinimos a México, lo cual estuvo muy bien, porque si me hubiera quedado allá, seguro me habría hecho adicta a la meth, ja ja.. ¡Porque no hay nada qué hacer ahí! En Guadalajara entré a la escuela… pero vivía con culpa, pues lo último que le dije a mi padre fue: "¡Te odio, quiero que te mueras!". Él tomaba mucho, era alcohólico. Estaba muy frustrado por el trabajo que tenía. Tenía que estar atento de que nadie le robara algún cubierto, algún cuchillo… Siempre estaba preocupado porque lo trataban mal por ser latino; temía que por cualquier cosa lo quisieran correr. Pero ya en México, cuando todo eso quedó atrás, de adolescente me refugié en una guitarra que él me había regalado, porque desde los 10 años yo le decía que quería hacer música. Ésa fue mi salvación: al tocarla me sentía conectada con él. En la escuela me sentía fuera de lugar; me decían: "ey tú, gringuita". Como que les molestaba que fuera más blanquita. Entonces la música fue el lugar que fui desarrollando para descargar mi ira.
¿Cómo nació en ti el germen de lo que después harías con Le Butcherettes? Alguna vez dijiste que te sentías con una especie de misión… En secundaria y prepa leía a Betty Friedan, Simone de Beauvior, Sylvia Plath: todas esas mujeres hablando de cosas tan intensas, tan reales. Todo eso me inspiraba más preguntas: ¿Por qué mi madre es así? ¿Por qué mi abuela? ¿De dónde viene? ¿Es cultural la forma como son, o qué? Luego conocí a los Dead Kennedys, que hablan sobre cómo funcionan las cosas en la política, debajo de la mesa del poder; toda esa corrupción terrible. Con esa información sentí que yo también tenía algo que decir. Quizá no de forma tan articulada, pero la música me ayuda a dar mejor el mensaje. Tengo tanto acá dentro, que me mataría si no lo saco. Poco a poco fui dándole forma al atuendo y al performance: dos mujeres carniceras con sus mandiles como crítica al sometimiento al cual nos quieren tener los hombres; todas perfectas con sus collares de perlas, como maniquíes, pero en realidad como esclavas, escondiendo su dolor detrás. Los bisteces, porque nos ven como un pedazo de carne. Al principio sólo tenía el concepto, así que invité a Auryn, que era la única baterista que conocía. Ella me contaba de sus frustraciones familiares; nos conectamos mucho y nos juntamos para sacar nuestra angustia. Al inicio nos dijeron de todo. Siempre hay gente que te va a tirar mierda: "¡Esas viejas qué! Ni saben tocar, ni cantan en español". Pero siempre hubo una vocecita, no sé si era mi papá o qué, que me decía que estaba haciendo lo correcto y que siguiera adelante y que no me arrepintiera, porque la vida es muy corta.
No caminar muerto
Los shows de Le Butcherettes ("las carniceras" en un francés mal escrito a propósito), comenzaron a causar furor en México entre 2007 y 2010, con Teri en la voz, guitarra eléctrica y teclados, acompañada primero por la antes citada Auryn, luego por varios bateristas emergentes (desde que vive en Estados Unidos también se hace acompañar por un bajista). La causa del furor se debió a que su líder siempre simulaba estar embarrada de sangre, entre cabezas de cerdo, cuchillos y maniquíes; trepaba andamios, rompía cosas; célebre fue un show en Lunario, en el que se orinó y se fue quitando la ropa hasta quedar desnuda, en un acto catártico tal que no causó morbo sino azoro. Pero sus recursos quedaron agotados.
¿Qué más podrías hacer después de algo tan extremo? Cuando me fui a L.A. empecé un nuevo capítulo. No más sangre, no más carne, no más mandil. Mi nuevo personaje no usaba maquillaje; me dejé crecer el vello en las axilas y las piernas; salía descalza. Tengo los pies planos, horribles: parecía una loba. Usé siempre un solo vestido violeta súper feo y apestoso. Traía un fleco muy largo que me tapaba la cara. Era la etapa del disco Cry is for the Flies (2014). Con el Raw Youth (2015) todo fue rojo: recordar el origen sangriento, pero ahora sólo mediante una estética no literal, sino sólo en los colores; tanto en el diseño como en la vestimenta: la sangre que crea vida, la mujer dando a luz. Es súper saludable no casarse con una sola visión de tu concepto: hay que irlo transformando. Explorarlo, expandirlo.
Le Butcherettes ha editado, además de los dos LPs arriba citados, los EPs Chaos as usual y Shave the pride / They fuck you, ambos de 2015. Los cuatro fueron producidos por Omar Rodríguez López (The Mars Volta, At the drive in). Con él ha integrado también las bandas Bosnian Rainbows, Kimono Kult (con además John Frusciante y Nicole Turley, entre otros) y Crystal Fairy (con Buzz Osbourne de The Melvins y Dale Crover, ex colaborador de Nirvana y Melvins). Nada mal.
¿Cuáles fueron los impulsos detrás del Raw Youth, tu último disco, antes de editar en 2017 tu siguiente trabajo? Muchas veces es justo lo malo que te rodea, lo que te inspira. No hay personas malas, sólo ignorancia. Si naces rodeado de odio, vas a contagiar odio. La ignorancia es peor que la "maldad" porque no estás consciente de ella siquiera. Y eso animó este disco: hay gente que aunque tenga todo por perder, sigue adelante, sin importarle el odio que haya alrededor. No deja que les afecte. Yo vi a mi mamá seguir adelante tras la muerte de mi padre. No sé cómo le hizo para no meter su cabeza en el horno. Halló la fuerza para seguir. Creo que aunque digan lo contrario, los mexicanos siempre hallamos la forma o nos la ingeniamos para seguir adelante. En Estados Unidos hay mucha ignorancia y siempre me preguntan que si a poco en México se puede vivir, si hay orden, si hay Internet; piensan cosas muy tontas. En cambio en Europa, piensan mejores cosas: "Oh México, qué gran cultura". Lo que quiero transmitir en este disco es lo importante de no quedarse dormido. Hay mucha gente caminando dormida o muerta. Lo único importante es la búsqueda del amor, no necesariamente de pareja; hablo de hacer eso que amas y no dejarlo ir, pues si lo dejas, pierdes el sentido y la razón por lo cual vivir. Veo a mucha gente que se vuelve sólo burócrata y no hace nada más. Se vuelven gente sin alma.
Lo real de la teatralidad
Además de los proyectos alternos antes mencionados, Teri ha logrado colaboraciones en sus discos con los citados Henry Rollins, Frusciante y Pop, además de Shirley Manson. Ha actuado en los festivales internacionales Coachella, Lollapalooza y Sonar, entre otros.
