Koala Kontreras luce sobre su mano izquierda un tatuaje a medio terminar de un mapamundi con un avión encima y la sigla CAF debajo. “Este me lo están haciendo hace poquito”, cuenta. “A mí CAF no más me ha hecho viajar. No viajaría si no. La primera vez fue cuando fuimos a tocar a Haití. Y eso fue el 2009 si no me equivoco”.

Es un viernes por la noche en el Club Loreto, en Santiago de Chile, y Cómo Asesinar a Felipes (CAF) dará en dos horas un show de despedida. El martes —cuenta Koala— parten a una gira por Europa con fechas en Serbia, Rumania y España. Tienen poco tiempo y por eso —entre la prueba de sonido y el show— en Noisey en Español aprovechamos para entrevistarlos sobre "Disparan (Fill the Skies)", el nuevo single que lanzaron con la participación de Chino Moreno, de Deftones, y que fue producido y mezclado por Billy Gould, bajista de Faith No More.

Datos sobre CAF: se formaron en Santiago en el 2007, y sus miembros actuales son Koala Kontreras (voz, 38 años), Felipe Salas (batería, 39), Sebastián Muñoz (bajo, 37), DJ Spacio (tornamesas, secuencias, samples, programaciones, 41) y Cristián Gallardo (saxo alto y flauta traversa, 34). Tienen seis discos de estudio: Cómo asesinar a Felipes (Potoco Discos, 2008), Un disparo al centro (Potoco Discos, 2009), Colores y Cadáveres (Potoco Discos, 2010), Comenzará de nuevo (Koolarrow Records, 2012), V (Koolarrow Records/Potoco Discos, 2014), Elipse (Potoco Discos/Koolarrow Records). El 2017, además, sacaron el compilado Perros viejos, nuevos collares, en el sello independiente El Templo ReKords, donde regrabaron once temas con un nuevo sonido. Más: Billy Gould los fichó el 2010 en su sello Koolarrow Records después de que los CAF le enviaran una copia de Un disparo al centro. En septiembre de 2015 se fueron de gira con Faith No More por Sudamérica.

Chino Moreno, cabe decir, es un artista que además de sus múltiples proyectos, como Team Sleep, Crosses y Palms, desde sus comienzos colaboró con otros músicos. En su página de Wikipedia se registran más de treinta colaboraciones. Esta es la primera vez, eso sí, que trabaja con una banda latinoamericana. “Recibí un mail de Billy Gould con algunas canciones de Cómo Asesinar a Felipes y de inmediato quedé cautivado por el sonido de la banda. Unas semanas después conocí a los chicos cuando fui a Chile con Deftones. Hablamos del track y de cómo podría sonar una colaboración. Con la ayuda de Billy pudimos construir lo que creo que es algo muy especial y único. Estoy muy orgulloso de haber trabajado con un grupo tan increíble de un país tan increíble”, dijo Chino sobre la colaboración.

Mientras el resto de la banda probaba sonido en el Loreto, DJ Spacio nos contó que que el estudio de animación Niño Viejo, a cargo de Leo Beltrán, prepara un video para "Disparan...". “Se estrena a fines de octubre, cuando estemos de gira”, dijo DJ Spacio. Y adelantó que se trata del primer single del nuevo disco de CAF: “Queremos que en cada uno de los temas haya colaboradores. Ahí estuvimos hablando con Billy de cuál es nuestro siguiente paso. Y aquí en Chile, la verdad, como que no tenemos muchos más pasos que dar: como que ya hemos hecho todos lo que se puede hacer en torno a propuestas artísticas. No nos quedaba más que hacer una colaboración con alguien de afuera, que te diera un poco de respeto para que te pesquen, ¿cachá?”.

Spacio compartió que en marzo pasado, cuando Billy Gould viajó a Chile para tocar con CAF en Lollapalooza, aprovecharon para grabar con él en CHT Studios, la sala de Chalo González. “Tenemos la idea de ir sacando en forma de single las cuatro canciones que grabamos. Y para el próximo año —primer trimestre— estar ya con el EP editado”.

La prueba de sonido de los CAF finalizó. La fotógrafa Rocío Aguirre los llamó para hacerle unos retratos —en una salita contigua al escenario del Loreto— y después, una vez terminadas las fotos, pasamos directo a lo que convoca.

NOISEY: ¿Pueden contar la historia detrás de este featuring con Chino Moreno?
Koala: San Billy. San Billy y la idea de los chiquillos que tenían de invitar a alguien que fuese un referente importante. Y salió la idea de Chino Moreno. Y Billy lo contactó. [A Chino] le gustó la música.

Felipe: Teníamos una música nueva. Entonces la conversación natural —con Billy— era qué podíamos hacer con esta música. Nosotros siempre estamos tratando de buscar ideas nuevas. Entonces empezamos a conversar [la idea] de ir invitando gente en cada canción. Y ahí surgieron varios nombres; y el que más era afín con lo que hacemos y también influencia para nosotros, era Chino. Y ahí Billy se contactó con él, después cuando Chino vino acá a Santiago, nos juntamos para conocernos, también hablamos sobre la letra, un poco sobre lo que él había mandado como maqueta. Así se dio.

Recordemos ese día en que compartieron con Chino en Chile.
Koala: Bueno, no fue tan íntimo porque fue un espacio que el hermanito se hizo en un show, en su gira con los Deftones. Nos invitó a todos a ver el show, creo que fue el primero que hizo la última vez en Santiago [en mayo pasado, en el Teatro Coliseo]. Algunos compañeros estuvieron en su prueba de sonido, ya conversando, adelantando más o menos lo que podíamos hacer musicalmente.

Felipe: Nosotros al otro día —el martes en la madrugada— nos íbamos a España de gira. Entonces esto era un día lunes y era el día que ellos llegaron y tocaban en la noche, entonces…

Felipe: Entonces, él se hizo un tiempo ahí. Porque también estaba probando sonido; y claro, cuando vas a tocar te tenís que concentrar.

Seba: Creo que fue bien caballero él porque —claro— nosotros somos músicos y entendemos ese momento antes del show: que hay que estar concentrados. Entonces agradezco su caballerosidad: de prestar ese momento. Quizás él entiende que también es bueno darse la mano y verse las caras y darse las gracias.

Koala: Básicamente fue eso. Un «hola, gracias por aperrar, está buena la música». Y de ambos. Es como tú y como yo: estamos hablando de un fin, de un propósito en común que nos involucra, entonces no es tan formal. Y lo otro —como te decía el Seba— al ser músicos entendemos la intimidad; entonces tratamos de intervenir lo menos posible.

Felipe: Es como se ha dado con Billy Gould también. Una relación que se va desarrollando. No podís pretender en un día lograr una intimidad con una persona, sino que hay que irlo conociendo y el tiempo va diciendo también cómo madura: cómo crece o para dónde se va esa relación. Fue lo que tuvo que ser y estuvo bacán; o sea, él tuvo súper buena disposición, muy buena onda.

¿Les hizo un comentario sobre sus discos?
Felipe: Sí, es que antes habíamos hecho un trabajo previo. El Billy le había mandado links de nuestros discos, de nuestro YouTube. Él [Chino] es súper melómano y se mete harto cuando le hacen una propuesta, entonces escuchó mucho la música.

¿Qué les comentó? ¿Qué feedback recibieron?
Koala: Que estaba bien, poh.

Felipe: Que le gustaba, que nuestro estilo era único.

Seba: El mejor feedback, al final, es decir «demósle».

Koala: Básicamente eso es lo importante para nosotros.

Más que las palabras.
Felipe: Claro.

Koala: Que un ícono de la música a nivel mundial, en un género que a nosotros nos gusta, que un referente de esta magnitud avale lo que tú estás haciendo, le guste… O sea, ya nos pasó con Faith No More, con Billy Gould, con todos los músicos de Faith No More, incluido el Patton.

Spacio: No sé poh, aquí no hay plata, cachái. No es que estís comprando un feat, sino [que colaboras] porque tú creís que está choro [cool]. Todos nosotros hemos hecho otro tipo de música y siempre las relaciones se dan así: «oye, buena onda, podríamos tocar juntos». Si resulta una unión, si hay buena onda, se hace.

Felipe: Es admiración, es respetar lo que hace el otro. A él le gustó mucha la letra: nosotros le mandamos la letra de Koala antes. De ahí, él también hablaba que le gustó mucho la escritura. Entonces ahí uno va enganchando en distintos niveles.

Koala: De hecho, él escribió en relación al tema. No fue algo al azar.

Se adaptó. No usó unos versos que tenía listos.
Koala: No, no no.

¿Y ustedes escuchan Deftones?
Felipe/Seba/Spacio: ¡Síiii!

Koala: Yo básicamente me metí más cuando los escuché en el primer Lollapalooza [Chile, 2011], donde nosotros también tocamos. Fue la primera vez que los vi en vivo.

Spacio: En el tercer disco [White Pony, 2000] les perdí la cuenta.

Seba: Yo siempre los he seguido. Nunca he parado.

Felipe. Yo me acuerdo hasta cuando me fui a comprar el Adrenaline [1995], el año 95, cuando era chico. Fui a la [disquería] Billboard.

Koala: Después de verlos [en Lollapalooza Chile 2011] me digerí desde el Diamond Eyes [2010] para atrás. Y el Adrenaline es el que me gusta más.

Deftones destaca por cambiar su sonido disco a disco.
Felipe: Sí, es que ellos fueron creciendo como banda, porque hay muchas bandas de ese estilo que se quedaron pegadas y terminaron siendo una mala copia de ellos mismos. Deftones siempre evolucionó: después metieron sintetizadores, se fueron para otro…

Se pusieron medios shoegazing.
Felipe: Claro, fueron jugando mucho con la música; no repitieron la misma fórmula, entonces eso también es algo que a nosotros nos atrae. Es chistoso, pero nosotros hemos compartido escenario con ellos varias veces: en el primer Lollapalooza en Chile, en un Maquinaria [Santiago, 2012], en el Gets Louder [Santiago, 2015]. No habíamos tenido la oportunidad de compartir más, pero claro, ver a Deftones en vivo es increíble.

Koala: Bueno, eso fue lo que me hizo a mí meterme en su música.

Felipe: El en vivo.

Koala: El en vivo. La noción que yo tenía era del Deftones noventero, de los videos, de los singles que sonaban en la radio, pero cuando los vi en vivo, dije: «oye, esta hueá es de verdad, el hermanito canta, grita».

¿Qué pueden contar del disco que van a lanzar?
Felipe: La primera canción terminada es "Disparan (Fill the Skies)". Pero tenemos otra música grabada, pero que falta trabajar. Koala está escribiendo las letras, estamos viendo los arreglos, también quiénes van a ser los invitados: estamos en pleno desarrollo. Es primera vez que hacemos esto, o sea, que tiramos una canción. Siempre habíamos tirados discos completos, que trabajábamos durante mucho tiempo en la sala de ensayo. Esta vez será distinto: vamos a tirar canciones sueltas, por separado, que después van a formar parte de un disco nuevo. Es un experimento para nosotros.

¿Qué los motivó a sacar este single antes de tener el disco listo?
Koala: Trabajar de otra manera. Ya había seis discos. Básicamente el más crudo en ese formato es el primero. Lo grabamos de una pata’ [de una patada: de un tirón]: tocando todos juntos y en cinta. De ahí, los discos que vienen pa’delante obedecen a producciones, ensayos, y se va al estudio a grabar de una. Los últimos trabajos —donde ha estado involucrado el Billy Gould— han significado ese ir y venir: a veces los chiquillos han grabado las instrumentales en Oakland [California] y nosotros con Carlitos [Spacio] nos metemos desde aquí [Santiago].

¿Cómo fue con "Disparan"?
Koala: Nosotros grabamos la voz y las instrumentales aquí y el Chino grabó la voz en Estados Unidos.

Ya son 10 años desde la publicación del primer disco de Cómo Asesinar a Felipes. ¿Pensaron que iban a durar todo este tiempo o veían a CAF como un pasatiempo?
Spacio: ¡Yo quería ser millonario! — jajaja.

