Amigos, fuimos a uno de los festivales de música cristiana más grande en Estados Unidos — un evento que fue encabezado por lo que únicamente puede ser descrito como " un similar de Coldplay pero en cristiano"—e hicimos un documental. Se llama I Saw the Light y vamos a proyectarlo por primera vez en Nueva York el 30 de noviembre. Si estás allá, puedes dar click aquípara obtener boletos y más información.
El documental también migrará a México eventualmente y nosotros te vamos a avisar cuando eso pase. Pero por lo mientras, ve el trailer del Woodstock cristiano aquí abajo:
Es una tórrida noche de verano en el barrio español de Nápoles, formado por un laberinto de calles residenciales en el centro del casco antiguo. A pesar de la lluvia caliente, las aceras están llenas de gente hacinada como sardinas entre barbacoas improvisadas y cubos rebosantes de basura. Nancy, una cantante local cuyo rostro súper photoshopeado podemos admirar en todas las paredes de la plaza de al lado, está terminando su concierto de dos horas.
Una pista de fondo tipo mambo se abre paso a través de los altavoces, donde predomina el sonido de una guitarra de flamenco sintetizada. "Oh me moriría sin ti", canta en un espeso dialecto enterrado en un muro de reverb, "eres mi primer pensamiento por la mañana, junto con el café con leche". Su voz tiembla con un vibrato operístico. "¡Brava!", grita un tipo lleno de tatuajes a mi lado y el resto del público grita también en señal de aprobación: niños, jubilados y animales de compañía, todos apretujados a los pies de una iglesia en ruinas. Cuando acaba la canción estallan fuegos artificiales, dejando atrás una nube de humo melodramático. "¡Forza Napoli!", grita Nancy mientras se pierde entre el público, uniéndose a un arrebato casi religioso.
Este es el mundo del neomelódico, un subgénero de música pop italiana que solo se escucha en el sur del país. Es una escena muy cerrada formada por estrellas locales, que muchas veces son completas desconocidas más allá de Nápoles y Palermo, las dos capitales del género. En una primera escucha, puede sonarnos como el pop genérico que se escucha a todo volumen en bares y establecimientos de kebab por todos los Balcanes y el Mediterráneo: kitsch y repetitivo, pero sin duda pegajoso. Sin embargo, desde el punto de vista cultural se encuentra más cercano a algo como el grime; pues nace de los barrios más pobres, se canta en un dialecto regional y se promociona con gran dedicación a través de su propia infraestructura de lugares, canales de televisión y emisoras de radio piratas.
El término fue acuñado a principios de los 90 por el periodista musical italiano Federico Vacalebre en un intento por distinguir entre el pop de la clase obrera de los 'ghettos' y el folk lírico tradicional. Mientras que las canciones del clásico pop italiano mainstream presentaban una versión de postal de la ciudad –pizza, pasta y mandolinas–, los neomelodici cantaban sobre un amor doloroso, la pobreza, el divorcio y los embarazos no deseados. Una de las estrellas de este género, Ivan Alaimo, me lo presentó así: "Este estilo de música es la voz de la gente del sur; expresa la verdadera vida cotidiana de la cultura napolitana, incluyendo tanto las alegrías y la libertad, como los problemas sociales: la cárcel, el desempleo y los crímenes en general". La mejor forma de ejemplificar este realismo es con los vídeos que acompañan a las canciones, filmados en los salones, cocinas y terrazas de los multifamiliares que abarrotan la ciudad.
El mundo de los neomelodici es accesible pero formado por muchas capas. Como sucede con el rap en muchos lugares de Latinoamérica, la capa más baja consiste en las grabaciones DIY, hechas con cámaras de video y celulares para luego publicarlas online o enviarlas a las redes de televisión local. Los números de teléfono aparecen sobre la pantalla por si alguien se anima a contratarlos. Los neomelodici que consiguen triunfar trabajan por lo general en espectáculos extravagantes, fiestas de cumpleaños, bodas y pequeños festivales. No es raro ver fotos de cantantes en los menús de restaurantes: uno, dos o tres de ellos para acompañar un plato. La gran mayoría de cantantes que consiguen triunfar son hombres, aunque las artistas femeninas como Nancy también han conseguido abrirse paso. Por encima de estas tres capas nos encontramos a las megaestrellas patriarcales tipo Drake como Tony Colombo y Gianni Celeste. Sin embargo, Valentina OK, una cantante transexual de gran talento, consiguió romper con el conservadurismo que rodea al género y a la música italiana en general, alcanzando un gran éxito antes de morir de cáncer de hígado en 2014.
No es fácil encontrar un disco de neomelódico en las calles principales de Milán o Turín. De hecho, fuera del sur de Italia es un género que a menudo se ridiculiza. Un veneciano me dijo una vez de este tipo de música: "Es la razón por la que el resto del mundo no se toma a Italia en serio. Creen que somos todos unos depravados". Hasta cierto punto, tiene razón –es difícil evitar sentir pena ajena al ver al gordito estrella Piccolo Lucio enviándole una carta de amor a Nutella–, aunque también hay un sentido de vergüenza y clasismo apenas disimulado ante los problemas de las clases más bajas que tratan los neomelodici.
Sin embargo, en el sur el género es un gran negocio. Aunque es un negocio tan grande como difícil de establecer, dado que la gran mayoría de ventas se llevan a cabo en el mercado negro, se estima que la industria mueve al menos 200 millones de euros al año. Desde 2008, la escena ha aumentado considerablemente, hasta el punto de ganarse el apodo de "mercado inmune a la crisis". En una ciudad como Nápoles, con una tasa de desempleo del 22%, este género se ve como un milagro en la vida real, una puerta hacia el éxito, y es fácil ver su atractivo cuando todo lo que necesitas para triunfar es una voz decente. Al igual que Diego Maradona inspiró a la juventud de esta ciudad en los 80 con la fantasía de que el fútbol podía ser una vía de escape del infernal trabajo en la fábrica, los neomelodici parecen ofrecer una forma fácil de escapar de la realidad de la pobreza precaria de hoy.
Pero si excavamos bajo la superficie de los que han conseguido beneficiarse de verdad del éxito de este género único y peculiar, nos encontramos con un camino que nos lleva desde los superpoderes del país hasta lo más profundo de la polémica.
En 1994, justo cuando los neomelodici estaban ganando popularidad, Silvio Berlusconi ganó sus primeras elecciones. Sin embargo, para 'Il Cavaliere', aquello fue una victoria pírrica. Además de verse obligado a renunciar tras solo nueve meses debido al choque de su coalición contra la Lega Nord neofascista, su sociedad Fininvest estaba siendo investigada por mantener supuestas relaciones con la mafia. Berlusconi parecía estar acabado y con todos estos rumores el país permanecía indiferente ante su candidatura.
El neomelódico demostró ser una pieza importante que el ambicioso estadista pudo moldear a su gusto para su propio interés político. En ese momento la música causaba sensación en las periferias urbanas, pero le faltaba el poder económico y conexiones internas para formar una escena. Un Berlusconi rodeado de apuros vio la oportunidad de capitalizar ese sentimiento de distanciamiento. Mientras que el centro-izquierda del norte despreciaba el género, él asimiló aspectos de la estética de los neomelodici en su propio desempeño político, declarando repetidamente un amor exagerado por el sur, soltando chistes en dialecto e incluso cantando algunas canciones napolitanas propias. Su personaje público, tal y como lo definió el principal periódico financiero de Italia, era el de un "político neomelódico". Dio dinero a emisoras de música locales, ganándose el favor de los locutores y DJ más influyentes de Nápoles y acto seguido empezaron a aparecer vergonzosos anuncios políticos entre las canciones. El rostro de Berlusconi estaba hecho para mezclarse de forma 'natural' con las celebrities locales como si fuera una más de ellas. Al igual que Donald Trump hizo con su llamamiento "Make America Great Again" hacia el Midwest en 2016, Berlusconi se convirtió en todo un campeón del localismo contra la agenda centralizada del gobierno de centro-izquierda. En 2001, contra todo pronóstico, volvió al poder tras arrebatar el sur a sus oponentes.
A medida que fue entrando más dinero en la industria de la música napolitana, también aumentó la participación de la Camorra (es decir, la mafia). Durante los 90, numerosos clanes empezaron a hacer negocios como representantes de relaciones públicas, managers y sellos discográficos. Más adelante llegaron incluso a crear canales de televisión piratas, incluyendo canales 24 horas para promocionar a sus artistas. En una ciudad donde los servicios públicos son ridículamente ineficientes, la justificación de esta oscura infraestructura nunca se ha puesto del todo en duda. ¿Por qué no deberían los jóvenes con talento pedir ayuda a la Camorra cuando no hay ninguna otra organización que los apoye?