Intuyo que a pesar de los males que pueda tener Estados Unidos, hay allá mucho más respeto por el trabajo artístico de las mujeres, aunque también mayor exigencia, lo cual es bueno también. Sí. La verdad sí lo hay. Aunque al inicio me costó muchísimo trabajo empezar. Además me fui así nada más, sin despedirme de mi madre ni de mis amigos. Hasta después me di cuenta de que estaba huyendo de mí misma. Suena cursi pero es la neta. Aun cuando las cosas empezaron a ir muy bien, y toqué con los Flaming Lips, con Jane's Addiction, sentía que había dejado algo sin cerrar, incompleto, acá en México. Me sentía una traidora. Pero con el tiempo hice las paces con mi mamá, mis hermanos, mis abuelitos, mis amigos. Es importante no olvidar tus raíces. Porque si lo haces, el cuerpo, la espalda, te empiezan a doler de la nada, te sientes aislada, sin base. En lo emocional y económico, te decía, al principio me fue muy mal, pero me decía: prefiero sufrir esto que enfrentarme a mí misma en México. Irónicamente, huir de mí misma fue benéfico para mi carrera. Pero eso sólo puede durar un rato. Qué bueno que ese escape implicó irme a tocar allá, pues si hubiera escapado de mí acá, quizá me habría aislado en un cuartito, orinando en tacitas para no ver a nadie [risas]. Pero por fortuna todo empezó a ir mejor, sin planearlo. Vi que sólo debía fluir hacia donde sucedían las cosas. Cuando vi que al público, a otros músicos, a managers, le gustaba mi trabajo allá, me di cuenta de que debía quedarme allá, seguir retándome cada vez más, no dormirme en mis laureles. Todavía tengo mucha hambre de seguir tocando, girando, viajando… Otra cosa que ha cambiado es que, por ejemplo, antes sólo tocaba y me iba a casa. Tenía todavía mucha inseguridad y angustia. Ahora al acabar me bajo a conversar con la gente que me va a ver. Con ello, mi visión respecto de lo que hago cambió drásticamente. Me conmovió saber cómo muchos se identifican con lo que hago, cómo les afecta, cómo los alivia incluso. Me transmiten buena energía, me dicen cosas súper lindas, como: "Gracias por tu música, me ha ayudado en tiempos difíciles". No tenía idea cómo podía mover cosas en la gente. Me quitó mucha depresión el sentir su amor y saber que no estaba sola. Empiezas a ver que son muchos los que creen en lo mismo que tú. Con ese ejercicio, lo que hago cobró mucho más sentido. Lo que dejé de hacer es ver en Internet lo que dicen de mí: hay mucha gente llena de odio, y en algún momento sí me llegó a afectar. Así que ya sólo me concentro en mi trabajo.
Vienes llegando de una gira por Europa ¿Cómo te fue y cómo te tratan por ser mexicana, aunque cantes en inglés? Es mi segunda gira por allá. El año pasado fui con el Raw Youth. Estuvimos en Suecia, Londres, Gales, Escocia, Alemania. Antes había estado en España, Francia… De niña nunca imaginé que visitaría esos países, y menos que lo haría actuando. Me fue muy bien, afortunadamente. Aunque como antes decía, el trato es mucho mejor en Europa. Cuando me acababa de ir al gabacho había gente allá dizque muy profesional de la industria rodeándome, que me decía: "Mejor no digas que eres mexicana, no hace falta". Yo pensaba: "¡Qué horrible!" Y todo el tiempo me presionaban con mi apariencia, que si había subido de peso… Y empecé a sentirme culpable: todo esto pasa porque yo me pongo en esta situación. Así que me alejé de esa gente. Y me moví con quienes sí me valoran y respetaran. Todo cambió para bien. De hecho, con más ganas empecé a decir que soy mexicana: ¡Que todo mundo lo sepa!
Te vi actuar en la sesión de Reactor, y realmente has madurado como profesional. Ya le das muchísimo más peso a la música que antes, y al dominio de tus instrumentos, de la voz, sin que tu teatralidad disminuya. Creo que sólo se ha transformado, ya usas menos artilugios, ahora esa energía está sobre todo en tu expresión y en la misma música ¿Podrías hablarme de la importancia de la teatralidad en tu trabajo? La ironía es una herramienta increíble para reírte de ti mismo y picar tu propio ego a través de un alter ego. Mi madre es un poco así: Por la mañana es una y por las noches otra. Mi papá también era así. La teatralidad es algo que vivimos todos los días, todo mundo. En la escuela te educan a tener cierta personalidad; con las amigas quieres quedar bien en la prepa, con el novio, con tu abuelita. La verdad todos tenemos diferentes personajes o roles en la vida real. En el escenario siento que puedo sacarlos todos. A mí no me molesta que digan que lo que hago tiene mucho de teatral, al contrario. Mi madre es actriz de teatro, ganó alguna vez un premio local en El Paso, Texas. Es natural que yo lo traiga. Ahora, una cosa es la teatralidad como vehículo de comunicación, y otra cosa la falsead. Aunque lo que hago es teatral, no es falso. Es absolutamente real.
Eso es lo que he visto. Creo que tu espíritu es punk, y hoy quedan pocas mujeres mexicanas con ese espíritu en la escena local más visible. Claro. Más que el género musical, es un asunto de actitud. Y más que una banda, siento que Le Butcherettes es una entidad artística que se va adaptando a lo que la vida le va poniendo encima. Antes me sentía muy insegura, ahora ya no tanto, porque sé que estoy en el núcleo del amor. Es decir, aunque haya ganado Trump y estén pasando cosas terribles alrededor, he visto cómo la vida te va poniendo donde debes estar. Hoy me siento más querida que antes. Venir a México esta vez me recordó eso: es como venir a recargar pila, energía. Es reconocerme: "Ah, claro, yo vengo de aquí, soy parte de esto, aquí está mi alma, aquí están los que más me aman". México es mi núcleo de amor. Aquí me siento protegida.
Iggy Pop y Omar Rodríguez López
¿Cómo conociste a Iggy Pop y cómo llegaste a abrirle shows? ¿Cómo accedió a grabar una canción en tu disco, curiosamente en español? Creo que eso no sólo ha suscitado aquí interés sino mucha envidia. Todo se lo debo a Mike Watt, un bajista increíble y gran persona. Tocó con The Minutemen y los Stooges. Una vez nos vio tocar y me dijo: "Abre para nosotros" (Iggy and the Stooges). Fueron cuatro fechas por la Costa Oeste. Iggy es una persona súper amable, te saluda, te mira a los ojos; no se hace el divo. Me impresiona cómo alguien como él no se la cree. Tiene una especie de inocencia todavía, ¡tan hermosa! A veces, banditas que llevan dos años de carrera, se creen la gran mamada. Pero él, que es el jefe del punk, para nada; es súper humilde y muy generoso. En mis shows llegó a ponerse a orillas del escenario a verme. Tras cada show me animaba: "Very good, Teresa, very good"' Después me decía: "¡Deberías ser actriz! Te verías muy bien en alguna película". Le dije que no sé actuar, que si me dieran un guión, no sabría qué hacer. Eso me hizo volverme a preguntar quién soy en realidad, pero prefiero no apresurar nada... Otro día se puso a hablar en español conmigo. ¡No sabía que él hablaba español! Y me contó una historia: "Una vez viví en Baja California; estaba siempre con unos pescadores que me decían: Jaime, ¿quieres una cerveza? Y me encantaba estar con ellos. Pero un día llegó la policía, sacaron las armas, ¡y estos pescadores eran narcotraficantes!" No sé si Iggy estaba inventando todo, pero sonaba increíble cómo me lo contaba, y cómo estaba teniendo interés en hablar conmigo en español. También me habló de sus frustraciones: "Todo mundo me ve como Iggy, la cosa; como un fenómeno. Me molesta. Yo soy mucho más que eso. Puedo hacer muchas cosas más, como doblaje en Discovery Channel, me gusta ser narrador… También me gusta cantar en francés… No me gusta que me traten como el personaje". Mientras me hablaba, de pronto le dije que si grabábamos una canción en español. Le agradó la invitación, aceptó y me contó que alguna vez ya había cantado en castellano en España. Un año después lo arreglamos todo con su agente y fuimos a grabar su voz a Miami, en un estudio que él frecuenta, para que se sintiera a gusto. Le llevé la letra impresa, pero él ya se la había aprendido de memoria. Fue muy lindo porque al acabar la grabación, nos llevó a Omar y a mí a pasear en su auto por la ciudad, nos invitó a su casa. ¡Fue una gran conexión, uff!
