Andrea Echeverri anunciando la paz en plena coyuntura de La Habana. Doctor Krápula cantando junto a Christian de la Espriella de Pornomotora y Pipe Bravo de Superlitio. Koyi K Utoh y el surrealismo de su oscuridad perpetuada bajo la lluvia. Pasar de 2.000 personas en la Media Torta de Bogotá en 2009 a 10.000 en la Universidad del Valle en 2017. Ver crecer a Alcolirykoz, Lianna, Monsieur Periné, Diamante Eléctrico, Oh'Laville y Los Petit Fellas. Corear simultáneamente las canciones de esta generación en tres ciudades diferentes.

Estos, entre muchos más, son los recuerdos que surgen cuando pensamos en el Concierto Radiónica, un espacio que se abrió en el 2009 para promocionar el trabajo de un escenario muy local que encontró en la Radio Pública un aliado para soportar su independencia, su sonido alternativo, su propuesta visionaria. Ese mismo concierto que empezó a tejer hace una década la emergente escena colombiana y que hoy está sembrando puentes de diálogos con Latinoamérica y el mundo.

La evolución y la revolución de mirar la independencia y el sonido local como algo de lo que vale la pena apropiarse, apoyar y celebrar, han hecho de este evento uno de obligatorio asistencia año tras año. Por eso para prepararnos una vez más y recibir la décima edición del Concierto Radiónica, decidimos, junto a Álvaro González, 'El Profe', uno de sus artífices y pieza clave del engranaje de esta máquina potente, hacer memoria de sus 10 momentos memorables, hasta ahora, en el concierto.

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Le damos la palabra al 'Profe'.

1. Ali AKA Mind y Las Pestilencia a una sola voz

Para mí el momento más importante fue el cierre de 2017, porque ubicamos en un mismo escenario, seguidos, a Ali Aka Mind y a La Pestilencia. Algo que todavía parecería impensable en Colombia, el hecho de tener artistas de diferentes géneros cohabitando en un mismo espacio. Si tuviese que definir el Concierto Radiónica en un momento, es cuando la gente llenó la Media Torta y acto seguido se cantó todas las canciones de Ali y después se cantó todas las canciones de La Pestilencia. Es un momento que dice mucho del proceso de Radiónica, de lo que significa y que el hip hop y el punk pueden cohabitar en un mismo lugar. Además demostró que es una muy buena señal para que los festivales en Colombia no se dividan tanto en sus géneros musicales sino que le apuesten a esa diversidad y a esa convivencia.

2. El primer Concierto Radiónica

Obviamente el inicio, el primer concierto, lo que nosotros soñábamos alrededor del proyecto. Aquí hubo tres personas muy importantes en ese inicio, que fueron Gabriel Gómez, el subgerente de radio en este momento; sin lugar a dudas Catalina Ceballos, que era nuestra coordinadora de proyectos y literalmente luchó el proyecto para que pudiésemos hacer el concierto, y Dora Brausin, que en ese momento era la persona responsable de la Fonoteca. El concierto nace, entre otros puntos, para promocionar lo que en su momento fue el Radiónica Vol.1 que fue una recopilación de rock colombiano hecha por Radiónica hacia el año 2008 y que tuvo en el 2009 lo mejor de ese repertorio en el primer Concierto Radiónica.

3. Monsieur Periné y Diamante Eléctrico abriendo el Concierto Radiónica

Cuando abrieron en sus respectivos años Monsieur Periné y Diamante Eléctrico y justamente después de eso cada uno se ganó un Grammy Latino. Creo que fue fundamental porque el abrir el Concierto Radiónica se convirtió en un ritual en que las bandas que lo hacen van a trascender, y pasó con Mesié, con Diamante, con Oh'Laville, Lianna, etc.

4. Cali: 10.000 almas en un mismo lugar

El Concierto Radiónica Cali de 2017. 10.000 personas, tres bandas internacionales: Izal de España, la Vida Boheme de Venezuela, Eruca Sativa de Argentina, EMCI Rimas de Cali... pero fueron 10.000 personas que es nuestra cifra más grande en un evento de Radiónica. Aparte el cierre de Monsieur Periné que fue épico. Nosotros esperábamos 3.000 a 4.000 personas y de un momento a otro aparecieron 10.000 en la Universidad del Valle, sin un solo policía, un comportamiento muy bueno. Al final la gente recogió toda la basura para que el lugar no quedara mal.

5. El 'Titán' Elkin Ramírez a capella

Cuando Elkin Ramírez fue al concierto a acompañarme en tarima, 2010 o 2011, sencillamente hizo un a capella de alguna de las canciones de Kraken y estuvo haciendo un par de presentaciones de bandas, entonces haber tenido al 'Titán' ahí fue muy simbólico sin lugar a dudas.

6. El Concierto Radiónica

La realización del concierto Radiónica en Barranquilla, en 2016 en el Museo del Caribe. Fue un momento muy especial porque teníamos al Otro Grupo, Los Petit Fellas, El Freaky… fue importante porque más allá de llenar el lugar, cosa que efectivamente pasó , nos dimos cuenta que el público del Caribe quería otras historias, que el Caribe colombiano tiene artistas, que tiene un público ávido de nuevas historias y por eso haber llegado al Caribe fue tan importante.

7. Bogotá, Cali y Medellín cantando en simultáneo

Año 2014, cuando lo hicimos simultáneamente en La media Torta de Bogotá, el Teatro Pablo Tobón de Medellín y el Teatro Jorge Isaacs de Cali. En ese momento tener esa simultaneidad era realmente algo muy emocionante. Saber que en ese mismo momento jóvenes de esas tres ciudades estaban disfrutando esa propuesta de repertorios alternativos de Radiónica, entonces ese es fundamental. El reto fue hacerlo al tiempo y que el público hubiese tenido esa experiencia.

8. "Señoras y señores, la guerra ha terminado": Andrea Echeverri

Aterciopelados en el 2016. Se estaban realizando los acuerdos de La Habana y ver a Andrea Echeverri decir: "La guerra ha terminado", creo que esas palabras han sido la mejor canción que han interpretado en todos los conciertos de la banda.

9. Koyi K Utoh bajo el agua

Koyi K Utoh tocando en pleno aguacero en el 2011. El espectáculo estético de Koyi, verlos sobre el escenario lloviendo y con la gente feliz, fue importantísimo.

10. Concierto Radiónica 2018

El décimo momento sería el actual concierto, porque desde el 2017 teníamos un festival con el objetivo de promocionar artistas independientes colombianos y la creación de una plataforma digital para poder proyectar lo que significa Radiónica. Pero nos dimos cuenta que era un evento que tenía invitados internacionales: Catupecu Machu de Argentina, El Cuarteto de Nos de Uruguay... así que desde el 2017 el Concierto Radionica se convirtió en parte del circuito internacional de la música para los colombianos, en el sentido en que no nos podíamos quedar en la zona de confort que solamente era un evento de colombianos para colombianos, con un invitado, si no que le dábamos al artista colombiano precisamente la necesidad de crecer hombro a hombro con el artista internacional, y que el evento se convirtiera en un puente entre Colombia con Iberoamérica.

Este año no solamente vemos la consolidación de Los Petit Fellas y Alcolirykoz, como parte del proceso de Radiónica, sino que vemos que Centavrvs de México, Bersuit Vergarabat de Argentina y Love of Lesbian de España están hombro a hombro con las bandas colombianas, además de tener obviamente a Profetas, el Mad Tree y V for Volume como parte del repertorio. Se cumplió el sueño de que el artista colombiano y el internacional están hombro a hombro, están cruzando los dos los mismos puentes que se han trazado a través de la emisora y es muy emocionante ver cómo pasó de ser un evento muy importante local de proyección a ser un concierto aspiracional internacional, porque muy seguramente va a abrir la posibilidad de crear esos puentes que necesita el rock colombiano para crecer, para autoanalizarse, autocriticarse y crecer. Eso es fundamental.

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Tan erótico y retador, tan abstracto y a la vez directo.

Tan liberador.

Soy Emilia, antes conocida simplemente como Emilia –el alter ego en solitario de Juanita Carvajal– , está de vuelta con un sencillo perfecto para sacudirse los fracasos, levantarse y afrontar a vida como esa promesa de catársis donde el baile es el escenario perfecto para apoderarse del amor hacia uno mismo frente al desamor que nos rodea.

Según Emilia ,"los versos son desgarradores en un sentido simple, en cada estrofa se lee la desesperación, y los coros demuestran la liberación de esa atadura". Todo condensado en una base tropicaloza que coquetea con el dancehall sin dejar de lado las armonías que naturalmente abrazan lo electrónico en el proyecto desde su EP debut Mala Intención lanzado en el 2017.

Por su parte, el video dirigido por Fernando Guisa y producido por Perpetuo Films, guarda un paisaje surreal y vintage de sensualidad carnal, con juegos de reflexión y espejos que reinterpretan la realidad y narran desde la estética hasta la concepción del cuerpo una visión desconcertante que de alguna manera se encuentra con la letra y toma sentido.

"Hasta que salga el sol" hace parte de Reconstrucción, el álbum debut de Soy Emilia que a lo largo de sus ocho canciones, dentro de las cuales contará con cuatro colaboraciones, intentará describirnos un poco más de ese universo onírico y caótico donde el amor y el desamor son la figura central de todo.