Algunos neomelodici han llegado a ensalzar explícitamente el glamour de la mafia. "Mio Amico Camorrista" de Lisa Castaldi es un ejemplo especialmente sincero: "Mi amigo el mafioso", canta, "pone su vida y libertad en peligro / Pero para la gente de las calles, no hay ninguna otra ley". La canción de Nello Liberti "O Capo Clan" es una apología que muestra un orgullo similar por la mafia: "El capo es un tipo serio, no es verdad que sea malo / Si ha cometido algún delito ha sido por necesidad y siguiendo la voluntad de Dios". En 2015, Umberto Accurso –uno de esos capos que ahora mismo está cumpliendo una sentencia de diez años de prisión– supuestamente escribió una canción para expresar el dolor que se siente al estar separado de los suyos. Fue interpretada en la televisión local por Anthony, uno de los neomelodici más populares de Nápoles.
En las últimas décadas, decenas de cantantes, managers, productores, letristas y publicistas han sido detenidos por mantener supuestas relaciones con la Camorra. Aunque algunos acaban en prisión, la gran mayoría son puestos en libertad sin cargos y los que no colaboran con la mafia pueden ser acosados o incluso asesinados por actuar sin pedir permiso a los correspondientes capos. No nos sorprende pues, dada la reputación violenta de estas bandas, que muchos de los artistas independientes originales estén dando la espalda al género. Hablé por teléfono con Vito, un antiguo neomelódico que abandonó Nápoles a finales del 2000 para huir de "la cultura de la especulación" y de toda relación íntima con el crimen organizado, "la malavita", tal y como lo define él. "Ya no me gusta ese mundo", me dijo, "ese aspecto de las cosas se está metiendo en medio de la música. Ahora vivo en Alemania donde toco canciones italianas tradicionales, sin dialecto, y a la gente le encanta. Pero echo de menos mi ciudad y espero poder volver algún día y ver que las cosas han cambiado".
Otros músicos napolitanos han intentado negar rotundamente la validez de la etiqueta. Gigi d'Alessio, una de las estrellas más populares de la ciudad, dijo hace poco en una entrevista: "Los neomelodici no existen. No son más que cantantes italianos que tienen la suerte de haber nacido en Nápoles". Es una declaración que intenta contrarrestar la imagen del sur como una fosa séptica de crímenes y degradación cultural pero, desde un punto de vista más cínico, es también un intento de distanciar su marca personal de una etiqueta que a menudo se utiliza de forma peyorativa. No hay duda de que con ello está ignorando la experiencia real de los suburbios de la Italia del sur y de la sociedad específica que encapsula esta música. Al parecer, los napolitanos no son solo víctimas de los prejuicios del norte, sino a menudo también de los suyos propios.
Al igual que cualquier forma de arte ligeramente relacionado con la identidad, pone en peligro la autoconfianza y agenda política de estas comunidades. No es del todo correcto que veamos a los neomelodici como víctimas pasivas, algunos de ellos sacan un buen dinero y su público parece más que satisfecho. Pero lo que la historia de estos artistas nos demuestra es lo fina que puede ser la línea entre la 'cultura auténtica' y el control social. Cuando hay tantas fuerzas de poder intentando sacar tajada de este orgullo regional, es difícil ver dónde acaba la expresión artística y dónde empieza la explotación. Es una ambigüedad que a la larga tiende a ser útil para aquellos que están en el poder, y mientras que Berlusconi y la mafia son dos ejemplos especialmente grotescos, su avaricia es solo uno de los rostros de una verdad incómoda que se extiende mucho más allá de la burbuja insular del pop italiano.
De Nalgas es una banda de punk rock mexicano formada en el 2010, el mismo año en que en el cine se estrenaría The Runaways, la película de Floria Sigismondi sobre la banda de punk de Joan Jett y Cherie Currie. Los De Nalgas son conocidos por aportar al movimiento anarquista mexicano, el himno más antifascista y gamberro, dedicado a la Primera Dama de México: "Vergaviota #YoNoVotéPorEseGüey".
Se escarnecen de los rockstars de brillantina y del inverosímil, pero indiscutible, analfabetismo de los youtubers en turno, como la Yuya o Werevertumorro; mensajes cargados con una crítica espontánea e insolente a los medios masivos de comunicación y al inepto gobierno mexicano.
De Nalgas acaba de publicar su más reciente producción discográfica Vulgar Dulce Hogar (Terrícolas Imbéciles, 2016). Y con ese pretexto, Noisey habló con ellos acerca de la filosofía punk, el "hágalo usted mismo", la "estética" antisistema, los fanzines, sus coqueteos con Molotov y de sus tracks, invenciones y chorradas. Checa lo que nos dijeron abajo.
Noisey: La primer banda de punk en México se fundó en 1978 y fue Dangerous Rythm, con el cubano "Piro Pendas" a la cabeza. Le seguirían Size en 1979, con un "Illy Bleeding" (Jaime Keller) recién llegado de Nueva York, y posteriormente Rebel'd Punk en 1980, liderada por "El Rebelde" (Javier Baviera). Bandas grasosas cuyo estandarte era la anarquía, el DIY ( Do It Yourself), las 'Filosofías del Underground' de Luis Racionero y la ferviente crítica a los gobiernos de los presidentes Luis Echeverría Álvarez y José López Portillo ¿Qué queda de este proto-punk mexicano en 'De nalgas'? Karel: En cuanto al DIY hay mucho. De hecho, este es el primer disco con el que contamos con algo de presupuesto para hacer una portada a color, las otras eran en blanco y negro, porque sacábamos fotocopias, y así era mucho más barato poder lograr alguna tipo de maquila hecha a mano. En cuanto a postura política también hay bastante. Cuando escribimos "Presidente pendejo" en el 2010, nunca imaginamos que pronto entraría en el poder un presidente aún más pendejo. Entonces es cuando te das cuenta del la vitalidad que puede tener una rola o un mensaje político en México.
Según el Doctor Greg Graffin, fundador y vocalista de la banda Bad Religion, en su Manifiesto Punk (una colección de ensayos de análisis sociocultural) considera que: "El punk es un reflejo de lo que significa ser "verbo", es un proceso de cuestionar y de comprometerse a la comprensión, que resulta en el progreso individual y por la extrapolación, una guía hacía un perfeccionamiento social; el punk es la lucha constante contra el miedo de las repercusiones nacionales" ¿Qué es para De Nalgas ser punk? K: Un estilo de vida, no un genero musical. Si pierdes ese tiempo que muchas personas pierden en decir qué es punk y qué no es punk estas por la verga. También si te cierras a no escuchar ciertos genero porque "no son punk" te vas a perder de muchas genialidades que están allá afuera. El punk puede ser cualquier tipo de arte o cualquier persona que esté en constante cuestionamiento con las cosas que pasan a su alrededor.
Considero que el punk es la ultima vanguardia del Siglo XX, pues rompe con el elitismo propio de la mayor parte de las vanguardias anteriores, y se sale del tiesto, dando la capacidad —a todo el mundo— de realizar arte, sin mediadores, fuera y contra el mercado. Díganme, sin frases preconstruidas, sin clichés, sin lugares comunes, ¿cómo considera De Nalgas su música? K: Como rock and roll. De ahí venimos, es lo que nos gusta y nos apasiona. El mensaje político y todo lo demás llego después sin querer, al expresar ciertas frustraciones.
"La patria, el honor, la libertad… ¡De eso nada!: El Universo gira alrededor de un par de nalgas", decía un muy ojo alegre Jean-Paul Sartre ¿De dónde proviene en la banda la expresión De Nalgas? K: De un albur que alguien dijo en la peda el ultimo día de grabación de nuestro primer EP. Teníamos que buscar un nombre nuevo porque el que usábamos antes del 2010 ya existía, entonces, buscamos "cómo ponernos", y alguien dijo: "pónganse de nalgas". Al principio se nos hizo muy punk, y no pensamos en el albur y nos gustó. Lo que nunca pensamos fue que nos lo iban a preguntar en todas las entrevistas.
Las drogas parecen ser algo inherente al punk, pero están ahí, siempre ¿Cuáles son sus favoritas? Puxi: El cigarro y el alcohol son las constantes, las pendejas. Las otras vienen y van dependiendo el entorno. K: Yo llevo ya un año completamente sobrio.
