Quantcast
Channel: VICE LATAM - MUSIC
Viewing all 6445 articles
Browse latest View live

Justin Bieber no pudo con el odio y eliminó su cuenta de Instagram

$
0
0

 


Screenshot vía Youtube 

Hoy será un día muy largo. Sin importar que acaba de ser quincena, o que hay sol en nuestro cielo, nada podrá llenar el vacío que dejó el Instagram de Justin Bieber. Sabes a qué me refiero: ya no habrá tardes de ocio en el sillón llenas de mociones encontradas gracias a su perfecto rostro proyectado en tu celular. No más especulaciones sobre quién es su nueva novia y mucho menos tendremos idea de con quién está trabajando en el estudio o cuál será la nueva línea de calzones de Calvin Klein que solo se le ven bien a él. 

Tal como lo sugiere el título de esta nota, el día de hoy Justin eliminó su cuenta de Instagram. Todo empezó porque hace unos días sus fans aventaron emojis venenosos hacía  Sofia Richie (hija de Nionel Richie) por salir con Biebs en una foto. Los comentarios negativos fueron demasiados (tenía más de 80 millones de seguidores) y Justin amenzó con hacer su cuenta privada. Con exactitud escribió: "Haré mi Instagram privado si no paran con el odio, esto está saliéndose de control. Si realmente son fans no deberían ser tan malas con la gente que quiero". 

Luego, de acuerdo con The Guardian, Selena Goméz entró inesperadamente al cuadro y escribió algo así como "Si no puedes con el odio deberías dejar de subir fotos con tus 'novias'". Eso desató más comentarios con odio por parte de los fans y en respuesta Justin contestó "Es gracioso ver a la gente que solía usarme para llamar la atención y aún sigue intentando apuntar hacia ese camino. Triste. Todo mi amor". 

Antes de que la cuenta fuera borrada Justin Bieber publicó un par de fotos de su nuevo perro, Selena pidió disculpas por Snapchat y ahora yo no hay más cuenta de Instagram. Aunque no hay que nada tan ridículamente hermoso como las rastas de Biebs y no habrá nadie que logre hacer de la ropa interior para hombre algo tan sexy e inocente, aquí mi sugerencia para remplazar el Instagram de Bieber que tanto amabas. 

 

 

 


Una charla con Perucho Conde, el humorista venezolano que compuso el primer rap en español

$
0
0


fotos tomadas por el autor

Ir a La Pedrera, al norte de Maracay (Venezuela), es el paso próximo para llegar hasta el hogar del primer compositor de un rap en español. Se trata de Pedro Martínez Conde, alias Perucho Conde y está asomado desde una esquina. Agita su brazo como diciendo “¡Soy yo! ¡Soy yo!”. No es necesario. Es el mismo rostro de bigote abundante que aparece en la portada del disco "La Cotorra Criolla" de 1980. Solo los años han hecho su trabajo. A los 82 luce bien.

Con amabilidad invita a pasar. Los perros están encerrados porque son bravos. Así se puede observar la casa con facilidad. Es sencilla y fresca. Frente a ella están las montañas que rodean todo el barrio. El verde es un maquillaje natural. Ese paisaje le despierta buenas sensaciones a Perucho. 5 segundos transcurren. Camina hasta la cocina. Su pareja saluda. Estaba fregando los platos. Seca sus manos para presentarse. Ambos son un par de ancianos que juntados están para hacerse compañía, dice en voz baja. El mueble espera. El equipo de sonido está encendido. Suena a bajo volumen "I’ll be there" de The Jackson 5. La conversación comienza.

Dice que “La Cotorra Criolla” es una canción venezolanizada. Y para argumentar requiere echar el cuento desde el principio: Chuto Navarro era el productor de una casa discográfica. Perucho lo recuerda poco pero cuenta que en Estados Unidos, The Sugar Hill Gang estaba experimentado con nuevos sonidos. Esto fue durante 1979. Tres años después surgió una idea en Venezuela. Al rap en ese momento se le llamaba “cotorreo”, que en Venezuela se refiere a cuando alguien habla mucho. Esto porque la canción "Rapper's Delight", el sencillo que dio a conocer el rap al mundo, duraba más de 10 minutos. Navarro le pasó un cassette al comediante y le dijo: “Haz una cosa como esta a lo venezolano, con esa música que anda moviendo a la gente”, personifica con su vieja voz.

En la Venezuela de 1980 los sueldos no alcanzaban para vivienda, alimentación, salud y transporte. Las políticas ejecutadas afectaban más a la clase media baja. Perucho se identificó con ella. Como todo poeta escribió acerca de lo que padecía. La cantó tanto que todavía la recuerda de principio a fin. Recita un extracto agresivo pero humorístico de la “Cotorra Criolla”:

“Dígame al precio que está el café la leche, las caraotas y el papel tualé, /
tomate, papa y queso baratos se ven solamente en la cuñas de la TV./
Si son las frutas dígame usted / Quedaron pa’ los ricos y familias de caché. /
Esta gente que quiere yo no sé, / Será que nos acostumbremos por ahora a no comé. 
Si como nié, si como nié! 
Subieron las arepas, subieron los cigarros, subieron los pasajes de autobuses y de carros; 
el cinturón yo me lo amarro / y no he caído, porque me agarro 
ya casi no me baño, porque el agua es puro barro 
y subí de peso con tanto sarro / no puedo ni afeitarme no hay agua en el tarro 
y el Inos no sabe ni adonde queda el barrio (…)”

¿Escribiría hoy otra Cotorra Criolla?
No porque uno se arriesga a que lo malinterpreten desde un punto de vista político. Antes hasta invitaban a los presidentes para que participaran en los programas de humor y ellos iban. Pero ahora si digo que no hay medicinas ni pañales ya me etiquetan de escuálido.

Así los seguidores del chavismo llaman peyorativamente a quien se oponga al gobierno. La esposa de Perucho trae dos vasos de agua. "Es muy atenta" dice en tono bajo luego de que ella ha salido. Rápidamente vuelve con lo ofrecido. Él retoma la conversación… cuenta que aceptó la orden del productor y compuso la canción. Era necesaria. A los meses se volvió popular. No lo esperaba. En ese entonces era un humorista con experiencia en locales nocturnos, radio y televisión. Pero “La Cotorra Criolla” lo catapultó a otros países. No se hizo rico:

“A mí me llegaban cheques de pocas cantidades de dinero. Una vez me llegó de Chile uno de 7 dólares. En ese entonces el dólar estaba a 4,30 bolívares. Imagínate. Recuerdo que un viejo amigo español que vivía en Caracas me escuchó una vez en una tienda concurrida de Madrid llamada El Corte Inglés. Yo no sabía que esa canción llegó allá”.

Si su canción solo la entendían los venezolanos ¿Por qué gustó en otros países?
No lo sé. Creo que fue porque la situación en el mundo era similar. Yo ni sabía que aquí iba a gustar. Recuerdo una vez estaba caminando y un señor me dijo que era un retrato exacto de lo que vivía la gente de a pie.

No imaginaba que el rap se convertiría en un movimiento llamado hip hop. El resto de Latinoamérica y España tampoco. Perucho conoció la música porque era lo más sonado en el momento. Él era un humorista y poeta dedicado a la cotidianidad. Un poco similar al género como es hoy, pero él no se interesó en profundizar. Tampoco ahora. 

¿Se considera un rapero?
No. Los raperos ahorita lo que hacen es montarse en un autobús a decir estupideces. "La Cotorra" que yo hice era contenido social.

En los últimos años ha habido buenos raperos venezolanos. Algunos criticaron lo mismo que “La Cotorra Criolla” pero de forma diferente ¿Promete escucharlos?
Claro. Lo haré. Mi gusto musical es variado. Después me pasas por un mensajito el nombre de ellos y los escucharé.

¿Qué tan variado es su gusto musical?
Mira, el rock and roll me gusta bastante. Esta que suena me parece buena aunque hay otras preferidas como Yesterday, Let it Be o In my life. También hay cantantes como Gardel y Simón Díaz que me encantan. Al momento de escuchar a Willie Colón, Rubén Blades o Héctor Lavoe en una fiesta, me pongo a bailar con mi esposa. La Billo’s Caracas Boys es extraordinaria. Los Amigos Invisibles son buenísimos.

¿Le gusta el reggaetón?
Una vez fui a la fiesta de unos nietos. Era la típica fiesta de chamitos. Sonó un reggaetón. Entonces vi que los niños empezaron a bailar como adultos. Los papás les aplaudían y yo no sé si es porque yo ya estoy viejo y eso me parezca anticuado pero no me pareció apropiado que dos niñitos se movieran de esa forma. Yo se lo dije a mi hija y ella me respondió: Ay, papá. Eso es lo que está de moda. Pero para responderte la pregunta el ritmo me parece chévere pero no algunas letras. Aunque debo confesar que al reggaetón le debo algo inmenso.