Mira el video aquí aquí abajo:

Tras meses y meses cargados de expectativa y ansiedad, finalmente se llegó la semana más esperada por los seguidores de culto de la música electrónica a nivel mundial: el festival Dekmantel 2018 es toda una realidad.

Del 1 al 5 de agosto, la ciudad de Ámsterdam recibirá a toda una oleada de artistas que representan lo más selecto del circuito electrónico actual. Nombres como Objekt, Donato Dozzy, Mark Ernestus, James Holden & The Animal Spirits, Helena Hauff, Errorsmith y Lena Willikens son algunos de los encargados de convertir esta sexta edición del festival en toda una maratón sónica para la posteridad.

Arrancando el miércoles con dos conciertos inaugurales a cargo de la banda alemana pionera de krautrock, Tangerine Dream, y un live especial del británico Four Tet, Dekmantel pasa a ser el banquete más suculento de la música electrónica a lo largo de esta primera semana de agosto. Por tal razón, en Noisey decidimos armar una pequeña guía instructiva para todas aquellas personas que han decidido cruzar el Atlántico para disfrutar de este verdadero festín musical.

¿Cómo llegar al festival?

Ya sea para los diferentes conciertos del jueves, o para los tres días de festival en el parque Amsterdamse Bos, Dekmantel ofrece transporte autorizado desde el mediodía hasta medianoche. Con un costo de €10 euros por trayecto, los vehículos salen y llegan a la estación de trenes Amsterdam Zuid a lo largo del día.

Imagen cortesía del festival.

¿Todavía puedo encontrar entradas para los conciertos inaugurales?

Tanto para las presentaciones del miércoles –Tangerine Dream y Four Tet– como para las del jueves, Dekmantel ha habilitado la venta de boletos en las entradas de los respectivos recintos. Cada entrada tendrá un costo extra de €10 euros, exceptuando las presentaciones de John Maus y James Holden, que costarán €15 cada uno.

Tangerine Dream.

¿Qué actos recomiendan escuchar?

James Holden & The Animal Spirits

Pasada la medianoche del jueves, un británico buscará sanar con una catarsis masiva a todo el público asistente. James Holden & The Animal Spirits servirán de guía espiritual para orientar a toda la audiencia de Dekmantel hacia una iluminación única e irrepetible a cargo de los rituales más notables del circuito electrónico.

Dâm-Funk (solo live)

Para quienes creían que Dekmantel no era "hip hop friendly", desde Los Ángeles llega el embajador mundial del G-Funk contemporáneo: Dâm-Funk. Crema pura salida directamente de los sintetizadores análogos que tanto han enamorado a la escuela del hip hop californiano, Stones Throw Records.

Donato Dozzy

Si hay un maestro que vale la pena escuchar, es Donato Dozzy. El chamán italiano por excelencia, quien se encuentra estrenando álbum en Tresor, Filo Loves The Acid, será el encargado de cerrar el escenario Greenhouse en la noche del sábado, justo después de Mark Ernestus y su Ndagga Rhythm Force. Mejor oferta no vas a conseguir.

Goldie & DJ Randall - Metalheadz Classics

¿La presentación del año para los amantes más devotos del drum & bass? Cerrando la noche del domingo, Goldie y DJ Randall transportarán a todos los presentes a los años dorados del rave británico, donde el jungle, el hardcore y el d'n'b más legendario hicieron de las suyas.

The Advent (90s electro set)

Cisco Ferreira regresa a la génesis. El veterano portugués del techno se pone en modo electro para llevar a cabo todo un tributo a las gemas escondidas del género en los noventa. A pesar de tener a DJ Stingray y Helena Hauff a bordo, The Advent se convierte, de lejos, en el acto obligatorio de electro de este Dekmantel 2018.

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Se juntaron dos grandes exponentes de la experimentación alternativa colombiana. El dúo bogotano Moügli, continuando con el legado de folclor electrónico plasmado en su más reciente EP Lado B, ha invitado a sus colegas de MNKYBSNSS para una nueva canción con un tinte profundo y narcótico, perfecta para esos momentos más íntimos del día a día.

Titulado "11:11", el tema explora las profundidades del desamor, recurriendo a la metáfora de esta particular hora para pedir un deseo y tener de regreso a esa persona que tanto se extraña. Grabado en Nativo Records (Bogotá) y masterizado en Sterling Sound (Nueva York), este trabajo en conjunto mantiene la esencia impredecible y vibrante que tanto ha caracterizado a estos dos grupos.

Escucha "11:11", lo nuevo de Moügli con MNKYBSNSS a continuación:

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¿Algún día nos cansaremos de las apariciones esporádicas y putamente brutales de Aphex Twin? Claramente, no.

El mítico artista británico ha vuelto a irrumpir intempestivamente en el escenario electrónico, esta vez gracias a dos carteles publicitarios que aparecieron esta mañana en el metro de Londres. Los logos de AFX fueron fotografiados en la estación Elephant & Castle en el sur de la capital inglesa, sector donde se especula que James vivió en la década de los noventa.

Dichos logos han suscitado las especulaciones en torno a un nuevo álbum de Aphex Twin, dados los antecedentes relacionados a la táctica de publicidad inesperada empleada por el emblemático ícono de Warp Records. En 2014, los cielos de Londres sirvieron de expectativa para Syro, su primer LP en 13 años; mientras que su Cheetah EP, lanzado en julio de 2016, tuvo una particular carpa interactiva en el Summer NAMM 2016, un evento anual que reúne los productos más innovadores de la industria musical.

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Pocas obras maestras de la música setentera son tan memorables como el estándar de rock de Thin Lizzy, por su simpleza y ethos adolescente, y un tema que hemos visto en todas esas películas adolescentes, rockeras y de época: de Wayne's World a Dazed and Confused, pasando por This Is Spinal Tap y Airheads, Empire Records y High Fidelity, todas la incluyen, como estandarte de lo que significa ser rockero. Hasta en Spaceballs y Dude, Where's My Car? sale.

Y ahora en el Fuji Rock Fest de Yuzawa, Japón, el sábado por la noche Danielle Haim se unió a Vampire Weekend para tocar un cover de este pedazo gigante de memorabilia musical, intercambiando versos con Ezra Koenig. Así que, por breve que haya sido, tal vez por un momento se convirtieron en los muchachos, y estaban regresando a Yuzawa.

Mira el video abajo.

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A dos años de haber lanzado su debut B.A.E.Z., el guatemalteco con más flow del Medio Oeste de Estados Unidos lanzó este viernes un EP cortito, bien armado, con seis tracks sólidos y deliciosos para ambientar el calor del verano.

El “rookie del año”, como se autodenomina en una de sus letras, abre este nuevo EP titulado Turbo, con una canción que homenajea a la voz más sexy de la historia del R&B. “Barry White”, es una balada de desamor sobre una cama de trap bien producido que señala todas las pretensiones de Baez en este nuevo EP.

El punto más alto del disco empieza con “Siempre”, una excelente carta representativa del R&B latino para manejar en una carretera soleada en un descapotable, aunque el momento cúspide llega con una canción que tiene un título muy confuso. “Tema 1 (SWOOSH)”, su colaboración con Fuego, (con quien hizo un también un EP), es otra referencia seria con pretensiones elevadas por parte de Baez. “Tengo unos Reebook y estas perras quieren Nike” podría ser un guiño a esa rola que inaugura el Blonde de Frank Ocean con un larguísimo “These bitches want nikeeeeeeeees”. Señalando a Ocean o no, este es, sin duda, el banger del EP.

“Turbo,” que le da nombre al disco, tiene una melodía en guitarra acústica que acompaña los raps suavecitos de Baez y a momento expone una conversación telefónica con una mujer que parecería ser su mamá. Si la propia identidad de Baez no era suficiente para hacer un statement sobre identidad latina en Estados Unidos, esta canción es fundamental para definir con sutileza el estilo de vida de un latino hijo de migrantes.

La colaboración con C. Tangana se antoja más radical, pero está lo suficientemente caliente como para colocarse como uno de los cortes más sabrosos del EP antes de llegar a “Quiero saber”. Este último, es el track más pop del disco y el primer sencillo que se reveló para promocionarlo. En mi opinión, abarata un poco la calidad del producto. En el resto de las canciones hay mucha idea de lo que ha estado pasando en el R&B y en la electrónica latina en años recientes, pero esta última es un poco floja. Tal vez no está empaquetada para mí, y la muchachada que no ha llegado a sus veintes la va a jammear duro y sin culpa. Tiene mucho sentido esta envoltura comercial que se escucha en el tun-catunca tun-catunca, sobre todo cuando te enteras de que está producida por Dillon Francis.

En resumidas cuentas, el Turbo de Baez está muy bien.

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Como antesala para uno de los eventos más queridos y más esperados del calendario de festivales en la CDMX actualmente, los muchachos de Hipnosis preparan una serie de noches donde la experimentación musical se va a quedar pegada al cable lo más posible, con grandes dosis de guitarrazos, tamborazos y gritos, cortesía de exponentes matones de la escena nacional. Para inaugurar el trance, este miércoles 1º de agosto en el Foro Indie Rocks! se llevará a cabo el primero de estos eventos, con tres actos de lujo para tirar la casa y deschongarse.