La imagen es la principal arma. Nadie ha ido más lejos a la hora de revolucionar la estética que los punks, el aspecto debe ser antisistema ¿Van a seguir vistiéndose como punks de boutique?
P: Si bien no vemos el punk como un genero musical, mucho menos lo vemos como una forma de vestir. K: Una vez hace como tres años quería llenar una chamarra con estoperoles de picos y no me alcanzó, son carísimos y te venden el tornillo con el que lo ajustas, aparte. Con ese dinero me compro en promedio cuatro playeras de las que uso y yo estampo. A veces no entiendo a la gente que mide lo "punk" por el numero de estoperoles. Luego me acuerdo que sigue gobernando el PRI y ganó Trump en EU y entiendo todo: Irónicamente el racismo existe hasta en el circuito punk. La estética visual del punk es muy importante y nos queda claro desde el día uno de la banda, siempre encontramos cierta pasión a la hora de hacer flyers, por ejemplo. Las portadas de los discos es otra cosa que siempre nos gusta cuidar al 100%, para la de nuestro nuevo disco, 'Vulgar Dulce Hogar', buscamos que la hiciera Winston Smith, que fue el creador del logo de los Dead Kennedys y del 80% de los flyers que corrían en el aérea de san francisco en los 80.
Los fanzines probablemente son los medios más usados por nosotros para definir nuestras ideas e inquietudes, ¿han leído Punkroutine? O son tan "anarcos" que no leen absolutamente nada. K: Boris, Irving y Puxi leen bastante. De hecho, a mí en lo personal me gustan mucho los fanzines, siempre trato de conseguir el fanzine local de la ciudad que visitamos cuando andamos de roll. Tengo una pequeña colección. Me gusta mucho el Méjico Atrapado y en Buenos Aires hay uno muy bueno que se llama BsAs Desorden. No conozco el Punkroutine. Igual me faltan estoperoles en mi "marra" para que me lo quieran vender.
Para ser punk, hay que ser de clase trabajadora ¿A qué se dedican De Nalgas cuando no están haciendo música o arriba del escenario? K: Irving trabaja en un estudio de doblaje, Boris en un Call Center, Puxi maneja una combi escolar en el Estado de México, y yo estoy trabajando en el libro de unos amigos.
El punk, musicalmente, es como la suma de tres acordes invariables sobre un mismo ritmo, lo que según Naxo Fiol, es el "punk cavernario". Apaga la televisión, su primer EP editado en 2010, puede sonar así, claro, cuando no emulan a los Molotov ¿Por qué olerles las nalgas a los hijos bastardos de Los Beastie Boys y Zack de la Rocha? K: Siempre nos gustó Molotov, desde que teníamos como 7 u 8 años, llamaba la atención que nuestros papás lo prohibieran. Luego les perdimos la pista, y fue hasta los 15 o 16 años, esa edad donde te empiezas a cuestionar todo, ¿por que los censuraban? Empiezas a buscar más allá de "Puto", y nos dimos cuenta que hacían lo que querían: rolas "punk" rapeadas, rockeras, etc. Creo que todas las bandas que respetamos y nos gustan hacen más o menos lo mismo. The Clash, por ejemplo. Desde el día uno de la banda, nos han dado 100% su apoyo sin pedir nada a cambio. En lo personal creo que Molotov le ha enseñado a más gente qué es el punk que esas bandas de Crust que no se les entiende el nombre ni en su logo. Suenan a los Beastie Boys, así como los Beastie Boys sonaban a Minor Threat en sus primeros EPs.
Terrícolas Imbéciles es una agencia de desarrollo musical para América Latina en donde se apoya a la "nueva industria" como jamás ninguna disquera lo ha hecho. Son encargados de hacer el Booking, el Management, la Producción y el Marketing de las bandas. Una disquera fundada ni más ni menos que por Meme del Real. Está muy bien pero… ¿y el Do It Yourself? P: Pues claro, si pensara todo tan a fondo terminaría yéndome a la montaña con dos gallinas y sembrando mi caca. K: Si piensas que ese tipo de empresas emplea a personas que aman la música, verás de otra forma todo. Y pues bueno. DIY: al menos nosotros seguimos cortando nuestros propios flyers y stickers, pero ahora ya tenemos más manos para que nos ayuden a cortar y a repartir los flyers.
"Un idiota y gaviota llegaron al poder, / A mí me vale verga, no voy a obedecer", berrean en 'Vergaviota', de Vulgar Dulce Hogar (2016) ¿Tienen algo más que decirle a la primera dama? Yo me encargaré personalmente de hacerle llegar su mensaje. K: Nos gustaría saber si ha leído el Punkroutine, ¿le pueden preguntar? P: El tío Ben nos enseñó que "Un gran poder conlleva una gran responsabilidad" si es un mensaje que realmente le harán llegar, nos gustaría saber la opinión de la gente.
Desde Apaga la televisión EP (2010), hasta Vulgar Dulce Hogar (2016) han impreso en sus letras cierto tipo de dosis de humor e ironía, practicando a la vez una aguda crítica social. En su discografía destacan las descripciones explícitas de personas como el presidente de la República Mexicana, e ideologías y religiones como la Iglesia Universal del Reino de Dios ¿Qué representa para De Nalgas la protesta social? K: Libertad de expresión, decir lo que pensamos con todo lo que se nos ocurra.
¿Han recibido alguna amenaza de los poderes fácticos? K: Políticas, nunca.
En el momento en que algo se pone de moda, los mismos punks lo asesinan e inventan nuevas vías. ¿Qué ha inventado De Nalgas? P: Sentimos que el punk se ha dedicado a reciclar cosas y llevarlas al punto más básico y accesible para la gente, y nos sentimos identificados con eso. K: También una vez inventamos que contratamos a un chofer para nuestra gira en EU a nuestro manager, y pues no, manejó Puxi sin licencia. Perdón, Josue.
"Ir sin rumbo por las calles de la ciudad en busca de signos de atracción o repulsión", como escribe Greil Marcus en Rastros de Carmín. Háblenme del hoyo en donde viven. K: Yo vivo en Aragón, es muy tranquilo pero tiene fama de lacra. Como nosotros. P: Ensayamos en Prado Vallejo, y pues nada, está bien pinche lejos.
Los punks crean para los otros punks ¿Cómo son sus "fans"? (en especial, las mujeres). P: Son muy leales. Hicimos una preventa de nuestro nuevo disco que incluye un pase a un show sorpresa de la banda en la Ciudad de México vía nuestra tienda online y nos ha ido muy bien, siendo que no existe esa cultura de comprar por Internet aún en México. K: Las fans son chidas, agarran el pedo que vendemos puras playeras de hombre y les cortan las mangas o hacen una prenda bastante chida a partir de playeras, parches o sudaderas.
Lo que el punk postula no es que cualquiera pueda hacer cualquier cosa, sino que cualquiera puede intentar hacerlo todo ¿Qué le recomiendan a las nuevas bandas? K: Hacer lo que quieran, que no se detengan por que no esta de moda, por que no vende, si les gusta les va a ir bien tarde o temprano.
La neta no hay futuro ¿Qué viene para De Nalgas en el 2017? P: Queremos tocar nuestro nuevo disco en todos lados, y empezar a componer/grabar el próximo.
Ha llegado esa época del año en que los entusiastas de la música y el arte se sientan frente a sus pantallas para hacer un repaso "a conciencia" de lo mejor que sus ojos y oídos fueron capaces de presenciar este año. Habrá miles de playlist en Spotify que se jactaran de tener la crema y nata del 2016, todos los blogs de música (incluyéndonos) sacarán listas con los materiales musicales más alucinantes y tu Facebook se llenará de sentimientos encontrados y largas discusiones por discos como Views de Drake y Saint Pablo de Kanye West.
Para ser parte de esta fiebre, y como lo hacen desde hace ya 11 años, Art & Vinyl— un proyecto formado en Londres en 2005 por entusiastas del arte y la música, quienes además crean unos marcos divinos para colgar vinilos en las paredes— acaba de publicar las 50 mejores portadas de este año. La selección fue hecha por un jurado integrado por previos ganadores, críticos de arte y gente dentro de la industria musical. Pasado ese filtro, la lista de portadas es liberada y puesta a votación a través de su sitio. Aunque la curaduría está hecha por expertos, el público es quien decide los tres primeros lugares.