Ahora que mencionas a Omar, acá mucha gente asegura que él es o fue tu pareja ¿Es cierto? Lo pregunto por si esto afecta de alguna forma al trabajo… [Teri se carcajea]: ¡Por supuesto que no! Tenemos una conexión muy grande como músicos. No sé de dónde salió ese chisme, pero jamás hemos sido pareja. Me caga cómo es misógina la gente: "Si trabajan juntos, seguro se la coge el güey, y seguro el de los Melvins también se la está chingando", ja ja ¡Son terribles! Con Adán (Adanowsky) sí anduve, pero no terminó muy bien eso, y no me gustaba ser su sombra, como él quería que yo fuera. Omar es un músico y productor increíble, un muy buen amigo. Tiene fama de ser un dictador con lo que produce y ciertamente lo es, pero qué bueno que así sea, lo aprecio. Como productor es fantástico porque apoya cien por cierto tu visión como autor, comprende tu esencia, la respeta, y la potencia, en lugar de cambiarla y ponerle su huella. Oye tus demos y te aconseja, por ejemplo: "Esta canción es muy buena, pero no para Le Butcherettes, sino para tal o cual proyecto". Piensa mucho en función de conceptos, que haya coherencia en cada banda. De hecho, así surgió Bosnian Rainbows: son canciones mías que no quedaban para Le Butcherettes, aunque lo que él hizo con ellas fue buenísimo, pues las llevó a lugares muy lejanos; ya sonaban a otra cosa. Eso no me molestó, me encantó; es un proyecto más de colaboración conjunta. Le Butcherettes es más yo. Omar sabe trabajar en equipo, a pesar de ser obsesivo y perfeccionista. Pero no es nada serio, tiene mucho humor, se ríe de sí mismo, sabe pasarla bien. Tiene mucho humor latino, o sea, muy llevado. Nos entendemos demasiado bien, pero sólo somos amigos y compañeros de trabajo.
Donald Trump y el futuro
¿Qué viene en adelante para Le Butcherettes? Después de esta visita a México, iré a Los Angeles a grabar mi nuevo material. También ensayaré con los Melvins para un show... Mi disco nuevo tiene que estar listo en febrero. Yo sólo quiero seguir haciendo lo que hasta ahora: hacer música, girar, tocar, tener salud, ser feliz, pasarla bien. Por fortuna estoy logrando vivir de esto.
¿Por qué vienes tan poco a actuar a México, desde que te fuiste a Estados Unidos? ¿Qué ha pasado? No ha sido por gusto, es que ha habido pocas invitaciones. Vinimos ahora a Ruidosa, antes con Deftones y Antemasque (también abrió escena a The Dead Weather en el José Cuervo y a los Yeah Yeah Yeahs en Monterrey), pero no más. No sé por qué. Ojalá nos inviten más.
Hace rato mencionaste a Donald Trump. Sé que es un tema odioso, pero me parece que es inevitable ¿Cuál es tu sentir tras su victoria en las elecciones, sobre todo como mexicana, a sabiendas de su racismo? ¿Tienes miedo? Estoy en shock, pero no sólo tras haber ganado, sino desde que se anunció como candidato. Muchos no lo creíamos e incluso asqueó a los mismos republicanos. Creo que el que haya ganado está exponiendo cómo es la verdadera mentalidad de un país que se dice de primer mundo. Habla mucho de su gente. Pero no me siento apachurrada ni triste. Prefiero ver el lado positivo y darme cuenta de que aún hay mucho trabajo por hacer. Suena cursi decir que no nos dejaremos vencer, pero es verdad: no hay que dejar que el odio de otros nos afecte, como antes dije. Ahora más racistas se van a sentir legitimados, respaldados, al ver que el líder es un loco. Pero hay que ser inmune. Como Gandhi decía: no hay que responder a las agresiones, porque les das pretextos para que te odien más. Hay que darle amor a Trump [risas]. A lo que me refiero es que, por ejemplo, en México [Enrique] Peña Nieto es alguien que parece estar pidiendo a gritos que lo odies: es como si lo buscaran, como si el odio los nutriera, eso les gusta. Pero no hay que darles gusto. Hay que anularlos con amor, sin caer en sus provocaciones... Este triunfo de Trump hará que los que estamos en su contra, nos unamos más. La verdad no sé quiénes votaron por él, no conozco a nadie que lo haya hecho… Pero al final del día no tengo miedo. El racismo es algo que de todas formas ya ocurría. A mí a veces me ven raro por no tener un acento perfecto; a un integrante de mi banda lo han insultado en escenario por ser moreno, pero en vez de amedrentarnos, nos unimos más como una familia; esto nos obliga a respaldarnos, querernos y cuidarnos más. Nos hace más fuertes. Además, el racismo estaba más pesado cuando mi papá tuvo que soportarlo, cuando yo era niña, así que si ellos sobrevivieron a ello, yo puedo hacerlo mejor.
Después de presentarse en el Vive Latino de este año, Todos tus muertos regresa a la CDMX para presentarse en el Pabellón Cuervo del Palacio de los Deportes. Sabemos que lo que les interesa saber ahora es cómo ganar un boleto doble, así que nos vamos ahorrar el cuento. Acá abajo dejamos la dinámica:
Google está preparando su primer festival de música, el GOODFest, y lo está haciendo con todo el sello característico de esta empresa: la unión de la gente a través de las tecnologías de la información.
Haciendo honor a su nombre, el GOODFest pretende ser una celebración hacia todo lo bueno y hacia el progreso. El festival se llevará a cabo en cinco ciudades distintas, con cinco temáticas diferentes y apoyando cinco causas; y comienza en Nueva York el 29 de Noviembre con los Glass Animals. Después la fiesta seguirá en Nueva Orleans con Gogol Bordello y Nick Zinner de los Yeah Yeah Yeahs, el 9 de Diciembre. El siguiente evento sería el 12 de Diciembre en Seattle con D.R.A.M. El line up de los últimos dos conciertos aún está por revelarse.
Si no puedes asistir físicamente al festival, éste estará disponible en un live stream por YouTube y Facebook Live. Además, si quieres una experiencia más completa, Google dará la oportunidad de poder experimentar el festival en Realidad Virtual, uniéndose a la nueva ola de eventos que acercan a los usuarios que antes de existir esta tecnología, sería imposible presenciar.
El lunes 28 de noviembre una noticia oscureció aún más la fría noche. El avión en el que venía el equipo de fútbol brasileño Chapecoense, se accidentó en los cerros de Medellín. El martes por la mañana nos enteramos con horror que 71 personas murieron y solo seis sobrevivieron. El "Huracán del Oeste" quedó devastado. Pero lamentablemente esta no es la primera vez que un accidente aéreo apaga la vida de un grupo de ídolos del pueblo brasileño. En 1996 el grupo de rock Mamonas Assassinas viajaba de Brasilia a São Paulo y su avión se impactó contra la Sierra de la Cantareira. No hubo sobrevivientes.
Pero esa no es la única similitud que la banda tenía con el equipo. Al igual que el Chapecoense, Mamonas Assassinas empezó desde muy abajo y estaba en su mejor momento cuando ocurrió el accidente. El grupo empezó haciendo covers de hardrock bajo el nombre de Utopía y nadie los pelaba. Cuando ensayaban hacían canciones de desmadre llenas de humor y un buen día les dio por tocarlas en sus conciertos. Rápidamente, con su rock chistoso y jocoso, el grupo fue ganando fama en todo Brasil. Incluso aparecían en televisión con disfraces, haciendo coreografías junto a cientos de bailarinas y alcanzaron a lanzar un único disco homónimo que tuvo bastante éxito.