El Shirota desde el Estado de México, con su mezcla de ruido y distorsión elegantes, Muuk y su mezcla de electrónica, punk y noise desde CDMX y k., una banda instrumental inspirada en la obra de Franz Kafka.

Recuerden que Hipnosis sucede este 6 de octubre en el Deportivo Lomas Altas de CDMX, con un lineup de lujo, que incluye a King Gizzard & the Lizard Wizard, Unknown Mortal Orchestra, Wooden Shjips, Allah-Las, Build a Vista, San Pedro el Cortez y otros. Justo parte del motivo para juntarnos todos este miércoles 1º de agosto en esta Noche Hipnosis 01, es la revelación de parte del lineup del festival.

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El hedonismo violento es, por definición, exhaustivo. No hay límite para la cantidad de formas en las que puedes robar un helicóptero, liderar un cartel de drogas o, para entrar realmente al terreno de los supervillanos, jugar una ronda de golf. Desde su lanzamiento hace cinco años, Grand Theft Auto Online, el modo en línea en constante evolución de GTA V, ha reflejado esto.

Si quieres ir a echarle un ojo a la fábrica de armas ilegales que has creado en un búnker subterráneo mientras craneas cómo ir a causar estragos en un club, puedes hacerlo en tu lowrider. La última incorporación al juego es la actualización llamada After Hours, en la que los jugadores pueden construir un club nocturno en un punto 'caliente' para los paparazzis. Mundialmente reconocidos DJs como The Black Madonna, Dixon, Tale of Us y Solomun fueron traídos como artistas residentes, y ahora Rockstar Games ha llevado el lado musical de la actualización un paso más allá. El nuevo video de "Customer Is King" de Solomun, el lanzamiento #100 de Diynamic Music, tiene al DJ bosnio merodeando por Los Santos, tratando de hacer entregas mientras el caos se va incrementando en el fondo.

De manera privilegiada, pudimos estrenarlo en Noisey. Déjate embaucar por el rey Solomun al comienzo de la nota.

Este artículo fue publicado originalmente por Noisey US.

En una entrevista Carl Cox, una de las más grandes leyendas de la música electrónica actual, reveló mucha información graciosa e interesante sobre sus primeros días en Ibiza, el sitio que lo acogió, lo vio crecer y tocar la cima muchas veces.

Cuando vemos a un artista de la talla de Carl Cox, que ya tiene 54 años y es capaz de levantar cualquier pista de baile en el mundo, es bien difícil imaginar que él también fue un joven inocente e inexperto en busca de sus sueños.

Carl Cox piso arena de Ibiza por primera vez en 1985 para pasar unas vacaciones junto a su hermana y a su novia de aquel entonces. "No teníamos mucho dinero y entre todos alquilamos un coche, un Fiat Panda, en el que dormimos por tres noches en el parqueadero de Ed Paradís porque no teníamos para un hotel", recordó el artista. "Aún recuerdo cómo mi novia y yo dormíamos en el asiento trasero del coche y mi hermana adelante":

Sin embargo, no fue sino hasta 1991 que Carl Cox logró mezclar en un sitio llamado Edén. "Mi popularidad para ese entonces ya era tan alta como en este momento, todo gracias a mi álbum", afirmó el productor. "La primera vez que fui a Space fue en 1995 como invitado para promocionar mi disco The F.A.C.T. Recuerdo que pensé, '¡Me han llamado Para Space, no lo creo!'", agregó. Space desde ese entonces se convirtió el hogar de el artista, donde le dieron la oportunidad de trabajar con Pete Tong todos los martes desde allí para BBC Radio 1. "Space me dio la oportunidad de formar parte de una familia y parte de su progresión y su éxito".

Y si hay alguien que conoce de primera mano los cambios ocurridos en Ibiza en la última década, es Carl Cox, quien afirma que han sido varios. "En algunos lugares se ha perdido la esencia de Ibiza porque ha entrado mucho dinero de golpe", criticó el productor. "Nunca había entrado tanto dinero como ahora y eso ha provocado que haya gente que se piense que Ibiza es esto y están totalmente equivocados". Sin embargo, el artista también admite que hay gente que sigue yendo por lo mismo, para divertirse y disfrutar de la isla".

Sigue el resto de la entrevista por aquí.

Los abandonamos el mes pasado pero este hemos regresado recargado con nada más ni nada menos que 26 tracks entre mexicanos y peruanos principalmente; además de un ecuatoriano, una española y un par de brasileños. Hay vaporwave, hip hop, baile funk, footwork, dembow, house, ambient, hardcore, cumbia, cosas groovy y tripeadas.

Abrimos con Trushinitas, joven productor mexicano dedicado al vaporwave y asociado con el sello chileno Eternal Vibes, quienes afirman controlar la escena latina del vaporwave. El productor regio KILLDEM soltó un EP de trapzote haciendo dupla con Dedrick Jeraph en las letras, del cual se desprende esta gema en la que colaboró también Lil Benjas, puro fuego.

Los imperdibles brasileños Weird Baile lo hacen de nuevo, andamos bien pegaos a su música. Daniel Maldita Sea subió un nuevo mixtape, de ahí incluimos este trackzote de Leyker, a quién ha mencionado como una influencia.

El escritor y productor hidalguense RVNGL a.k.a Malviaje está atravesando una etapa difícil y no sabemos nada de él por el momento. En su honor, la gente de $HADOW $QUAD –plataforma de la cual es un elemento fundamental– subió el Triste$a mixtape, de donde tomamos el track de apertura que es un trip instrumental genial. Recúperate pronto hermano.

El productor capitalino radicado en Xalapa, Eric Uh autopublicó un EP titulado acertadamente No Label dedicado a la comunidad global del footwork que lo ha inspirado, mostrando al mundo su interpretación de este género originado en Chicago. Se siente la fricción, frenetic thing.

Kompu Palace es uno de los proyectos del peruano Daniel Valle-Riestra y la verdad que el corte que incluimos está bien a gusto para relajarse y fumarse uno en el sofá. Jazz, funk y ambient son las etiquetas que se nos vienen a la mente. Tummy Ache y Pseudo se juntaron para entregar un joint de lo fi house al sello de beatmaking 75M, titulado porro de bachas, pura suavidad y elegancia.

Aku es un productor joven de Monterrey, gran beatmaker, productor de cajón del rapero Dardd y pronto se estrenará algo que le produjo a Tino el Pingüino. Checa estos beats lo fi que acaba de publicar.

La Fundación Alumnos en colaboración con el colectivo Chakanais, como parte de su proyecto Tonelada que gira en torno a la colección de vinilos de Guillermo Santamarina, publicaron un fanzine, producto de una convocatoria en la cual juntaron samples para que los interesados hicieran una pieza a partir de dichos sonidos. De ahí se desprende esta bomba jukera tropical de Pájaro Sin Alas, orgullo juarense.

Eyliens es un nuevo dúo de producción integrado por Aku y el hidalguense Beastie C. Acaban de publicar su primer canción con TurbioW y Rey Asco (Fosa Común) de Guadalajara en los raps. “Ya suena a 2019” alguien comentó por ahí en la web.

Lara Nuh es cantautora y productora que gusta de fusionar ritmos como house, hip hop y folklore regional de su natal Perú. Recientemente hizo un ep que vio la luz vía Matraca, acá una prueba del bello resultado. También desde Lima, Perú, llega este corte de bass-cumbia a cargo de WildCat, no sabemos mucho de él pero hace temazos para raspar el huarache. La española Mey Mey tiene toda la actitud y lo demuestra cantando reguetón sobre un beat del también integrante de Matraca, Mono con $uerte. Perú a la alza.

El productor Pach sacó un beat bien fogoso para que Daniel Maldita Sea y Ommflavah hicieran la gala y lo presentarán con Raccoonin Records. Mexican phonk 4 real.

ISANIA se lleva el premio al más atascado de la lista, hardcore casi rozando en el psychedelic trance para que te pongas bien loco. Neon Dominik está de vuelta con el sencillo Someone Like U, después de su aclamado disco de 2014 titulado Lightness, del synth wave al house latino y guapachoso, para bailar y gozar. Yung Wysteria es un joven rapero y productor de soundcloud con un futuro prometedor y gran sentido del humor. Presentó su primer track producido por Beastie C con todo y un divertido video.

REZA es de Ibarra, Ecuador y tampoco sabemos mucho de el, pero su cuenta en soundcloud es algo a lo que tienes que poner atención. Incluimos un track suyo de ambient para darle un respiro al playlist. Sokie es de Hidalgo y hace future funk fresco como mantequilla para tus oídos. Hace algunos meses publicó esta suavidad vía Popsicle Collective.

Xynogen es uno de nuestros highlights del mes y definitivamente alguien que mantendremos en el radar, hardcore emo thing para explotar tu cabeza y encender la pista. FERALCHILDREN es un nuevo grupo de trap oscurote directo desde Hermosillo, entre Ugly Bot e Ishimura pusieron el ritmo para las vocales a lo punk de Demxn y C. Torres.

Nelson Nerd usa la mpc500 para sacar unos beats lo fi bien melosos y precisos para el romanceo, además de llevarse el premio por el nombre del proyecto más original de la playlist. CVJV NEGRV RECORDS lanzó tremendo compilado dedicado a la música de club y de ahí mero extraemos tremenda pieza de apertura a cargo de El Irreal Veintiuno. Checa el compilado completo, es una bomba.