Este año están nominados artistas como Jonathan Barnbrook por Blackstar de David Bowie, Charlotte Delarue por Woman de Justice, Roy Nachum por Anti de Rihanna, Deana Lawson por Free Town Sound de Blood Orange, Mark Jacobs por 99c de Santigold, Phear Creative por Walls de Kings of Leon y muchos otros artistas. Para que te des una idea, aquí abajo dejamos algunas portadas:
Jonathan Barnbrook: Blackstar, David Bowie
Robert Beatty: The End of Comedy, DrugDealer
Jonathan Zawada: Under the Sun, Mark Prichard
Mark Jacobs & Santi White: 99c, Santigold
David Rudnick: Sirens, Nicolas Jaar
Phear Creative: Walls, Kings Of Leon
Roy Nachum: Anti, Rihanna
Sammy Slabbinck: You Want It Darker, Leonard Cohen
¿Frecuentemente fantaseas con un paraíso tropical con buena música, potentes rayos de sol y agua cristalina? Sí, te entendemos, a nosotros también nos pasa todo el tiempo. La buena noticia es que ha llegado esa época del año en la que el festival Bahidorá empieza a soltar pistas de lo que nos tiene preparado para el próximo año y eso resulta ser el pretexto perfecto para materializar tus fantasías en el río de Las Estacas y le des un buen uso a tu aguinaldo.
Hace casi nada,y a través de sus redes oficiales, Bahidorá anunció a los primeros nombres que serán parte de su cartel. Dentro de esta primera tanda están: Princess Nokia, Juan Atkins, Mad Professor y Jessy Lanza. Acá abajo te dejamos un video psicodélico que seguramente hará que te emociones aún más.
BOLETOS
El festival será del 18 al 19 de febrero, como todos los años y los boletos de primera etapa están en $ 1, 150 pesos. Puedes comprar el tuyo dando click aquí.
Transporte y Camping
El transporte redondo sale en $350 pesos y el camping en $ 450 pesos. Los precios se mantendrán fijos en ese precio pero están sujetos a disponibilidad. Nuestra recomendación es que vayas apartando tu lugar en ambos.
Dando click aquí puedes comprar cualquiera de los dos servicios ya mencionados.
Justin Bieber ha aparecido en dos de los más grandes éxitos del 2016, que en realidad son exactamente la misma canción. "Cold Water" de Diplo es una, pero "Let Me Love You" con DJ Snake es la otra, y acaba de recibir un tratamiento visual varios meses después de su lanzamiento.
El video comienza con la típica narrativa de una pareja de Súper Guapos robando un banco, y luego tiene un giro perfectamente robado de la última temporada de Black Mirror, que involucra cascos de realidad virtual y que honestamente hace que el video parezca más bien inspirado en el modo co-op para la versión en línea del videojuego Left 4 Dead, que cualquier historia tipo Bonnie & Clyde. Puedes ver el video abajo.
Nickelback no solo es una de las bandas con uno de los peores logos en la historia. También es una boyband que, a pesar de ser extremadamente exitosa a principios de los dos miles, es completamente una basura. A pesar de ello, por alguna extraña razón sus discos se siguen produciendo en Canadá y, en vista de buscarles un buen uso, la policía local decidió comprar algunas copias de esa música horrible para usarlas como arma de tortura contra toda esa bola de borrachos que desatan las fiestas decembrinas.
"Si eres lo suficientemente tonto como para tomar y luego manejar. Entonces Chad Kroeger y los chicos son el mejor regalo para ti", se lee en un post publicado por la policía en Facebook. Y en el mismo suplican, "Por favor, no nos hagan abrir una copia perfectamente empacada de Nickelback. Si no tomas y manejas, nosotros no te haremos escucharlos".
No me imagino lo que ha de ser sentir los inicios de una cruda con "How you remind me" tronando las bocinas y no quiero ni pensar en lo insufrible que ha de ser ver a todos esos policías cantando en unisono "Rockstar" mientras esperas tras a las rejas a que tu mamá para que vaya a pagar la fianza.
Un riff de guitarra como tótem al que puedes rezarle y alucinaciones sonoras como estampas del desierto, es lo que puso en la caldera mágica la asociación delictiva conocida como Kill West. Directamente de Quilmes, Buenos Aires, estos chicos son la última explosión del stoner latinoamericano, y "Shivers" es el golpe en la mandíbula con el que dieron a conocer su EP 2016 Raw Desire, que incluye otras cuatro increíbles exploraciones de psicodelia y garage, en texturas distorsionadas y y actitud punk.
Ahora Kill West continúa con el siguiente capítulo de la saga, y nos regala el estreno para los visuales de "Shivers", una exploración de la paranoia, el estrés y la psicosis, creada y dirigida por el realizador uruguayo Juan Juy Vázquez. Filmado en el Lower East Side de Nueva York y protagonizado por Josh Dez Williams, un incipiente actor de la Gran Manzana, el video es una discreta oda a la ansiedad que acompaña con toda justicia a la melodía psicodélica del tema. Dale play abajo y recuerda que puedes conseguir la versión en vinilo para Raw Desireen este link.
El internet: la droga de este siglo, el portal donde descansa el inconsciente colectivo y, sobre todo, el hoyo negro que alberga el 99.9% de la genialidad humana hoy en día. Es gracias a todos ese contenido generado por mentes ociosas y creativas que plataformas como Instagram, Tumblr y StumbleUpon siguen con vida. Son ellos quienes alimentan nuestras tardes de aburrición en el sofá y nos reconfortan después de un largo día de trabajo.
Hace un rato, mientras navegábamos en las profundidades del internet nos topamos con Hugleikur Dagsson—Hooligan para los que son sus amigos—, un artista y caricaturista que se puso hacer cómics que reflejaran gráficamente el nombre de algunas de las canciones más famosas de todos los tiempos. El resultado son cómics en blanco y negro que van hacerte reír el resto de la tarde y que seguramente también hará reír algunos de tus amigos luego de que lo compartas en Facebook porque en todos los sentidos este es el tipo de cosas que la gente postea para hacer las redes sociales algo más interesante.
Dicho esto, puedes seguir a Hugleikur Dagsson
dando click aquí y para comenzar a divertirte solo tienes que dar scroll hacia abajo en tu pantalla.
Un año más y Primavera Sound lo vuelve a hacer entregándonos uno de los mejores carteles que se han develado para festivales del próximo año. Esta vez el relajo se armará del 31 de mayo al 4 de junio en Barcelona y la curaduría de expertos que está detrás —en donde se incluyen Pitchfork y ATP— cargaron el cartel con artistas y bandas increíblemente buenas como Frank Ocean, Slayer, Bon Iver, The XX, Aphex Twin, Skepta, Miguel, Flying Lotus y podríamos seguir, pero preferimos que sea el cartel mismo el que te termine de poner el ojo cuadrado:
Para saber más sobre a información de boletos da click aquí.
Durante la primera mitad de los 80 se formaron en Argentina una cantidad de bandas de las cuales sobrevivieron pocas y se inmortalizaron aún menos. Dentro de esa camada está sin duda Los Fabulosos Cadillacs, que para sus inicios eran conocidos en presentaciones de colegio, pequeños bares y cantinas como Cadillacs 57, donde no brillaban precisamente por su virtuosismo, sino tal vez por lo divertido que podían llegar a ser sus canciones de ska juguetón y adolescente, aún cuando no estaban ni cerca de ser relevantes para la crítica.
Entre el 84 y el 86, la banda comandada por Vicentico, Mario Siperman, Aníbal Rigozzi y Flavio Cianciarulo empezó a sonar en el subterráneo y solo hasta 1986 decidieron publicar su primer disco bautizado Bares y fondas con 12 canciones de las cuales algunas como "Basta de llamarme así", "En mis venas" y la homónima del disco, empezaban a trazar el camino mostrando influencias de reggae y dub, además de rock.
Durante esos primeros años, lejos aún de las canciones que les dieron fama y visibilidad, como "Vasos vacíos", "Mi novia se cayó en un pozo ciego", "Calaveras y diablitos", "Matador", "El león Santillan", "Siguiendo la Luna" o "Malbicho" entre otras tantos, la banda se presentó en la televisión nacional argentina en un programa llamado Sábados de la bondad del Canal 9 cuya transmisión alcanzaba a durar hasta siete horas y que constaba de varios segmentos. A esto se le sumaba un elemento de solidaridad, donde el público participaba donando dinero para instituciones públicas.