Felipe: Yo creo que nunca esto lo he visto como un pasatiempo. Creo que nadie lo ha visto como un pasatiempo. Siempre hemos tratado de implementar un pensamiento bien profesional.

Me refiero a que los artistas chilenos actuales, como DrefQuila, tienen aspiraciones más grandes. Dref dijo en una entrevista que su objetivo era superar a J Balvin y Drake.
Spacio: Tiene que ver con un cambio generacional. Nosotros somos más traumados y acotados. Nosotros éramos unos loser. No sé poh, estos pendejos nacieron ganando la Copa América; o sea, juran que somos buenos para la pelota.

Seba: Si quieren pueden escribirle al Chino Moreno igual por Instagram o no sé qué hueá…

Spacio: Ahora si querís hacer un tema podís llegar y hacerlo. No hay ningún problema tecnológico; o sea, si DrefQuila quiere ser el mejor, puta, tiene cómo hacerlo: no tiene una gran diferencia con Drake o con los otros.

Koala: Tú hablabai de que si nosotros pensábamos o hacíamos esta música por pasatiempo; si en algún momento nos veíamos a la distancia, siendo profesionales. No sé, yo rapeo desde los 15 años [Koala antes de CAF estuvo en el grupo de hip-hop FDA]; entonces desde que empecé a rapear, descubrí esto como mi terapia, mi herramienta. No lo hago necesariamente por estar en un escenario: lo hago por la liberación, entonces los músicos deben sentir lo mismo cuando tocan; lo que los mantiene vivos —y en movimiento— es justamente ese bichito. Entonces, como te decía el Felipe: «no hay límites». Si tú querís, si tú estái en constante movimiento, no hay límites. Y ese límite no significa estar expuesto o ser conocido o ser famoso; o sea, tu terapia podís vivirla en tu encierro; igual estái en un proceso creativo. Desde ahí adelante —o hacia afuera— te puede llevar a las nubes.

¿A qué te gustaría llegar con CAF?
Koala: Puta, tener estabilidad, para poder seguir haciendo [música]… Y no sufrir complicaciones cada fin de mes. Esa división que tiene cada uno, de tener que rendir por un lado y tener que rendir por el otro, esa batalla la vivimos desde hace 15 años. Cada uno en nuestra área y después con la banda. Y así, cuánto otro músico, cuánto otro coleguita está en la misma…

[Entremedio de la penúltima respuesta de Koala, cabe señalar, Felipe, Seba y Gallardo se retiraron de la sala: afuera, en el espacio central del Loreto, los esperaban desde hace rato sus pololas y amigos. Solo quedaron Koala y Spacio].

¿Ustedes viven de la música?
Spacio: No. Todos trabajamos. El Gallardo es músico solamente.

Koala: Yo soy trabajador y músico. Y Gallardo trabaja pero también tiene sus complicaciones para llegar a fin de mes; pero, como es músico de otra área, los músicos jazzeros por lo general viven así: viven tocando y de ahí les va resultando la cosa.

¿Han pensado radicarse en otro país?
Spacio: Jajaja. Nooo, o sea nosotros hemos ido por partes siempre. Al principio, por ejemplo, salimos fuera del país poniendo plata. Después, pusimos menos plata. Después nos empezaron a invitar, nos empezaron a pagar, cachái. Y ese ha sido nuestro camino, como paso a paso. Pero para creer que nos vamos a pegar el súper salto, tendríamos que estar creando otro tipo de música.

Koala: Creo que lo más importante pa’ nosotros es mantenernos en el tiempo.

Spacio: Tocando, creando.

Koala: Ese es nuestro objetivo principal.

Spacio: Tener un buen nivel.

Koala: Poder cumplir con esa idea loca que teníamos de estar ojalá tocando cincuenta años, como Los Jaivas.

Spacio: Pero no repitiendo las mismas canciones sí pos.

Spacio/Koala/Noisey: Jajaja.

Spacio: Mantenerse vigentes. Ese es el sueño: no estar obsoletos. O no ser un viejo loco (…) La sociedad es la que te acogota un poco de cumplir con estándares y cosas así. Pero lo que nos ha dejado esta banda es infinito: lo que hemos aprendido musicalmente y como personas y también los lugares y músicos que hemos conocido.

Cómo Asesinar a Felipes está actualmente de gira por Europa. Sígueles la pista por acá.

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Vive el norte 1500 kilómetros al sur. Luis Fragachán dice que el norte es una quimera, pero la mítica bestia escupefuego detrás de este personaje podría estar escondida entre rascacielos y una densa capa de esmog.

Armando Robles. Robless. Bendecido en el apellido y en las skills. Artista antes que rapero, y una tercera parte de Genocyde, el crew de hip hop más relevante proveniente de los que fueron los nobles dominios de Pancho Villa.

Lo conocí cuando se hacía llamar Fat Robless. Había llegado a la capital desde Chihuahua junto al compa que me conectó con él (s/o Garu G). Venía a estudiar un par de semestres de la universidad, pero sobre todo a treparse a una escena de mayor seriedad. Rapeaba bajo lo que me parecía un rol de sidekick, aunque ya desde entonces era cadencioso con las vocales. Le perdí la pista.

Tres años después me lo encuentro en Metro Nativitas. Hace calor en la capital y me espera con su camisa de pana colgada en el hombro. La frontera de Chihuas resalta tatuada en el centro de su pecho. “Qué onda loco”, dice con acento norteño mientras le da bocados a un cono de helado.

Apenas en mayo pasado estrenó San Anddress, su primer disco gestado y producido enteramente por él, con lo cual vino la decisión de volver a la Ciudad de México, donde busca una segunda oportunidad para poner su proyecto debajo del ojo público, y de paso acabar con la quimera que habita su pequeño cuarto rentado en Tetepilco.

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La definición detrás de “intención” habla de un fin, una acción y una voluntad. El fin es sencillo de imaginar, la voluntad aparece casi por impulso, aunque la acción es la que termina por pintar la línea entre aquello que queda sumergido en lo más profundo del inconsciente, y aquello que logra llegar a lo tangible.

Vender un Xbox a los 13 años para comprar cartones de huevo y un micrófono es, bajo ese principio, una clara intención en proceso. Aún sin saber que ese sería su camino, Robless puso todos sus ahorros en la construcción de un pequeño estudio casero junto a dos compas que lo iniciaron al género.

“Cortamos la tabla roca para hacer la cabina y todo, medio chueco pero valiendo verga”, dice entre risas mientras le da una fumada al gallo vespertino. “Con ellos formé la Mafia LK, me enseñaron muchas cosas, fueron mis referencias musicales. Fueron como tres años juntos grabando y escribiendo diario en ese estudio enfrente de mi cantón”.

Gordo LK era su sobrenombre en aquel entonces. Tumbado hasta los dedos del pie y con las clásicas rimas malandras del rap cholo habitando en su pluma. Síntomas comunes de un sonido importado por encima de un muro simbólico, y cuya naturaleza inmediata tuvo un desarrollo mucho más presto en las zonas cercanas al gabacho.

En ese sentido, no está de más decir que el norte fue por muchos años ––y aún se mantiene–– como el ecosistema de mayor abundancia para el surgimiento y crecimiento de nuevas semillas en el hip hop nacional. No obstante, Chihuahua se ha envuelto poco en el fenómeno, permaneciendo pasos detrás de lo que se crea en fincas como Monterrey y Hermosillo, por mencionar un par.

Aún con ello, de entre las dunas del desierto chihuahense ha surgido un 4x4 con cristales polarizados y bazookas de bajos amplificados. Genocyde es el nombre del colectivo que Robless forma junto a Rollie Tx, otro de los notables MCs surgidos de las áridas tierras del sotol, y Arthik, DJ y productor interminente en la clica.

La venerable trinca se ha afianzado dentro del under del género como un ente espectral que habita redes sociales y escenarios gracias a un sonido en donde destaca la crudeza y la lisergia propias del norteño empericado, logrando trasladar estos elementos a una estética visual bastante original, imaginada a través un hotel neón en medio de la sierra a la mitad de la nada.

“Yo me uní a ellos cuando ya tenían unos dos años de haber comenzado Genocyde. Ya estaba en una puñeta mental muy distinta a la de Mafia LK. Conocí al Rollie en un toquín y de ahí nos entendimos bien verga. Anduvimos en Saltillo, en Juárez, en varios lados armando paris, buscando lugares y conociendo gente”.

La historia particular de ‘Bless no puede entenderse sin la comparsa de Rollie, quien aún vive en Chihuas, y con quien colabora a la distancia en el que será la primer placa firmada por Genocyde como crew. “Sentimos que ya tenemos hecho algo, nomás pa’ soltarle las cadenas. Hemos tenido una vida bien recia, siempre hemos soñado con estar en las grandes ligas. Hemos dejado relaciones, familia, chingaderas en la vida por partirnos la madre con esto”.

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Al pensar en la vida más allá de la muerte, diversos credos y dogmas sueñan con un edén para descansar y vivir cuando se acaben los días terrenales. Sin embargo, parece que después de todo siempre hemos tenido nuestro propio paraíso.

“Chihuahua mi casa por ende mi edén”, dice en una de sus rolas. Su papá es de un pueblo no muy alejado de la capital del Estado, y la familia de su jefa es de tierras tarahumaras.

Habla de su casa a la lejanía. Una zona industrial alejada de cualquier manifestación artística, sin una plataforma cultural importante para el crecimiento de su ––y otros–– proyectos. Eso sí, la gente “vive recio, con mucho pari y mucho convivio siempre”.

En uno de sus videos aparece algo que llama “la época de oro”, un periodo de tiempo que ha interpretado como aquel momento previo a la guerra contra el narcotráfico en que todo parecía ser perfecto, aquel momento en que Chihuahua era sinónimo de abundancia y la violencia parecía ser un fenómeno lejano.

Intento sacarle palabras de su experiencia como habitante de una de las zonas más feroces del México contemporáneo, pero me cuesta y le cuesta hablar de ello.

“Fue cuando tenía como 16 años que empezó todo el desmadre de inseguridad y la verga. A mi compa el Gangas de la Mafia LK le tocó estar en una mala situación y lo quebraron en el estudio. Fue un pedo complicado”.

Hasta ahora parezco entenderlo un poco. Acá no nos cansamos de escuchar temas de sangre y plomo, mientras que allá parecen haber superado esa depresión. “Estamos hasta la verga de tanta violencia. Antes éramos muy inconscientes, y ahora quien anda hablando mierda pendeja en su música nadie lo respeta”.

Surge la natural pregunta de la apología dividida con la realidad. “Hay gente que escribe cosas de ese tipo con el afán de compartir la maldad, ahí creo que está la diferencia. Los vatos que hacían corridos viejos siento que eran ignorantes sobre lo que escribían, como que había cierto grado de inocencia”.

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Habita una recámara donde solo cabe una cama y una mesa con su lap, su interfaz, su libreta y monitores. Es disperso, casi como sus tracks. Habla de una cosa y luego otra. Platicamos del orgullo de vivir la época de Balvin sobre Drake, de la responsabilidad que Joey Badass establece hay detrás de las ondas sonoras, y de las enseñanzas de estar en el distrito viniendo de otros lados.

Tocó la Ciudad por primera vez a los 15 años, cuando su hermano y uno de sus amigos más cercanos decidieron venir de paseo. “Recuerdo que nos metimos a Tepito y nos vieron bien turistotas o pendejos o no sé, y unos malandros nos vendieron a huevo un perro”.

Eventualmente regresó, aunque con la intención de salir de acá con otra cosa que no sea un cachorro entre los brazos. “La Ciudad de México es una telaraña, está enorme. Hay un chingo de gente haciendo cosas, involucrada en este pedo. Pero he aprendido que aquí si no caminas te pisan”.

Y ha hecho efectiva la lección. Caminando. Creando música, videos y hasta ropa. Una criatura de cinco brazos que rapea pero también produce, dirige visuales, diseña prendas y escribe guiones. “Para otras cosas soy bien mediocre, la neta. Para esto me sale energía de un chingo de lados. Puedo estar desvelado, bien jodido, pero cuando me dan ganas de hacer algo me pongo a darle. Y es que la verdad no quiero ser rapero, quiero más bien ser un artista, alguien completo. No porque rapees tienes que ser mediocre”.