El grupo era imparable y al igual que el Chapecoense iban por la gloria máxima: Una gira europea. Estaban volviendo de dar un show en Brasilia y al otro día tenían programado el vuelo para Portugal. Pero el cruel destino tenía otra plan para el quinteto.
Al igual que con el Chapecoense, la mejor forma de honrarlos es recordando la alegría que le regalaron a la gente. El uno con su juego, el otro con su música. En estos duros días de luto, tal vez una pequeña forma de consuelo, es pensar que los jugadores del Chape fueron recibidos con música en el más allá.
Después de explorar el legado de Molotov, y luego de evaluar el papel que ha jugado la Selección Mexicana en la idiosincrasia nacional, el director de cine, amo del podcast, ex-locutor, lector de Chomsky, y una de las voces más importantes de su generación en México, Olallo Rubio, regresa con otra apuesta, y al menos por lo que se aprecia en el teaser, la más ambiciosa en su carrera cinematográfica: Jefes de Jefes, un retrato de la que muchos consideran la banda más importante que ha dado la música popular mexicana: Los Tigres del Norte.
En el teaser, el líder de la banda Jorge Hernández traza algunos detalles de su historia: una historia de conquista global que comenzó en una esquina olvidada del norte de México. Olallo además entrevistó a gente como la actriz Kate del Castillo, el músico Ry Cooder o el escritor Arturo Pérez-Reverte, al lado de académicos de la música popular increíbles y que reciben poca oportunidad de hablar sobre los temas que conocen mejor que nadie, como Josh Kun o Elijah Wald. Sin duda Los Tigres del Norte es una de las fibras neurálgicas de esta cosa que podemos llamar mexicanidad, y sobre todo de esa realidad contemporánea binacional, bicultural y bilingüe, que llamamos Mexamérica, territorio permeado por la narcocultura.
Dale play y se vale que se te ponga la piel chinita.
Avionica es una banda que se está encargando de internacionalizar el rock boliviano. Liderado por Joti, este proyecto ha llamado la atención del público latinoamericano con sus últimas dos producciones: California (2013) y Electricidad (2016).
Las canciones de Avionica son de rock/pop para exportarse, y se han posicionado muy fuerte en la radio latinoamericana, lo que los ha hecho formar parte de los listados importantes en México, Colombia y Bolivia. En su país de origen han ocupado los primeros puestos de las listas de popularidad. El sonido influenciado por el rock alternativo y el pop británico de los años 80 que propone esta agrupación, los ha llevado a estar nominados a los premios HTV y ganar un premio Maya en Bolivia, lo que demuestra que la banda ha logrado una conexión con el público tanto en su país como en el resto del continente.
Joti ha sabido muy bien elegir su equipo de trabajo y se ha rodeado con un grupo de excelentes músicos y productores como Andrés Saavedra, Sebastián Krys y Cacho Romero, que han ayudado a que Avionica desarrolle una formula para que su música supere fronteras y pueda internacionalizar el rock hecho en Bolivia. La música de esta banda también ha llamado la atención de otros artistas. En el sencillo "Distante" colaboran con la cantante chilena Francisca Valenzuela.
Para conocer mejor este proyecto, nos pusimos en contacto con Joti y nos contó la historia de su proyecto y los próximos movimientos en su carrera.
Noisey: ¿Cómo y donde nace Avionica? Joti: Avionica nace en Cochabamba, Bolivia y se forma porque cuando yo tenía mi proyecto solista me costaba mucho encontrar músicos que realmente se quisieran dedicar a tocar de manera más profesional. Entonces pensé que si al proyecto le ponía nombre de banda, se iba a generar mejor conexión y sintonía con los músicos. Avionica salió en 2008 y aunque sigue siendo un proyecto solista, he encontrado gente muy dedicada, muy profesional que se han subido al avión y se ha formado una banda muy sólida que suena excelente en vivo.
¿Es difícil hacer rock en un país dominado por la música folclórica? No creo que sea difícil, uno hace la música que le sale de adentro. Yo durante un tiempo hice música en inglés porque siempre me influenció el rock británico pero nunca lo vi como que vivo en Bolivia y no en Inglaterra, entonces tengo que hacer canciones en español. Incluso me atrevería a decir que es más difícil hacer música folclórica porque hay muchos grupos y buenos. Yo siempre he sentido que tienes que ofrecer algo que sea autentico, algo unique.
¿Qué te lleva a hacer el salto al exterior? Al salir del colegio, me voy a estudiar ingeniería de sonido a Orlando y cuando terminé la universidad consigo una pasantía en los estudios Crescent Moon de Emilio Estefan en Miami. Es ahí donde empiezo a conocer a productores y gente de la industria musical latina y es ahí donde puedo dar el salto para llevar mi música al exterior.
¿Cómo ha sido la recepción del público y los medios en los diferentes países en los que estuviste girando? Siento que nos ha ido muy bien en ese aspecto, tenemos muy buen material, buenos videos y buenas canciones. Estoy muy agradecido con toda la cobertura que me han dado los medios, hay gente que me escriben de muchos lugares contándome que vieron mi video en algún canal o que escucharon mis canciones: eso me sorprendió mucho y al mismo tiempo quedé muy feliz al ver que mi música gusta. Estoy muy agradecido por el cariño y apoyo de esas personas en varios países del continente.
¿Cómo ha sido la evolución de tu música desde los comienzos de la banda hasta hoy? Lo mío es hacer canciones. Con el tiempo he entendido todo lo que tengo que hacer en una canción: sé lo que me gusta y lo que no me gusta, si en sí me falta mucho, creo que interiormente yo he evolucionado en el aspecto de entender cuándo una canción está terminada, la veo completa, ya su estructura esta terminada y no estoy dándole vueltas a las melodías y progresiones, creo que la evolución de mis canciones va por ahí. He trabajado con tres productores y los procesos de las canciones han tomado diferentes rumbos con cada uno de ellos, aportan mucho y me ayudan a entender este proceso, pero al final lo que mas me concierne son las canciones.
¿Cuáles han sido los logros de la banda hasta ahora? El logro mas grande para mí, es el de poder haber tocado en un teatro lleno, y que la gente que pagó por su entrada, sepa tus canciones y las cante: es algo con lo que siempre he soñado. Hace algunos años yo pensé que ese sueño no se iba a dar y mira, este año en Bolivia hicimos tres teatros llenos y eso de verdad lo es todo. Es importante también el poder sonar en el exterior, girar por varios países, la nominación a los premiso Htv, el premio Maya en Bolivia y ser numero uno en varias radios, para mi es vivir mi sueño, hoy me encuentro viviendo mi sueño.
¿Qué crees que le falta a Bolivia para ser parte del circuito internacional de la industria musical y ser catapulta de artistas? A Bolivia le falta la parte de la producción ejecutiva, el que existan managers, publicistas, empresas de booking, casas de discos y empresarios. Se necesita gente que pueda guiar y dirigir a los artistas, que les muestren cual es el mejor camino por donde llevar su música, que les aconsejen, hacer estrategias de promoción, marketing y P.R. Ese trabajo es muy importante y en Bolivia no existe. Yo solo puedo hablar por mi experiencia, me acuerdo que antes de que empiece a trabajar con el productor Sebastián Krys, me dijo que no podía vivir en latino américa y pretender arrancar una carrera en esta industria haciendo música en ingles, que cambié al español, me dijo que si íbamos a empezar a trabajar en nuevo material quería que sea un éxito, yo obviamente al principio no estaba de acuerdo con la idea, pero seguí su consejo y fue ahí, fue ese cambio el que permitió expandir mi música y llevarme de ser nada conocido a ser un poco mas conocido.