¿Por qué?
Porque ahorita hay gente que me consigo en la calle. O viejos amigos que todavía me preguntan por la cotorra. Me piden que se las cante pero ya mi voz no es como la de antes. Me operaron hace unos años de la garganta y no puedo decir tantas palabras al mismo tiempo porque la música de fondo de esta canción es rápida. Pero entonces lo que hago es cantarla en el ritmo del reggaetón. Es más pausado tú sabes. Es como tu cu tu cú, tu cu tucú.

Perucho comienza a cantar unos extractos de La Cotorra Criolla al ritmo del reggaetón. Puede citar las frases completas. Aguanta el aire hasta no poder más. Pausa la respiración y luego sigue. A los segundos se ríe.

“Al menos así puedo complacer a la gente".

¿Y por qué no la graba?
Ya yo estoy viejo.

¿Qué hace hoy?
Soy un artista semi-retirado. Estoy reuniendo algunos poemas escritos hace unos años. Por ejemplo, hay uno llamado "Mi Sueño con Raquel Welch". Una actriz gringa. Qué mujer tan impresionante. La conocí al igual que Juan Gabriel, Demis Russó y otros cantantes extranjeros con los que logré trabajar. Yo abría sus presentaciones en Caracas. Ahora estoy trabajando en un nuevo show para fiestas privadas. Como se dice vulgarmente pues: matando tigritos. Hasta ahora nadie me ha llamado.

El silencio mata la conversación. Perucho observa la pantalla de su celular. Dice que son las doce y media. Parece un aviso para culminar el encuentro. Luego de un apretón de manos, acompañados de un “Dios te bendiga”, camina hasta la puerta principal. Se detiene a observar las montañas. Su paz es interrumpida porque suena la cámara del teléfono. Él acepta posar. Sonríe durante unos minutos como solía hacerlo para los fotógrafos. Es momento de irse. Se repite la misma despedida. “La Cotorra Criolla” suena mentalmente mientras el barrio La Pedrera se aleja poco a poco.

Según este estudio la gente que se la pasa en conciertos y festivales es más feliz

$
0
0

Deja de gastar en el psicólogo, la Facultad de Psicología de la Universidad de Deakin en Australia acaba de publicar un estudio que demuestra que ir a conciertos y festivales te hace ser más feliz. Los resultado arrojaron que la mayoría de los australianos que iban a eventos musicales con frecuencia eran mucho más felices que los que no. Los científicos que hicieron esta investigación argumentan que—además de tomar en cuenta que la música ha sido fundamental para todas las civilizaciones y procesos sociales en la historia— los encuestados que ceclararon ir seguido a experiencias musicales comunales reportaron mayores niveles de satisfacción. 

Por otro lado, el estudio puntualiza que estos niveles de satisfacción se deben a la experiencia de escuchar la música en conjunto—osea, quedarte pegado a los audífonos no va a servirte de nada. Los resultados salieron de la muestra tomada durante el 2013 en donde se entrevistaron 1,000 personas al azar. La investigación fue encabezada por Melissa K. Weinberg

Buen pretexto para gastar todo tu dinero en fiesta, ¿no? Ya no es necesario que pases 60 minutos sentado en un diván mientras un estudioso garabatea su libreta para sentirte mejor contigo mismo. Ya manda al carajo las terapias, mejor: háblale a tu dealer de confianza y compra todos los boletos de conciertos que habrá esta temporada. Estás a punto de ser muy feliz. 

Lee el estudio completo aquí. 

 

Lana del Rey escribió una canción sobre sexting y acaba de filtrarse en internet

$
0
0

Imagen vía YouTube

Aaaah, el Blackberry Messenger—igual que la vieja tecnología Messenger avanzó a pasos agigantados, y el iMessage comenzó con un prototipo bastante lindo. BBM estaba ahí para los MP3, los eventos horribles, contactar a tu dealer y, por supuesto, para sextear. Había mucho, muchísimo sexteo. Fotos de penes y chichis abundaban, todas ellas acompañadas de emojis con diseños muy estandar. Y cuando alguien en la escuela te pedía tu Blackberry Pin, sabías que las cosas iban a empezar a ponerse serias. 

Como sea, si querías dar un vistazo para ver esa gloriosa era, mientras escuchas las dulces vocales de Lana Del Rey, entonces hoy es tu día de suerte. Durante el 2011, Lana grabó un demo titulado "BBM Baby" que está dedicado al sexting. Por razones que no puedo entender, decidió no publicarlo, pero como esto es el 2016 y cada movimiento que hagas te atrapará eventualmente, el demo se ha colado en la red.

El track es muy parecido a lo que hizo Britney Spears con "Email My Heart" pero para millenials cachondos, y probablemente sea lo mejor que he escuchado en la semana. Aquí un poco de su genuina letra: "He signs XO, hugs, hey, I know it's true love cause my heart goes yay.” Y hay más: “The way, that you write is crazy, you’re typing this poetical, red roses in your message oh, I think I met my match in you”.

Escucha aquí abajo <3

Buscamos los rostros metaleros más brutales de Río 2016

$
0
0


Portada hecha por el autor 

Los Juegos Olímpicos consisten en elegir a nuestros atletas más feroces y verlos competir por la gloria. Los eventos son brutales, y las mujeres y hombres que juegan en ellos son verdaderas bestias—incluso hasta hay son rusos. Lo que quiere decir que las Olimpiadas son metaleras. Y este año es algo especial porque el país que las recibió fue Brasil, una de las capitales con los mejores headbangers del universo. Lo que probablemente explique por qué los juegos de este verano han sido particularmente hardcore. Por ejemplo, muchos atletas están haciendo tratamiento con ventozas, que es un método terapéutico con el cual les succionan el alma con tazas. Es bastante satánico. Además de que la división notoria entre los ciudadanos en pobreza extrema y el mundo de fantasía que se construyó en nombre del entretenimiento seguramente inspira música con mucha rabia. Pero si todavía dudas de la ferocidad en la que está envuelto ahora Río 2016, da click aquí para ver el video del gimnasta francés, Samir Ait Said, y su huesuda pierna rota. Ándale, da click. Nosotros aquí te esperamos. 

Con todo el remolino de ira que hay ahora en las Olimpiadas (el agua en Río es tóxica), un ojo entrenado puede darse cuenta dónde está escondido el metal dentro de todas esas sonrisas y EDM. Pasamos un día entero buscando los momentos más brutales y extremos de Río hasta ahora. Aquí abajo hay una galería de los rostros más metaleros de las Olimpiadas, los cuales convertimos en posters motivacionales. 

Aurimas Didzbalis, #labestia

Esta bola de músculos es Aurimas Didzbalis. Ganó la medalla de bronce dentro de la competencia de levantamiento de peso de 94 kg y dio una marometa para celebrar. Dios mio. Aprentemente, Didzbalis es un demonio proveniente del floklore lituano. Puede arrancarte los brazos en segundos y volar. Con un aspecto tan épico, lo único que necesita es una guitarra BC Rich y un poco de pirotécnia. El poder para cargar peso se convierte en poder para el metal. 


 

Brianne Theisen-Eaton, el sobreviviente 

Aquí está la foto de Brianne Theisen-Eaton rodeada de los restos de otras corredoras mientras ve hacia el vacío. O esa es la mirada de alguien que sigue vivo en Saskatchewan. Como sea, Theisen-Eaton ganó medalla de bronce dentro de la competencia de heptatlón en la categoría de mujeres. Después de deborar a toda la competencia, sigue insaciable. Inspirador. 

 

 

Fabio Basile, el destripador con medalla de oro 

Después de destripar a todos en la competencia de 66kg de judo, el italiano Fabio Basile dio un grito de muerte para advertir a cualquier mortal que quisiera combatir por su medalla de oro. El Papa hechó agua bendita y puso algo de Cattle Decapitation en honor a Basile. 

 

 

Mathlynn Sasser, Van Liften

Ella es Mathlynn Sasser de las Islas Marshall. Está celebrando su levantamiento de peso de 58 kg haciendo un salto estilo Van Halen (solo los verdaderos metaleros hacen referencias oscuras a Van Halen). 

 

Michael Phelps, el metalero más glorioso

LOL. Lancé palabras llenas de bilis. 
Desde mi intestino desgarrado
Por un maldito burrito que comí hace 20 minutos
Antes de nadar

-- Michael Phelps
 

 

Penny Oleksiak, 10,000 días nadando

Penny Oleksiak de Toronto llegó a las Olimpiadas para ganar dos medallas de bronce, una de plata y otra de oro por nadar. Ahora, Oleksiak puede enfocarse en su verdadera pasión: ser extra en un video de Tool. 

 

El señor Bradley Wiggins, BLAAAAAGH!!!!