Bajo esa multidimensionalidad artística ha adoptado el alias de “Little Sierra”, concepto que engloba su visión como realizador y productor más allá de su faceta escupiendo rimas. “Decidí clavarme en eso porque me di cuenta que no puedes depender de nadie. Estaba hasta la verga de que no me entregaran los beats o los videos a tiempo. Estar ahí como pendejo escribiéndole a los vatos”, confiesa.

A su vez, ha comenzado a impulsar su propia marca de ropa, Gangas Biz, en donde ha creado ya un par de líneas inspiradas en íconos de antaño de la música norteña. “Es un mensaje visual bien chido que la gente te compre porque se siente representada por ti”.

Regresamos del trip y escuchamos San Anddress mientras me cuenta del disco track por track. Le brillan los ojos de la emoción. Tiene que tomar agua cada tanto para mantenerse hablando y contarme del que es su primer disco hecho bajo su producción.

El valor del elepé, no obstante, se encuentra más allá de su sonido, pues al platicar de las canciones me encuentro con el cómic de una vida, la cual podría tener como siguiente capítulo a un vato de Chihuahua cargando la cabeza de león en una mano y la cola de dragón en la otra. “‘Little Sierra' es la última canción del disco y la apertura a mi siguiente episodio, el lugar en donde ya tengo todo. La plataforma, la música, todo para hacer que esto valga verga”.

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Probablemente los miembros de Serpyants no pueden decir exactamente cómo mantenerse vigentes tocando música pesada por décadas, pero si lo pueden comunicar a través de su debut. Aquí encontramos furia y fuego del que escuchamos muchas veces que solo se puede acceder cuando uno es joven y no muy diestro en instrumento. El quinteto de la Ciudad de México prueba que lo único que se necesita es mucha pasión y camaradería.

Serpyants comienza en un momento musical difícil para Normand Olea (voz), Willy Chávez (guitarra), Diego Román (bajo), Adrián López (batería) y Jerry Romo (guitarra) en el que muchos de sus proyectos ––entre los cuales figuran Tormentas, Gula, Sr. Bikini, Los Ateos y Father Saturnus–– se habían separado o estaban en un periodo de inactividad, por lo que buscaron donde canalizar sus inquietudes ruidosas. El resultado es Desierte, un disco que no suelta del cuello al escucha desde el momento en el que comienza a sonar; con actitud del punk y la aspereza de varias esquinas del metal, las canciones exceden energía y se desdoblan como formas geométricas puntiagudas, mientras los gritos aterrizan el sentimiento. Es música para dejarse ir y disfrutar en euforia agresiva, lo cual ha llevado a la banda a tener un gran recibimiento en vivo, aunque llevan pocos shows juntos.

Hoy estrenan el video de “Espejos”, dirigido por José Luis Carbonell, del cual tenemos la premiere en exclusiva abajo. Dale play y lee la charla que tuvimos con tres quintas partes de Serpyants.

NOISEY: Vayamos desde el principio, ¿Cómo se forma Serpyants?
Adrián López: Jerry fue el que inicia todo.

Jerry Romo: Estábamos Normand y yo, como dicen los muchachos.

Adrián: Bebiendo un día cualquiera.

[Risas de todos].

Jerry: Estaba parada su banda y yo también estaba muy parado porque el Father no tenía mucha actividad. Nos pusimos a hacer rolas en mi casa. Luego invitamos a los muchachos.

Adrián: Sabes qué ejecutar sobre las líneas que ya habían establecido, es fácil entenderlo. Realmente Normand y Jerry llevaron la batuta...yo no compuse las batacas, fueron armando el disco y Leo [Padua] de Los Viejos grabó y compuso las baterías en Óleo que es el estudio donde grabamos el disco anterior de Tormentas. Nos fueron reclutando y yo fui el último que entré. Pero somos viejos camaradas de mar. No hubo que pensarlo.

¿Hubo discusión de qué tipo de música habrían?
Jerry: Este disquito tiene vibra de álbum viejo donde hay muchos sabores de todo y no sólo siete rolas iguales. No hay un compromiso con un sonido o un género.

Adrián: Es como si echaran nuestras bandas anteriores a una licuadora y lo que salió fue eso, porque hay salpicadas de todo.

Willy Chávez: Es como si cada uno hubiera escrito una rola.

Jerry: No hay una disquera diciéndonos “no muchacho, tienen que tocar de cierta manera”. Queríamos hacer un disco que a nosotros nos gustaría escuchar.

¿Cómo se han integrado todos a la banda? ¿Cómo han fluido sus ensayos? Todos se conocen pero es la primera vez que todos están en la misma banda.
Adrián: Para mi fue súper satisfactorio. Antes de ensayar estaba nervioso porque las rolas son algo complicadas, en cuanto a destreza técnica nos exigía un poco más por ser bastante salvaje. Pero desde el primer ensayo creo que nos sorprendimos de lo bien y natural que salió. Todo fluye muy rápido y las piezas cayeron muy rápido en su lugar, y creo que se refleja inclusive en la gente que nos escucha. Eso se debe a la amistad y al sentimiento de camaradas que ya teníamos. También ya estamos más grandes todos entonces nos lo tomamos más en serio. [Risas]. Apenas tocamos nuestro segundo show en Guadalajara y la respuesta de la gente fue bastante cabrona, hasta no das crédito. Hace rato estaba viendo los videos y las canciones suenan más cabrón de lo que yo me imaginado.

Suena a que ya andan mucho más serios que con algunos de los proyectos con los que los conocimos.
Jerry: Estrategias, Marquitos. Estamos tratando de calendarizar todo para no empantanarnos y tener metas claras y logrables en tiempo y forma para cumplir con objetivos.

Adrián: Las cosas se dan rápido por la trayectoria que todos tenemos. Muchas de las tocadas [salen porque] alguien se entera y nos dicen “hey, ¿qué onda?”. Por eso ha crecido tan pronto lo de la banda, porque hay un cimiento enorme que hemos construido con más de diez años que hemos tocado.

Willy: Ya no la regamos en lo mismo. Ya sabemos qué sí y qué no, entonces te vas a lo que es concreto y que va a dar un resultado. Está el hambre de hacer cosas de veras y con suerte encuentras a alguien más que también la tenga.

Adrián: Ya no estas para andar pendejeando.

Willy: “A ver si sale”.

Por cómo sus proyectos estaban entrando en fases de inactividad o se separaron, hubo un momento en el que esta decisión era inminente.
Willy: Claro, en mi caso, Gula lleva años ––es decir, hacemos cosas, maquetas y todo–– pero no hay esa chispa. Esa monotonía estaba atorada y esto lo reviví con estos güeyes. Me exigen ––tanto las rolas como ellos mismos–– de una manera positiva. Esto es volver a empezar con una base de errores superados. Es lo bueno, es concreto.

Adrián: Lo veo como la transformación de tantas cosas y tantas bandas. Si lo quieres hacer encuentras el momento y es satisfactorio. Más para mi y para Willy que y somos padres, es algo que no voy a dejar de hacer. Queremos que nuestros hijos también crezcan involucrados en todo lo que estamos haciendo.

Jerry: También en otras cosas, como la rola con Caver de Disidente. Una vez estaba Normand con su food truck y se acerca Caver, se ponen a echar las cheves, le pone unas canciones y le dice “¡ah está perro! Déjame cantar, vato” y ese güey se echó la rola.

Adrián: Son estas colaboraciones chidas que salen del mero corazón y no tanto buscar la colaboración que más me funcione para las redes sociales.

Ya es otro tipo de química, llevaban años la mayoría de ustedes en bandas con las mismas personas. ¿Qué tal es armar una tocada a esta altura de la vida con amigos con los que no han pasado tanto tiempo en este plan?
Adrián: Le agrega a la aventura. Además, los conozco de tantos años que es como muy familiar.

¿Cómo ha sido para ustedes tocar en un momento en el que la escena en la que alguna vez tocaron hoy ya no es tan grande como antes?
Willy: En realidad, no es algo que haya sido planeado. Jerry y Normand formaron una banda saliera lo que saliera. Salió de esta manera y quién sabe qué pase mañana, lo que nosotros queremos es tocar.

Adrián: Yo estuve muy involucrado en ese pedo de lxs Grises y personalmente sentí ese pedo muy cabrón, dejé de tocar un año. Siento que es ese apretón de tuerca que se da en la música cada cinco años. Algunos pueden seguir, algunos tienen que trabajar y no pueden seguir, algunos cambian sus motivaciones o sus vidas cambiaron. Ahora es otro apretón de tuerca, habrá nuevas cosas y nuevas bandas, pero creo que puedo hablar por todos al decir que es nuestro deber con la música es seguir por siempre de una manera u otra.

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Franco Saglietti es uno de los grandes talentos de la nueva ola de artistas argentinos que llegaron a renovar una de las escenas más vibrantes de Latinoamérica. Este cordobés de 30 años ha consolidado una obra brillante y conmovedora al frente de Francisca y Les Exploradores, una propuesta en la que, a lo largo de cuatro discos, ha dejado volar por todo lo alto a su alter ego Francisca.

Publicado a fines de septiembre, su cuarto disco Hermafrodita es un álbum hermoso producido por el rosarino Gonzalo Aloras y grabado en los estudios Panoram en la Ciudad de México. A lo largo de sus ocho canciones, Franco muestra toda su sensibilidad en un sonido que moderniza la herencia del rock argentino con una impronta propia en la que el uso de máquinas y coqueteos con la electrónica ponen el sello personal.

Con motivo del lanzamiento de Hermafrodita visité a Franco en su departamento en el barrio bonaerense de Villa Urquiza, para que me contara la historia detrás de este excelente disco, un relato lleno de magia y arte con su cuota de dramatismo.

Franco me recibió sonriente y con un café, mientras su gato Koquimbo merodeaba por la sala. Es un tipo tan cálido que te hace sentir que lo conoces de toda la vida, y tan hospitalario que es inevitable sentir que su casa es tu casa.

Cuando empiezo a grabar la entrevista, lo primero que digo es “Estoy con Franco Saglietti de Francisca y los Exploradores”, y Franco me interrumpe diciendo con una sonrisa pícara, “Les Exploradores… Jejeje”. Un cambio de una sola letra en el nombre del proyecto que dice todo sobre cuánto significan para él la identidad de género, la inclusividad y el movimiento feminista, pero también la sutileza y el ingenio.

NOISEY: Quizá sea una obviedad lo que te voy a preguntar pero, ¿por qué le pusiste Hermafrodita al nuevo disco?
Franco Saglietti: La mayoría de mis discos encontraron el título al final. En este lo supe antes de tener las canciones. Al principio me atrapó la palabra. Soy como coleccionista de palabras y la fonética y el significado poco claro que tiene esa palabra me llamó mucho la atención. En el imaginario de la banda ya veníamos jugando un poco con esto, porque está Francisca, y el primer disco se llamo Barbuda. Siempre había algo ahí entre la mujer y el hombre que me gusta desdibujar; entonces cuando salió esa palabra me llegó fuerte. Sabía que era un ser que tiene ambos genitales. También recordé del colegio que las plantas hermafroditas pueden reproducirse ellas mismas.

Ahí empezó a dar vueltas el concepto. Después me metí a Wikipedia para ver qué era lo que significaba y leí que Hermafrodita o Hermafrodito era el hijo de Hermes y Afrodita, que era un ser precioso y en una vuelta se mete al río, el río se enamora de él, se lo tragó y se forma uno con el río. Está toda esa poesía dando vueltas desde los griegos que me llamó mucho la atención. Luego cuando estábamos trabajando el concepto de la tapa con Nora Lezano, lo que yo trataba de bajar era la idea de un ente en donde se unen todas estas dualidades con las que tenemos que convivir todo el tiempo: la luz y la sombra, la mentira y la verdad, el bien y el mal. Yo sentía que este ser hermafrodita era la unión de todas esas cosas en un equilibrio sublime.