¿Qué se viene con Aviónica en un futuro cercano? En febrero vamos a estar lanzando un Dvd de un disco en vivo que grabamos en Hit Factory y empezar la promoción de ese trabajo, hacer otra gira por Bolivia y empezar a pensar en la Pre Producción de un nuevo disco de estudio.
Luego de anunciar hace un par de díasa través de su Facebook que estábamos a punto de escuchar una de las mejores canciones que ha hecho en la vida, Álvaro Díaz por fin publicó "Todo Bien". El track resulta ser el primer sencillo de su próximo disco y básicamente las letras se enfocan en hablar de los beneficios que ha traído para su familia que este rapero puertorriqueño haya adquirido fama internacional.
Como todo lo de Álvaro, "Todo bien" viene cargado de beats que se estiran y se encogen sobre una base melódica suave que puede elevarte tan alto como unas buenas caladas de humo espeso. Dicho esto, empieza bien tu fin de semana: aquí hay rimas suaves para mandarte a volar.
Iván Mayorquín es un tipo que mezcla su imaginación excepcional con muy buenas ilustraciones. El resultado son cómics con los que te puedes doblar de la risa por horas y que tienen el potencial de hacerte soltar un chorrito de pipí.
Además de esta dosis semanal de humor ácido creada especialmente para Noisey, Mayorquín reflexiona sobre los pesares de la edad moderna a través de Pizza Sandwich, cómics tan buenos como los que hay aquí abajo.
Junto con Julio César Guerrero, de la Banda Machos, Casimiro Zamudio moldeó a las masas y esferas sociales de un México imantado por el levantamiento del EZLN y su extraordinario impacto mediático, que infortunadamente, logró anular Carlos Salinas de Gortari, "una vez que ya se pudo contener en términos militares", como él mismo señaló en 1994. Un México con una deuda inmensa y un Estado lleno de propiedades, mientras que el pueblo acumulaba necesidades y bailaba tecnocumbia, que movía los pies y zarandeaba los bolsillos con canciones como "Mambo Lupita", "Ma Me, Mi, Mo, Mu" y "No bailes de Caballito".
Su nombre es Casimiro Zamudio. Fue fundador, líder, guitarrista y vocalista de la Banda de quebradita, tecnocumbia y caballito más exitosa de los años 90: Banda El Mexicano. Agrupación musical formada en 1973 y que anteriormente tocaba covers de rock, pero que a posteriori, se decidieron por el sinaloense y la extraña pero pegajosa mezcla de la música techno y la cumbia, que influiría a muchos artistas, incluyendo a Selena Quintanilla.
Casimiro Zamudio le concedió una entrevista a Noisey, sobre su posible participación en el Vive Latino 2017. Respondió con una aparente inocencia risible y un ego ilimitado, pero justificable.
Casimiro nos habla, entre otras cosas, del origen de la tecnocumbia y de su incursión en la música electrónica, el funk y el soul. Comparte con Noisey sus influencias, su cultura y su soltura con la guitarra eléctrica. Nos habla del cabatón: un nuevo género inventado por él, y con el que intentará cautivar a las nuevas generaciones ávidas de calentura.
Noisey: La tecnocumbia viene, en parte, de la cumbia boliviana, la cumbia villera y la cachaca, del Paraguay ¿Cómo llegó Mi Banda El Mexicano hasta este género? Casimiro: Bueno, cuando éramos un grupo versátil en Mazatlán, nos dimos cuenta de que la cumbia era, es y seguirá siendo el alma de las fiestas. Por esa razón, siempre estábamos al pendiente de cuando surgiera un éxito de cumbia, viniera de donde viniera.
De igual manera, fueron precursores del 'Caballito', género musical conocido también como la quebradita, una "danza" alborozada, etílica y cachonda, que surge de poner a la cumbia mexicana y a la banda sinaloense en una licuadora de ritmos tropicales. Un hit que duró casi dos décadas, ¿cómo recuerda Casimiro Zamudio esos bailes estrepitosos de 'a caballo'? Pues era y sigue siendo excitante, de tal manera que como yo era el más aventado del grupo, además de que las chicas que iban al concierto querían de cierto modo bailar con Casimiro, que poco a poco se convertía en el ídolo de gente de todas las edades, gente que se daba cita a los eventos para ir a ver un verdadero fenómeno, que quien sabe por qué todos querían y quieren verlo y tocarlo.
¿Cómo fue que se integraron instrumentos electrónicos a Mi Banda El Mexicano en vez de instrumentos tradicionales? Bueno, seguíamos siendo un grupo versátil, y por ende, teníamos que tocar los éxitos de la radio que a su vez el publico demandaba. Fue así que surgieron éxitos de banda tradicional, con el Sr. Antonio Aguilar, y pues antes de ensayarlos, nos preguntábamos cómo le íbamos a hacer, pues nada más éramos cuatro. Al momento de ensayar un numero "Puño de Tierra", nos dimos cuenta que era mas fácil de lo que pensábamos e, incluso, tuve que decirle al baterista que no tocara, que únicamente lo hiciera en lo que en la banda se llama "el fuerte" que es cuando entran todos los instrumentos de la banda tradicional. Entonces, a la hora de cantar, no más se necesitaban dos instrumentos, el bajo y el sintetizador, por increíble que esto parezca.
Había también mucho funk y soul ahí, en la banda, un poco de R&B, sobre todo, en temas como "Qué sabrosa está" y "Mambo Lupita" ¿Eso fue idea tuya? Sí, claro. Siempre fui y he sido el director musical, pues se me daba y se me dan las ideas para encontrar un arreglo a doc para los temas de Mi Banda El Mexicano, aparte de que siempre me han gustado los arreglos agresivos y modernos, en donde la guitarra lleve una función estelar.
¿Cuál era la función de Dj Jordy en la banda? Él ha participado indirectamente con nosotros, él está en post-producciones, mezclando la música de nosotros con sus ideas.
Sabemos que eres un rockero consumado. ¿Cuáles son tus influencias? Son varios: Steve Vai, Frank Zappa, Jimmy Hendrix, Carlos Santana, Eric Clapton, Brian May, Joe Satrianic y muchos mas.
¿Cómo fue tu primer contacto con la guitarra? ¿cuáles fueron los primeros acordes que aprendiste? Un día caminando hacia una dirección en busca de un amigo, me encuentro a un joven tocando la guitarra y le pregunté cuánto tiempo llevaba tocando, y me contestó que tres meses, y que estaba aprendiendo, le pregunte que si me podía integrar al aprendizaje y me dijo que sí, y así fue que aprendí a tocar la guitarra. Los primeros acordes que aprendí, fueron los acordes que no llevaban cejilla, nosotros le llamamos acordes abiertos.
Eres uno de los mejores guitarristas en México, ¿pensaste en mudarte a la membrana del rock nacional? No, aquí en Mazatlán me sentía y me sigo sintiendo a gusto.
¿Cómo eran sus conciertos en Sudamérica?, en donde tenían muchos adeptos. Bueno, igual que en México y USA, con gran aceptación.
¿Qué es el cabatón? El cabatón es una mezcla de caballito con reguetón.
¿Cómo lograste incluir el rock and roll, la balada y el pop en 'Superéstelar El Mexicano de Casimiro Zamudio'? Pues a la hora de estar haciendo los arreglos, se van dando las ideas, puesto que a lo largo de mi carrera he tocado muchísimos temas y las canciones en sus bases harmónicas son iguales unas a otras, de ahí se vienen las ideas.
¿Con qué roqueros te gustaría colaborar? Con Santana.