El señor Bradley Wiggins (es bastante caballero—lo que lo hace extra metalero) sacó la lengua después de ganar la medalla de oro. 

Larga vida a satán. 

Devin Pacholik ama la sangre y escribe desde Saskatchewan. Síguelo en Twitter. 

El nuevo video de Yokozuna ilustra lo espantoso que es estar en la friendzone

$
0
0

Ser la chica linda no siempre es fácil, sobre todo cuando se trata de poner a todos los güeyes que te tiran la onda en la friendzone porque tienes novio. No lo entiendan mal, estar en una relación puede ser una etapa hermosa, pero entre más batos quieren contigo, más díficil es equilibrar tu vida social sin desatar los celos de tu güey. Para el video de "AM", el stoner y último track de neilyoung, el cuarto disco de larga duración que publica Yokozuna, el dúo de hermanos Tranquilono recreó el típico triángulo amoroso: la morra guapa, el novio celoso y el mejor amigo que babea por ella. 

Mientras los tres enamorados dan el rol por la Roma/Condesa para ir a varios eventos del Festival Marvin, las miradas y pláticas en el oido desatan la testosterona del novio quien termina mandando al pobre friendzoneado al carajo. Mientras ves sufrir a todos por amor, las guitarras melosas que se desprenden de "AM" te envuelven en un ambiente deprimente y nostálgico. Vas a sentir mucha empatía por el pobre compa de chamarra morada que nadie pela. 

Si no te han friendzoneado aún pero por ahí va la cosa, mándale esto a tu "amiga". Tal vez así entienda tus verdaderas intenciones. 

Dando el rol con Eptos Uno

$
0
0


Todas las fotos por Irving Cabello, a menos de que se indique lo contrario

Es difícil que un artista se inspire teniendo una vida ordinaria. Cuando lo único que alguien hace es despertarse, ir a trabajar enfrente de una computadora todo el día, y regresar a ver la tele, es complicado hacer canciones que hablen de cosas interesantes. Más bien, los grandes músicos son aquellos que experimentan, que viajan, que exploran su ciudad y su barrio, que toman riesgos, que le encuentran lo mágico a lo cotidiano, y que logran contar una historia que sea tanto universal como personal. Que se salen de su zona de confort y que gracias a ello conocen música, personas, y hasta aspectos de sí mismos que de otra manera no habrían conocido.

New Amsterdam Vodka alienta a romper las rutinas y tomar riesgos, y por eso nos aliamos con ellos para crear esta nueva columna, en la que seguimos a distintos músicos por sus barrios y nos enseñen cómo es la vida en distintas zonas de la Ciudad de México. Y para empezar, arrancamos con Eptos Uno, uno de los raperos más emocionantes del momento en el país, quien está próximo a publicar su primer LP en una de las tres discográficas grandes que hay en el mundo.

EPTOS

“¡Arre!” dijo el chofer del autobus. Extendió la mano para recibir las seiscientas lanas que le ofrecía Eptos. Era de noche en el desierto y hacía frío. Ahí comenzaron las treinta horas de viaje que traerían a aquel joven a la Batalla de gallos 2006. Antes habían pasado otros autobuses, pero ninguno había aceptado el trato.

“¡Qué gigante está esta madre!”, pensó cuando bajó en la Terminal del norte, en la Ciudad de México. El frío continuaba. Era un frío nuevo. Nunca había caído a la ciudad. Sólo tenía un tío que vivía acá y no contestaba. Cuando contestó le dijo que lo podía ver hasta la una: no sólo estaba trabajando, además vivía al otro lado de la ciudad.

Su valor, su arrojo eran un felino agazapado. No podía gastar de más. No podía cagarla. La feria era poca. Debía llegar hasta Naucalpan. Exactamente a la Florecita, una especie de ex-hacienda que se renta para eventos grandes, en done puedes torear vaquillas y que también cuenta con un toro mecánico. Un taxista le cobraba cuatrocientos varos. No había tenido descanso. Se lanzó en Metro. Afuera de la hacienda había un guatón de banda, y entre ellos Eptos caminaba con una certeza en su interior: Iba a rifarse con todo.

Era como estar en esa escena de The Warriors en donde todas las bandas se juntan. Muchas bandas de rap, clicas, amistades, enemistades: un día inolvidable para la escena del rap en México. Había como 500 participantes. De ahí salieron 16 a las finales.

Eptos llegó a la semifinal. No venía mentalizado para ganar. Su aventura había sido sólo para medir las aguas de estos terrenos. Cada que un concursante avanzaba le caían quinientas bolas en la bolsa. Ganó tres. Ahí se le acercó un chaparrito de aspecto gandul, Dee. Se lo llevó a su casa, aguantó una caguama y se fue a dormir. Ya volvería al año siguiente. Pero esta vez sería el último en levantar la mano.  

 

∞∞∞∞

 

EMECENAS

Hace seis, siete años, Emecenas llegó a la Ciudad de México. En su ciudad ya había conocido todo. Ya había vivido lo que le tocaba. Debía partir.

Lo supo la misma tarde en que llegó el Kevin, su compa que había venido de visita a Hermosillo. Se había logrado colar a un mega reven en donde estaban un friego de raperos. Y en ese momento, una, dos, varias voces comenzaron a sonar en la chompeta de Emecenas. Eran ideas. La principal: irse. “Yo tengo que estar ahí”. Otra voz —una proveniente del pasado, quizá de una peda—, El Muelas diciendo con firmeza, con tanta que Emecenas le creyó: “Si eres muy salsa en tu barrio, no sirve de nada. Debes conquistar el Centro y de ahí, una vez que la armes en el Centro, te puedes ir a cualquier lugar.” Sí, eso es lo que haría.

“Siempre tuve la idea de vender y hustlear,” dice hoy en día Emecenas. Comenzó a mover garra gabacha. En el 2006 consiguió el permiso para vender Lumbre, una marca de ropa. Luego Burner. Promovía marcas nacionales; ahí olfateó una brecha.

Cuando iba en prepa sacó cuatro diseños de playeras. La Real Unión era su crew. Los cuatro se agotaron. Luego le vendieron un pulpo de serigrafía. Cuatro patas, dos paletas y seis brazos. Calaron una semana. Cuando ya lo creía dominado, fue a ofrecer sus servicios. Primero echó a perder un madral de playeras.

Su madre se enfadaba porque el suelo de su pequeño patio estaba manchado. Sucio, ocupado. Iba al gabo a comprar ropa tipo skate. En su auto iba de casa en casa cobrando. Puso su tienda. Playeras, tenis, gorras. Lo conocían como Big Hustle. Cuando volvió al DF lo hizo con una maleta llena de playeras. Venía a un curso de producción de video, de su carrera de Comunicación. Hasta entonces no había volado; sólo le alcanzaba para el camión. Abrió los ojos, le entró el hermoso monstruo de la Ciudad de México, esa cosa de dimensiones descomunales. Lo sedujo. Ya nunca regresó. 

∞∞∞∞


La peluquería Classics Never Die. En la foto, el rapero Yoga Fire, quien solía cortar el pelo ahí.

Hay un punto en donde las historias de arriba se juntan. Tanto Eptos Uno como Emecenas viajaron más de treinta horas para llegar a esta caótica ciudad. Ambos tenían un sueño, uno que iban a cumplir. Ambos salieron del desierto. Los dos llegaron a Ecatepec. Les gusta el rap. Y ahora que los veo hablando, mirándose a los ojos, es claro que en algún momento se convirtieron en hermanos.

La entrada de Never Die se encuentra en las entrañas de la Ciudad de México, en 16 de septiembre #70. Sí, donde un tipo vende disfraces para perro de pésimo gusto. Never Die es una tienda de ropa y peluquería que tienen con sus compas. Apenas entras y ya hay cierto aroma de hermandad. Te sientes a gusto. A veces hay ruido, como de chachalacas. Otras veces juegan futbolito. Emecenas le va al Azul. Y quiere superar una oscura noche en donde Moisés Muñoz anotó el único gol de su carrera. El eterno rival del Azul en esta mesa es el América.

Aquí se juntan los sueños y el compadrazgo. La complicidad de todos los días de ir padela. De no rendirse. Porque hay un bróder que le chinga igual que tú. Que hace playeras, joyas, tatúa, corta el pelo, rapea. Así es aquí, en Never Die, el punto donde se juntan las dos historias. 

“Never Die es el crew,” dice Emecenas. Aquí se plasman los sueños de mucha banda.

Cuando Emecenas comenzó a trasladarse de Ecatepec al centro de la ciudad se dio cuenta de dónde se encontraba. Dos horas de camino. Lo de dedicarse a los negocios es un asunto que proviene de familia. Su abuela vendía pan, cortaban y vendían fruta. “Mi jefa vendía productos chinos. Se me da hacer bisne.”