Gracias al increíble mundo de Internet, dimos con esta joyita del 87, año en el que Los Fabulosos eran unos infantes haciendo de las suyas en aquel programa sabatino tocando "Yo quiero morirme acá". En la introducción del video, el presentador del programa arranca pidiendo cordura a una camada de jovencitos inquietos y ansiosos mientras introduce a la banda que segundos después se arranca de manera desenfrenada con ese rasgueo hacia arriba en la guitarra y ese ritmito típico de ska en la batería que luego desataría un pequeño slam en el estudio.
Clávense en lo que parece la versión sudaca de The Specials aquí abajo.
Imagínense los sonidos de un pez fuera del agua saltando encima de un bajo, los aullidos de un perro miniatura, un niño llorando, Trump dando un discurso y a Bob Esponja caminando de un lado a otro, todo perfectamente sincronizado para sonar como "Feel Good Inc." de Gorillaz ¿Suena bien verdad? Y lo mejor de todo es que es real gracias a algún genio en alguna parte de ese vasto planeta llamado Chris Kogos, que agarró algunos de los memes más raros que hemos visto y los convirtió en música de Gorillaz.
Su desprecio y descontento por cualquier manifestación con influencia extranjera, era notable. Incluso las denominaba "elvispreslianas". Ya ahí podíamos ver los parámetros de la posición oficial de Fidel al respecto.
Los intérpretes del rock cubano fueron considerados desviados ideológicos, y el desarrollo del rock fue interrumpido por la Revolución. Dibujando paralelismos con Joseph Stalin y la cultura en la Unión Soviética, Fidel Castro prohibió el rock n' roll en Cuba en 1961, por su influencia norteamericana en los cerebros de la isla, influencia que consideraba no podía tener cabida en una Cuba comunista –algo irónico ya que contradecía la visión liberal de Karl Marx con respecto a la cultura y las artes.
Fidel lo pensó un poco mejor y levantó la prohibición de manera oficial en 1966, por allá cuando los ingleses ganaban por primera y única vez un mundial de fútbol. De igual forma los rockeros fueron perseguidos y marginados por el gobierno de Cuba. Hasta vigilados y tildados de contra-revolucionarios. Es por esto, que cuando actualmente vemos a una banda de rock tocando sus rolas en un show pro –inserte aquí cualquier gobierno– es la contradicción más grande que pueden cometer. El rock históricamente, siempre ha sido contra gobierno, anti-establishment. Pero bueno, estamos en el 2016 y ya nada debería extrañarnos.
Durante el bloqueo, hubo un ligero acercamiento entre Estados Unidos y Cuba que comenzó a finales de los años setenta. En 1978, los directores de CBS y de la Fania Records decidieron unir musicalmente a las dos naciones. En marzo de 1979 se presentaron artistas entre los que destaca el gran Billy Joel que, por cierto, tenía a su padre viviendo en La Habana justo para ese entonces. El show obviamente se realizó en el Karl Marx, un lugar donde se realizan muchísimas actividades políticas. Por unos días, el bloqueo quedó en el olvido. También se presentaron por Cuba, entre otros, Pablo Milanés y Chucho Valdés.
La actitud del gobierno de Fidel Castro hacia el rock fue negativa durante muchísimo tiempo, aunque experimentó un cambio en su grado de severidad a lo largo de los años. Silvio Rodríguez y Carlos Varela, por mencionar dos nombres conocidos, mezclaron su música con tendencias afines al rock. En los últimos años, quizás con la urgencia de basar su economía en el turismo, la actitud del gobierno de Cuba hacia el rock n' roll se ha vuelto más inclusiva, no sólo con artistas locales y latinos sino también con los gringos e ingleses.
Hoy en día, aun cuando el gobierno cubano quiera dar una imagen de inclusión hacia el rock a través de la promoción de grupos como Hipnosis y Tendencia, siguen existiendo persecuciones cuando algún artista no se apega a los lineamientos ideológicos y morales del gobierno.
Un caso sonado fue el de uno de los grupos de punk-rock más populares de Cuba: Porno Para Ricardo. La intención principal del grupo formado en La Habana por Gorki Águila era hacer letras que se basaban en la libido, humor y mensajes sexuales. Esto metió en problemas a Gorki, quien no quería seguir los lineamientos morales y políticamente correctos a los que se acostumbraban en las bandas de la isla. Por ello en 2003 durante el Festival Pinar Rock, Gorki fue detenido. Esta radicalización a Porno Para Ricardo logró que se les prohibiese tocar en público en Cuba y que no los pasaran en la radio.
Porno Para Ricardo
Como el bueno de Bob decía, "Times They Are A Changin". Hoy en día Cuba es uno de los lugares más atractivos para ir a tocar. Desde The Rolling Stones hasta Major Lazer tocaron en la isla frente a miles de personas. La música al final del día siempre trasciende fronteras, muros –sí Donald, es contigo–, y cualquier barrera imaginaria o ideológica. Así que, para mandar a la mierda la prohibición que existió con el rock cubano, aquí te dejamos siete canciones icónicas del rock cubano.
Habana Abierta – "Asere, ¿que bolá?"
Según muchos rumores de blogs en Google, esta rola se hizo famosa vía memorias USB en Cuba, debido a que casi nadie tiene poder adquisitivo para comprar discos. Esta rola fue quizás el mayor éxito del grupo, ayudado por la exquisita mezcla característica del rock cubano con ritmos más propios y por el mensaje político en la letra, criticando la realidad cubana y llamando a la reconciliación entre exiliados y nativos.
Santiago Feliú - "Futuro Inmediato"
Publicado en 1999, así que puede considerarse como un resumen fiel de la vida en la década de los años 90 en la isla. Según periodistas locales, la música de Santiago Feliú ayudó a cerrar los agujeros sangrantes de la sociedad, ayudado por las letras que reflejaban el sentir del pueblo cubano en una de las décadas más duras para la isla. "No sabemos a dónde vamos, ni la Visa que necesitamos; todo está muy controlado, hay botones por todos lados".
Habana Blues - "Cansado"
Parte del genial soundtrack de la película Habana Blues inspirada en gran parte por el grupo Porno Para Ricardo, dirigida por Benito Zambrano. Quizás es una muestra de lo que puede dar el rock n' roll cubano contemporáneo si se comercializa y masifica. Esta banda sonora fue nominada a varios premios internacionales e incluso dio idea a la creación de una banda posterior a la película, la Habana Blues Band.
Carlos Varela - Cuchilla en la acera"
Aunque la música de Carlos siempre fue de lo más representativo de la llamada novísima trova cubana, esto es rock n' roll en su estado más puro. Esta rola puede ser utilizada para usar como ejemplo de exactamente el tipo de música que Fidel no quería en la isla. Los solos, el riff de la guitarra principal, las armonías, todo. Pareciera hecha en Gringolandia. Mi parte favorita es el tapping en el solo. Tapping made in La Habana.
Los Dada - "Dame más"
Los Dada, nacen dentro de las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Cuba como un cuarteto instrumental. Sus primeras presentaciones fuera de la milicia fueron en festivales de aficionados del Ministerio de Las Fuerzas Armadas Revolucionarias que eran auspiciados por el Consejo Nacional de Cultura. Los Dada, fueron precursores de la Nueva Trova, fusionando trova con rock y logrando un sonido versátil e innovador. Su auge fue tal que los miembros de la banda decidieron comercializarse y empezaron a montar covers como "Everybody Let's Rock" con los cuales se presentaban en la TV cubana. Fueron una de las bandas más importantes del rock en su país y su influencia aún es notable en la música de la isla.
Porno Para Ricardo - "El Comandante"
Indudablemente la banda que más mandó a la mierda a Fidel Castro a viva voz. Incluso su vocalista Gorki, como mencionamos al comienzo de este artículo, estuvo preso. En varios conciertos, se vieron saboteados por cortes de luz en medio de sus presentaciones. Históricamente irreverentes hacia los símbolos de la revolución cubana y hacia la cultura de la nueva trova, que era la música de protesta izquierdista. Sus canciones fueron catalogadas como Rock Anticastrista y por esto se les asocia con la escena anarcopunk de Latinoamérica.
José Luis Medina - "Ritmo Sabroso"
Sencillo para Me traen de los mares, primer disco de José Luís Medina, fuera de Habana Abierta. Canción protesta con aires a pop-rock, influencias anglosajonas que uno de los integrantes de la Habana Abierta descubre en su faceta como solista. No hay que ser un erudito para darte cuenta de qué nos habla José Luis: "Me robaron la cartera y el carnet", "Subieron las tarifas de nuevo este mes", "Violaron a una niña y no llegaba a diez", "Está un balsero despidiéndose otra vez".