¿Crees posible un reencuentro con Mi Banda El Mexicano? No, pues seria un retroceso en mi carrera, pues antes era 'Su Majestad Mi Banda El Mexicano', y ahora es 'Casimiro, Su Majestad Mi Banda El Mexicano', antes era la agrupación ahora soy Yo.
¿Te gustaría estar dentro del cartel del Vive Latino 2017? Sí, sí me gustaría, pero no me quita el sueño. Mi opinión es: si el evento Vive Latino, no me ocupa a mÍ, yo tampoco los ocupo a ellos.
En la oferta contemporánea de artistas afro-estadounidenses (y varones) a la que pertenece Childish Gambino, cada vez queda más claro quién ocupa qué lugar. Kendrick es rey, pero Chance The Rapper es por derecho a piso un estandarte progresista cuyas aportaciones no pueden ser soslayadas. Y también podría argumentarse que está J. Cole, con una propuesta importante en cuanto a tratar temas de manera crítica y reflexiva. Pero en la gran trama de la vida, si ponemos la lupa en esta tradición, con cien años de ser la máquina principal de la música popular, parece que Donald Glover juega un papel cada vez más fundamental en salvaguardar su pureza de espíritu rebelde y frondoso. Podría argumentarse que, junto a Kendrick y Chance, Gambino forma la verdadera trinidad de artistas varones millennials encargados de actualizar el canon afro-estadounidense. Y es que con Awaken, My Love! (además de lo que ha sucedido con la serie Atlanta), Gambino viene con fuerza a reclamar su trono como un artista que sabe ser un reflejo real de las jóvenes almas que pueblan el siglo XXI. Y además, aportar una visión artística crítica y original sobre el mundo que lo rodea.
El disco de once temas está lleno de sonidos inspirados en funk y psicodelia, siendo la voz de Gambino su gran protagonista. Su colaborador de siempre Ludwig Göransson, fue el encargado de la producción musical. Y aunque Gambino es sobre todo conocido por sus finas barras raperas, afirmó en entrevista para Billboard: "Recuerdo haber escuchando canciones que ponía mi papá —discos de los Isley Brothers o de Funkadelic— y no entender la sensación que tenía. Recuerdo haber escuchado un grito de Funkadelic y decir: 'Wow, eso es sexual y da miedo'. Pero sin tener un nombre para ello, solo el sentimiento. Eso es lo que lo hizo tan grande... Hay algo acerca de la música negra de los años 70 que se sentía como si estuvieran tratando de empezar una revolución".
Escucha abajo Awaken, My Love! y cómpralo en iTunes.
La búsqueda por reconectar nuestro cuerpo y nuestra mente con nuestra verdadera intención y el deseo que pulsa en el fondo de nosotros, es un camino largo y sinuoso que siempre tiene más curvas delante. Otura Mun lo sabe, y por eso, en conjunto con su banda ÌFÉ, hace música para edificar el espíritu. El sencillo que estrenan hoy es una mezcla súper actual de dancehall, Auto-Tune y pop, con cantos Yoruba y un mensaje de amor y empoderamiento. Si no tenían el gusto, Otura Mun es el nombre que le fue dado a Mark Underwood al convertirse en sacerdote Yoruba en Puerto Rico, y aunque originario de Indiana, lleva diecisiete años de haberse mudado a la isla y convertirse en un pilar de su escena. Después de haber lanzado "3 Mujeres" y después "House of Love", ÌFÉ continúa con el ciclo del larga duración que estrenarán el próximo año, con "UMBO (Come Down)".
Sobre el tema, Otura dijo: "'Umbo (Come Down)' es la primera canción que hago con ÌFÉ donde realmente he podido deconstruir algo de la música de alabanzas de los Orisha, manteniendo los ritmos más o menos intactos y cambiando la fonología, las frecuencias y el contexto, pero no la finalidad o el mensaje. Sigue siendo sobre la pista de baile, el acto, el momento, una invocación."
Luego de publicar un cover a "Just Your Fool" con la fecha del lanzamiento del álbum, el cual por cierto sale a la luz mañana, los Rolling acaban de dejar caer en el internet un nuevo video para "Ride 'Em On Down" estelarizado por una Kristen Stewart matona que recorre la ciudad a toda velocidad montada en un Mustang azul eléctrico que combina bien con una paleta azul con la que no deja de jugetear con la boca. Definitivamente no la Kristen enamorada de un vampiro con brillantina. Nos gusta el cambio.
Tomaba cerveza —una caguama— y veía, displicente, la televisión. Los domingos son aletargados y aburridos, como el número de un payaso triste en las ominosas fiestas de los niños de clase media. Un domingo hastiado, casi perpetuo, soslayado por un cansancio febril de una semana gris, todo un bodrio. Hasta que la vi en el televisor, su rostro se me presentaba centelleante, llevaba el cabello corto y rojizo, como un rambután del sureste de Asia listo para ser comido, uno tierno y meloso. Bailaba una coreografía, entallada en una diminuta blusa negra elástica, y unos gloriosos leggins también apagados, oscuros, como mi conciencia. Quedé petrificado, o al menos, una parte de mi cuerpo lo hizo, mi entrepierna no respondía a ningún impulso intelectual, sólo a los cadenciosos movimientos de la mujer escarlata. Las piernas torneadas, un abdomen como de escultura en mármol de Clésinger, y unos pechos pequeños, esféricos, abiertos a las manos excitadas de Dios. Una mirada fría, artera, un movimiento de cadera seguido por una inclinación furtiva y un close up "accidental", producto de un flashazo, un avistamiento de lencería, el encanto, la seducción, el erotismo, la transparencia y el hilo delgado de una tanga, un hilo tan estrecho como mi cordura. Tiré la cerveza, la petrificación en mis pantalones se solidificó más, se convirtió en un monumento a Stendhal, un monolito que en pocos segundos se vino abajo, se derrumbó con el sonido estrepitoso del vidrio al estallar contra el linóleo. La entelequia había terminado junto con la cerveza y el programa de revista dominical. El día de mañana sería lunes, como en una película de León de Aranoa.
No logré recordarla al momento, pero lo hice después, al revisitar aquellos rasgos en esa nariz tan dotada de hermosura. Era Regina Murguía, del grupo Jeans, había crecido y se había convertido en esa imponente escultura del autor de La mujer mordida por una serpiente (1847), en esa onírica presentadora de televisión. Era Regina, aquella talentosa integrante del grupo de música pop formado en el 94, el mismo año que Ace Of Base grabó "The Sign"; pero la presencia de la chica grana no brillaría sino hasta 1999, cuando sustituyendo a Melissa López, cantaría temas como: "Me pongo mis Jeans", "Enferma de amor" y "Pepe", canciones que entonaban mis novias y que ahora vuelvo a auscultar con el revival de la cultura pop de los años 90, de donde vuelve a germinar una Regina Murguía que regresa más perfecta que nunca y mucho más sexy que la misma inteligencia.
Contacte medroso a Regina, con ese miedo pueril de quien departe por primera vez con su Síndrome de Stendhal. Después de un par de semanas, me concedió la entrevista. En ella hablamos de erotismo, platica como es su lencería preferida, habla de su sesión de fotos para la portada de la revista Open y cuenta cuales son sus libros y autores favoritos; confía si se acostaría o no con un fan, recomienda una serie, habla del afortunado resurgimiento de los 90, y da una opinión sobre el Debate de la Marihuana en México.
Con esto, ¡oh guarros amigos! doy fe y legalidad del día en que una integrante de Jeans, me concedió una entrevista.