El Usuario Aleatorio no deja de mapear los sonidos más tumbados de México, ahora publicaron un track de Obsidiana Digital, proyecto alterno de Borametz que también fue incluido en el fanzine de Chakanais con la Fundación Alumnos. Puro perreo onírico.

Dios Del Fuego optó por un nuevo alías, ahora desea ser llamado Pastor del Mezquital y aquí está uno de los tantos honorables tributos que ha rendido al Valle de México, trippy house con guiños a la música ambiental para cerrar esta lista.

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Por segundo año consecutivo, el desierto de la Tatacoa vuelve a palpitar con lo más selecto del escenario techno y house contemporáneo. A las profundidades del místico desierto ubicado al norte del departamento del Huila llega nuevamente el Festival Tatacoa, un esfuerzo en conjunto llevado a cabo por la promotora bogotana Baum y el colectivo Neiva Underground.

Tras una exitosa primera edición, la cual contó con nombres como Vril, Tijana T y Charlotte De Witte, el Festival Tatacoa parece estar listo para convertirse en el rave desértico, al mejor estilo de Burning Man, por excelencia de Suramérica.

El sábado 13 de octubre, la edición 2018 del Festival Tatacoa contará con un cartel de lujo, encabezado por nombres como Dixon, Âme, Dax J, Wata igarashi, Delta Funktionen y Kim Ann Foxman, quienes estarán secundados por varios de los selectores más relevantes del circuito colombiano, como Adriana López, Julio Victoria y Sónico.

A lo largo de 20 horas continuas, miles de almas danzantes podrán hacer catarsis frente al sol y las estrellas mientras disfrutan del house y el techno más distinguido del circuito global. Si quieres conocer todas las novedades relacionadas al Festival Tatacoa 2018, pueden pasarse por acá.

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Todos los integrantes del Wu-Tang Clan se reunieron el viernes pasado en Los Ángeles, California para tocar su legendario álbum de 1993 Enter the Wu-Tang (36 Chambers), que celebra su 25 aniversario este año. Los nueve miembros con vida subieron al escenario del Shrine Auditorium: RZA, Method Man, Raekwon, Ghostface, GZA, Inspectah Deck, U-God, Masta Killa y Cappadonna, además del colaborador de toda la vida, y diseñador de su logo, DJ Mathematics.

El venue estaba a reventar cuando llegó el clan, entre gente de todas edades y fans viejos y nuevos, que fueron a celebrar el debut seminal del grupo. Además del 36 Chambers, tocaron otras favoritas de su discografía, incluyendo una aparición de Redman en "How high" junto a Meth. También invitaron a subir a Steve Rifkind, fundador y presidente de Loud Records y SRC Records, y le agradecieron por haberlos ayudado a lanzar el grupo en los 90.

El fotógrafo de Noisey US The1point8 estuvo en el backstage con el grupo y capturó toda la acción. Mira unos higlights de su presentación, momentos tras bambalinas, y retratos.

Sigue a The1point8 en Instagram.

Este artículo apareció originalmente en Noisey US.

Han pasado 11 años desde aquel 2009 en el que John Frusciante, uno de los guitarristas más prolíficos de nuestros días, dejó por segunda vez a los Red Hot Chili Peppers. Hay que recordar que la carrera de Frusciante en los Peppers arrancó en el 1988 y se detuvo en 1992 por su adicción a las drogas y luego volvió a reincorporarse en 1998 hasta hace ya 11 años.

Pues bien. desde su salida, Frusciante se ha mantenido activo en solitario, pero no tan activo en público, sin embargo quien brillara en la banda californiana en discos como Blood Sugar Sex Magic, By The Way y Stadium Arcadium, fue visto el fin de semana con el mítico Flea, su ex compañero de banda y el bajista de los Pepper mientras asistían a un combate de boxeo en Los Ángeles. Según varios medios especializados es la primera imagen de Frusciante y Flea en público que se conoce en 11 años.

Aunque el encuentro fue para un evento deportivo, no perdemos la fe en que algún día se vuelvan a ver en el estudio, después de todo esa risa complice entre ambos nos pone a soñar.

Mira la imagen abajo.

La llegada del mítico año 2000 al mundo supuso la llegada de un nuevo aire al medio musical. Los noventa dejaron la pregunta del formato como base de sustento. Ante la popularidad del MP3 y las descargas en los sistemas P2P, la industria buscó otras alternativas como lo fueron lanzar discos compactos con sistemas de seguridad antipiratería. Una cosa es cierta: Como se le quiera llamar al asunto, industria, escena, medio creativo, medio cultural, sector naranja o lo que sea, se ha visto el incremento en su presencia y su importancia para el país, pero también es cierto que faltan muchas cosas para considerar que ella está consolidada o puede sobrevivir.

Los artistas se dieron a la tarea de buscar nuevas plataformas más allá de las convencionales de radio, prensa o televisión para darse a conocer. Y esto fue gracias a internet. Las posibilidades de difusión y presencia a través de páginas y portales ha sido motor fundamental para la vida musical actual.

Se pasó de los portales gratuitos para hacer páginas como lo fueron geocities, para luego ver la llegada de los blogs, Fotolog, Flickr, Myspace, YouTube, Facebook, Twiter, Reverbnation, Bandcamp, Soundcloud, Instagram, vine y las incontables aplicaciones sobre las cuales la música ha estado presente. Algunas se quedaron. Otras no. Pero la música sobrevivió.

Y no sobra decirlo, la independencia muestra una realidad de esfuerzos que se cuelan en los oídos de todos y permanecen vigentes.

2000 - 2006

Fueron estos años en los que internet despegó como realidad y como algo sobre lo cual todos íbamos a tener relación. La música en internet cobró visibilidad como industria, como necesidad de buscar nuevos mercados y de soportar una vida nueva ya no con la venta de discos; pero con la necesidad de buscar otras audiencias dispuestas a arriesgar y conocer más allá de lo convencional.

1. Curupira: Pa'lante pa'trá (2000)

Una de las primeras agrupaciones de la nueva música colombiana. Se puede entender como un semillero musical de raíces y relaciones. Un nuevo canto al país.

2. Panorama: Panorama (2001)

Disco adelantado a su tiempo. Electrónica calmada, evolución del trip hop y con un sutil llamado a la pista de baile. Un disco que por donde se escuche tiene finura y elegancia.

3. Ultrágeno: Código Fuente (2002)

El segundo y último documento de una banda que en los noventa abrió campo para tener un sonido único dentro del panorama rockero local. Un disco en el que el despliegue sonoro del cuarteto iba a ser un sueño para ver en el continente. Pero no hubo tal.

4. Sidestepper: 3AM (In beats we trust) (2003)

El trabajo exploratorio de Richard Blair alrededor de la electrónica y los ritmos latinos venía de mediados de los noventa. Pero en esta ocasión, tuvo un apoyo importante del sello Palm Pictures. Con él se obtuvo algo destacado que cautivó no solo a Colombia, también a diferente público de mundo.

5. Cabuya: Comienza el garroteo (2004)

En efecto, desde Santander, llegó una producción en donde la música era una posibilidad donde además había teatro y performance. Una banda única en su especie, cuyo sonido descrestó al país. Una que nos dio luego a Edson Velandia y a Sergio Arias de Malalma.

6. La 33: La 33 ( 2004)

Del barrio Teusaquillo para el mundo se conoce a La 33. Una orquesta de salsa proyectó sangre fresca al género. Com raíces en el rock, pero con alma latina y corazón andino, esta orquesta nos mostró cómo azotar baldosa en el siglo 21.

7. Alerta: Alerta (2004)

Una longeva banda de reggae capitalina. En este disco se tuvo el gusto de escuchar la madurez de un grupo que venía del under capitalino y que con este disco ya mostraba sus cartas sonoras.

8. Pornomotora: Pornomotora (2005)

Surgida de las experiencias de las escuelas de rock y rap del distrito, esta fue una banda que fue escalando peldaños. Tocó en los circuitos rockeros de la ciudad, realizó videos que inclusive rotaron en MTv Latino y presentó este disco en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Energía de rock y coqueteo electrónico para un país que se preguntaba por sus nuevos músicos.

9. Mojarra Eléctrica: Calle 19 (2006)

Una canción que simplemente decía “Bandeja con pollo” y que parecía además una descarga funk-punk fue la base para el reconocimiento de esta banda que exploró lo local con ánimo global. Otra de las bandas precursoras de las Nuevas Músicas Colombianas que mostró un camino renovador.

2007 - 2012

El mundo tuvo en Myspace la esperanza de encontrar una fuente inagotable de sabiduría fresca musical y creativa. Pero el efecto duró poco y la música quedó huérfana, porque las multinacionales no sabían qué era lo que los jóvenes querían. La respuesta era: reguetón.

Los mercados culturales aparecen para así hablar de industria, agentes, mercadeo, speed meeting, pitch, keynote, venue, speakers y más. Para algunos más de lo mismo; para otros la confirmación de un camino al cual apostarle es lo mejor.

10. Cuentos de los Hermanos Grind: Los Cantipuercos (2007)

Entre la irreverencia y lo fuerte, este disco nos dejó en claro la capacidad colombiana para moler metal y sus derivados. Un disco que se convirtió de culto entre los amantes de los sonidos fuertes.