I Am Brian Wilson cuenta la desgarradora y conmovedora historia de Brian—líder y mente maestra detrás de los Beach Boys— la cual va más o menos así: Un chico inocente de Hawthorne, California, a principios de la década de 1960, cautivado por la convergencia armónica de The Four Freshmen y la grandeza y el brillo Spectoriano de "Be My Baby," crea una banda con sus dos hermanos y un primo bastante cabrón, le pone The Beach Boys y escribe tonaditas súper pegajosas con una simplicidad hasta medio Zen, y que hablan sobre surfear, coches veloces, y chicas (pese a que esto ocasionó que su sádico y tirano padre lo golpeara tan fuerte que lo dejó sordo en su oído derecho); el chico se convierte en una estrella de pop internacional, tiene un ataque de nervios, y se retira de las giras, resguardándose en el estudio, en donde comienza una competencia con los Beatles para ver quién es el más chingón; el chico toma LSD, el cual le vuela la cabeza, ve a Dios, empieza a escuchar música extraña pero hermosa en su cabeza, toca el estudio como si fuera un instrumento, canta con coros de ángeles, crea música increíblemente majestuosa, de una belleza extraordinaria y una tristeza súper profunda; el chico crea el mejor disco de pop de todos los tiempos (Pet Sounds) y quizá la mejor canción del siglo XX ("Good Vibrations").
Mientras tanto, el chico empieza a escuchar horribles voces en su cabeza, detonadas por demonios dentro de sí y del exterior (su tirano y sádico padre; su primo pendejo); el chico pierde la cabeza y, eventualmente, la confianza de sus compañeros de banda, quienes deciden mandar al congelador su "sinfonía adolescente para Dios", originalmente titulado Dumb Angel, pero después re-titulado Smile; el chico se resguarda por años como hermitaño en una habitación, consumiendo drogas de manera herculánea, cayendo en la obesidad mórbida y prácticamente la locura; su familia contrata a psiquiatra/psíquico mefistofeliano Dr. Eugene Landy, quien cambia la dieta de cocaína, whiskey, hueva y lástima por sí mismo por un régimen zombificador de narcóticos de prescripción, un régimen de ejercicio prácticamente Nazi, y control mental las 24/7; el chico conoce a una chica (Melinda Ledbetter, su próxima segunda esposa) en una agencia distribuidora de Cadillacs y se enamora; la chica rescata al chico de las garras del malvado doctor, y el chico vive feliz para siempre, o cerca de ello. En pocas palabras, es la historia de Ícaro en la playa, de un chico que voló demasiado alto, se quemó sus alas de cera, y volvió a caer a la Tierra.
Brian Wilson no es muy platicador. La música gloriosa es su talento, no el charlar. Colaboró con un letrista para sus mejores piezas —Tony Asher en Pet Sounds, Van Dyke Parks en Smile y el cabrón de su primo Mike Love en "Good Vibrations." No es uno de esos artistas que aman usar el formato de entrevistas a celebridades para dar largas ruminaciones sobre El Mundo Según Brian Wilson. De hecho, tras haberlo entrevistado en varias ocasiones a lo largo de los años, es bastante obvio que considera el hablar con la prensa como un mal necesario para seguir formando parte del mundo del entretenimiento. Pero debo decir que cuando hablé con él en esta ocasión, sonó más interesado y, aún más importante, alegre, que en cualquier otra entrevista que había tenido oportunidad de hacerle a lo largo de los años. De hecho, dadas las respuestas monosilábicas que mis preguntas solían detonar en el pasado, para sus estándares esta vez fue bastante platicador. (Y si Brian Wilson está feliz, después de toda una vida de dolor y tristeza, eso me parece fantástico.) Aún así, no empiecen a leer esta entrevista esperando una nueva versión de My Dinner With Andre. Hasta la mejor entrevista a Brian Wilson es una que llamarían los periodistas una 'historia del perro que habla': no importa tanto lo que dijo el perro, sino que habló.
NOISEY: Me gustó mucho tu libro. Lo escribiste con Ben Greenman de The New Yorker. Me pregunto si me pudieras contar un poquito sobre el proceso de cómo fue su manera de crear el libro. Brian Wilson: Bueno, pues empezamos cuando nací, y seguimos hasta mi edad actual.
¿Tú y Ben tenían conversaciones y él tomaba notas o las grababa y entonces convertía eso en la versión escrita que aparece en el libro? Sí, me llamaba por teléfono y hablábamos media hora, y así fue diario hasta que terminamos.
¿Y cuánto tiempo tomó eso? Bueno, pues no sé, como medio año.
Tu relación con tu padre fue muy complicada. Me preguntaba si podrías decirme cuáles son algunas de las cosas buenas y malas que te dejó. Bueno, pues me enseñó a tener muchas agallas, si sabes a lo que me refiero; me enseñó a ser asertivo y positivo.
¿Qué cosas heredaste de tu padre que quisieras no tener? Bueno, pues me daba muchas nalgadas.
Hay una historia que se menciona brevemente en el libro, de una vez que conociste a un joven Michael Jackson en una fiesta a principios de los 70. ¿De qué platicaron? ¿Te acuerdas? No, sólo me lo presentaron. "Hey Brian, este es Michael Jackson." Me dijo hola y después se alejó.
¿Has escuchado la música de Michael Jackson? Si así es, ¿qué opinaste de ella? Bueno, la mayoría de las cosas que he escuchado de él me gustan. No recuerdo el nombre de esta balada, algo así como [tararea una melodía irreconocible], ¿cuál era esa?
Eh, ¿quizá "Billie Jean"? ¡Sí, "Billie Jean"!
Hay un pasaje en el libro en el que hablas de trabajar con Eric Clapton y Paul McCartney en 2004 para el álbum Over My Head, y que no estabas feliz con las interpretaciones en la cinta, entonces tuviste que presionarlos un poco para que hicieran un mejor intento. Me da curiosidad, ¿qué le dices a Eric Clapton para que toque mejor la guitarra? No lo haces. No había nada que le pudiera decir. Él solito la volvió a tocar. Creo que él sabía que lo podía hacer mejor.
Mencionas que le tuviste que decir a McCartney que estaba cantando plano, y me pregunto si alguien le había dicho eso antes. Es como decirle a Jesús que no es lo suficientemente amable. ¿Qué dijo cuando le dijiste eso? Fue como "Oh Brian, perdón, voy a cantar afinado."
A tu hermano Dennis se relacionó con Charles Manson tras haberle dado aventón a un par de las chicas Manson. Me da curiosidad saber, ¿alguna vez conociste a Charles Manson? No, nunca lo conocí. Mi hermano me contó de él, pero yo nunca lo conocí.
Cuando escuchaste sobre los asesinatos de Manson,¿pensaste inmediatamente sobre tu hermano? ¿Tuviste miedo o estuviste preocupado? Bueno, me preocupaba que quizá mi hermano estuviera involucrado en ello. No sé si estuvo, no sé.
Parece que todo el tiempo estás peleando o te está demandando Mike Love, y él es famoso por no haberte apoyado cuando estabas haciendo Pet Sounds y Smile—música que muchos consideran tus piezas más visionarias e innovadoras— y sin embargo yo jamás he escuchado que digas una mala palabra sobre él. ¿Cómo es que puedes seguir siendo tan gentil con él después de todo este tiempo? Bueno, pues me encanta su voz, me encanta cómo canta, ¿sabes?
Van un par de preguntas hipotéticas. La primera es, digamos que te despiertas a media noche y tu casa se está incendiando, y tienes que salir corriendo, y sólo te da tiempo de agarrar un álbum. ¿Qué disco agarrarías y por qué? Tomaría el [disco de los Beach Boys de 1965] Summer Days (and Summer Nights!!).
¿Por qué escogerías ese? Porque me gusta su rock and roll.
La segunda pregunta hipotética es: has escrito algunas de las mejores canciones del siglo XX. ¿Qué canción de otro compositor te huviera gustado haber escrito? Me hubiera gustado haber escrito "She's Leaving Home" de Paul McCartney.
Pet Sounds es para muchos el mejor álbum de pop de todos los tiempos. Pero los artistas suelen ser sus críticos más duros, y cuando escuchan su música lo único que oyen son los errores o las cosas que desean haber hecho de manera distinta. Entonces, me da curiosidad sabes, ¿si pudieras hacer algo diferente en ese álbum, qué sería? Nada. No le cambiaría una nota a ese álbum.