Además es como que te vuelves un abanderado de la lucha feminista que tanto admiras.
Abanderado me queda grande. Abanderadas son las chicas. El movimiento feminista me inspira muchísimo y me acompañó durante este proceso.

Pero hay gestos como cambiar el nombre del proyecto de Los a Les Exploradores que no son menores. Es una sola letra que dice mucho.
Los machistas me piden que le vuelva a poner el nombre antiguo a la banda. ¡Cosas absurdas que no podés creer! Pero también hay chicas que interpretan que soy un oportunista y que me cuelgo del feminismo. Yo me di cuenta que sí estaba siendo oportunista y que la oportunidad era una revolución transversal sin cabeza que lucha por la igualdad y me parece bastante absurdo no subirme a eso y no aprovechar esa oportunidad, porque en mis 30 años de vida nunca vi una revolución así que busque replantear el sistema inclusive desde el lenguaje.

Siento que cuando suceden esta clase de situaciones tan picantes uno se ve un poco obligado a tomar postura. El neutral para mí sería en este caso una postura de seguir avalando todo lo viejo que no nos gusta. Si te quedas al medio ya estás jugando para alguno de los dos equipos que para mí es el enemigo. Después podés tomar partido por la Iglesia, el machismo y el poder organizado, o podés conmoverte con un montón de pibas que, en nombre de una idea preciosa, salen a la plaza sin violencia. Entonces a la hora de tomar postura me parece muy claro cual es mi lugar. Traté de interiorizarme y siempre estoy dispuesto a que las chicas me expliquen de qué se trata, porque la verdad es que día a día tenemos que reinventar eso porque te vas dando cuenta de cosas que estaban súper establecidas y que si no viene alguien y te las dice, no te das cuenta.

¿Cuándo compusiste las canciones de Hermafrodita?
Todas las canciones fueron hechas para este disco. Una vez que terminé Franco y salimos de gira, empezaron a bajar. Fueron dos años de gira larguísimos y las canciones, más que todo, nacieron viajando o descansando de la gira aquí en casa.

Es interesante el sonido de este disco. Se siente la esencia del rock argentino que tanto te ha influenciado, pero a la vez hay cosas retro y el uso de máquinas que le dan un sonido moderno. ¿Qué discos tuviste de referencia a la hora de hacer Hermafrodita?
Creo que todo eso que sentís del rock nacional está en la esencia de las canciones porque es la música que a mí me marcó, y si yo te toco la canción con la guitarra vas a sentir eso mismo. Lo que no vas a sentir es la parte moderna y más sofisticada de la instrumentación, que fue una búsqueda concreta que guió el productor Gonzalo Aloras. Yo vengo flasheando con las máquinas, los samplers, los sintetizadores y la electrónica desde hace tiempo, y Gonza tiene una apertura a ese tema desde hace mucho y fue una de las cosas por las que lo busqué.

Por otro lado, teníamos la banda con la que venimos tocando desde hace tiempo en donde el baterista y el guitarrista son dos chabones que vienen del rock clásico, y el bajista Kevin viene más de la electrónica. Entonces se fueron mezclando distintos ingredientes para formar esta receta. El disco del que más nos influenciamos a nivel sonido fue American Dream de LCD Soundsystem, una banda que no conocía hasta este disco y que me partió la cabeza desde que le di play hace un año. Me encantó ese sonido, las estructuras largas no tan canción, más la banda trabajando como si fuese un DJ de electrónica. Se lo mostré a los chicos y siempre fue como un refugio. Después por suerte el disco te sale algo que nada que ver.

¿Y alguna influencia argentina específicamente?
Esas influencias las vas a encontrar siempre. A mí me atravesó la lírica de Calamaro, de Charly, las imágenes que te podían plantear Fito o Spinetta, la mezcla de rock y electrónica de Cerati…. Me acuerdo que me regalaron Siempre es Hoy en vinilo y lo estuve escuchando mucho también, me parecía fabuloso. Todo eso está ahí. Es como una sopa que se está haciendo durante años y vos sacás una ollita para un disco y eso se sigue ahí mezclando y pones otros ingredientes: tus tristezas, tus alegrías, tus recuerdos, nuevas aventuras y la presión de la discográfica y un poco de presupuesto, y va mutando todo.

¿Por qué buscaste a Gonzalo Aloras para que fuera el productor?
Con Gonza trabajé mucho. Fui músico de él dos años. Grabó en Barbuda y en Franco y ahora lo llamé como productor por todas estas cuestiones. Es un chabón super versátil que tiene muchísima experiencia, que entiende muy bien la tradición del rock nacional y a la vez está super ávido de aprender nuevas tecnologías. Es un gran guitarrista, un gran productor, ya conocía la banda, y entonces como es amigo, me cerraba por todos lados. Fue una gran decisión, cuando lo elegí a él me aliviano un montón porque necesitaba alguien que viera las canciones desde afuera. Tenía dos años de trabajarlas, habíamos ido una semana entera al estudio a maquetear todo y me parecía que era todo muy delirante: quedaba todo muy ecléctico y necesitaba alguien que pudiera trazar una linea ahí y hacer que todo eso tenga sentido. Me parece que lo encontró a la perfección.

¿Cómo fue la grabación?
Grabamos en México en Panoram, el estudio de Zoé. Lo grabamos en tres días, todos juntos adentro del room. Después un día, Gonza se metió a sobreescribir over dubs de arreglos y cositas en el Toy Factory, que es un subestudio de Panoram lleno de sintetizadores y juguetes. Las voces las grabé en Argentina con Ale Corvalán como coach y corista.

Es muy interesante el protagonismo que tiene la voz en el disco.
Eso fue una decisión de mezcla. Estoy muy contento con las letras y me gustaba hacer hincapié ahí. Francisca siempre se basó en eso. Yo no soy como otros artistas que traen la música y hacen la letra en el estudio. Para mí el momento de inspiración es cuando está la letra, es el momento clave, cuando tengo eso digo "Hay una canción". Hasta ahí pueden ser interludios musicales eternos que quedan tirados en el teléfono. Desde ahí me parece que tenia sentido que la voz tuviera protagonismo. Hernan Segret mezcló el disco. El disco se tuvo que mezclar dos veces porque hicimos una primera mezcla en México que no me gustó. Eso para mí fue la situación más traumática de todo este proceso, que fue hermoso durante dos años y el último mes fue lo peor que me pasó en la vida.

Wow, debió ser dramático ese momento.
Sí, teníamos el lanzamiento ya preparado y cuando me mandan el último máster, me pareció lo peor. Me agarró ataque de pánico ¡Todo un desastre! Decidí hacer la mezcla de nuevo. Esta vez quería estar en la mezcla. Yo entiendo que es difícil mezclar a la distancia, pero yo tenía que sacar el disco mañana y era un desastre, no me gustaba. La mezcla es muy determinante en un disco, así que lo agarré de nuevo y se lo llevé a Hernán, que ya nos había mezclado un disco. Además él trabajó en todos los discos de Francisca, en general como bajista, y es medio mi hermano mayor. Él agarró el disco y sacó estas mezclas divinas, y la decisión de poner la voz en ese lugar fue suya.

***

1. "La señal"

Franco: Esa canción la hice acá parado en el balcón de mi casa viendo ese edificio que está ahí con la pared toda blanca. La canción empieza diciendo “Pintemos un mural grande en el edificio rosa para mirar detrás del precipicio”, y ahí empezó “Sube, se eleva, espera”, y yo no sabía qué esperaba, y miro a la izquierda y estaba esa antena gigante que está allá y digo, “¿Que espera? ¡La señal”, Ese es un ejemplo claro de lo que te dije antes. Esa imagen fue algo que vi durante cinco años acá en mi casa y un día esa pared y esa antena tuvieron sentido ¡Magia absoluta! Y después me acuerdo que no podía con la siguiente estrofa, salí al balcón, seguía tocando la guitarra y acá a una cuadra pasa el tren y empiezo a sentir el tren y digo, “¡Listo! ¡Adentro”… “Despierta, el tren pasa por la ciudad temprano”.

No suelo hacer la canciones para contar algo. Me siento como un canal, y al funcionar como canal, estoy escribiendo cosas que no sé bien por qué y dos años después entiendo las letras. Con "La señal" me pasó que creía que estaba hablando de esto, y un día me di cuenta que, en realidad, estaba hablando sobre la suerte y la oportunidad que te pasa una vez en la vida y te subís a eso. Me pasó que cuando estaba en pleno ataque de pánico por haber recibido el máster que no me gustaba estaba en el campo y el disco ya iba a salir en Spotify. Yo estaba sin señal tratando de hablar con los del sello diciendo que ese disco no iba y lo iba a hacer todo de nuevo. En ese momento, la señal era yo tratando de recibir la señal para cancelar la salida del disco. Se resignifica. Ahí es que me doy cuenta que una canción estaba buena cuando cierra el sentido desde otro lado y todas las palabras funcionan.

Esa canción la hice con la guitarra, la armonía estaba cerca de lo que quedó, pero un día en el estudio llegó Gonza y agarró el sintetizador, y él que es un músico de la hostia, en dos o tres vueltas resignificó la armonía y quedó. La base de todo el tema la hice con mi sampler que en realidad era una joda para otro tema y empecé a cantarle encima y cuadró perfecto. El final épico salió en el estudio después de haber grabado el tema por idea de Gonzalo.

2. "Cuentagotas"

Franco: Fue la última canción que se hizo para el disco. Gonzalo me dijo que necesitaba un tema uptempo. Ya habíamos terminado la preproducción y yo me quedé en el campo un día más con mi chica Lauri, mi compañera con la que vivimos hace cinco o seis años aquí, y pensando en nuestro gatito Koquimbo imaginé la situación esa de una mascota queriendo salir a la calle pero la lluvia no lo deja. Todo eso de que las mascotas están todo el día durmiendo tirados por ahí, “Bailan las hojas”,“Sueña las cosas”, y después dice, “cuenta gotas esperando que el sol quiera salir”, cuando en realidad él es el que quiere salir y la lluvia no lo deja. Una imagen muy simple, la lluvia y una mascota viendo la lluvia, me parece sublime por donde lo mires, eso le dio vida a esa canción. Las mascotas tienen una pureza hermosa.

3. "El asesino"

Franco: Salió una vez que me peleé con mi chica y yo me sentí como el asesino de nuestro amor, ese fue el disparador. La hice acá en casa. Me metí en la cocina a fumar y la foto del invierno del mar estaba pegada en la heladera. No era un reggae. Eso fue idea de un amigo, cuando ya teníamos ese flow salió como referencia Sunshine Reggae y de ahí robamos mucho porque me gusta esa alegría. Siempre sentí que era el hit del disco. Después como siempre, termina no siendo así; aunque para mí sí tiene un poco de radio. Tiene mucho de la impronta de Andrés Calamaro que es un artista que descubrí a fondo hace no mucho tiempo porque a mi novia le gusta mucho y lo empecé a escuchar. Me encantó su poesía cotidiana y esa simpleza a nivel de expresión: siempre usa palabras que usamos todos los días y no por eso pierde vuelo. Eso me pareció muy atractivo y traté de simplificar un poco mi poesía y decir las cosas más directo. Así salió "El asesino". Me gusta, creo que es una linda canción.

4. "Villa Urquiza" con Fito Páez

Franco: La compuse junto a mi novia Laura. Estábamos de gira en Suiza donde le abrí un show a Julieta Venegas, una suerte absoluta. Nunca había estado en Suiza y la verdad no creo que vuelva a ir, pero la vida y la música me llevaron en ese momento. Estábamos caminando juntos por ahí flasheando, el clima era como Buenos Aires en primavera, extrañábamos mucho nuestro barrio y empezó a salir esa canción. Recuerdo que desde las primeras veces que tarareamos el tema ya sentíamos la voz de Fito. Eso quedo ahí.