No tengo dinero, pero dame chance, yo sé cómo administrar este bisne, le dijo a un compa. Dame tres meses y yo levanto esto. Tienen un pulpo donde imprimen playeras para otras marcas y sellos, como Homegrown. “Tengo diseños de Forever, a los que les debo la vida. Son diseños sencillos, pero me he encargado de llevarla a todos lados. La playera la tienen un putero de personas. Yo tengo como veinte, que me voy cambiando.”

“Soy un anuncio de metro y medio de ancho.”


Parte del crew de Never Die en el estudio

“Le vendí mi alma a la tienda,” continúa orgulloso Emecenas. “Llevo dos años y medio; me aventé un año en crisis, cargué con toda la bronca, y me quedé con la idea de sacar esto a flote.” La tienda tiene más de mil productos.

“Encontré el hilo negro: que más que un comerciante, es ser una persona de negocios. Lo encontré en la idea del sacrificio propio. Si quieres llegar a algún lado, si todos los días caminas, un día llegarás. No importa que comiences de cero.

Emecenas ve a Never Die como si viera a un cachorro correr, o un padre en la graduación de su hijo. “Es una idea que yo he visualizado. La idea de cómo va a quedar todo: las ventanas, los pisos, la merca. Es como un súper carro. Va a ser un Daxter. ¡A la verga! Más que tener dinero, quiero tener cosas como esta. Yo siempre fui a hacer bisne, estuve solo en el bisne siempre, pero está chido que varias personas trabajen y te ayuden a sacarlo. Entre más personas me ayuden, más varo ganamos y más ayudamos. El Tino, el Alemán, son mis clientes y trato de no quedarles mal,” dice sobre otros raperos que son compas, pero también frecuentan el lugar.

Saliendo de Never Die puedes ver aparadores, edificios restaurados, e incontables peatones que se desenfocan, como hermosas manchas de colores que sólo sirven de fondo para nuestro andar. En Bolívar nos trepamos al camión que nos llevará a la Obrera. Tráfico de miércoles por la tarde. 

∞∞∞∞

Eptos estudió la secu y la prepa en Arizona. Luego vino a México y no le validaron los estudios. Debió volver a hacerlos. Apenas vamos a la altura de los edificios Mascota. El beat de la sirena de una ambulancia llena el aire. Su sonido huele a azufre, a fin del mundo. Lo único que debe escucharse en el infierno son ambulancias. Ya estamos cruzando Izazaga.

Suenan las balatas del camión y luego el chofer hace ese truco para que el autobús libere aire. Llegamos a la Obrera. El pescadito, el Barba Azul, los hoteles pululantes de travestis, las panaderías, la grasa de los tacos de la esquina, los puestos callejeros de fruta se van retirando.

Los sopes de barbacoa, la pancita, mariscos Manolo, la Perla de la Obrera, los baños públicos, el café de chinos y por fin: El Titán, esa chelería olvidada en Eje Central. Ocupa el mismo lugar desde hace más de cien años, según su dueño. En las paredes hay grafitis. Cada cierto tiempo los cambian. La decoración de este lugar no es algo permanente. Las bolas de cerveza las sirven heladas, con escarcha de limón y sal.

Eptos grabó su primera rola cuando tenía 15 años. Considera que su evolución no ha sido rápida. Comenzó sin que nadie le dijera esto son 16 barras, hay que rapear así. Es un natural. Tampoco ha estudiado métrica ni rima. No de forma académica. El oído se le fue afinando poco a poco. Ahora es fácil escribir para alguien más, escribirles coro.

Ha tomado algunas clases de canto. Le gustó la técnica. La entendió y le parece maravilloso. Quiere seguir haciéndolo. Hay que conocer las herramientas. Quiere estar metido en el estudio mezclando rolas. Es lo que más le late ahora.

“Mi ideal siempre fue rapear sin palabras comunes. Aunque no tuviera flow. Que un vago como yo goce de tantos privilegios. Respeten el prestigio que les dejo en cada verso. Primero, de morro, escuché Control Machete, Delinquent Habits, Cypress Hill,” dice Eptos. En Arizona “tenía unos primos grafiteros que escuchaban más rap gangster, del West Coast: Snoop Dogg, 2-Pac, más cholero el pedo. También del East Coast a Notorious BIG, Wu Tang Clan, 50 Cent.

“Un compa del barrio, un cholo, me ofreció un case de discos, me los vendió. Pura joya rapera. Yo tenía catorce años y por diez dólares me surtió.” Regresaba a México en los veranos. Era grafitero. En uno de esos veranos alguien le vendió música en discos quemados. Rap en español.

Le gustaba el riesgo, se juntaba con una banda de grafiteros y ahí se les pegaban otros vatos, que le daban a la improvisación recio. Eso comenzó a llamar mi atención. 

En Arizona vivían su madre y sus dos hermanas. Le tocó dormir en la calle, ver peleas de pandillas, escuchar balazos de muy cerca. “En ese entonces si eras grafitero, era porque estabas dispuesto a darte duro. Hoy hasta puedes participar en una expo,” dice.

Muchas cosas son las que han cambiado. En diciembre Eptos publicará Hacer historia, su primer álbum de estudio en una disquera grande, Universal Music. Gracias a la comunidad que logró formar junto con otros raperos y productores, poco a poco el esfuerzo que ha hecho para armarla en la Ciudad de México ha empezado a rendir frutos: ahí está la tienda, su gran contrato, y esto es sólo el comienzo.

 

Estamos sentados en Doctor Olvera y Lucio. Una parada antes del gran momento. La Demente trae y trae platos. La Demente... Qué hijos del chile, pienso. Así llaman a la señora que vende estas delicias norteñas. ¿Comida norteña en la Doctores? Dios, ¿a dónde nos ha traído la gentrificación? Ocho salsas distintas. Un puesto de lámina, cuyo nombre oficial es ‘La Tía’. Cabulean, se les rompe la piñata de las carcajadas, brindan, hacen planes. Unas cuantas mesas tiene este lugar, y unas cuantas sillas. En medio del mero barrio. 

Se les ve caminar seguros, conocedores de las calles que los rodean. “Cruzando la calle hay unos postres chidos”, dice Eme cuando termina sus tacos y su burrito. Ellos vivían en este barrio. Fue de los primeros lugares que conocieron bien en este mastodonte que no tiene fronteras. La Doctores es un barrio al que costará arrebatarle las vecindades cochambrosas y cambiarlas por elegantes departamentos para becarios del FONCA, pero eventualmente pasará. 

∞∞∞∞


Foto tomada del Facebook de Eptos Uno

Finalmente, llegamos al momento que todos esperaban. Eptos se encuentra en el escenario y parece un profeta que al mover las manos provoca un violento y rítmico oleaje con los cuerpos del público.

Esa noche, tocaron Faruz Feet, Bull Montana, Gzus Ortiz, Abraham, Vida Baja, Homie Mack Boe. Los anfitriones eran Aabs y Dj Kay Fear. El Foro Mundano está sobre Eje Central. Uno siente estar presenciando algo fuera de serie. Como observar una simiente. De algo de lo que en muchos años se hablará y los que escuchen querrán haber estado aquí.

Eptos es un privilegiado. Se vacía sobre la tarima. Se encuentra consigo mismo. No sale a husmear en la guardia y la técnica del rival. Eso le vale madres. Desde que se trepa sale a dar putazos. Descuenta luego luego. Y no da marcha atrás. Es un encantador de serpientes bailarinas. Con el micrófono pegado a sus labios dice la primera parte de la frase: “Porque el rap en México nunca muere”. El público, yo entre ellos, respondemos con un furioso grito, como si dijéramos una verdad absoluta e irrebatible: Nunca muera. Never. Never Die. 

¿Adivina quién usa vestidos coloridos y canta canciones para niños? ¡Amy Lee de Evanescence!

$
0
0

Foto por Drew Reynolds

¡Deja de hacer lo que estás haciendo de inmediato! Tenemos un anuncio muy importante que hacer: Amy Lee, la cantante ganadora de un Grammy e integrante de la banda de nu metal Evanescence, está a punto de publicar un álbum de canciones infantiles. Amy Lee, a quien seguro recuerdas por haber subido a la azotea del edificio más alto para pedir que quería de vuelta su vida, ha prestado sus vocales para un disco de doce canciones llamado Dream Too Much. Dentro del tracklist figuran "Hello Goodbye" de Los Beatles, "Rubber Duckie" de Plaza Sésamo y una composición original llamada "The End of the Book" inspirada en su Jack, su hijo de dos años que llora cada que se acaba una historia. ¡Todo en esta vida se acaba, Jack! 