Creo que esa es la respuesta correcta. El primer título de Smile fue Dumb Angel—el cual es un título bastante intrigante. Me pregunto, ¿de dónde viene eso? ¿Por qué le querrías poner así al álbum? ¿Sabes qué? No me acuerdo. Creo que estaba drogado y se me ocurrió ese título. No tengo ni idea.
En el libro haces una analogía bastante buena sobre por qué terminar Smile la primera vez fue imposible. Dijiste que era como "armar un rompecabezas en la pared en vez de en la mesa, y se cae todo el tiempo." Pero en 2004, 37 años después de que lo abandonaste, lograste terminarlo. ¿Qué cambió? Bueno, Van Dyke Parks y yo terminamos la tercera sección. Teníamos dos secciones, y escribimos la tercera.
Así de simple, ¿eh? Si tan sólo hubieras pensado en eso en 1967. En el libro dices que te arrepientes de haber tomado LSD, porque metía voces en tu cabeza. ¿Crees que el ácido realmente puso las voces en tu cabeza, o que estaban enterradas en algún lugar de tu mente y que el ácido las liberó? Bueno, pues no puedo contestar eso. Estaban enterradas dentro de mí en alguna parte. Sí, estaban enterradas en mi mente.
Cuando tuviste estas alucinaciones auditivas, ¿había más de una voz? No, sólo una voz.
¿Qué tipo de cosas te decía esa voz? Decían "te vamos a matar, te vamos a matar," ese tipo de cosas.
¿Le hablabas de regreso a las voces? Sí, traté, pero me abrumaban.
Eso debe ser horrible. ¿Cómo lograste recuperar el control? Pareces bastante feliz y productivo hoy en día. ¿Sigues escuchando voces? Las sigo escuchando, pero no tanto.
¿Cómo lidias con ellas cuando las escuchas? ¿Tienes algún mecanismo de defensa? No, ha pasado mucho tiempo y se han vuelto menos malévolas conmigo. Ahora son más amables.
Todas las fotos cortesía de los agentes de prensa de Brian Wilson.
Brian Wilson estará tocando el Pet Sounds el 1 de diciembre en el Auditorio Pabellón M, en Monterrey (boletos aquí), y en el festival Trópico, en Acapulco, el 3 de diciembre (boletos aquí).
Jonathan Valania es el editor en jefe de Phawker.com.
GANA PASES PARA VER EL PET SOUNDS EN MONTERREY O EN TRÓPICO
4. Manda un mail a noisey@vicemexico.com con el asunto "Quiero ver a Brian Wilson en ______ (aclarar si quieres boletos para Monterrey o Trópico)" y dinos lo siguiente:
¿Cuáles son las canciones favoritas de Brian Wilson, según esta entrevista?
¿Quién hace el papel de la esposa de Brian Wilson en la película Love & Mercy?
¿Quién le hace el cover a la canción "Pet Sounds" en nuestra lista de mejores covers al Pet Sounds?
Los primeros en contestar serán los ganadores. ¡Suerte!
El funk vivió su época de oro durante la década de los setenta, con bandas como Kool & The Gang, los Ohio Players, James Brown y muchas otras que colaboraron a popularizar ese sonido que invariablemente te hace mover los pies. La mezcla de soul y jazz fue perfeccionada y tipos como Brown se convirtieron en estrellas mundiales haciendo giras exhaustivas a lo largo y ancho del planeta.
Bandas como Led Zeppelin y los Rolling Stones incursionaron en el género haciendo sus propias composiciones en esa estética de riffs de guitarra wah-wah y una sección de vientos. Los productores de películas de los setenta invitaron a músicos de funk a realizar las bandas sonoras y tipos como Isaac Hayes y Bobby Womack se anotaron sendos éxitos con los soundtracks de Shaft y Across 110th Street, respectivamente.
El padrino del funk: James Brown
Con la llegada de los ochenta y el advenimiento de la música disco, muchas bandas de funk incorporaron sonidos de ese género además de empezar a usar sintetizadores y sonidos más espaciales al estilo Parliament, dejando atrás los sonidos orgánicos de Sly Stone y los J.B.'s. La década de los ochenta vio a bandas de funk moderno acaparar la atención de un público ávido de sonidos más galácticos. Grupos como Slave y su trompeta eléctrica, Cameo con sus sintes funky y Roger Troutman con su banda Zapp usando un Talk Box, redefinieron la estética funk en los años por venir. Hay que mencionar que otro de los músicos que incorporan estos sonidos a su música fue Prince y todo su trabajo durante los ochenta está claramente influenciado por esta nueva cara del funk.
El funk moderno de los ochenta tuvo una gran influencia en particular para los hiphopers californianos durante los noventa. Es durante esta década que Dr. Dre, Too $hort, Bone Thugs-n-Harmony, Warren G, Mac Dre, Nate Dogg y Dj Quik, dominaron y definieron lo que se conocería como la Era G-Funk utilizando sampleos de las bandas de funk moderno de principios de los ochenta.
Zapp, con Roger Troutman (al frente y al centro)
Es precisamente en Pasadena, la ciudad que forma parte del condado de Los Ángeles, donde nace uno de los exponentes del funk moderno más importantes de los últimos años. Me refiero a Damon Garrett Riddick que es mejor conocido como Dâm-Funk (pronunciado Daim Fank). Durante su formación musical, Damon escuchó mucho funk y soul de los setenta pero lo que más escuchaba era el funk moderno de las bandas que mencioné: Slave, Zapp, Cameo y Kashif. Por supuesto, como cualquier chico de su generación, Damon era muy aficionado a Prince y todos sus actos asociados.
Damon mencionó en una entrevista hace algunos años que hubo un episodio que fue decisivo en cuanto al camino que decidió llevar en su vida. El episodio del que les hablo es la famosa e infame rutina de Dave Chapelle actuando como el difunto Rick James y la escena donde el viejo Rick aparece en pantalla diciendo: 'La cocaína es una maravilla de droga'. Rick James uno de los mejores guitarristas que grabara para la Motown fue ridiculizado por uno de los comediantes más populares de Norteamérica. Después de haber visto esas escenas Damon lo tuvo muy claro: No iba permitir que las generaciones que vieran el Show de Chapelle tuvieran esa imagen del funk.
Foto de Matthew Scott para el STFU EP
Pero el camino no sería fácil. Para que Dâm-Funk encontrara el éxito comercial habían de pasar varios años en los que se dedicó a su música y a hacer mixtapes de funk para sus amigos y para poder solventar sus gastos trabajaba en un almacén de artículos para oficina.
De alguna forma sus mixtapes llegaron a las manos del dueño y fundador de la influyente disquera de Los Ángeles Stones Throw. Peanut Butter Wolf le encargó un par de remixes a temas de artistas del roster de la disquera. Es así como Dâm-Funk concretaría grabar un disco para PB Wolf y sus muchachos y dejar, de una vez por todas, su trabajo en el almacén de artículos para oficina.
Durante el 2009 editó su aclamado álbum Toeachizown que está compuesto por cinco vinilos que en su edición original vienen en una caja y en ediciones posteriores fueron lanzados de forma individual. Toeachizown es un disco de funk electro lleno de sintes y beats de hip hop que nos recuerda a los mejores años de Roger Troutman. Teclados llenos funk que bien pudieron haber sido sampleados por Dre durante los noventa.
Recuerdo cuando escuché ese disco no podía dejar de pensar en lowriders, palmeras y blunts: un paseo por Los Ángeles en un descapotado. En ese 2009 no había nada que se le pareciera y definitivamente tenía esa atmósfera de funk de principios de los ochenta. Sin embargo, lo que lo hacía diferente eran sus beats con reminiscencias a la era G-Funk.
A partir de ese momento Dâm-Funk se convirtió en el embajador indiscutible del modern funk del área de California y para confirmarlo comenzó a organizar una fiesta semanal itinerante donde solo se escucha funk y que sigue sucediendo en la actualidad. Es en una de estas fiestas donde el rapero antes conocido como Snoop Dogg (no sé que alias esté usando esta quincena el tío Snoop) se apersonó con Dâm y le propuso hacer un álbum. De mencionado acercamiento surge el 7 Days of Funk que es una oda al rap californiano de mediados de los noventa y toda esa estética G-Funk. Después de su debut y sin temor a equivocarme, este es el mejor disco del viejo Snoop De-O-Doble G.
El último disco de Dâm-Funk, titulado Invite the Light, es un disco triple en su edición de vinilo y cuenta con las colaboraciones de Flea (bajista de los RHCP y gran entusiasta del Parliament-Funkadelic), Q-Tip de ATCQ, Junie Morrison quien fuera el líder de los Ohio Players y el adorador de la cultura del caset Ariel Pink, entre otros. Esta placa sigue cultivando la saga iniciada por bandas como Parliament, Mtume, Prince, Dr. Dre y Mac Dre siendo una nueva y mejorada versión del funk moderno.