Noisey: Entraste a Jeans en 1999 y hasta el 2002. Posteriormente en el 2015, durante el reencuentro. El sexo y las drogas son parte de la propia inspiración para la creatividad en algunos músicos, y también, para la superación del cansancio y el estrés de las grandes giras, como escribiría Ian Dury, el cantante post punk inglés de The Blockheads ¿Cómo eran los tours de Jeans en los años 90? Regina Muguría: Entré a Jeans sustituyendo a Melissa, y hoy en día estamos juntas en JNS. Este fue uno de los eventos más importantes y que cambiaron mi vida por completo. Las giras eran divertidísimas: éramos 4 niñas haciendo lo que más nos gustaba en el mundo, fue nuestro primer trabajo, donde maduramos y aprendimos muchas de las cosas que sabemos hoy en día. Nunca vimos drogas o cosas no aptas para nuestra edad, siempre fue un ambiente muy familiar. Realmente éramos unas niñas; hacíamos pijamadas, cenábamos juntas y nos encantaba ir a la frontera para poder pasar a Estados Unidosy hacer compritas [risas] y ahora todo es igual, somos mujeres muy sanas y con unas familias espectaculares que nos han cuidado y han estado presentes en cada paso de nuestras carreras.
"Erotismo, es dar al cuerpo los prestigios de la mente", decía un muy excitado Georges Perros, autor de Papeles Pegados(1960) ¿Qué es el erotismo para Regina Murguía? Para mí todo nace dentro de ti mismo, lo que piensas lo creas y el erotismo para mí es eso, cuidarte a ti misma, sentirte bien, bonita, segura y eso lo reflejas en la mirada, en las palabras y por supuesto, en la intimidad.
En febrero de 2015 posaste para la revista Open— dirigida por el periodista Gabriel Bauducco y editada por Miguel Robles— con una serie de fotografías sumamente eróticas, capaces de transmitir un dilatado placer, que sobrepasan el límite del cachondeo, para convertirse en angustia ¿Qué representó para ti esa sesión fotográfica? En Open fue la primera vez que hacia fotos sensuales. Ya había posado en traje de baño, pero eso va más allá de mostrar el cuerpo. Es más bien transmitir sensualidad en la foto, en la mirada, el lenguaje corporal: sentirte guapa, confiada de lo que eres, no sé [risas], fue una experiencia padrísima, estaba bastante nerviosa pero me encantó. El resultado fue mejor de lo que esperaba y siento que logré transmitir lo que realmente soy.
Tu belleza física es sorprendente, creo que el arte y la literatura son la enigmática voz de esa perfección ¿Cuáles son tus autores favoritos? Uno de los libros que marcaron mi vida fue Arráncame la vida (Alfaguara, 1986) de Angeles Mastreta y El amor en los tiempos del cólera (Penguin Random House, 1986), y ahora estoy muy clavada con Deepak Chopra (1946).
Se dice comúnmente que los fans son la mejor fuente de publicidad que puede tener un artista. ¿Te has acostado con uno? [Risas] ¡Nunca! No digo que no pueda pasar, pero realmente la relación que hay con nuestros fans es más de familia que de otra cosa. Me conocen desde niña y hay mucho apoyo y cariño pero jamás ha habido ni una insinuación de ese tipo, pero ¡nunca digas nunca! Pum. [risas].
Vienes del alcázar de la música pop, pero en el fondo, sabemos que tienes un impulso muy rockero ¿Cuáles son tus bandas de rock favoritas? Soda Stereo, Zoé, Radiohead, Coldplay, Kings of Leon y Muse.
¿Qué opinas del revival de la década de los 90s? Creo que mucha nostalgia nos une al pasado, bien dicen que recordar es vivir y para nuestra generación son los 90. Aunque para mi gusto, nos hace falta identidad en esta época en que vivimos al mil, es una mezcla de todo, la música está llena de fusiones y ritmos nuevos y ¡no digo que este mal! al contrario, me encanta, pero creo que volver a escuchar esa canción con la que vibraste por primera vez en el amor o el desamor, o que te acompañó en tu adolescencia, que tantas cosas pasan dentro de uno en esas edades (risas) inmediatamente te transportas a volver a sentir mariposas, no sé es mágico. ¡Que vivan los 90's!
¿Qué serie televisiva estás viendo ahora, de cuál estás enganchada? ¡Black Mirror! El futuro no muy lejano.
Háblanos de tu canal de Youtube, en donde emites un contenido de revista que actualizas los miércoles. Estoy más que feliz con el canal, y realmente sorprendida del cariño y la buena vibra de la gente. Desde hace mucho tiempo quería hacerlo y poder expresar lo que soy, y compartir algunos consejos o cosas de la vida que a mí me funcionan, y sobre todo, tener contacto directo con todas las personas que me han seguido desde hace tiempo, ¡y las que se han sumado! También fue difícil animarme a hacerlo, porque los miedos son canijos y las dudas del ¿cómo será? ¿funcionará? ¿les gustará? Todas esas preguntas que nos hacen echarnos para atrás a la hora de realizar nuestros sueños. Así que realmente ese espacio también es para alentar a la gente a que sigan sus sueños, que no hay límites y que hay que creer en nosotros mismos y aventarnos a hacer las cosas que rondan nuestros pensamientos. ¡Además tengo un equipo de ensueño! Mi hermano Jorge que es mi guía y mi apoyo incondicional y el que ha creído siempre en mí y el que me animó y me apoyó desde el inicio de esta aventura, y por supuesto, Alma Hernández que ha estado conmigo ya mucho tiempo. De hecho, en el primer acercamiento a YouTube con Beautyps y la que me ha enseñado todo, ejemplo de mujer independiente, trabajadora, creativa y ¡muy inteligente! Sin ellos dos no doy ni un paso [risas].
La lemnicasta es la figura que describe al infinito, y fue descrita por primera vez hace más de 300 años por el matemático Jakob Bernovill. Platícanos de tu tatuaje. Mi tatuaje fue un impulso de amor y unión de familia, hace 10 años perdimos a mi papá y han sido diez años de entendimiento y crecimiento en muchos aspectos, y uno de ellos es que no hay nada en el mundo más importante y sagrado que la familia. Quise simbólicamente unirnos infinitamente, mi mama mi hermano y yo —y por supuesto— ¡mi papá también lo tiene en el cielo! Soy muy afortunada de tener una familia tan maravillosa que me apoya y me cuida, y me da mis jalones de orejas cuando hace falta. Los amo infinitamente, ¡le agradezco al universo por haberme puesto en este camino a lado de ellos!
¿Qué opinas sobre el Debate Nacional sobre el uso de la Marihuana en México? Pues actualmente han encontrado muchas propiedades en la planta, creo que lo que está mal es el abuso y el consumo negativo del producto, y el narcotráfico. Pero de hecho, hay aceites como el de Hemp, que tiene muchas propiedades positivas para la salud. Es un tema delicado, pero confío en que se llegará a una buena solución.
Uno de los temas que pusiera a circular la banda originaria de la Ciudad de México en 2015, finalmente se hizo acreedor a un video, con el que la banda termina este agitado 2016. El video es un acercamiento al jabonoso terreno del amor, de la convivencia, de las relaciones, al hacer un retrato íntimo de la pareja. Fue grabado en Santiago de Chile y dirigido por Felipe Suau.
En el acostumbrado estilo de post punk y new wave de los Hawaiian Gremlins, "Away" es un tema de meditación melancólica, como para caminar ausente por las calles de una ciudad anónima por horas. Y el retrato que logran los actores del video y la dirección de Suau, completan una fotografía de tristeza citadina para no olvidar lo realmente importante: nuestra intención y lo que nos mantiene unidos. Y que el vaivén también es lo que somos.
Dale play abajo a lo nuevo de los Hawaiian Gremlins.