Un año después grabo el tema y un día antes de mandar a masterizar la segunda mezcla para cerrar el disco, me llega un audio de WhastApp de Fito diciéndome que quería participar en la canción. Yo no se la había mandado. Fue un amigo cordobés que es amigo de su novia que le hizo llegar el tema. A ella le gustó, se lo mostró a Fito y a él le gustó ¡Todo con una sincronía tremenda!, porque si no hubiera pasado lo de la doble mezcla, el disco hubiera salido antes de la colaboración de Fito. Podés planear todo lo que quieras pero el destino tiene cosas mejores para darte.

¿Y ya conocías a Fito?
Yo había visto a Fito una sola vez porque dos meses antes había estado en el cumpleaños de su novia. Pero él ese día tenía migraña, se fue a dormir temprano y solo nos saludamos. Después cuando acepta, nos juntamos a grabar a la semana. Yo me quedé dormido, me agarra el tráfico y llego una hora tarde a la sesión. Me dio una desesperación que me sentía el más pelotudo de América. Pensaba “Fito está por grabar en un tema mío y yo estoy llegando tarde a la sesión. El chabón si quiere se va y yo me pierdo la oportunidad de mi vida”. Por suerte llegué y estaba él en el estudio con la letra tomando anotaciones, lo abracé por atrás, le dije “Gordo perdonáme, soy un pendejo forro, ¿cómo voy a llegar tarde?”, y me mira y me dice, “Rock n' roll, nene”. Me derretí y nos pusimos a trabajar tres horas en el estudio. Él modificó un poco la letra, se metió a cantar y lo dejó todo. Sus gritos al final, parece que está terminando un show en River. Además le sacó el bajo a la canción y empezó a armar unas armonías nuevas para el final, agregó un estribillo… Se entregó a la canción. Un profesional de la hostia súper entusiasmado, como si fuera la primera vez que va a un estudio. Un regalo de la música absoluto, hermoso por donde lo mires.

5. "Plaza Italia"

Franco: Es mi canción favorita del disco. Para mí es una oda a la amistad. Me acuerdo perfectamente el día cuando fue creada. Estábamos ensayando frente al jardín botánico en Plaza Italia en la casa de uno de los integrantes de la banda, que ahora está viviendo en Londres. Estábamos en una terraza hermosa y decidimos subir al tanque de agua. El sol tenía un naranja muy especial, estábamos fumando un porro. Para mí fue muy especial el olor de esa tarde, el sol, nosotros en la terraza, esa imagen me quedó marcada, el olor a jazmín. La canción bajó solita de una… Las mejores canciones que tengo salieron así, casi no hice un trabajo, bajan… Te juro que bajó desde otro lado.

6. "El invierno"

Franco: Es una de las canciones más hiteras del disco y no me lo esperaba. El video está muy bueno, lo hicieron las chicas de Tormenta Estudio con muy poco presupuesto y en dos días se hicieron ese videazo. La hice en colaboración con un cantautor de Balcarce que me gusta mucho que se llama Nicotina. Yo tenía la primera parte, que la había hecho en el campo donde preproducimos una noche que estaba medio solo y sentía que me estaba volviendo loco. Yo hice “El invierno esta por llegar, con el frío la soledad se mete por la casa. No tengo a donde ir, si cierro la ventana ya no podré salir”. Hasta ahí tenía yo y le muestro eso a Nico, y él estaba sentado ahí en el sillón y me dice, “Yo ayer estaba boludenado con un amigo y era algo así como 'estoy persiguiéndome hay un loquito mirándome'", y empecé a tocar los mismos acordes con los que había hecho la primera parte y entraba a la perfección. Esa complicidad a nivel compositivo no la tengo con casi nadie. Nico es un chabón que admiro mucho y ese día sentí que éramos Lennon y McCartney: Que vino uno y trajo un pedacito que está más o menos bueno, y viene otro y le pone un zarpado estribillo arriba y es tremendo.

7. "Tres deseos"

Franco: Fue la única canción que compuse en piano. Yo no sé tocar mucho, son acordes muy simples que yo ni sabía que estaba haciendo en ese momento. Simplemente salió esa secuencia y empezó a bajar la letra. Siento que la lírica también tiene muchísima influencia de todo mí flash Calamaro. Es una letra que me encanta, que todavía no termino de entender pero está ahí. La escribí sin pensar y quizás más adelante algo me diga, “Era por esto la canción”. Para mí es la blandita más deep del disco y tiene una impronta re Francisca que vengo trabajando desde hace mucho en los otros álbumes: pocos elementos, la voz muy al frente y toda la instrumentación trabajando alrededor de eso.

8. "Tan fuerte"

Franco: Es la primera canción que hice para este disco hace dos o tres años. Recuerdo que ese día llovía infinito. Fue el primer 8M. Todos los 8 de marzo el feminismo tiene ese día bastante marcado y recuerdo que esa era la primera vez. Laura se juntó con sus amigas en casa y de aquí se fueron. A mí me llamó mucho la atención la energía que veía entre ellas: un aire de fuerza y vitalidad, un ingrediente clave para cualquier revolución, esa fraternidad que te dice “Vamos en esta”, trabajo en equipo, mucha gente dedicada a una idea, un acto colectivo en sí mismo casi como la música. Me acuerdo que yo no iba a ir a la marcha, pero me conmovió mucho toda esa energía que se respiraba y que se fueran bajo la lluvia hasta el centro para mojarse, solo por defender una idea, me parecía precioso. Y me quede acá y la canción bajó derechita.

Esa canción tiene potencial de himno feminista.
Creo que sería un himno feminista si lo hubiera compuesto y lo cantara una chica. Ya me metí yo al medio y por más que sea Francisca quien cante no creo que tenga ese efecto. A mí el feminismo me inspiró y sin demasiado prejuicio largué esa canción al universo para que la tome el que quiera.

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¿Cómo sería una reseña de Warhol sobre obras de Basquiat? ¿Cómo sería ver a Nirvana hablando de un disco de Pearl Jam? De hecho, ¿qué diría La Etnia del trabajo de Gotas de Rap? Pues este es el ejercicio que desde Noisey queremos comenzar a plantearle a las bandas de un mismo circuito o escena: ¿qué opinan del otro?

Para comenzar con esto sentamos a dos bandas bogotanas próximas a presentarse en el Festival Hermoso Ruido que han movido la escena local de rock: Quemarlo Todo Por Error (Q.T.P.E.) y Stallone.

Por un lado, con un recorrido de 2 años en la escena rola, está Q.T.P.E. Una banda que busca la experimentación en las melodías de sus guitarras y bajos, con una batería a veces estática y una voz filtrada que pone su sonido en una especie de math rock existencial.

En el otro, con algo más de 3 años de trayectoria en la capital, pero con una visibilidad creciente en el último año, aparece Stallone. Una banda de tres mujeres y un hombre que hacen lo-fi underwater surf con vocales arrulladoras que juegan entre lo oscuro, lo nostálgico, el sinsentido y la hipnosis mediante sus melodías pegajosas con un sonido garajero crudo.

Bienvenidos a la primera versión de Banda Reseñando Banda: Q.T.P.E. x Stallone

Stallone según Q.T.P.E.

Género: Lo-fi underwater surf.

Lugar: Bogotá.

Integrantes: Santiago, David, Juan Pablo y Juan Felipe.

Tres chicas y un batero que suenan a Sonic Youth, Warpaint y Explosions in The Sky. Pueden acercarse a lo que pasaba en el Seattle de los 90 con esas melodías que te hacen sentir nostálgico, ansioso y enérgico en medio de una ciudad enorme en la noche con muchas luces a tu alrededor. Sin duda alguna esos pasajes instrumentales que parecen no acabar y poco a poco van sumergiéndonos en su onda son lo mejor.

Sin embargo, no está demás echarse un chistesito en el escenario. Tienen que sacar mucha música porque son bien talentosas y de vez en cuando cantar en español. Stallone se merece un 10 porque son unas tesas. Deberían escuchar su canción “For A Walk”, porque en 4 frases dicen todo lo que deberíamos aprender de la vida: "si quieres conocerme mejor, llévame a caminar, si quieres saber realmente quién soy, no trates de tener las cosas bajo tu control”.

Q.T.P.E. según Stallone

Género: Emo math rock.

Lugar: Bogotá.

Integrantes: Paula, María Mercedes, Alejandra y Juan Carlos.

Ellos suenan a bandas emo un poco más alternativas con tintes de math rock; por ejemplo The Wake, Foals, pero con algo de Las Ligas Menores o Perras On The Beach. Escuchándolos puedes sentirte en una ciudad fría y grande, en algún bus triste, o bien en las montañas apartadas y solitarias. Eso sí, con un porro en la mano mientras sufres una ataque cardíaco debido a una excesiva ternura depresiva o demasiada nostalgia feliz.

Lo que más nos gusta es esa sencillez de sus canciones que muestran honestidad y transparencia mientras imprimen sus emociones a base de un toque lo-fi y el tapping en casi todo. Sin embargo, deberían no solo hablar de amor e intentar un sonido menos lo-fi, aunque con tiempo irán conociéndose más. Cuando tengan la de 'lucas' (dinero) serán los más hijueputas del universo y cuando sampleen a Michael Jackson.

Se llevan un 8,5 y deberían escuchar “Imaginaria”, “El Tiempo Perdido”, “Creerse Su Propia Mentira” y “Ey Nena”, que por cierto, deberían dedicarnosla a alguna de nosotras.

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Stallone se estará presentando el sábado 26 de Octubre en Bogaloop a las 10 de la noche, siganlas por acá . QTPE se presentará el do 27 de Octubre en el Auditorio Lumiere a las 10 de la noche, siganlos por acá.

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“Vas a quemar las carreteras, arranca sin miedo tu viejo motor, nunca querrás volver”, vocifera Draco Rosa para romper, nuevamente, con sus ocho años de silencio. La frase, incendiaria y melancólica, es un verso de su tercer sencillo titulado “Dentro de Ti” que se desprende de su próximo álbum Monte Sagrado, el cual verá la luz el próximo viernes 26 de octubre. Antes de esto, su última placa fue Amor Vincit Omnia en el 2010, un álbum más acústico y con menos revoluciones, pero también encerrado en un aura mística.

Aunque el silencio parece largo, en los últimos años hemos vuelto a tener actividad del puertorriqueño con shows como el aniversario número 20 de su disco Vagabundo en Rock Al Parque y el Festival Pal' Norte. También con Lo Sagrado y Lo Maldito, un show doble que dio en Colombia y Puerto Rico en donde presentaba su etapa más oscura un día y su etapa más sublime en otro.

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De todas maneras, antes de que estuviera resonando otra vez tuvo diferentes percances. Fue diagnosticado de linfoma no hodgkin, un cáncer en la sangre del cual pudo recuperarse al internarse en su finca en Puerto Rico a tratamientos dolorosos y extensos. Posterior a esto, su apartado espiritual en las montañas de la isla, fue afectado por el huracán María y desde entonces decidió convertir ese lugar en un rústico centro médico para apoyar a la población afectada con medicamentos y albergue.

Este espacio en las montañas de Utuado, Puerto Rico, es ese Monte Sagrado al cual Draco Rosa trata de regresar después de caminar por el mundo como un vagabundo. Allí, cerca a su finca, hay un parque ceremonial que le traía una paz espiritual al cual quiere devolver el favor. Su ofrenda: toda esta nueva música. Para Draco, este disco “rendirá homenaje a ese espacio de fuerte energía”, que le hizo el camino más llevadero.

En este tercer sencillo “Dentro de Ti”, emplea una aura oscura del stoner rock y una distorsión en las cuerdas para hacerse dueño de su cuerpo, de su historia y su futuro. Además, busca convertirse en la misma piedra que representaban otras personas que sostuvieron su vida durante los momentos más difíciles. Sin duda alguna es una descarga de desconcierto con dios y reencuentro con su yo.

Si quieres escuchar este tercer sencillo, en exclusiva por Noisey, ponle play aquí abajo:

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Hoy los herederos de Lil Peep lanzaron "Cry Alone", el primer sencillo del primer proyecto póstumo del rapero emo fallecido a principios del año, Come Over When You're Sober Pt. 2. Dirigido por Max Beck y producido por Mezzy, el video de "Cry Alone" está lleno de flashazos de Peep con enorme oso de peluche.