11. Mister Gomes en Bombay: Mister Gomes en Bombay (2007)

Aquí se conoció por primera vez la voz de Liliana Saumet, en lo que fue un proyecto dub reggae de Bogotá. Fue además un disco en el que el talento de Diego Gómez (Llorona Records) comenzó a reconocerse.

12. Odio a Botero: Kill the cuentero (2008)

René Segura tiene en su haber ser el dueño del absurdismo en el rock colombiano. Su trabajo con agrupaciones previas como Basura y Defenza, fueron solo el camino para mostrar su gran despliegue aquí. Una muestra de sus posibilidades líricas y de aquello que bien sabe hacer: enojar y cuestionar.

13. Bomba Estéreo: Estalla ( 2008)

La banda más internacional de Colombia, es una que nace del trabajo de Simón Mejía y Liliana Saumet. Una que une sentir e inteligencia para algo que muestra al caribe y a lo latinoamericano como nueva realidad. Una que ya les ha permitido acumular cientos de millas por el globo.

14. Alcolyrikoz: La revancha de los tímidos (2009)

Fazeta, Gambeta y Kaztro son magos de las rimas y beats. Con un trabajo que comenzó en 1999 y que ya casi completa dos décadas, ha logrado darle un giro total al hip hop nacional. Aquí los encontramos como uno de los mejores exponentes de la juglaría paisa.

15. Los Compadres Recerdos: Puteadero Gore (2009)

En aquel entonces Kipitos, Chambourcy, Betamax y Vergaebroca crearon un mundo musical donde el reggaeton y el gore iban juntos. Canciones que no se pueden escuchar sin estremecerse. Además, el disco concebido como calendario con ilustraciones de talento local, bien hizo que el disco se quedara en el recuerdo como uno de los objetos para guardar en una cápsula del tiempo.

16. De Juepuchas: SerDeJuepucha (2009)

Hijo directo del sampleo y la red, este fue un trabajo que rodó la red como espacio de vida. Con montones de referencias criollas al recuerdo, nos mostró las opciones de los productores electrónicos de casa.

17. Velandia y la tigra: Oh Porno (2010)

Directamente desde Piedecuesta, llegó Edson Velandia. Multi instrumentalista, mamagallista, dicharachero y reflexivo; con él nos encontramos ante un inagotable talento de lo que él llama rasqva.

18. Los Pirañas: Toma Tu Jabón Kapax (2010)

Un súper grupo de psicodelia, rock e improvisación que con este disco pudo ser tan punk como propositivo. La muestra de los talentos de Pedro Ojeda, Éblis Álvarez y Mario Galeano que ya completan varios años como personajes capaces de liderar un camino que en América, Asia y Europa se reconoce.

19. Meridian Brothers: Desesperanza (2012)

El mismo Éblis es el personaje capaz de tener algo inclasificable como motivo musical. Aquí nos mostró su primera encarnación con el sello británico Soundway. Lo escuchamos como algo capaz de retomar la salsa, la tropicalia y la psicodelia sin temor.

20. Monsieur Periné: Hecho a Mano (2012)

Bajo la voz de una mujer con aprecio por el jazz, el bolero, el tango y muchas más músicas, encontramos a un grupo que se convirtió en un “darling” de la prensa musical al encontrar una respuesta a una ausencia de reinterpretaciones de sonidos legendarios.

21. Ondatrópica: Volumen 1 (2012)

La dupla de un británico y un colombiano fue además la dupla que buscó una renovación de la cumbia al iniciar un proyecto que buscó además ir a la raíz no solo de la música; también de la grabación. Con este disco, se le dio un realce al sonido tropical colombiano y habiendo sido grabado en Medellín, donde se grabaron los discos legendarios colombianos de los setenta.

2013 - 2018

La música y las redes sociales. La música y los festivales. La música y los mercados culturales. La música y las etiquetas (hashtags), la música y el streaming, la música y el resurgir del vinilo. La música y los programadores de festivales, la música y los talent buyers, la música y los críticos musicales en YouTube. La música y la monetización de la música, la música y los videos virales, la música y los lyric videos, la música y el ecosistema musical, la música y las selfis con el público de fondo. La música y el music business, la música y los comités de programación, la música y las causas sociales. La música y los patrocinadores, la música y los algoritmos digitales, la música y la sincronización, la música y las playlists. La música y la reediciones musicales, la música y las estrategias SEM y SEO, la música y los foros sobre el futuro de la música, la música y los influenciadores, la música y los links en la bio. La música y los contratos 360, la música y los podcasts, la música y el crowdfunding. La música y las convocatorias, la música y los jurados de eventos, la música y el emprendimiento musical. La música y los community managers, la música y los agregadores digitales, la música y las colaboraciones. La música como valor nacional frente a la música que busca ser más que eso. Gente que da talleres, seminarios y más cosas sobre la música y cómo vivir de ella pero no vive. Y como realidad, la música independiente sigue vigente como rock, jazz, hip hop, electrónica, metal, funk, folclórica, pero definitivamente independiente, briosa y valiente.

22. Systema Solar: La revancha del burro (2013)

A través de esta segunda placa encontramos a un proyecto que reinterpretó la música y el caribe como una posibilidad electrónica capaz de mostrar que talentos como DaniBoom, Korpas, Johnpri, Pellegrino y Vanessa Gochsk unidos son un poder único. Poder que ha hecho mover a dos generaciones ya,

23. Bambarabanda: Surestar (2013)

Desde el sur, desde la ciudad de Pasto, se recibió este combo musical como uno capaz de ser mestizo y auténtico con letras representativas de una realidad como latinoamericana. Un disco qu además contó con la presencia de personajes como: Andrea Echeverri (Aterciopelados) y Óscar Velásquez (Altiplano de Chile)..

24. Mitú: Balnear (2014)

¿Es electrónica folclórica o folclor electrónico? Eso no se sabe. Lo que se sabe es que el trabajo hecho por Julián Salazar y Franklin Tejedor en este disco es el reflejo de una química artística sin par que logra hacer que un tambor de Palenque y un equipo electrónico prendan a la gente.

25. Dub de Gaita: El fin del mundo vol 1 (2014)

Una delicada producción por medio de la cual la tradición folclórica de Los Gaiteros se encuentra con la producción electrónica de Diego Gómez. Nuevamente el siglo 20 y el siglo 21 se unen y todo el mundo sale ganando.

26. I.R.A.: I.R.A. Pura ( 2014)

Tres décadas de punk no se improvisan. El estandarte de la longevidad punk, directamente desde Medellín con Viola y Mónica, nos demostró que se puede vivir con sus propias reglas.

27. Ságan: Cada Célula (2015)

Se habla de una explosión electrónica, de una realidad musical única y capaz de mostrar cómo con ellos se tiene acceso a un pop digital sofisticado y local. A través de sus siete pistas tenemos un disco que se mantiene vigente y pertinente.

28. Crudo Means Raw: VOYAGE El Pasaje (2015)

Tras años de trabajar en las sombras, de intentarlo en la música y hartarse de ella, Crudo Means Raw uno de los artistas más completos de la nueva sangre en el hip hop nacional dio riendas sueltas a su imaginación y sacó de sus visiones personales, estas 34 delicias instrumentales que refrescan y destacan la labor del beatmaker con una suavidad exquisita.

29. Kombilesa Mi: ¡Así Es Palenque! (2016)

Kombilesa Mi en lengua palenquera quiere decir mis amigos. Y esto es la música que emerge del primer pueblo libre de Colombia. Uno que con las negritudes le canta a una realidad hecha a partir de una tradición y una renovación.

30. Elkin Robinson: Sun a shine (2017)

Trovas y canciones del caribe; pero de San Andrés y Providencia. Un disco que parte además de un trabajo hecho con financiación colectiva y que bien nos muestra cómo hay un mundo musical y humano rico y necesario que nos ayuda a comprender la compleja situación de ser colombiano y vivir en un paraíso lejano, a veces hasta ignorado por el estado que tras un fallo internacional por fin puso el ojo allí, donde todavía queda historia por narrar.

Gracias a estas producciones, bien sabemos que se ha creado un acervo musical capaz de representar realidades y posibilidades. Y ellas nos gustan. Lo demás, ya sabemos dónde encontrarlo o quién nos lo da.

Este artículo se publicó originalmente en Noisey UK. Léelo aquí.

Los one-hit wonders definieron mi infancia. Cuando veía Top of the Pops los viernes por la noche, estaba seguro que "Breakfast At Tiffany's" de Deep Blue Something era el más grande himno de rock de todos los tiempos. Más que Jimi Hendrix o Bob Dylan, fue Eagle Eye Cherry (y "Save Tonight") lo que me hizo tomar una guitarra. Y aunque el centro de Gales no tiene nada que ver con Los Ángeles, me obsesioné con el "Westside" de TQ después de que lo escuché en CD:UK, o CountDown:United Kingdom, el programa de la TV británica de fines de los 90. Básicamente, cada nueva canción que me gustaba resultó ser de un acto cuya carrera se fue al traste al poco tiempo.

Estas canciones fueron lanzadas en los años 90, que fue una edad de oro para los one-hit wonders. Un momento en el que "Saturday Night" de Whigfield, el eslabón más bajo de la cadena alimenticia del europop, y el soft-rock inocuo de "Secret Smile" de Semisonic, quedaron tatuados en nuestra conciencia colectiva sin problema. A diferencia del Brit-pop, estos temas no se sentían cercanos al zeitgeist de la época; eran su propio género sin género. En el pináculo de la venta de CDs, el tira y afloja de la industria de la música significaba promover nuevos actos todo el tiempo y muchas veces no lograban nada después de un sencillo en la radio.