La idea comenzó como un regalo para su papá, y rápido terminó en toda la familia reunida en el estudio creando canciones de cuna. Su papá tocó el ukulele, el dobro y el banjo, sus hermanas Carrie y Lori también armaron algunas armonías, y su tío Tom toca la guitarra, el bajo y la harmónica. Incluso Jack hace una colaboración. Amy Lee confirmó durante una entrevista con Rolling Stone que no tiene planeado construir una carrera como la siguiente Tatiana, pero "esto salió de un lugar puro y bastante raro". Según ella, "Era algo solo para ellos y terminó en un producto muy hermoso". 

Puedes escuchar el track que le da título al disco aquí abajo, el cual definitivamente tienes que escuchar si quieres saber cómo suenan las vocales que engendraron "Wake me up inside!" cantando cosas como "There's a monkey in the band, the muffins are sleepy". No tiene ni un solo rap, desafortunadamente, aún así no suena nada mal. 


DJ Shadow o la breve historia del hip hop instrumental

$
0
0


foto de B+, alias Brian Cross

DJ Shadow es una figura interesante en el hip hop. Por un lado representa una escuela en decadencia: la del sample, el scratch: dedo contra el vinilo. Por el otro, sigue vigente como producer, label man, sidekick de figuras como Run The Jewels y G Jones, músico de culto. Le ha entrado al flow del trap con su one man band Nite School Klik y en su más reciente material The Mountain Will Fall (2016); siempre muy a su estilo, evitando a toda costa la caída predecible del beat, el lugar común, construyendo en vez un verdadero viaje sónico.

A no pocos ha educado DJ Shadow. Y aunque ostenta algunas coronas postizas como tener sesenta y tantos mil vinilos en su colección, o ser su debut Endtroducing..... (1996) “el primer disco de hip hop instrumental”; no es para menos: sus sencillos en la Mo-Wax: “In/Flux” (1993)  y “Lost and Found” (1994) con el japonés DJ Krush, ayudaron a consolidar este subgénero. ¿Pero qué es el hip hop instrumental? En pocas palabras: aquel que carece de un MC y que fue producido en una tornamesa por un DJ; o por una banda de músicos. O ambas cosas juntas, pero sin rap. Esta forma de hip hop no siempre gozó de la categoría que tiene hoy, ni el DJ gozó la de músico, ni la torna de instrumento. Fue paulatino. Para entender mejor: repasemos.      

En el principio fue el DJ. Como sabemos: en el Bronx a mediados de los setenta, los hoy viejos bisontes Kool Herc, Afrika Bambaataa y otra decena de DJ's se disputaban el turf con sus potentes sonideros. Descubrieron el break –esa parte de la canción que es un puente que dura unos segundos–, y por medio de la tornamesa cómo cortarlo y repetirlo para que nadie parara de bailar. Entonces la idea era tener el sound system más grande, el más potente. Sendas anécdotas hay en la literatura y en la calle sobre estos años: sus batallas, sus rapiñas, sus criminales y sus héroes. Pero alrededor del 76 el juego empezó a cambiar: Grand Wizard Theodore ganó una batalla en el Bronx por mezclar esposado, y Grand Master Flash se ganó su nombre por hacerlo rapidísimamente y de manera continua. La skill, la maestría técnica, era ahora la bandera. Mark Katz en su Groove Music: the art and culture of the hip hop DJ considera a estos dos –Flash y Wizard– como los primeros instrumentistas de la tornamesa (del hip hop, al menos); antes, la turntable era un reproductor, no un instrumento. Se puede decir que este par inventó las técnicas modernas para los DJ's de hip hop. 

Llegado el final de la década, con la industria musical olfateando alrededor de este nuevo fenómeno, y con la formación de los crews de MC’s, la figura del DJ entró a un segundo plano. En las primeras grabaciones del hip hop: "Rapper's Delight", "Rappin and Rockin the House" del 79, no hubo ningún DJ involucrado. Los Furious Five llevaban el nombre de su DJ Flash, pero al principio él pasaba ante el estudio como una sombra. Los "años oscuros del DJ" son relativos: en esa época el scratch, el quickmixing, la needle drop maduraban y en 1981, a través de Sugar Hill Records, tenemos "The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel", el primer sencillo en solo de un DJ (y en realidad, un live DJ mix de Flash grabado con tres tornamesas). Un año después sale el video de Blondie “Rapture” con Fab 5 Freddie y Lee Quinones y la famosa línea “Flash is fast, Flash is cool”; y también la participación de todos (Flash incluido) en la cinta icónica Wild Style

1982 es también importante porque fue un año de expansión para la escena. El hip hop llegó a Inglaterra y a Japón. Fab 5 Freddie, por medio de Ruza Blue (mejor conocida como Kool Lady Blue), armaba reventones en la disco de Manhattan Roxy, a donde llegaban punkers, rockers, hipsters, skaters, models, blacks, whites, reds; verdadera torre de babel, de donde salieron Grand Mixer D.ST, Bambaataa y el propio Freddie a un tour por Inglaterra y Francia. Para promocionar el tour, en la Celluloid Records editaron 5 singles. Destaca “Change the Beat”. En el lado A rapeaba Fab 5 Freddie en un francés cagado (y, huelga decir, la primera canción de rap en francés), y en el lado B rapeaba Beside a.k.a Ann Marie Boyle. Al final del lado B se escucha la voz de Freddie decir “Ah, this stuff is really fresh!” a través de un vocoder. Esa voz robotizada es un estándar del scratch (y una de las líneas más sampleadas en la historia del rap), un pibote para el tornamesismo.

En 1983 Herbie Hancock, siguiendo con la estela funki-futurista de su pasada década, al lado de Bill Laswell, editó Future Shock. No sólo es un ejemplo temprano de hip hop instrumental, el sencillo “Rockit” es la cumbre del scratch de la vieja escuela y una de las grabaciones más influyentes de los años ochenta. En su presentación en vivo en los Grammy Awards del 84 Grand Mixer D.ST pasaría a la historia. ¿Qué estaba scratcheando D. ST? "Change the Beat". 

En el 85 se celebraría en Inglaterra la primera batalla de DJ's de la DMC. Aunque la New Music Seminar Battle for World Supremacy tenía años celebrándose, con la creación de la DMC el fenómeno DJ, scratcher, sería ecuménico. Basta con ponerse a ver los videos de los ganadores de cada año para apreciar la variedad de nacionalidades, gustos, y la maestría técnica a la que llegaron los scratchers. Precisamente una de estas batallas, la de la NMS del 87, celebrada en Manhattan, entre DJ Cash Money y DJ Joe Cooley, sería la inspiración de Qbert, Mix Masta Mike, y DJ TaShi. Pero vamos por partes: a partir de este momento, como lo apunta Mark Katz, dos escenas serían importantes para el posterior desarrollo del DJ: la de Filadelfia y la de San Francisco.

La escena de Filadelfia sería la casa del citado Cash Money y de DJ Jazzy Jeff. Ellos fueron las cabezas del riddim scratching, el transforming, chirping, avanzadas técnicas de la tornamesa; y Jazzy Jeff de manera particular, un foco de atención internacional por ser el amigo inseparable de Will Smith en The Fresh Prince of Bel Air. Aparte de los 42 episodios en los que vemos al DJ ser aventado por la puerta (o la ventana) de la mansión del tío Phil, Jazzy Jeff y Fresh Prince ayudaron a reivindicar la figura del DJ con su álbum Rock the House y posteriormente con He’s the DJ, I’m the rapper, el primer álbum doble de rap en la historia.

Y la escena de San Francisco sería la casa del llamado "Factor Filipino", en alusión a la enorme importancia de la comunidad filipino-americana en el desarrollo del DJ: las figuras de DJ Babu, de los Beat Junkies, y los ya mentados Qbert y Mix Master Mike, de los Invisibl Scratch Piklz. DJ Babu fue de hecho quien acuñó el término turntablist, que designa a una nueva clase de DJ, uno que no sólo mezcla discos sino que hace música nueva en tiermpo real con los mismos discos. Uno que hace música, no para bailar, sino para escuchar, para meditar. Desde luego, la semilla del turntablism la conforman todos los ancestros de lo que aquí venimos hablando, pero como lo entendemos hoy, el turntablism no fue posible sino hasta mediados de los noventa, cuando las tornamesas mismas cambiaron. Se implementaron nuevos y mejorados mixers, crossfaders flojos y más rápidos, y que resistían el abuso, nuevas agujas especiales para scratch. Vaya, los DJ’s tuvieron que esperar a que la industria ensamblara equipos especiales para ellos.

Estos años serían los más favorables para los crews de DJ’s. Se formarían los Beat Junkies, el FM2.0, el Dream Team y los Scratch Piklz. En palabras del DJ Shadow, los Piklz fueron los primeros en remover la secrecía alrededor del DJ. Hasta antes, el juego se trataba de nunca revelar la estirpe, los colores, pero ellos revelaron cada detalle de su arte.