"Peep y yo grabamos 'Cry Alone' en mayo de 2017", dijo Beck en un comunicado de prensa. "Originalmente pensó que iba a ser una canción incluida en COWYS1, pero terminó encajando mejor en COWYS2, lo que inevitablemente pospuso el lanzamiento del video". Según Beck, el video es el resultado de un severo munchies de McDonalds en la noche. La lucha es real ahí fuera.

El mes pasado, los seguidores de Lil Peep pudieron escuchar "Falling Down", una nueva canción del difunto rapero, que tiene a XXXTentacion como invitado, hecho que causó cierta preocupación entre sus amigos y antiguos colaboradores. Parece que es track polémico no aparecerá en el álbum, al menos de acuerdo al tracklist del álbum, que puedes leer abajo.

1. Broken Smile (My All)
2. Runaway
3. Sex with My Ex
4. Cry Alone
5. Leanin’
6. 16 Lines
7. Life is Beautiful
8. Hate Me
9. IDGAF
10. White Girl
11. Fingers

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Para la gente de Monterrey, Saltillo y esa zona del norte de México que forma parte de la comunidad hip hop o solo son entusiastas del talento local, el nombre de Eternal lleva algunos años de formar parte de las abultadas filas de artistas buscando brillar en el siempre jabonoso juego del erre a pe. Eternal es una netlabel fundada por Kenghis y es uno de los proyectos regios cercanos a Trono Norte y la clicka de Trono Mob, tanto en edad, propuesta estética e incluso en colaboraciones que han hecho en el pasado.

Ahora Dardd Y Kenghis, quienes rifan en Eternal desde como 2014, se juntaron con el beatmaker y productor Akuwashere alias Aku, también de Eternal, y desde noviembre del año pasado se pusieron a trabajar en una serie de canciones que finalmente presentaron la semana pasada bajo el futurista, metálico y amanecido nombre de Plasma Nights. Tanto el disco como el proyecto se llaman así, y es el único proyecto nuevo surgido en la escena independiente mexicana que, en vez de dialogar con los ritmos del trap de Atlanta, voltea a ver al UK Garage, en uno de los más elegantes y mejor hechos discos de música urbana para el 2018 en territorio nacionarc.

El uso de una especie de vocoder al principio de varios de los tracks se acerca más a un rugido de gárgola atrapada en la roca que al típico chirrido de fiesta autotunero en abuso actualmente. Como ángeles medievales actualizados para rezar desde una pantalla de plasma, en una noche de plasma, en un romance otro tanto. Y aunque las letras siguen ese evangelio materialista y son sencillas fábulas de adolescentes capitalistas (ey, son regios mis gs), el trato es educado, y totalmente pensado para coincidir con la propuesta musical de coches a toda velocidad en la frugalidad de la noche.

Plasma Nights se presentan este jueves 18 de octubre en el Hip Hop League MX Festival en Querétaro y mañana viernes 19 de octubre presentan el proyecto en Ciudad de México y la entrada es gratis. Sígueles la pista por acá y escucha abajo el disco en YouTube. También puedes escucharlo en Spotify.

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Gop Tun, The Bunker New York, Berlin Atonal, Dekmantel o el mismo Ostgut Ton. Todos los anteriores son claros ejemplos de promotores, colectivos o gestores culturales del actual escenario electrónico, nombres que comenzaron a labrar su camino en la industria mediante la realización de eventos de techno, house, electro y demás vertientes que ofrece el paisaje musical.

Tiempo después, lograron plasmar su amor por la música en un aspecto físico, dándole vida a sellos y canales de distribución propios, con los cuales alimentan y dejan huella en una escena cambiante, pero que logra perdurar a modo de casetes, CDs y vinilos de 12".

Este es el caso del colectivo colombiano Move, uno de los promotores referentes y actores más activos del circuito electrónico latinoamericano. Tras cinco años de eventos en la ciudad de Medellín, presentando actos de la talla de Robert Hood, DJ Stingray, DVS1 y Function, Move ha querido enaltecer su premisa de querer y amar la música en su sinfín de posibilidades. Es así como nace Origen, el primer vinilo del colectivo y una muestra fidedigna del amplio espectro sónico que compone su propuesta.

Black Propaganda, Retrograde Youth, Merino y Blotketch, cada uno perteneciente a las filas de Move, son los encargados de producir los cuatro temas que componen el disco. Navegando por una diversa paleta de sonidos, de la cual se desprenden sintes celestiales y trazos de techno mental, Origen nos muestra todo el poderío creativo que se está gestando en la llamada ciudad de la eterna primavera de Colombia.

La primera referencia del sello de Move estará disponible a partir del próximo 5 de noviembre. Para conocer un poco más acerca de esta nueva propuesta física, hablamos con Santiago Merino, integrante del colectivo Move.

¿Cuándo y por qué le nació a Move la idea de crear un sello?

Siempre hemos tenido esa idea de editar nuestra música. Iniciamos dándole un espacio a nuestros artistas con los podcasts y luego, a inicios de 2016, empezamos a producir CDs limitados con estos mixes especiales. Ahí creo que fue donde nos dimos cuenta que queríamos lograr el sello de Move en un formato físico, lo cual hasta ahora logramos materializar.

¿Qué planes tienen con el sello?

Básicamente, el sello lo creamos para editar nuestra música. Muchos de nosotros estamos siempre haciendo música, explorando estilos y probando cosas que quizás no encontramos dónde editarlas. Con un sello propio no tenemos que pensar en dónde editar, porque siempre vamos a tener esa casa que confía en lo que hacemos. Por ahora vamos a enfocarnos en nuestro roster de artistas y quizás contemos con algunos invitados que son parte de la familia.

Por cierto, el disco inicial es un VA muy bonito que hace referencia a ese momento de Origen –nombre que también ha sido usado para nuestros eventos con artistas locales– del colectivo en el Parque del Poblado, que logramos plasmar en el arte del disco. En Colombia tendremos una edición limitada del vinilo.

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Sean Bowie bajo su alias Yves Tumor está viviendo su momento y siendo aclamado por la crítica, haciendo música que bien podría pasar de un beat sobre el que Kendrick Lamar haga un rap, y al siguiente acto un apocalipsis distópico cyberpunk con el villano metálico de la saga a punto de ser derrotado. Esto, a propósito de Safe in the Hands of Love, su primer material desde que firmó con WARP––uno de los sellos independientes más legítimos en lo que refiere a la música electrónica mundial––y anteriormente lanzó música vía PAN de Berlín.

Por otro lado, dicen que en sus actos en vivo apela a nuestro lado más primitivo, al sonido industrial y al techno salvaje, aunque se agradecería escuchar esas bonitas canciones poperas de su nuevo disco de vez en vez entre una canción y otra. El descanso entre la tensión siempre puede ser desconcertante, pero Yves Tumor parece ser un maestro para ir fácilmente de una situación musical a otra, tan camaleónico como el aspecto visual que proyecta de su persona.

Este viernes 19 de octubre se llevará a cabo el NANO MUTEK dentro del marco de su quinceavo aniversario dedicado a la música de vanguardia y arte digitales; un evento en formato íntimo rumbo a MUTEK México 2018 con Yves Tumor como acto principal, acompañado en el cartel por Transgresorcorrupto y AMNL PRNT en una noche que promete agasajo sonoro en Galera, el nuevo lugar en la colonia Doctores de la Ciudad de México.

Da click en la siguiente imagen para mayor información:

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Artículo publicado originalmente por Noisey Canadá.

Hay dos verdades en la vida: todo es terrible cuando eres joven y la muerte es inevitable. Existir es difícil cuando eres adolescente y —probablemente— estúpido, cuando debes preocuparte por todas las cosas malas, confusas y horribles que ocurren en tu vida. Es inconveniente, sí, pero también es importante.

Big Mouth es una serie repugnante y genial que comprende esto y nos muestra lo horrible que fue (y sigue siendo) ser joven, especialmente al pasar por la pubertad. Eres asqueroso, demasiado sensible y todo apesta. Esta burda caricatura para adultos hace un mejor trabajo explicando el sexo, la pubertad y la gente que cualquier político o padre en la actualidad. ¡Que un monstruo hormonal pueda ser un mejor educador que un ser humano adulto es realmente sorprendente! (En el Salón de la Fama de los grandes íconos de la televisión, deberían estar presentes los monstruos hormonales Maury y Connie, interpretados por Nick Kroll y Maya Rudolph).

Esta segunda temporada nos trajo una canción de hace una década que captura tremendamente el dolor de la juventud: el éxito de Ida Maria, "Oh My God". Al final del segundo episodio, titulado "What Is It About Boobs", la emocionalmente destructiva y rebelde Jessi se prepara para enfrentar a su madre, antagónica y lista para pelear. Jessi grita, vocifera, y mantiene una conversación ansiosa y turbulenta, impulsada por sus hormonas. Cuando termina, se oye "Oh My God" de Maria, sin pausas, y Jessi se desploma en su cama con un profundo suspiro.

Es la canción ideal para que una adolescente pierda los estribos. "Oh, My God" se acelera y no se detiene. Es un pensamiento ansioso tras otro, con el que puede relacionarse cualquiera que haya sentido los contornos distintivos de una espiral. Es una canción honesta sobre el fracaso y no saber lo que uno debe o puede hacer. "¿Crees que soy el control? / ¡Oh, Dios mío!" Un diálogo interno, consciente de sí mismo, del que no estás al tanto durante tu etapa emocional de la juventud, pero que te gustaría estar escuchando de todos modos.

"Oh My God" es el sencillo y primera pista del álbum debut de Maria, Fortress Round My Heart, un disco que también retrata y encarna los dolores de crecer. Lanzado en 2008, el debut de la cantante noruega es un disco de rock cargado de emociones que, según la reseña de Pitchfork de 2008, está lleno de ira existencial. La voz y la estética de Maria poseen las huellas de los grandes del rock 'n' roll. Maria aúlla como Janis Joplin; nos brinda autoridad sexual a la Chrissie Hynde; y carraspea como Courtney Love. Maria es desenfrenada en su álbum, como todas estas mujeres, pero ella es singularmente su propia voz. Fortress Round My Heart tiene cierta semejanza con mujeres ruidosas y brillantes, pero la inyección de angustia existencial, frustración y vulnerabilidad de Maria es lo que la distingue tanto a ella como al disco, y la razón de que valga la pena volver a escucharlo 10 años después.

Escuchar Fortress Round My Heart es como revivir el espectro de emociones de ser joven. Un joven adolescente o un idiota de veintitantos, todos pueden identificarse. En vista de que tenía 20 años de edad cuando salió el disco, fue casi perfecto en mi situación. La oscura y estridente "I Like You So Much Better When You’re Naked", la urgente "Drive Away My Heart", pasando por la tierna y devastadora "Keep Me Warm". El debut de Maria es el retrato de un corazón desgastado cuyos extremos solo pueden existir en alguien tan joven.

Aunque la canción "Oh My God" salió hace más de 10 años, algunos de sus sentimientos se sienten tomados de la psique de hoy en día. La ansiedad no desaparece, ni tampoco sentirse pequeño y perdido. En todo caso, ambas sensaciones están exacerbadas en la actualidad. No tenemos control sobre nada y las noticias mundiales se vuelven más sombrías, nuestras turbulencias personales son igual de intensas, y nada parece tener sentido. Si bien se construye a través de una lente preadolescente, Big Mouth hace un buen trabajo al volver esas ansiedades risibles pero cercanas a nosotros. Sin embargo, la simple verdad universal es esta: siempre necesitarás una canción para desahogarte cuando la vida se sienta insoportable.

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Parece que Marilyn Manson siente que no hay suficientes juguetes sexuales temáticos en el mercado y, para remediarlo, acaba de lanzar un dildo bastante freaky a través de su tienda en línea, justo a tiempo para Halloween. El Marilyn Manson Official Double Cross Dildo & Bag es un consolador de silicona negro que cuenta con una base para bombeo. ¡Ah, y muestra la cara de Manson en la parte superior (¿la cabeza?) del dildo! En caso de que tuvieras dudas por la seguridad del producto, la tienda en línea señala que la pintura es segura para el medio ambiente y que la silicona con la que está fabricado el dildo es hipoalergénica. La pintura "puede desvanecerse con múltiples usos". Lol.