En 2018 el paisaje musical es diferente. Hacemos una curaduría de nuestras propias experiencias y los algoritmos nos llevan de la mano de una canción a la otra. Las canciones ya no son objetos fugaces, sino piezas tangibles de información que podemos rastrear con un par de clics. La ventaja de esto es que si alguien hace un hit, puede, todo en línea, construir una base fans y mantenerla, de un modo en el que, por ejemplo, Las Ketchup no pudieron. Como resultado, el one-hit wonder, que se veía todavía sano en los 2000 y a principios de los 2010 (¿se acuerdan de Rebecca Black? ¿o Gotye? ¿O esa de "Rude" tan sosa y pedorra?), se descarriló. ¿Es posible que hayamos escuchado el último?

Antes de entrar en materia, definamos los términos. En su libro Billboard Book of One Hit Wonders, el periodista Wayne Jancik dice que un one-hit wonder es un artista que entró en el top 40 una sola vez, independientemente de la carrera que tuvo antes o después. Según esa definición, Jimi Hendrix ("All Along The Watchtower") y Public Enemy ("Give It Up") son one-hit wonders. En realidad, esos actos solo satisfacen la definición formal. Un verdadero one-hit wonder es algo más problemático: un estado de fuga colectiva experimentado por un país o varios a la vez, y que incluye actos tan alejados entre sí como Gerardo, los chicos que cantaban la de "Babycakes", y hasta la "Mesa que más aplauda". Para ser un one-hit wonder real, necesitas un éxito que se salga del control y nada más.

Sin embargo, artistas que ahora podrían haber sido one-hit wonders han hecho carreras. Tomemos el caso de Carly Rae Jepsen: "Call Me Maybe" del 2011 fue su éxito más grande y básicamente el único que tuvo en cuatro años, luego se reinventó como reina en Emotion y se volvió una especie de estrella pop para exquisitos. O Meghan Trainor, quien después de sus quince minutos de viralidad con "All That Bass", se aventó un álbum en el número 1 y se convirtió en la quinta mujer en la historia en tener un éxito en el top 5 después de debutar en el número 1, gracias a que "Lips Are Movin'" se coló al casillero número 4. Compara eso con los one-hit wonders del pasado. El follow up de los New Radicals a "You Get What You Give" no llegó a los 40 principales; "Bitch" de Meredith Brooks pasó diez semanas en las listas de popularidad, y conquisto la posición número 6, pero su seguimiento llegó al 28 en el Reino Unido, y no llegó al Billboard Hot 100; y DJ Pied Piper ni siquiera tuvo la oportunidad de lanzar nada tras "Do You Really Like It?", a pesar de que la canción fue gigantesca.

Quizás uno de los cambios más importantes en la industria musical es que el éxito ya no está determinado solo por ventas. En el caso de Carly Rae, las ventas indicarían que nunca eclipsó "Call Me Maybe", pero el aplauso de la crítica, su base de fans en línea, la viralidad y el impacto cultural que ha tenido, pintan una imagen más amplia. La otra cosa es que, tal vez, los one-hit wonders simplemente tengan mal timing, o se filtraron por un camino que no era el adecuado para ellos, y les resulta difícil tomar el control de su acto. Tomemos a Nizlopi, que estuvo a una semana de convertirse en número uno en la Navidad del 2005 en Inglaterra, gracias a "JCB Song", que vendió 600,000 copias.

El cantante de la banda, Luke Concannon, quien actualmente gira como solista, dice que la gente puso a Nizlopi en el mismo grupo que a Bob El Constructor, y fue difícil lidiar con el éxito que tuvieron: "Me acuerdo que vendimos una fecha para tocar en el Shepherds Bush Empire, que debería haber sido una celebración, pero fue algo extraño en realidad. La gente nos tiraba excavadoras de juguete al escenario. Y pues ... los dos [Luke y su compañero de banda John Parker] amamos el arte y queremos hacer un buen arte, así que fue un poco más estresante. Queríamos más longevidad y hacer algo más significativo".

En aquel momento Nizlopi sonaba diferente. Banjos, acordeones, Luke cantando con acento, un bonito video animado. Se sentía un acto cirquero, aunque no lo era. Si hubieran salido tres años después, cuando el panorama musical se amplió un poco y bandas como Mumford and Sons, Ben Howard, Noah and The Whale, y Laura Marling comenzaron a tener grandes éxitos y a ser aclamados por la crítica, tal vez habrían caminado estepas más hospitalarias. Pero antes consideremos el hecho de que Nizlopi fue, según él mismo lo ha dicho, la mayor influencia de Ed Sheeran, quien a los 14 años les suplicó para poder ser su roadie, y quien el año pasado puso su canción "Flooded Quarry" como su primera elección en Desert Island Discs. Su mecenazgo efusivo llevó a la banda a juntarse de nuevo, y ahora están girando otra vez y organizando talleres y retiros para componer canciones.

Los one-hit wonders sobresalen. No encajan, y por eso nos gustan. Por supuesto, siempre está esa canción rara que se trepa como octavo pasajero a la playlist de Spotify, y luego el artista se desvanece por completo. Pero la mayoría de las veces, los actos de hoy pueden forjarse una carrera, incluso con un solo hit: basta con mirar a Big Shaq y sus numerosas apariciones en festivales, ofertas, actuaciones en vivo y otros sencillos. Eso por sí mismo es evidente en un paisaje musical mucho más fluido, diverso y tal vez, simplemente mejor de lo que era en el pasado. Aún así: jamás le daría la espalda a "La Bomba" o "Mayonesa", no se diga uno de esos éxitos de europop noventero.

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Su nombre es Norman Cook, y es el dueño de una las más elegantes cafeterías familiares del Reino Unido, Big Beach Cafe. También es corredor de maratones y posee parte de las acciones de un equipo de fútbol en Brighton, Inglaterra. Sin embargo, estos no son los motivos por los cuales es conocido alrededor del mundo.

Dentro del libro Superstar DJs Here We Go! escrito por Dom Phillips, antiguo editor de Mixmag, podemos encontrar una frase que define por completo a Norman y nos recuerda la principal razón por la que es internacionalmente conocido: "Creo que para hacer música para fiestas debes acudir a fiestas. Es poco profesional si no lo haces, tienes que recorrer el camino". Definitivamente la cita con la que recordaremos a Fatboy Slim hasta el último día de su existencia, y después.

Junto con Oakenfold, Sasha, Pete Tong y Dave Seaman, Fatboy Slim fue de los primeros y verdaderos DJs súper estrella. Los primeros personajes en volverse multimillonarios por pinchar discos (recuérdale ese dato a tus papás cuando te digan que si no estudias una carrera universitaria, no serás nadie en la vida; aunque bueno, Norman sí fue a la universidad).

Fatboy es uno de los DJs más admirados por los demás DJs, tanto por su técnica de producción como por su talento en la pista de baile. Y cómo no serlo, si es uno de los artistas verdaderos de la electrónica. "¿Cómo diablos se supone que uno debe bailar alrededor de los falsos? Él es el único, de los que dicen que saben que es lo que es pero no saben que es lo que es, sólo pretenden, What the fuck?".

Seguro identificaron esa letra, utilizada en dos de sus muchos grandes éxitos: "Star 69" y "Song For Shelter", esta última producida junto a los legendarios Roland Clark y Roger Sanchez. Ambos temas fueron incluidos en su álbum del 2000, Halfway Between The Gutter And The Stars, de donde se desprenden 10 de sus temas más exitosos. Porque, seamos honestos, todos los tracks de Halfway y de su LP You've Come A Long Way, Baby fueron y siguen siendo de las producciones más escuchadas en los clubes y festivales de todo el mundo.

La carrera de Norman no sólo se ha destacado por sus hipnotizantes ritmos, sus videos también han jugado un papel fundamental. No todos pueden ganar seis premios en los MTV Video Music Awards por tener a Christopher Walken volando por una habitación o mostrar millones de años de evolución en el planeta en menos de cuatro minutos al ritmo de uno de los sampleos más icónicos de la electrónica global.

Muchos se molestaron con Fatboy cuando se pasó al lado comercial del EDM y puede que tuvieran razón; ¿alguien que impone modas, ahora se dejaba llevar por una? ¡Falso! Él no se dejaba llevar por un ritmo comercial, sólo se subió a le train du mame para demostrar que su legado aún no terminaba, tatuando en las nuevas generaciones la frase que por años repetirán los millones de fans de la música electrónica sobre su particular estilo de vida: Eat, Sleep, Rave Repeat.

Norman nos ha hecho amar todo lo que por naturaleza es odioso: las coloridas playeras hawaiianas, las poco practicas sandalias, los conciertos masivos donde te encuentras rodeado de miles de personas que no tienen idea de quién es él y peor aún, bailar ¡con los terroristas!

Para nuestra fortuna, Norman Cook es el personaje en permanente despedida. No importa cuántas veces diga que está preparado para retirarse, sigue visitando infinidad de ciudades al año en clubes y festivales. La próxima vez que esté en tu ciudad, olvídate de pagar la colegiatura, la renta, o la trigésimo octava mensualidad del iPhone 5 que sigues pagando.