En el 96 se formó también la ITC: International Turntablist Federation que armaba batallas cara a cara, en cuya primera edición cayó derrotado DJ Babu a manos de Total Eclipse, de los X-Ecutioners. De esta escena de San Francisco también sería importante el trabajo del empresario Dave Paul y su revista Bomb Hip Hop, que editó en el 95 el álbum de culto The Return of the DJ. Esta compilación es la primera vez que regresa el énfasis al DJ, prácticamente desde las aventuras de Grandmaster Flash. Y precisamente también del área de la Bahía y de este contexto de efervesencia y libre experimentación en el hip ho instrumental, es que saldría el hombre de quien hablamos: DJ Shadow. 

Otro de los nombres interesantes de esta etapa es el japonés DJ Krush. Entrados los noventa, cuando las batallas internacionales de DJ’s estaban en su pico máximo, el body trick y el scratch atascado llegaron a su límite. Nuevos gustos entraron en escena, a manos de DJ’s japoneses, que con su sabiduría zen trajeron la calma al desmadre. Baste nombrar aquí a DJ TaShi, que ganó la versión japonesa de la DMC en el 92, y a Krush, que debutó con su homónimo en el 94. Álbum producido enteramente en las tornas.

Esta segunda etapa de los noventa es la que consolidó el llamado hip hop instrumental: estarían en la cima de sus poderes Pete Rock, Dan The Automator, DJ Spooky, DJ Premiere, y desde luego J Dilla y Madlib; pero también figuras menos conocidas como DJ Hi-Tek, Count Bass D, Fat Jon The Ample Soul Physician o J.Rawls. Todos ellos legaron discos para la historia, y ayudaron a consolidar la entidad del producer, hoy en día tan venerada y que se encarga no sólo de samplear, sino de hacer beats, mezclar, cohesionar, dar forma y color a proyectos y personajes enteros.

Y no pasaron ni veinte años cuando la revolución tecnológica y comercial mandó a estos DJ’s a la vejez. Hoy en día cualquier cabrón DJ a los vinilos ni sabría cómo tocarlos. No pidamos ya que se ponga a scratchear. Si queda duda sintonicemos cualquier DJ en la Boiler Room. El propio Shadow ahí es el grano negro en el arroz. Su forma de mezclar, aguja contra acetato, se ve como algo ancestral. No vayamos más lejos, en su presentación de “Nobody Speak” –sencillo de su último material– en el programa nocturno de Jimmy Fallon, él junto con Run The Jewels, se ponen a decir que se juntaron porque tenían las mismas “referencias musicales”: casi todos de la misma edad, el Shadow un poco mayor, arman su charla de viejos. 

Por otro lado, el hip hop instrumental está en su mejor momento: no acabamos de escuchar la versión de estudio cuando ya nos cayó el instrumentals. Los mismos Run The Jewels se dieron el lujo de sacar la versión gatuna de su álbum. La gente consume ahora hip hop instrumental y tenemos figuras como Damu The Fudgemonk, Apollo Brown, Prefuse 73, y un larguísimo etcétera. Sellos como Ninja Tune, que en el 95 editó Remedies, debut de la banda Herbalizer; o Brainfeeder, que en conjunción con el primero, sacaron la pieza maestra de Kamasi Washington: The Epic. Esta forma de hip hop ha ido poco a poco penetrando en los géneros que colindan con él y se eleva ahora como una forma autónoma de música. De Flying Lotus a Raphael Sadiq y de RJD2 a The Avalanches.

Este joven-viejo, DJ Shadow, es probablemente la figura más importante. ¡Qué decir de su debut, el “primer álbum de hip hop instrumental”! Sin duda el referente primero,y aunque el resto de su discografía es siempre ecléctica y arriesgada, no tiene ni remotamente el mismo peso. Su último material, por otro lado, y lo que podremos disfrutar el 19 de agosto en el Plaza Condesa en Ciudad de México, es una delicia: mezcla perfecta de lo old, lo new, con el sello inconfundible del Shadow en la batería, bueno en la drum machine, en la torna. 

Escuela para diseñadores gráficos: Los peores nueve logos de bandas

$
0
0


Daddy Yankee acompañado de su terrible logo. No lo intenten en casa. 

En 2013 Mick Jagger le dijo a su amigo Walton Ford —un artista contemporáneo que se caracteriza por pintar escenas naturalistas que diseñara el logo para la gira conmemorativa de los cincuenta años de vida de los Rolling Stones. Walton utilizó una de sus pinturas de King Kong y le agregó la lengua y labios característicos de los Stones.

Mick y compañía quedaron fascinados ya que sentían que Walton logró capturar el espíritu del tour. Respeto para Walton que logró que los Stones lo felicitaran por su trabajo, debe de dormir feliz imagino. Ahora, los fans de la banda lo aborrecieron y llenaron conmensajes de odio cualquier lugar donde se anunciaba el logo.

Walton dijo: ‘’Estoy orgulloso de que no les guste, las últimas personas a las que quisiera complacer son a fans de The Rolling Stones, es demasiado cool tener una oportunidad para sacarlos de quicio’’. Es sólo una cuestión de actitud ¿no?

Es increíble que el re diseño de un logo —que seguramente Mick Jagger y Keith Richards aprobaron mientras tomaban unas mimosas—les arruine el día, la semana o  el mes a los fans más ‘’fieles’’ de los Stones. Deben haber cosas alusivas a la banda más para discutir o debatir, pero bueno. What a time to be alive! diría un amigo.

Si tienes una banda y quieres un logo terrible, acá tienes un website que hace honor a su nombre: Horrible Logos, que tiene como misión de vida –según sus propias palabras– ilustrar logos horribles a cambio de dinero para comprar cervezas en el bar más cercano que tengan.

Siguiendo con el tema de los logos y las bandas, siempre me he preguntado ¿por qué muchas bandas de black metal tienen conceptos de logo que parecen sacados de algo como uno de los bosques del primer templo de Zelda: The Ocarina Of Time?

Imaginando que en algún rincón oscuro de Google encontraría la respuesta, investigué un poco y según algunos usuarios de Quora expertos en el tema la razón, está en que una de las fuentes de inspiración más grandes para las bandas de black metal era la naturaleza misma: raíces y árboles como también murciélagos y otras criaturas. También hay características representativas del género como: ilegibilidad en las letras o tono macabro.

Agregan que la ilegibilidad en los logos de este género es amigable al uso de ideogramas satánicos o paganos. Si te estás preguntando qué diablos es un ideograma, son estos signos no lingüísticos que representan globalmente conceptos o mensajes comunes como, por ejemplo, las señales de tráfico.

Ya sabemos que el logo original de The Rolling Stones es uno de los más icónicos en la historia: con sólo pensar en el nombre de la banda, automáticamente lo asocias con la lengua y los labios. Gracias, John Pasche.

 La historia cuenta que Mick Jagger quería algo parecido al estilo de la diosa hindú Kali. Igualmente Pasche encontró inspiración en la lengua y labios de Mick. ‘”Cuando estuve cara a cara con Mick lo primero que noté fue el tamaño de su lengua y sus labios”.

Igual enseñarte los mejores logos no sería tan divertido, así que aquí está nuestra selección de los logos más raros de la industria musical.

Advertencia: no importa si amas u odias la música de estas bandas. Hablamos de logos, no de notas musicales, así que puedes relajarte y fuma algo para ver lo que hay a continuación. 

 

Averse Sefira


Bueno: Siento que estoy en un bosque nórdico a las 3:33 AM luego de haber sido mordido por un lobo feroz con una capa negra. Estoy desangrándome, y al ver una luz roja en el bosque pensé que venía la policía a rescatarme pero no, era este demonio con alas que puedes observar en el logo de la banda que vino a llevarse mi alma y dar los restos de mi cuerpo a las gárgolas que le guardan la espalda. El demonio tenía tatuada la cara de un miembro de la banda, descúbrela

 

Dave Matthews Band


¿Quizás estoy siendo muy exigente? ¿Los mensajes escondidos en el logo son como cliffhangers para esperar discos nuevos de la banda y así encontrar mensajes ocultos en las letras y por fin conocer el significado? ¿Qué tiene que ver una bailarina con complejo de Jesucristo con la banda? ¿Por qué no tiene cabeza? ¿La degollaron y crucificaron por bailar? Necesito respuestas urgentes.

 

Soon To Be Forgotten


Si no te molesta la sangre de fondo, la tipografía, la niña con un solo ojo —ya que el otro se lo comió el mounstro del Upside Down, la boca cocida para que no dijera absolutamente nada de lo que pasaba en su recámara por las noches, ni lo que pasa cuando ves este logo por más de 66 segundos sin pestañear y luego miras para un lado, ¡Felicidades! Escogiste bien tu carrera y celebremos que no eres diseñador gráfico.