Manson anunció el producto vía Instagram, escribiendo "Supongo que esto es ... Halloween. #Dickortreat". Manson lanzó recientemente un nuevo álbum titulado Heaven Upside Down. Compra tu kit Marilyn Manson Official Double Cross Dildo & Bag aquí. Porque ¿por qué no, verdad?

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Future y Juice WRLD acaban de lanzar WRLD on Drugs, su nuevo disco en colaboración. WRLD on Drugs es el primer álbum de Future desde BEAST MODE 2 de julio y para Juice WRLD es su primer disco desde Goodbye & Good Riddance. Llegando a 16 tracks, WRLD on Drugs contiene el sencillo que habían dado a conocer como dúo, "Fine China". Escucha todo el proyecto a continuación:

Además de "Fine China", WRLD on Drugs, estilizado oficialmente como Future & Juice WRLD Present ... WRLD on Drugs, tiene colabos con Young Scooter, Young Thug, Lil Wayne, Yung Bans, Gunna y Nicki Minaj. Bonita dosis de trap pop de Atlanta con Auto-Tune para el alma.

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Uno de los MCs protagónicos del rap en español en esta década acaba de estrenar En vivo Madrid 2017, una de las pocas placas de rap en español grabadas en vivo y otro ejercicio impecable de meditación profunda por parte del venezolano. Acompañado por el trío de jazz de Barcelona, Big Menú, el concierto fue grabado en el Rock Palace de Madrid en junio del 2017, dentro del marco de la gira Le Tour de Fresco.

Los doce temas muestran versiones diferentes de algunos de sus temas más importantes, además de versiones directas y potentes, todo arreglado para la ocasión, con la voz de Marlon como antorcha en la noche y todo tipo de sampleos, incidentales, cinematográficos y musicales, dando al Jeet Kune Do de Fresco la atmósfera de cómic noir que le hacía falta. Hasta la portada del disco, con ese guiño al arte gráfico del bebop clásico, habla de la atención al detalle obsesiva que tiene Supa.

Para el final de la placa cuando suena "LUZ", la plegaria de Lou Fresco es el ojo de la aguja por el que pasa el universo para renovarse, y queda claro que, no solo por su energía y presencia en el mic, sino por las referencias puntuales en "Escupe", Lou es uno de los más claros herederos de Zack de la Rocha en la música popular actual. Por decir algo.

Otro capítulo en una de las sagas legendarias del rap en español, la grabación fue de German "Pato" Cruz y tuvo una mezcla y máster de Arnau Figueres. ¿Cuántas otras placas de rap latino en vivo conoces? No hay tantas. Dale play abajo a En vivo Madrid 2017 y espera el video, que circulan por las redes algunos teasers, así que seguro saca algo más en forma pronto. S/O al Dojo b.

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J Balvin, el astro colombiano del reggaetón, finalmente debutó en el tradicional show de Jimmy Kimmel. Allí, se presentó junto a sus queridos colegas Zion y Lennox para cantar uno de sus últimos éxitos: “No es justo”, que aparece en su álbum más reciente, Vibras. Con batería, un pad electrónico y DJ Pope en las tornas, Balvin deleitó a su público estadounidense; de hecho, hasta hizo el floss dance, uno de los pasos que más virales se han vuelto en la región durante su presentación.

Obvio, no podía faltar la foto con el excéntrico Guillermo, uno de los personajes más queridos del show.

Si quieres ver “No es justo” en el show de Jimmy Kimmel, aquí te lo dejamos:

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Dos de los actos de rap latino con mayor proyección internacional para 2018 acaban de unir fuerzas. El dúo bogotano Rap Bang Club se ha mantenido ocupado buena parte del año, estrenando constantemente música nueva, tanto en canciones y videos sueltos de alta calidfad pegajosa y candente, como en su sexy y lisérgicamente romántico EP Venus, donde viene su colabo con el venezolano 'Pella, quien parece que ha hecho una misión personal suya colaborar con raperos de todo el continente (después de que hace poco se diera a conocer su otra colabo con Go de Ciudad de México).

Por su lado, Gera MX es uno de los pocos actos de rap mexa que realmente ha perforado la pesada esfera del mercado local para colocarse como un acto netamente internacional, con un amplio público en el cono sur, y varias visitas a tocar a Colombia y Perú. Justo en uno de esos viajes a Bogotá presumimos que es cuando conectaron y de ahí surgió "BAUNZ", un ejercicio de rap atlético como temporada de patos y la escopeta cargada, encima de un beatcito de boom trap afilado para retozar con la manada.

Dale play arriba a esta colabo uniendo parceros con batillos al cienazo. "Un represent pa mi lado malandro".

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Vuelven y vuelven a nadar.

Sumergido en aguas tropicales de reggaetón, champeta y hip-hop endulzadas con swing electrónico y venenoso, aparece de nuevo Cero39, después de un largo silencio y un 2017 con presentación incluida en Glastonbury, entre otras banderas izadas en el viejo continente.

En esta ocasión, mezclados con el electro pop estelar de Soy Emilia, nos presentan “Dos Extraños”. Un house con cadencias tropicales que invita al coqueteo nocturno en medio de una fiesta en una playa inexplorada. Además, es un llamado a verse sin abrir los ojos y dejarse mover por el sentir en la piel del otro.

Sin embargo, hay una historia tétrica detrás de todo: un ser obsesionado con otro que no parará hasta seducirlo. Esa persona que en el club cree que puede hacer caer a su presa sin dificultad alguna, pero que solo produce asco.

Este es un track feliz y fiestero que con frases como “no más censura, más locura, yo te puedo hacer sentir bien” habla del delirio de grandeza del loco de la pista de baile. “Todo comenzó cuando me conocí con Fredo (una mitad de Cero39) en un momento en donde ambos necesitábamos un amigo con quien reír, parchar, despreocupados del mundo y escucharnos”, dice Emilia sobre cómo empezó este temón. La artista bogotana complementa diciendo que lo grabaron en una tarde de “muchos sintetizadores y chorros de locuras hermosas” que ocultan un mensaje encriptado.

Si quieres calentar tu viernes para salir a rumbear con Cero39 y Soy Emilia escucha “Dos Extraños” aquí abajo:

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Natalia García conocida como La Favi es una de las Femcees, artistas urbanas, traperas y nuevos talentos de la música urbana en España, engrosando las filas de La Vendición Records, el sello fundado por Yung Beef y una de las muchas voces femeninas dándole una diversidad al trap y el rap en España que no tenía antes. A propósito de la fiesta que sucede este sábado 20 de octubre en CDMX, le pedimos que nos mandara una lista de canciones y el resultado está bastante cumplidor, con canciones en varios registros, todas de alto vuelo perrón para darse grasa.

Dale play abajo a estas canciones para derretir la pista de baile, si estás en CDMX no te pierdas SUDA mañana 20 de octubre, y lee lo que nos dijo La Favi para acompañar a cada uno de los temas.

Daddy Yankee - "Dónde están las gatas"

¡Arriba todas las mujeres que nos identificamos con los gatos y los amamos! Esta fue una de las primeras canciones que súper pegaron; recuerdo bailarla en mi pueblo cuando estaba chiquita.

Don Omar con Daddy Yankee y Seguroski - "Gata Ganster"

Me gusta la canción; hay inclusión de distintos tipos de gatas. Amo la creatividad lingüística del barrio, ¡emblemática, los amo!

Héctor y Tito - "Felina"

Otra que prendía en las fiestas de menores. ¡Arriba las gatas y el video con las bailaoras de flamenco boricua romantic style, is classic!

Wisin y Yandel - "Amor por el teléfono"

Si no puedes o no quieres estar con una persona físicamente y la extrañas, puedes tener sexo por el teléfono.

Haze y La Hungara- "Porque"

Esta canción es muy bonita, siempre la escucho. El rap flamenco de esta era nunca morirá; me encanta la voz de la húngara. Qué dueto tan emblemático.

La Factoría - "Todavía"

Tema clásico de las quinceañeras, la base es muy clásica. La Factoría influyó mucho en toda la música afro panameña––que por lo que yo entiendo es de donde vienen muchos de los estilos de ahora.

Don Omar con Romeo - "Ella y Yo"

Tema emblemático de la infedelidad. Si no lo cantaste apasionadamente a los 7 años, no tuviste infancia.

Wisin y Yandel - "Raksta"

Tema con relevante contenido social que reclama, en un contexto pro mujer, querer satisfacer sus deseos. Si no cantaste "papi dame lo que quiero", tampoco tuviste infancia.

Rockell - "In a Dream"

Crecí con el freestyle de los noventa, era un género con mucha presencia de latinxs en Estados Unidos; y esta canción es muy bonita. Me gustan las canciones que hablan de sueños, siempre la escucho.

Lyzza- "Hypermania"

Me encanta Lyzza, la conocí cuando tuvimos un bolo juntas y ella pinchaba para la Zowi, es jovencita y también hace música. La admiro como artista, creo que llegará muy lejos.

Scrazy DJ con Nihtzian Zereth - "Contigo Quiero Estar"

Buena para estar depressed y pensar en la vida y en las personas con las cuales quieres estar pero no puedes, la recomiendo.

Tomasa Del Real x Deltatron - "Es de Noche"

Fue uno de los primeros temas que escuché de Tomasa, y Deltatron es súper lindo, me identifico con letra porque sin Internet también me muero.

Ivy Queen - "Te He Querido te he llorado"

Esta canción es eterna, y ella tan fuerte que también muestra su sensibilidad y su corazón. Ivy Queen fue una de las primeras artistas que vi en vivo, fue en un rave de reggaetón en el Cow Palace de San Francisco; afuera hubo un tiroteo después del show. Yo y mi amiga Stephanie nos escondimos en el mini van de mi madre porque nos había venido a buscar. Esa anécdota la menciono porque pienso en toda las cosas que ella como artista cantando y moviéndose en tantos barrios por el mundo tuvo que pasar, es muy querida pero ha tenido que afrontar lo que hacen las personas. Ven la imagen del éxito o la fama de un artista y muchas veces no piensan en todo lo que han tenido que afrontar para estar donde están. I love u Ivy.

R.K.M y Ken-Y - "Down"

Buen tema para cuando la vida te hace sentir down. RKM y Ken-Y me hacen sentir emocional con esos acordes del principio, luego empieza la base para motivarte a hacer algo con tu vida

Prezi - "Do Better"

El rap de San Francisco, la bahía, tiene mucha influencia en artistas como Drake y Tyga usan samples. En el Norte de California hay mucho talento, esta canción básicamente habla de confiar en personas en las cuales nunca lo debían haber hecho en vez de escuchar a su mamá, así que tiene buen mensaje, escuchen los consejos de sus madres.

The Jacka y Andre Nickatina - "Glamorous Lifestyle"

Otra del rap de la bahía. Cuando pasaba un carro tocando esta canción siempre nos volteábamos a ver quien era, habla de lo bonito de la vida. RIP the Jacka.

Anuel AA - "Nacimos Pa Morir"

Me identifico con el reggaetón nihilista. Qué bonito Anuel, tiene buenas parabolas como no pierdas perlas por ir recogiendo piedras; si el mundo se esta acabando por lo menos como lo conocemos, tenemos que querernos mientras estamos aquí aunque sea en secreto. No sé, qué lindo que esté libre Anuel, ¡libertad para todo el pueblo Puertoriqueño y a todos los pueblos militarmente ocupados por los Estados Unidos! ¡Free all political prisoners! Me gusta pincharla.

La Favi y So Icy Trap - "Run"

Ésta no ha salido, es mi nueva canción, nostálgica con So Icey Trap de nuestro proyecto No Lo Siento y habla de querer regresar con alguien; es como querer regresar al pasado, aunque no se puede sigues soñando con él. Es un remix sobre la versión de Dinamarca, un productor que me encanta mucho, tengo música nueva con él, espero que las canten los babys de ahora y tal vez un día sus hijos y nietos, jaja, no sé pero que nos recuerden.