Claro, la música dice más que mil palabras, por ello les preparamos la selección de videos arriba, con los ritmos más recordados del DJ súper estrella británico. Y no lo olviden, si alguien en el festival les pregunta "¿Sabes donde está Fatboy Slim?", solo hay una respuesta: Fatboy Slim is fucking in the heaven, fucking, fucking, fucking in the heaven.

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Eran las 6:00 p.m. del viernes 27 de julio, y el sol aún brillaba sobre una multitud de cientos de personas que esperaban con entusiasmo y cierta impaciencia sobre la carrera 14 con calle 85, al norte de Bogotá. Pronto empezaría a llover, tanto afuera como adentro del Auditorio Lumiere, donde Lianna presentará su nuevo álbum, Como El Agua. Entre la gente que esperaba había raperos y raperas con camisetas de Alcolirykoz y Gordo Sarkasmus, mujeres con chaquetas de Lianna y personas con camisa, recién salidas de la oficina: era un público variado. Aunque el disco había salido en abril, se sentía como si esta cita estuviera pendiente hace años. Ya había lanzado su álbum debut Paciencia en octubre de 2012, pero muchos de sus más fervientes seguidores esperaban su nuevo trabajo como si fuera el primero.

Su trayectoria ya la había establecido como un punto de referencia en el hip hop colombiano del siglo XXI: antes de su debut hace seis años, su voz había iluminado temas de exponentes como ALI A.K.A. MIND, Jiggy Drama, JHT, y Flaco Flow y Melanina. Más recientemente, desde Paciencia, había colaborado y brillado con Alcolirykoz, Vic Deal, Doble Porción y Ruzto y se había confirmado como una voz que se ajustaba perfectamente a las instrumentales de rap. No obstante, hasta ahora no existía una pieza en la que Lianna desplegara todo su repertorio sobre este tipo de beats. Por eso fue tan potente cuando llegó Como El Agua en abril de este año, al centrarse exclusivamente en sonidos de soul, R&B y rap. Por eso esta noche prometía ser especial.

Foto: Camila Acosta Alzate |Noisey en Español

Sobre las 6:30 p.m. del viernes, mientras atardecía en Bogotá y aparecían las primeras estrellas, la multitud que estaba esperando empezó a entrar a Lumiere. La fiesta empezó oficialmente cuando Delfina Dib subió al escenario y empezó a cantar adelantos de lo que será su debut como solista. Luego fue el turno de Ruzto: el integrante de Aerophon Crew y del colectivo INDIO dejó ver todo su arsenal, pero se concentró en Efecto Espectador, su más reciente entrega, que narra su experiencia durante el 2017 trabajando en Estados Unidos como inmigrante para poder ayudar a su familia. También impulsó un momento triste pero necesario: un homenaje a viva voz a la crew de VSK, que murieron hace unos días luego de hacer bombing en el metro de Medellín. La gente no podía esperar más para escuchar a Lianna: cada llamado a su nombre extasiaba a los asistentes que expectantes desahogaban sus gritos en el cada vez más lleno Auditorio Lumiere. Pero antes faltaba la presentación una figura tan enigmática como talentosa: N. Hardem. El rapero bogotano recordó sus temas clásicos de Cine Negro (2014), producido por Soul AM, y demostró por qué es uno de los artistas más importantes del país, con rimas que imaginan nuevas formas de utilizar el lenguaje, referencias culturales complejas y menciones de la vida bogotana. Casi ensimismado y con mucha calma, controló el escenario.

Tenía sentido que estos tres artistas precedieran a Lianna. Después de todo, la colaboración siempre ha caracterizado su carrera, con los coros con los que ha elevado incontables canciones. Su música puede entenderse como parte de algo más allá de egos personales: como un acto de amor, de compartir, de solidaridad. Entonces DJ Lolita, fiel escudera de Lianna y en sí misma una estrella rutilante de las fiestas de rap y dancehall en Bogotá, pinchó – en una especie de popurrí majestuoso de introducción – varias de las principales canciones de la carrera de Lianna. Era como si estuviera recordándole al público que estaba a punto de presenciar a una figura que llevaba mucho en esto, que se había ganado su lugar, como más adentrada la noche lo recordaría Gambeta.

Foto: Camila Acosta Alzate |Noisey en Español

Y entonces sonó la voz de Lianna, cuando era una niña llamada Juliana Valentina y cantaba para su familia. Era “Intro: Llegar” de Como El Agua. Mientras tanto, en la pantalla se proyectaban imágenes de un álbum familiar, con una Lianna en sus primeros años. Algunos ojos del público se humedecieron. Justo cuando la caja iba a caer, Lianna subió al escenario. Vestida con un espectacular abrigo azul – como si de una guacamaya exótica se tratara, desplegando su plumaje espectacular – y una camiseta blanca amarrada que revelaba su abdomen, empezó a tararear. Bastó sólo eso para que la potencia de su voz llenara la sala y para que el júbilo de los asistentes se revelara en gritos y aplausos. Iba acompañada de dos cantantes que le hacían los apoyos y segundas voces. Evidentemente conmovida, pero claramente dueña de la noche, dio las gracias y empezó con “Me Quedo Aquí”, una oda a esos momentos que no deberían acabarse, a la felicidad sencilla en un beso o un trago frío, a la valentía de buscar esos lugares que atrapan.

Luego vendrían ”Como El Agua” y “Saberse Ir”, ambas de su último álbum. La primera, una canción sensual que suena a humedad, a momentos llenos de vapor, a fluir; la segunda, un potente tema que da final al álbum, y que narra cómo se encuentran los arrestos para salir de una relación. En este tema Lianna rapea, algo que siempre le había dado nervios hacer por el respeto que le tenía a la técnica, por más que su escuela hubiera sido las colaboraciones con raperos. Pero con la ayuda de Gambeta de Alcolirykoz, explicó, se animó a intentarlo. El resultado fue genial: manteniendo la suavidad de su voz, lograba llegar a un ritmo distinto y más fuerte que permitía encajar más palabras para explicar las situaciones, así como experimentar con flows y texturas nuevos para su carrera. Además de ser una cantante superlativa, Lianna resultó ser también una rapera fulgurante. Por la parte de las canciones antiguas, salió del rap e interpretó “Nunca más”, una bomba llena de energía, carisma y autoestima que dinamizó su presentación. Aunque no todo el público se la sabía, destacaban los hinchas de Lianna de toda la vida que la cantaban con fuerza.

Foto: Camila Acosta Alzate |Noisey en Español

La colaboración volvió y Lianna llamó a la tarima a Ruzto para cantar juntos “Piloto”, de Efecto Espectador. Luego volvió a sus canciones de Paciencia, en la que no solo destacaba ella sino su público, entregado, preso de los sentimientos carnales que desataba aquél trabajo debút hace más de seis años. Vendría luego “Para Adelante”, donde cambió de formato y se acompañó de un piano y una guitarra; la iluminación bajó y todo se sentía más privado. Esto sólo aumentó cuando cantó “Paciencia”, dedicada a su papá. Se notaba que cantarla era un acto fuerte emocionalmente, y mientras lo hacía miraba hacia arriba, uniendo su mirada con la de su familia, que la contemplaba con orgullo. Cuando acabó, expresó su felicidad y agradecimiento, a la vida y a todos los que habían comprado la entrada para apoyarla y estar en el lanzamiento de su disco. Se permitió recordar que para el lanzamiento de Paciencia apenas habían vendido como 50 entradas, mientras que ese día el Lumiere, con aforo para cerca de 700 personas, estaba repleto. La dulzura con la que Lianna hablaba hicieron de ese momento, y de todo el concierto, un evento muy íntimo y especial, como si el nexo musical que unía a todos los presentes fuera equivalente al nexo filial de las familias.

Entonces Lianna – para placer de los asistentes, que lo bañaron con una ovación digna de su estatura en el hip hop nacional apenas subió a la tarima – convocó al coprotagonista de Como El Agua, al que hizo casi todos los beats y al que la fue guiando y acompañando en todo el proceso: Gambeta (El Arkeologo). Su química y cariño eran notorios, tanto en el abrazo estrecho que se dieron en la tarima, como en sus miradas cómplices de un camino trazado a la par, de la mano. Cantaron “Cóctel Espacial”, un tema con tempo alto que es el más enérgico del álbum. Posteriormente el integrante de Alcolirykoz se deshizo en elogios para Lianna: expresó lo mucho que la admiraban y respetaban él y toda la escena del rap colombiano.