No es una invención, así se le puede ver por las calles, el colectivo, el metro, los autobuses, las fondas y los bares. El cabello decolorado, el maquillaje horripilante y la lencería femenina. Todo detrás de una larga gabardina de terciopelo negro, sobre unas encrespadas botas de piel también brunas, de una plataforma inverosímil.
Es así, tal cual como se muestra en las entrevistas, los videos, los conciertos masivos o íntimos. Un tanto misógino, un tanto misántropo, creyente implacable, discreto, discreto, comedido, púdico, talentoso e insólito. El Muertho de Tijuana es la figura más provocadora, honesta y elocuente del Underground Mexicano.
Noisey habló con él acerca de la fealdad, el fútbol, Gene Simmons y las letras de sus canciones. Le enviamos un cuestionario hasta su lóbrega caverna en las entrañas de la CDMX, en donde duerme en un féretro como Bela Lugosi y desayuna murciélagos como Ozzy Osbourne.
Reproducimos fielmente en Noisey la entrevista, tal como nos la contestó el Padre Santo, El Muertho de Tijuana, el testimonio de un hombre olvidado por Dios.
Noisey: ¿Qué representa para ti la belleza? T odo lo que es hermoso tiene su instante, y pasa, decía Luis Cernuda. ¿Cuál es el concepto que tiene El Muertho para la belleza? Muertho de Tijuana: LA BELLEZA PARA MÍ ES UN CAPRICHO DE DIOS, ASÍ COMO LA FEALDAD, Y PROPOSITIVAMENTE, ÉL ESCOJE A KIEN O A KÉ HACERLO BELLO O FEO. A MÍ ME CHINGÓ POR LO HORRIBLE, A ELVIS P. LO BENDIJO. ¡DIOS PUTHO!
¿Hace cuánto que no juegas al fútbol? EN CANCHA GRANDE COMO 13 AÑOS. EN FÚT RAPIDO 6 MESES. NADA MÁS.
¿Cuál fue el último equipo con que te probaste? EL INTER DE TIJUANA EN 1989, JAJAJA. ANOCHE SOÑÉ KE ENTRABA DE CAMBIO POR LEO MESSI EN UN JUEGO CALLEJERO. NO HE DEJADO DE TENER SUEÑOS FUTBOLEROS, Y NO CREO KE DEJE DE SOÑARLOS, KEDÉ FUSTRADO.
¿Qué le dirías a Gene Simmons si lo tuvieras enfrente? G. SIMMON'S, TE FELICITO, POR HABERTE ESCAPADO DEL INFIERNO DE LA POBREZA. Y ESTAR EN OTRO NIVEL. SI ESTUVIERAMOS EN 1982 LE DIRÍA, ¿PARA KÉ DIABLOS SE KITABAN EL MAKILLAJE? JAJAJA. ¡KISS! NUMBER ONE.
Se dice que tu música es una mezcla extraña de sonidos que te sitúan entre la estridencia de Suicide, el humor del TRI, la actitud de Kiss y la mecánica rítmica del disco I´m your man de Leonard Cohen. ¿Cómo definirías tu música? AHORA VEO A "MI" MUSICA COMO UN GRITO A KE TERMINEMOS CON LAS ETIKETAS LIMITANTES. DENTRO DE MÍ ESTÁ UN G. SIMMON'S, DENTRO DE MÍ ESTÁ UN ALEX LORA, UNA LADY GAGA, UN RIGO TOVAR, UN BEATLE, UN CRISTIANO, UN TODO. ES OBSOLETA LA CULTURA DE AUTOETIKETARNOS EN UNO SOLO. KRISSTO Y SATÁN, MACHO Y HEMBRA ESTÁN DENTRO DE TI. Y DE MÍ (creo). EN MI SIGUIENTE DISCO SE NOTARÁ MÁS MI INOCENTE DIVERSIDAD.
¿Cómo es ahora tu relación con Cristian Franco? KRISTIAN FRANCO... LO KISE JUNTAR CON ERICK CANALES PARA ESTA AVENTURA Y LA INVITACIÓN SEGUIRÁ. UN BESO DONDE LO KIERA. Y UN ABRAZO A RANCHO SHAMPOO.
¿Qué es para El Muertho ser un verdadero Malandro? UN SACERDOTE O PASTOR KE USA A JESUSCRISTO PARA ROBAR ALA JENTE DE BUENA FE. UN GOBERNANTE KE MANDA SECUESTRAR A UN BUEN PERIODISTA, A TI TAMBIÉN TE SECUESTRARAN PENDEJO (GOBERNANTE ABUSIVO).
¿Qué representa para ti el documental Navajazo (2014) de David Silva? EL TESTIMONIO DE UN OLVIDADO DE DIOS, COMO HAY TANTOS EN ESTE INFIERNO DISFRAZADO DE PLANETA TIERRA. (pinche muerto amargado, ya cállate) SALUDOS A LA RATHA Y AL GATHO DE MI "CÓMIC".
Háblanos de tu apariencia, de tu estética. SIEMPRE KE ME MIRO EN UN ESPEJO LE MIENTO SU MADRE A DIOS. (A DIOS, NO A KRISSTO) TODO LO KE ES MENOS KE ELVIS P. Y M. MONROE, ES SUBJETIVAMENTE FEO. ¡Y MAS YO!
¿A qué personaje de la historia te gustaría resucitar? ME HACES LLORAR HERMANO. INJUSTAMENTE SE NOS VAN TANTOS, PINCHE DIOS. POR RESPETO Y CARIÑO A TODOS ME ABSTENDRÉ DE MENCIONARTE A ALGUIEN. PERO ESPERO VOLVAMOS A VERLOS A TODOS LOS KE DEJARON GRANDES LEGADOS AUNKE SU CHIZPA SIGUE REENCARNADA ENTRE NOSOTROS.
¿Qué es lo primero que vas a hacer cuándo llegues al Edén? HACERLE EL AMOR A TODAS LAS NIÑAS ADOLECENTES Y SEÑORAS KE EN MIS ETAPAS DE LA VIDA ME DESPRECIARON. DESDE MIS 5 AÑOS DE VIDA LAS HE DESEADO Y SOLO A LOS BONITOS SE LAS HAN DADO. PINCHES BONITHOS. KE SUERTE DE MAMONES.
¿Por qué dedicarle una canción a la diabetes? POR SOLIDARIDAD A TODOS LOS KE NO PODEMOS DISFRUTAR DE LOS PLACERES (ke también los hay en este pinche mundo). POR UNA MALDITA ENFERMEDAD, DIOS CULERO .MI KERIDO Y PROPOSITIVO PADRE...
¿Cuál es la verdadera vestimenta de una Buscona? ADORO LAS VESTIMENTAS "EROTICAS" PERO EN LAS KE ESTÁN SOLTERAS Y ANDAN BUSCANDO LO KE LES FALTA. O LAS POLÍGAMAS. PERO VEO MAL KE UNA CASADA KE YA TIENE SU HOMBRE Y KE SE PRESUME DE FIEL, ANDE ENCULADA O ESCOTADA EN LA CALLE. DEBE DEFINIRSE CREO. PORKE ESTÁ PIDIENDO MÁS HOMBRE, SUBLIMINALMENTE.
¿Escribirías un libro? ME DAN HUEVA LOS LIBROS. NO ESTÁN EN MI FLOJA ESCENCIA.
¿Qué viene para El Muertho? OJALÁ KE PODAMOS LANZAR PRONTO NUESTRO PRIMER DISKO EN VINIL, NUESTRO SEGUNDO CD. GRABADO EN MONTERREY, CORTESIA DE PLASTILINA MOSCH. OJALÁ KE VENGAN MÁS INVITACIONES A CANTARLES PARA KE NO MUERA EL MUERTHO, TJ. GRACIAS.