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La Favi se presenta junto a MC Buseta, Perreo Pesado y más, en SUDA 2018 este sábado 20 de octubre en lo que parece ser una de las fiestas del año. Para más información da click en el siguiente flyer:

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A veces creo que los millennials estamos maldecidos con una romantizada versión del síndrome de Peter Pan. Muchos nos negamos a envejecer y aunque estemos en nuestros veintitantos––ya sé que me estás leyendo y tienes más de treinta, te estoy viendo––, vamos por la vida como si siguiéramos en los años locos de adolescencia.

Si plasmamos esta creencia en la industria musical, Miranda sería un gran ejemplo del forever young. Con 40 y pico años de edad, 20 de amistad y 17 de carrera, Alejandro Sergi y Juliana Gattas, mantienen joven su legado y espíritu. Igual de joven que en 2001 cuando comenzaron y en toda Latinoamérica sonaban éxitos como “Suerte” de Shakira, “Héroe” de Enrique Iglesias, o “Get Ur Freak On” de Missy Elliot.

A diferencia de otros exponentes del pop (sí, te estoy hablando a ti Aleks Syntek) que no supieron reinventarse y se quedaron como dinosaurios de la era del disco compacto, Miranda! permanece vigente en el gusto del público gracias a que han logrado conservar su esencia electropop––además de sus letras que le cantan al amor, a veces prohibido o no correspondido, o sumamente apasionante y eléctrico––, sin dejar de experimentar conforme avanza la era digital y el apogeo de la música urbana.

Hace unos meses en México agotaron dos fechas en el Teatro Metropólitan, pasaron por el Pa’l Norte en Monterrey, y en esta segunda mitad de año, aterrizaron con su gira Es mentira y sin restricciones, que los llevó a ofrecer un íntimo concierto este miércoles en SALA en CDMX, para continuar con fechas en el Coordenada de Guadalajara, y otros festivales en Chihuahua, Querétaro y Baja California.

A propósito de estas presentaciones, conversamos con Alejandro y Juliana, quienes acaban de estrenar el video de “La Colisión”, canción sumamente discotequera + un video rodeado de atmósferas neón muy a lo Nicolas Winding Refn.

NOISEY: “Lejos de vos” no se parece en nada a lo que han hecho antes.
Ale Sergi: Es una canción que hice con la guitarra acústica y es bien diferente de todas las demás porque no tiene el pulso bailable que nos caracteriza. Es nostálgica y habla de extrañar, de valorar lo que uno tiene cerca cuando lo tiene cerca.

Juliana Gattas: Para el video trabajamos nuevamente con Sole Calvano, que fue la misma directora de “Cálido y rojo”, el que hicimos junto a Carlos Sadness. Ella nos planteó esta idea sobre hacer escenografías muy fantasiosas de lugares lejanos. Quedó como una historia un poco lúdica pero muy tierna, acerca de estar lejos el uno del otro; uno en la nieve, uno en el espacio, otro en su casa en una cabaña. A mí me encanta cómo acompaña la canción el video, me parece que va muy de la mano y me gustan por igual. Eso es algo que me encanta que me pase, querer ver el video de una canción.

¿Cómo han vivido la transición de publicar discos de larga duración ––en lo que ahora podrían considerarse formatos obsoletos–– a lanzar sencillos y estar actualizados en la era digital?
Ale: Es una transición que hemos atravesado inconscientemente. Honestamente, mientras nuestra música se escuche y haya quien quiera editarla, a nosotros nos da lo mismo si salen de a 10 canciones, de a cinco, de a seis, de a una, de a media. En nuestros álbumes siempre intentamos poner canciones que se sostengan también como single y hacemos una especie de colección que pueda funcionar fuera y dentro del álbum.

Vamos a empezar a componer en diciembre para sacar algo el año que viene y sentimos que esta vez podríamos hacer algo diferente, ya que va a ser el octavo disco. Por ahí podríamos darnos ese lujo de crear una obra que consideremos debe escucharse de principio a fin. Al final, cada uno la escucha como quiera, ¿no?

Julia: En realidad de todos los cambios que ha sufrido la industria, a nosotros no nos afectó mucho ninguno. Lo que cambia, cambia, y nosotros nos adaptamos, siempre con mucho entusiasmo. No nos parece algo tortuoso y tratamos de estar actualizados en todo aspecto, con la tecnología y otras cosas, porque somos naturalmente curiosos y usamos esto a favor de nuestro arte.

“Las canciones de Miranda puede ser juveniles y muy bailables, cuando se podría esperar un poco más de madurez, un poco más hablar de familia y los hijos en sus letras...”. (Esto fue dicho por un periodista de 50 años que aparentemente tiene pensamiento prehistórico).
Ale: La mayoría de las canciones las escribo yo, y yo no tengo hijos, así que por más que lo intente no me va a salir. La verdad que a mí me gusta más hablar sobre el aprender a disfrutar que de madurez; como que de madurez… me da un poco de lata, me parece, no sé por qué lo veo como un sinónimo de…

Julia: ¿Estancamiento?

Ale: Sí, bueno… o de edad. O de una especie de “ah bueno, he madurado”.

Julia: Madurez.... ¡maduro el asado!

Ale: Sí, no es algo que persigamos.

Julia: ¡No nos digan viejos!

Ale: Sin quererlo. Bueno, un poco lo queremos pero no lo buscamos, pero lo que hacemos nos refleja tal cual somos… Yo hablo por mí, porque Juli tiene su familia.

Julia: No, pero hay que desmitificar eso. No sé qué te hace pensar que tener un hijo es madurar, yo soy el claro ejemplo (de que no es así). Cualquiera que nos conoce sabe que Alejandro es mucho más maduro que yo que tengo una hija…, pero somos felices todos.

Foto de prensa

¿Cuándo piensan en el pasado y ven 20 años más tarde todo lo que han conseguido se imaginan “lejos de vos”, el uno del otro?
Ale: No, entre nosotros jamás, nunca, porque por más que estemos físicamente lejos, todo lo que hemos construido es más grande que nosotros mismos. Digamos que yo solo soy “el de Miranda!” y ella también es “la chica de Miranda!”; es decir, Miranda! es más grande que nosotros dos, es más grande que Juli y Ale, se volvió una entidad porque hemos compartido con mucha gente y la gente lo ha hecho así. Entonces sentimos que ya estamos pegados de por vida y es una realidad. Por más que lo quisiéramos, no vamos a poder separarnos nunca. Hemos hecho mucho juntos y la idea de uno está siempre asociada al compañero.

Julia: Opino lo mismo que Alejandro y manifiesto mi deseo de no estar nunca “lejos de vos”, ¡no me rajes!

¿Qué piensan sobre que el reggaetón y la música urbana sea lo que domina la industria en estos momentos?
Julia: Es lo más visible pero está saliendo mucha música tan buena y tan linda. A mí hay algunas canciones de música urbana que me encantan, pero también las mezclo en mi playlist con muchísimas canciones de artistas de rock, de pop, de música electrónica, artistas amigos. Hay muchos artistas latinoamericanos como Alex Anwandter que acaba de sacar su disco, buenísimo…, Javiera Mena, hay muchísima música. Sí, es cierto que tiene mucha visibilidad [la música urbana] en Latinoamérica, especialmente aquí [en México], en Argentina no sé si tanto tanto…, pero eso, sigue siendo música latinoamericana y nos está haciendo sonar en todo el mundo.

Sobre seguir la línea de sus letras que generalmente hablan de amor, ¿qué tan vulnerables se muestran cuando escriben?
Ale: Yo compongo canciones desde siempre y cuando empecé a escribir la música para Miranda!, fue justamente con las primeras dos canciones, “Imán” y “Agua”, en las que conté historias personales y cuando lo hice encontré una manera de expresarme que no había encontrado antes y que sí, me ponía más vulnerable y más expuesto al mundo, pero a la vez sentía que era mi verdad y que era lo mío y que también había mucha gente que podía sentir lo mismo.

Siempre me acuerdo de que [en sus otros proyectos] cuando escribía las letras, era pensando en qué iba a pensar la gente sobre lo que yo escribía. En Miranda! me da lo mismo, escribo las letras tratando de ser absolutamente fiel a mis sentimientos. En un principio me daba temor y a veces ahora también me da un poco de temor, pero lo que vi es que mucha gente se reflejaba en eso. No en lo que yo pretendía hacer, sino en lo que realmente nos pasaba; y entonces me parece que es una de las claves por las que yo personalmente me enamoré de este proyecto que hicimos y después otra tanta gente. Pero qué sé yo. Encuentro que al menos en mí esa es la mejor manera de escribir; esa es la forma en que mejor me sale. Cada compositor tendrá sus habilidades. A veces digo "Bueno, me gustaría escribir sobre tal situación o sobre tal cosa" y no lo siento natural. Entonces prefiero acotarme al universo en el que me muevo cómodo; total, hay millones de artistas y la verdad es que están cubiertos los temas, hay para todo mundo y...

Con la alarmante situación que atraviesa su país, Argentina, ¿no se han sentido presionados para lanzar música relacionada con eso?
Julia: Hacemos lo que nos nace y lo que sentimos que se siente genuino y se contagia, hay mucha sensación en nuestros shows y no tanto de bajar línea en palabras, sino que se siente y se percibe lo que nosotros nos estamos divirtiendo y lo que estamos disfrutando en componer esa canción y mostrarla. Nunca fuimos tan literales, pero sí, a lo largo de nuestra carrera hemos enviado un mensaje tácito de que estamos sumamente a favor de todas las libertades, se nota, yo pienso y espero que se note al verme que soy así. No nos mantenemos aparte [de la situación] porque en nuestras vidas y como ciudadanos yo me manifiesto en las marchas y digo a lo que estoy a favor y votamos y en Argentina hay crisis, siempre hubo crisis, nos juntamos con crisis, ahora hay otra crisis, son las cosas que pasan pero sí que valoramos ese aura que hay en nuestros shows, la gente por un rato la puede pasar bien y no se preocupa ni está pensando tanto en lo mal que estamos.

Donde definitivamente no hay crisis, es en su relación. ¿Cómo reciben el éxito que han tenido en estos fructíferos años?
Ale: Los dos pensamos que el éxito individual de cada uno repercute en el otro porque como decíamos antes: Ya somos Miranda! los dos, por más que estemos por separado, somos Miranda! Entonces, si Juliana le va súper bien con alguna cosa la gente va a decir “Ah Juli, la que está con el pibe”.

Juliana: Y si me va súper mal… “mira la boluda de Miranda!, como está tirando abajo todo el tren ese”.

Ale: Y bueno por ahí me viene bien porque dirán “se nota que no está con él, que es el que la sube, ¿entendés? ahí también me da valor”.

Juliana: Al final las cuentas siempre terminan positivas [risas].

Ale: Hay que estar siempre en grupo, eso es lo importante.

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Miranda! culminará su gira Es mentira y sin restricciones en casa, con un concierto el próximo nueve de noviembre en el Luna Park. También visitarán Uruguay, Chile, Perú y Ecuador próximamente. Sígueles la pista por acá.

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Desde 2011, el festival Hot En Paraíso ha sido el desfogue predilecto para los amantes de las pool partys en la capital colombiana. Este año, el Hotel Paraíso será nuevamente el lugar para ese enjambre de situaciones surreales y cinematográficas que se viven en un oasis acuático.

En las afueras de Bogotá, un poco más allá de Melgar y Girardot, los asistentes podrán refrescarse con varios de los nombres más picantes del momento: Zion & Lennox, Karol G, Trapical Minds y Magic Juan, recordado por todos los tesoros del merengue que nos dejó con Proyecto Uno. Asimismo, está el acordeonero Omar Geles para empatar el despecho con vallenato puro, además de los proyectos de electrónica tropical Black Mambo y Ácido Pantera.

Si quieres conocer más detalles del festival Hot en Paraíso 2018, puedes pasarte por acá.

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