Foto: Camila Acosta Alzate |Noisey en Español

Le sucedieron “Cada Paso” – con un humor más calmado y reflexivo, y que fue producida por la misma Lianna, junto con Euribeats y D.J.H – y “Sal”. Mientras tanto, el ambiente se tornaba cada vez más vaporoso, no solo por la aglomeración masiva, sino por los ánimos de un público que secaba sus gargantas en cada canción. Entonces Lianna volvió a agradecer: a Pilar Torres, su manager; a DJ Lolita; a todas las mujeres que hacen música en Colombia, como Delfina Dib; a la audiencia por hacer que el concierto y el proyecto de Lianna fueran posibles, un acto de grandeza, de bondad, de reconocer que el camino no ha sido fácil y que sin esas personas, hubiera sido peor. Tras cantar “Brilla”, llamó a Anyone/Cualkiera de No Rules Clan y a N. Hardem para cantar “‘Antídoto”, un tema anti envidias y rencores que declara que Lianna no le debe nada a nadie ni le importa lo que vayan a decir de ella. Saliéndose del formato tradicional de un verso tras otro, la canción pone a los artistas a jugar entre sí, como un ping-pong de rimas y cantos, lo que la hace una de las más creativas y refrescantes del disco. La noche iba encontrando su final con su canción “Inspiración”, del disco Paciencia, en la que todo el público mantuvo sus manos arriba a petición de Lianna. El postre del gran festín llegó cuando, en vez del rapeo que en la versión original de la canción le corresponde a Kid Cubicle, Lianna rimó en inglés con la confianza, habilidad y ritmo de una veterana rapera de los 90’s.

Foto: Camila Acosta Alzate |Noisey en Español

La foto respectiva al final del show reveló lo grande que era el equipo que estaba detrás del concierto. Cantantes, DJs y todas las personas que trabajaron tras bambalinas posaron para inmortalizar el recuerdo de una noche en la que Lianna siempre estuvo en control, y en la que la generosidad con la que se acerca a la música se le devolvió con creces. Mientras la gente salía hacia Tres/Cero/Tres, bar aledaño donde seguiría la celebración, se sentían la euforia y energía que quedan tras un buen concierto, pero también la conciencia de haber presenciado una voz única en la música colombiana. Eran las 10:30 p.m. y llovía, continuando con la humedad del concierto. La estrella de Lianna nunca había brillado más que en esa noche del 27 de julio en el norte de Bogotá.

Así lo vivimos:

Foto: Camila Acosta Alzate |Noisey en Español

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Chile es un país donde la música popular se desenvolvió tarde por la dictadura militar, pero cuando llegó el momento reventó hacia todas direcciones. Entre los hijos de los exiliados que regresaron y los artistas que se quedaron, se dio una de las culturas musicales más ricas en Latinoamérica, con una diversidad y profundidad que hasta la fecha tienen resonancia con el resto de la región, y con una identidad en su sonido y en sus letras.

Después de recorrer buena parte de las escenas de México y de Colombia, el siguiente paso lógico de TrasEscena más allá de las fronteras inmediatas, fue el más austral. Ir a Chile fue la primera opción porque a diferencia de prácticamente el resto de los países, acá entremezclan géneros, y poseen un entendimiento que parece natural sobre cómo todo tipo de música cabe en el mismo sitio; y en su caso, cada una la practican con un valor agregado distintivo.

Su música electrónica es rebelde, con artistas como Inti Kuntza, Alejandro Paz, Andrea Paz, o Lluvia Ácida, a quienes visitamos; además del sello Cazería Cazador. En el hip hop, comprobamos que esta escena es la más lírica en español, de la mano de Chystemc, Jonas Sanche, Matiah Chinaski (con Salvaje Nostalgia y Mente Sabia Crew) y Portavoz.

En el rock, la carga de la memoria pesa como en ningún otro lado actualmente, y lo vimos en artistas como Yajaira, Adelaida, Tsunamis y Vuelveteloca. La búsqueda de identidad a través del trap fue una de nuestras más gratas sorpresas, con artistas como Lizz, Jamez Manuel, Gianluca, Nación Triizy y Catana, haciendo música urbana independiente con tremenda personalidad y una estética lisérgica. Y el pop chileno, que se distingue por ser uno de los sonidos más pulidos de América Latina, lo conocimos de primera mano con Mantarraya, Playa Gótica, Mariana Montenegro, Cristóbal Briceño y Rubio.

Pero lo que encontramos fue eso y más. Estas no son 5 escenas separadas, es una gran escena de artistas, promotores y fans. Les compartimos el trailer de TrasEscena Chile, y anunciamos este repaso cumplidor de una de las escenas clave de la música popular en Latinoamérica actualmente. Dale play arriba.

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Una de las rivalidades más profundas y productivas dentro de la cultura popular americana es la que sostienen las ciudades más importantes de cada costa: Nueva York, Nueva York y Los Ángeles, California. Dentro de la cosmogonía americana, los paisajes soleados con palmeras y descapotables rivalizan con los laberintos entre rascacielos y el cochambre urbano de los cinco boroughs neoyorquinos.

El equipo de la Meca del básquetbol, los Knicks de Nueva York, se enfrenta dos veces al año al equipo del showtime angelino. Los Dodgers tienen una añeja rivalidad con los Mulos de Manhattan. La cuna de la industria cinematográfica contrasta con los garitos oscuros de jazz de la ciudad que nunca duerme.

Cada lugar posee un sonido único que ha impactado en la industria musical del mundo y de nuestra concepción del mismo. Vamos, la industria incluso infló la supuesta rivalidad en los años 90, con el pleito entre raperos de Cali y de la Costa Este: ningún bando tomó prisioneros. Los chicos de Nueva York no sienten un cariño especial por los de Los Ángeles. Y viceversa.

Durante la historia de la bien documentada rivalidad, existen referencias que han alimentado la llama. Uno de los ejemplos más importantes es la canción "California Dreamin'", original de John y Michelle Phillips de la legendaria banda vocal The Mamas & The Papas. Curiosamente fue grabada originalmente en 1965 por el hombre considerado la piedra angular del pop cristiano: Barry McGuire, con la participación en los coros de las Mamás y los Papás.

El tema habla de la melancolía que siente un californiano durante un duro invierno en Nueva York: heladas bajo cero versus el benevolente invierno de la costa izquierda. La gente pierde la cabeza en los crudos inviernos del hemisferio norte, recuerden a Jackie Torrance. La batalla es bien real cuando se encuentra uno en el invierno septentrional.

Poco después de que McGuire grabó la primera versión de "California Dreamin'", la banda californiana grabó su propia versión con su clásico estilo de armonías vocales y es su canción insignia y de la rivalidad entre las culturas de cada costa. Su dosis de psicodelia también es representativa de ese tumultuoso período de tiempo en los Estados Unidos a fines de los sesenta: Vietnam, derechos civiles, drogas alucinógenas y la cultura de San Francisco. La famosa contracultura.

John y Michelle Phillips en 1967

La canción ha sido versionada múltiples veces, confirmando la envergadura de la composición de John y Michelle Phillips (papá y mamá de Chynna de Wilson Phillips). A continuación les presento algunas de las versiones más destacadas del "California Dreamin'":

Eddie Hazel

Mi versión favorita es la que grabó en 1977 el guitarrista que descendió de la Nave Nodriza piloteada por George Clinton: Eddie Hazel, para su álbum debut Game, Dames and Guitar Thangs de 1977. El cover abre el álbum y fue su primer sencillo. La guitarra espacial de Hazel acompañada por otros iluminados de la mitología del Parliament-Funkadelic: Bootsy Collins y Bernie Worrell, hacen de sus seis minutos, uno de los paisajes clave de la psicodelia y el rock afroamericanos.

Bobby Womack

La versión de Bobby Womack también es una de las mejor logradas en un estilo más soul que la original, incluida también en el debut de Bobby de 1968, Fly Me To The Moon. Bobby sustituye la psicodelia por soul con su interpretación emocional, que es propia del género. Debemos recordar que Bobby formó parte de la banda de Sam Cooke, considerado universalmente el arquetipo del cantante de soul americano.

Lee Moses

Otra de las versiones soul-bluesy que vale la pena revisar es la del guitarrista Lee Moses que viene incluida en su álbum Time and Place, editado originalmente en 1971 y por mucho considerado un Santo Grial del soul sureño. Fue reeditado en formato de vinilo oficialmente en 2016.

Hugh Masekela

Otra favorita es la del trompetista sudafricano Hugh Masekela. Su versión es instrumental y acompañan a su trompeta un piano de influencias latinas listo para ser sampleado. La versión viene incluida en el Hugh Masekela’s Next Album de 1966, donde el trompetista interpreta otros estándares de la música popular de la era.

Wes Montgomery

El guitarrista de jazz Wes Montgomery grabó en 1966 el disco California Dreamin’ en el legendario sello CTI. El álbum fue producido por supuesto por Creed Taylor y la rendición a la canción de los Phillips tiene ciertas influencias de boogaloo. Sin sorpresas, pues es ese periodo de CTI en el que el percusionista Ray Barretto formaba parte de los músicos de sesión del sello.

Baby Huey

La meteórica leyenda llamada Baby Huey grabó su propia versión para el álbum The Living Legend que fuera publicado meses después de la muerte de Huey en 1971. El álbum en su totalidad fue producido por Curtis Mayfield para su sello enclavado en Chicago: Curtom. La versión de Huey también es instrumental y cuenta con esos arreglos orquestales emblemáticos en el sonido de Mayfield.

Existen muchas versiones más famosas que las mencionadas. Tal vez las más recordadas son la del guitarrista José Feliciano y la de los Beach Boys. Y por cierto, para esta interpretación el grupo sí solicitó los permisos pertinentes, no como en la versión que hicieron de "Sweet Little Sixteen" de Chuck Berry, ¯\_(ツ)_/¯.

La canción original de The Mamas and The Papas contiene esa mezcla entre el popular sonido soul de finales de los sesenta, el folk americano y la psicodelia de la época, que la convierten en un documento de indispensable referencia para los siguientes cincuenta años de música popular.

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