En Revancha, ubicada en Colima 110 de la Colonia Roma en CDMX, puedes encontrar varios títulos de Dâm-Funk disponibles.
Los videos de Anohni para Hopelessness (fuerte candidato para título más apto del año) forman una serie de estudios mínimos de personas haciendo lip-sync con el pesado material del disco. "Marrow" es el último eslabón de esta cadena y en él vemos a la veterana artista visual de Nueva York Lorraine O' Grady articular las palabras de esta poderosa denuncia contra la destrucción de la tierra. Anohni también compartió una declaración sobre el vídeo en su página de Facebook, donde comenta sobre el enfrentamiento DAPL: "Hay que apoyar a los protectores del agua en Dakota del Norte. Solamente nos queda una oración: salvar a la tierra. " Mira abajo el vídeo de "Marrow".
La música de Anna von Hausswolff es la más reciente reencarnación del folclor celta. Una vuelta de tuerca al panorama contemporáneo actual, al empoderamiento de la mujer como líder y visionaria. Anna von Hausswolff representa eso y más. Una artista de alto impacto que, con su último álbum Ceremony, cautivó e inclusivo hipnotizó a la prensa y al público. Con su voz y su instrumento principal, el órgano, logra recobrar conexiones antiguas y místicas que se ven reflejadas por medio de la ritualidad en su sonido. Siendo hija de uno de las figuras más importantes del arte sonoro, Carl Michael von Hausswolff, Anna ha sido capaz de encontrar su camino, de hacer su propio andar y de quitar la sombra de esa maldición de ser hija de "alguien", apropiándose de un lenguaje musical y llevándolo a través de inquietudes personales.
The Miraculous, su más reciente álbum, es una regresión hacía su infancia, llena de paisajes del país nórdico, del bosque, del frío y la niebla. Un álbum tremendamente maduro para la joven sueca de 30 años de edad, musicalmente fuerte, donde coquetea con el doom metal, y vuelve a imprimir su ya característico sello drone, gracias a la tremenda y monumental presencia del órgano. Sus letras son un clavado hacía su vida, que comprende en su mayoría a su niñez, donde la lírica juega con el tiempo y el espacio, con su pasado y su presente.
Anna von Hausswolff nos concedió una entrevista personal sobre su obra y su proceso al crearla. Recuerda que toda esta semana se lleva a cabo el increíble Festival Aural, del que Anna es parte. Toda la información aquí.
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Noisey: Al escuchar The Miraculous pareciera que este es una especie de lugar, un lugar magnífico al que uno se transporta al escuchar el álbum, ¿Al concebirlo lo hiciste con está intención? Anna von Hausswolff: No fue con esa intención. The Miracolous lo hice pensando en un lugar al cual iba mucho cuando era niña, y pase muchos momentos muy lindos en él, pero no lo concebí el con esa intención tan clara. Es decir, hice el álbum bajo el concepto de que, cuando era niña, creía que en ese lugar todo podía pasar, era maravilloso. Un lugar que sigue alimentando mi imaginación, así que solo me dejé absorber a través de los sonidos del proceso de composición del álbum.
Tu música juega con diferentes temáticas, muchas de ellas bastante obscuras, ¿De dónde provienen esas emociones? Provienen de lugares, como en The Miracolous, ese lugar del que te hablo que me ayudó mucho. Me alimenté de la belleza de la naturaleza para crear mis propias historias. Traté de combinar lo que sentía al verlas, con lo que quería proyectar a través del álbum. Quise combinar estos dos aspectos y hacer de esto algo mágico. También hay muchas conexiones con esté lugar como el peso de la historia. Eso me ayudó para explorar ese lado de mi personalidad. Fueron experiencias muy fuertes, fue algo mágico al momento de vivirlas. Pero sí, la mayoría de esas emociones provienen de ese lugar, y la historia del mismo, solo me deje envolver por la energía de este.
El órgano es obviamente una presencia prominente en tu trabajo, por su puesto es tu instrumento principal, uno muy reconfortante, por lo menos para mí, ¿Cómo fue tu acercamiento hacía esté gigante en un inicio? Al principio fue un tanto complicado, ya que el órgano proviene de un mundo que, podíamos decir es bastante cerrado. Es un instrumento al cual es difícil obtener acceso a menos de que, conozcas a alguien. Y en mi caso yo nunca había estudiado el órgano, no fui entrenada como pianista y tampoco tuve ninguna conexión con la iglesia. Así que, en una ocasión, conocí en una fiesta a una persona que tenía conexiones con una iglesia gótica en la ciudad, y comenzamos a hablar sobre el órgano tubular. Le mencioné mi inquietud por el instrumento, así que me invitó a tocarlo. Me ayudó a conocer las bases del órgano tubular, los principios del instrumento, me ayudó muchísimo, sobre todo a tener acceso a este y a la iglesia gótica de la ciudad, donde también grabe Ceremony. Y una cosa importante fue que nunca había tocado el órgano hasta el momento de grabar Ceremony, solo había escuchado los sonidos que producía y estudiado en base a libros. Como todo descubrimiento fue algo muy inspirador, así que se puede decir que fue una experiencia emocionalmente fuerte.
Has estado tocando alrededor de todo el mundo. Desde tu experiencia, ¿cuál es tu visión del rol de la mujer en la escena musical contemporánea? Creo que para mí ha sido bastante fácil de alguna manera, porque siempre he tenido una visión fuerte sobre qué es lo que quiero. Sobre todo del lugar donde estoy y con la gente que trabajo, entonces creo que dictó lo que quiero y la gente sigue mi línea. Por otra parte, es claro que a veces se te trata diferente por el hecho de ser mujer, es decir, dependiendo del lugar que visites o de con la gente que trabajes, en ocasiones dan por sentado que, por ser mujer no tienes un conocimiento técnico y las personas quieren lidiar con todo. No es el caso de la gente con la que he colaborado, en su mayoría he conocido gente fantástica en el camino, que ha respetado enteramente mi visión, pero en ocasiones hay algunas personas que no entienden el hecho de que soy una pequeña mujer que tiene muchas cosas que decir. Por otro lado, la escena musical actual está cambiando, y está cambiando de manera muy rápida. Conforme pasa el tiempo, cada vez se ven más y más mujeres en la escena, muy talentosas. Y adoro eso, me parece que es bastante refrescante. La gente está en la deseosa de escuchar nuevas voces provenientes de nuevos cuerpos, con nuevas perspectivas, creo que lo que está pasando es fantástico, es decir, añadir a tantas mujeres da una nueva perspectiva a esta experiencia.
La música es probablemente una de las mejores cosas que existen en la vida, es gracias a los conciertos, festivales y toquínes, que la mayoría de nosotros podemos olvidarnos de nuestras ocho horas diarias enlatados en una oficina. Es por eso que nosotros aquí en Noisey decidimos aprovechar nuestro tiempo de trabajo para mostrarte los mejores eventos de esta semana (24 al 27 de noviembre) en Guadalajara, Monterrey y CDMX. No dejes que este fin te llegue la cruda:
Sam Shepherd aka Floating Points es neurocientífico además de ser DJ y músico. Ya puedes imaginarte lo que sus tracks pueden hacer con tu cabeza, ¿no? Este jueves, uno de diciembre, tocará bajo tierra en la CDMX. La cita es en foro Normandie y nosotros tenemos un par de boletos para regalar. Ganar es muy fácil:
Ayer por la noche comenzó la circular la noticia de que, finalmente, Adán Cruz había sido liberado, después de diez meses encerrado en la cárcel de La Pila en el Estado de San Luís Potosí por el delito de corrupción de menores. Posteriormente han habido varias confirmaciones, por parte de Gooti Records, el Facebook de Adán, de otros raperos que han hablado con él, y concedió una entrevista ayer por la noche (ponemos el extracto abajo). Como lo dijo en su Facebook: él y Dj Aivan firmaron su sentencia absolutoria. Ahora pueden dejar este tortuoso, largo y oscuro pasaje atrás.
En la entrevista que dio, Adán dijo: "Yo creo que lo hecho, hecho está, y no cambiaría nada en lo absoluto". Es un momento de gran alegría para una gran comunidad, para su familia, para sus amigos y para colaboradores. Le deseamos lo mejor a Adán en esta nueva etapa de su vida.