 

Daddy Yankee


Daddy –no, no tengo daddy issues— si tú no eres metalero ¿por qué diablos tienes este logo? No me llegó el memo que ahora tocas power chords en tu guitarra puntiaguda. Estoy seguro que Daddy Yankee no se debe de imaginar el daño gigante que ha ocasionado en las espaldas, antebrazos y piernas, de muchísima gente en el mundo que se ha tatuado este logo.

 

Nickelback


Esta banda al parecer no hace nada bien. En serio. Es como si tomas ese tipo de sellos que puedes encontrar en alguna oficina de abogados y sellaras un papel: el resultado siempre será el logo de Nickelback. Siempre.

 

Anal Cunt


El nombre es de mis favoritos, siendo sincero. La A del logo a primera vista asemeja la entrada del ano, y la C es un clítoris. O también como la entrada del ano pero esta vez con un ojo. Sí, un ano con un ojo que al parecer está llorando. A esto lo acompañan dos X que si al menos fuesen tres el misterio estaría resuelto: XXX.

 

Anal Blast


Les tengo dos noticias queridos amigos, una buena y una mala. La buena es que seguimos con las bandas con nombres anales. La mala es que este logo representa específicamente al nombre de la banda.

Fin.

 

Spaceman


Buscas un billete de dólar, tomas LSD, luego entras a YouTube y buscas cualquier video sobre alguna teoría illuminati como por ejemplo este. Cuando termines de ver el video tomas tu laptop, abres illustrator y dibujas lo primero que se te ocurra. ¿Listo? Así salió este logo también.

 

Tool

Este lo tenía que dejar para el final, ya que siento que lo merece. El nombre de la banda es Tool, que en castellano significa herramienta, todo bien por ahora. Bueno, entonces hagamos una herramienta con forma de pene y dos testículos porque bueno, el pene es una herramienta. Mmm.

Festival Neutral 2016: Menos pose y más música

$
0
0


Todas las fotos fueron tomadas por Carlos Molina 

Cantidad de cervezas tomadas: cero. Cantidad de borrachos sin polera con exóticos disfraces: cero. Drogas consumidas: una, pero ya llegaremos a eso.

La nueva versión del Festival Neutral llegó el fin de semana a su casa, la capital de Chile, Santiago, y un amplio centro cultural ubicado en la colita del dowtown fue el lugar que consagró a la celebración como un espacio para los adictos a la música más que para los que buscan divertirse al ritmo del EDM. Un sábado hecho para quienes prefieren descubrir sonidos en lugar de organizarse todo un día a punta de cuerpos guapos y selfiesticks.

Cuatro de la tarde, y mientras meses atrás miles de personas disfrutaban de un alcohol de contrabando en Lollapalooza, el Neutral recibe a abrigados amigos que empiezan a caer en goteo mientras buscan una bebida o un pastelito de la cafetería ubicada fuera del teatro principal donde circularon los actos más masivos de la tarde. Butacas, luz tenue y Felicia Morales le dan el vamos a la sesión perfecta para descansar después del almuerzo. Buena música y un asiento cómodo, nada de primeras filas saltando ni banderas, sólo nueva formación que ya había estrenado en la versión mexicana del asunto.


Felicia Morales 

La mujer que se encargó de dejarnos el corazón calentito se repitió el plato cuando llegó el turno de Caravana, la banda que buscaba la necesidad de sello y por la que casi tenemos que darle las gracias por Quemasucabeza -y por ende, de toda la fiesta-no-fiesta que vivimos el fin de semana-. Qué placer fue sólo sentarse por ahí a escuchar lo que tenía para cantar Rodrigo Santis junto a las partes de Congelador y Los Días Contados, que conforman las filas de los músicos que este mismo año se pasean presentando su Caravana. Íntimo e intimidante ver el nivel de talento en un espacio hecho para obras y emociones.

Algo similar a lo que hizo Cristóbal Briceño en el show más concurrido. El líder de los Ases Falsos se sacó el buzo, se puso pantalones, y con nada más que una guitarra tuvo coreando distintos pasajes de su carrera a punta de unplugged. Aplausos y gritos mientras que el otro grueso de espectadores -muchos de los que acusaron al teatro de ser somnífero- se dividía entre dos aventuras.

Un poco más allá del espacio principal, en una sala en bajada que está completamente sellada y pintada de negro, los peruanos de Laikamorí le dan justicia a su acto, que el día anterior había sido contaminado por el mal lugar elegido para la fiesta de bienvenida de Neutral, por donde también pasó El Guincho. Día nuevo, borrón y cuenta nueva: los vecinos son todo un viaje. Las veinte personas presentes nos sentamos en unas tarimas y nos dejamos cautivar con la fusión electrónica del dúo que se encargó de fliparnos la cabeza con visuales que llamaban a tener una estampilla de ácido a mano. Lo mismo se repitió durante Las Mairinas y Los Días contados. Los primeros, con Walter Roblero de Congelador a la cabeza, deleitaron en un intenso y corto show donde el ruido y las capas sonoras fueron las protagonistas. No hubo espacio para el silencio, algo que los diferenció del segundo dúo compuesto por Juan Pablo Ábalo y Luis Felipe Saavedra, que a punta de anécdotas decoró el paseo por sus Tocaciones y las Variaciones sobre Tocaciones.


Las Mairinias 

El histrionismo viene en dos formatos. Mientras Los Días demostraron el suyo con cada tecla tocada en sus máquinas aún estando sentados y en calma electrónica, el tercer escenario tuvo su propia fiesta a saltos y gritos. Lo más parecido a festival como entendemos, y el lugar donde todos los asistentes convergimos finalmente.

Clubz prendió los motores en cuanto ‘Golpes Bajos’ sonó, pero la masa —que a cada minuto se hacía más grande tras llegar del almuerzo familiar o escapar de la tranquilidad de los asientos espectáculos— estaba esperando el paso nacional. Dos de las bandas reinas de la nueva escena chilena, Patio Solar y los Niños del Cerro, hacían su debut en sociedad y los más jóvenes y fanáticos se fueron instalando, listos para revolear la polera o bufanda o lo que tuviesen a mano. Como sueles ver en los festivales más grandes.

Patio, con todo el romanticismo veraniego que llevan sus piezas, logró hacernos mover los pies de un lado a otro, de manera simpática. Imposible no cantar y sonreír mientras los mismos integrantes de la agrupación se mostraron felices por la invitación. A diferencia de sus amigos del Cerro, esta banda no ha sabido de tarimas patrocinadas por grandes marcas. Con frío o no, hubo que sacarse las primer capas de ropa porque la música que tienen estos jóvenes para mostrar invita a pasear por la playa, fumar marihuana en la costa, y darle la mano a tu pareja. Y justo cuando ya estábamos más ligeros de prendas, Simón Campusano y sus amigos suben al escenario para regañarnos porque no estábamos bailando lo suficiente. 


Patio Solar 

Saltos, gritos, catarsis. Como cada presentación de los oriundos de La Florida que nos hace sentir en un ensayo en alguna casa de los integrantes, que llegan en micro y se van en la misma. Soy testigo de aquello porque a eso de las doce de la noche figuraba junto a dos de sus integrantes esperando que el bus pasara por la oscura calle.

Un cover a Miguel Bosé hecho mashup con el famoso ‘Hotline Bling’ de Drake y quienes no conocían a los músicos explotan. Son talentosos, es innegable. Son amorosos, tampoco se puede negar y se ve a simple vista cuando pelean sin miedo con su sonidista gritando un “ya po, conchetumadre” o nos obligan a acercarnos al elevado escenario diciéndonos lo fomes que somos.

Se acerca el fin. Protistas llega como jugador seguro. Son una banda probada, sus canciones ya las sabemos de memoria y la limpieza que muestran en su presentación responde a la cantidad de veces que vienen tocando lo mismo. Están afiatados y se les ve sonrientes. Están felices porque se sienten una especie de padres de los músicos que pasaron anteriormente por ese mismo lugar durante el sábado.

No sabemos si son padres, pero al menos estamos conscientes de que sí escuchan su música. Integrantes de Patio y Niños se ven el público de Álvaro y compañía, cantan sus canciones y las ponen en sus perfiles de Facebook. Protistas coquetea con su público y apunta a quienes han visto en reiteradas ocasiones en diversas tocadas. La masa, que durante todo el día fue heterogénea, comienza a transformarse en una. El último espectáculo de la jornada está reventando la Sala Bunster y de pronto el Neutral junta sus brazos y se hace uno.


Protistas 

Salgo a fumar un cigarro, un curioso me ofrece un poco de marihuana. Está con dos amigos, o algo así. La primera es la encargada de abrir la puerta de acceso a la sala que recibió los números nacionales y a Clubz, el segundo es un fanático de Patio Solar que fue a sacar fotos como pasatiempo, el tercero es un tecnólogo médico con mucho carisma que sólo vino por los Ases Falsos así que podía estar afuera, conmigo, fumando un pitito que sacó de su bolsillo.

Lo mismo pasaba adentro: los curiosos, los fanáticos, los treintañeros con y sin hijos y los más jóvenes que todavía tenían ánimos para saltar, reunidos dentro de tanta sobriedad y celebración familiar. Neutral no tiene tiempo para ser el festival de moda porque tiene cosas más importantes de las que preocuparse, como el elegir bien qué tendrá en cada edición y cómo formar un cuerpo sonoro coherente pero no por eso aburrido.

Los Quemasucabeza no necesitan andar buscando marcas de cervezas que los auspicien porque cuentan con la pierna más fuerte: olfato musical, con certeza y variedad. Pop y experimentación familiar en el retorno del festival que viene a dejar en claro que lo suyo es hacer las cosas bien, más que hacer las cosas divertidas.  Para los borrachos, los ácidos, y las coronas de flores, tendremos que ir a otro.

El resto de las fotos está aquí abajo: 


Caravana



Los Dias Contados 

Cristóbal Briceño 



Las Mairinias


Clubz 



Patio Solar






Niños del Cerro 







Rob Mazurek


Protistas 





 

 

Earl Sweatshirt reflexiona sobre la mortalidad, porque así es, en “Balance”

$
0
0

Los sencillos que se desprenden de las series de Adult Swin han sido impactantes este año. Bomaye” de Thenolnious Martin y Joey Purp ha sido lo más fuerte que ha soltado Save Money este año; y Against Me! obtuvo un espacio en este nuevo disco con “Haunting, Haunted, Haunts”: Blanck Mass soltó alrededor de ocho minutos de ruido frenético con “D7-D5”; además hubo una colaboración de Ryan Hemsworth, Keaton Henson y Mitski. 

Esta mañana, la última parte de la serie saliño acompañade de "Balance", un track hecho por Earl Sweatshirt que cuenta con la colaboración de Knxwledge . Es un hit rápido, pega en los primeros 90 segundos, pero eso no impide que Earl lo use para reflexionar sobre la mortalidad: “I've been tryna tell a different story / Find balance and I'm tipping off / And tell grandma I be with her shortly”. El beat flojo de jazz que maneja Knxwledge es con lo que Earl está acostumbrado a trabajar, indiferente y cansado.  

Escucha aquí abajo: 

Follow Noisey on Twitter.

¡Quítate los zapatos! Pixies publicó "Talent", un track para brincar en la cama

$
0
0


Foto vía 

Igual que toda la vida, a los Pixies les gusta marearte con riffs inesperados y percusiones que te sacan de órbita. Ahora la banda presenta "Talent" el segundo sencillo que se desprende de Head Carrier, su próximo y primer material de larga duración desde Trompe le Monde. El track es una mezcla mareadora de batería, guitarras y vocales en eco que cada vez se hacen más grandes; la melodía perfecta para quitarse los zapatos y brincar sobre la cama. En resumen, todo lo que esperas de los Pixies pero más moderno y bailable. 

Escucha aquí abajo el track. Head Carrier sale el 30 de septiembre. 

Danny Brown sigue rapeando como un loco en “Pneumonia”, como debe de ser

$
0
0

Danny Brown le dijo a la Rolling Stone el otro día que su nuevo disco Atrocity Exhibition, salía en septiembre y "estuvo inspirado en Raekwon, los inicios de Björk, Joy Division, Talking Heads y Toxicity de System of a Down". Todas estas influencias son algo que solo Danny Brown puede poner agrupar en su cabeza para después mezclarlas y crear tracks como “When it Rain”, el primer sencillo que salió del nuevo disco. En medio de todo ese ruido y angustia, esas influencias sangran en conjunto. 

Adivinar cuáles (o qué) de esas influencias hay en “Pneumonia” no es fácil. El segundo sencillo de Atrocity Exhibition desvanece todo el ruido y descontrol para dejar a Brown solo a la mitad del mix, paranóico y desatado. Atrocity Exhibition va a ser un material muy raro, un poco terrorífico y probablemente muy brillante. 

Alex Robert Ross wants to hear Danny Brown really run with that System of a Down vibe. Follow him on Twitter.

PREMIERE: CL conquista Nueva York en su video para “Lifted”

$
0
0
 
¡Aquí está! En noviembre hicimos la premiere del track "Hello Bitches" de CL. Sus todavía frescas colaboraciones con Diplo, Riff Raff y OG Maco, fueron otro paso para que la cantante de 2NE1 conquistara al mundo mientras tomaba su camino como solista. Ahora, con 25 años cumplidos, regresó con otro sencillo en solitario y puede verse en sus ojos que busca enamorar a América. Aquí abajo está la premiere de su video para "Lifted", el cual fue dirigido por Dave Myers, quien ha grabado de Britney Spears a JLo a Jay Z a Missy y muchos más. Musicalmente es parecido al trabajo de M.I.A, también hay un poco de Iggy, es rasposo y tiene swag. Todo muy bien acompañado de una colisión de productos patrocinados por HBA, Moschino, Vetement, Lynn Ban y Yohji Yamamoto, apilado junto con mucho oro. CL se comporta como si ya fuera dueña de Nueva York. Se pasea por los escapes contra incendio que hay en los edificios, pasa el tiempo con su crew en canchas de basketball, rolan por East River sobre una nube de humo y agita caguamas en el aire. Lo de siempre. Ah, y... ¡Sale Method Man! 
 
Aún no se sabe cuándo saldra su disco pero por lo mientras, logramos captar la atención del fenómeno coreano para una plática bastante breve. Lee la entrevista y ve el video aquí abajo: 
 

Noisey: El video fue grabado en Nueva York y es claramente un reflejo de la cultura estadounidense. ¿Podrías contarnos un poco sobre los productores con los que trabajaste y la inspricación detrás de la canción? 
CL: Esta canción fue hecha hace unos años durante Año Nuevo. Estaba en el estudio con mi productor Teddy por alguna extraña razón y decidimos hacer música. Empezamos viendo videos del Wu-Tang Clan en YouTube y  “Method Man” salió. Entre a la cabina con las letras y empecé a tararear la melodía, lo que después terminó por convertirse en "Lifted". 
 
¿Qué tal la pasaste grabando en Nueva York? En el video parece que la estás pasando muy bien... 
¡Fue increíble! Soy muy fan de Dave Meyers y sus videos musicales. Todo lo que pasó en esta grabación fue hecho en el momento. Le pedimos a gente que conocíamos que nos ayudaran de último minuto. Caminamos por la ciudad con la cámara. Incluso la escena con la novia no fue planeada. Filmamos en espacios icónicos de Nueva York que yo veía en los videos así que fue muy divertido. Trabajar con Method Man fue un honor. Amo su música a pesar de no haber nacido en su época. 
 
¿Qué es lo que más te gusta de Nueva York? 
Soy una chica de ciudad, viví en Seul y crecí en Tokyo y París. Nueva York definitivamente es una de mis ciudades favoritas. Amo la cultura, la gente, su actitud, la música, el arte y la moda. Me encanta su cultura joven y amo su comida. 
 
¿Cuál es el mejor momento para escuchar esta canción? 
Queda bien con una fiesta o simplemente pasear en el carro. Me pone de buenas y creo que está llena de buena energía. 
 
¿Cuánto tiempo tardas en acabarte una caguama?
Depende de mi humor. 
 
 

De Egipto hasta Irán: Un viaje por la nueva música africana

$
0
0

 


Dope Saint Jude, foto vía

 

Hace unos días en VICE hablábamos del GQOM, la nueva música surgida de los suburbios de Durban que los taxistas utilizan para atraer al personal, y que tanta atención está recibiendo en medios y páginas especializadas del mundo occidental. El artículo, además, remitía a un documental, éste (que deberías ver) en el que se explica el origen y las constantes vitales que definen el género.

Más allá de los jóvenes francotiradores del Gqom, África sigue siendo el lugar donde mirar y escuchar para escapar del dominio anglófilo (y americanófilo), un territorio enorme que no para de ofrecer música excitante semana tras semana para regocijo y goce de aquellos que tienen los oídos bien abiertos. Hemos investigado un poco entre tanto y tan buen material para escoger algunas propuestas más que ensanchan ese camino exuberante y lleno de bifurcaciones por el que transitan los jóvenes africanos de hoy, de Egipto a Mali pasando por Sudáfrica, Etiopía, Congo o Irán (sí, Irán).

Islam Chipsy & EEK

El proyecto de Islam Saeed y sus camada de colaboradores surge en paralelo a la revolución de la primavera árabe, y viene cargado de psicodelia, corrosión, repetición y agresividad, transformando el talante celebratorio de la música de bodas y comuniones (el tradicional chaabi) en un lenguaje combativo puramente instrumental, que no queda tan lejos del trance y la tradición rave. Lo llaman mahraganat o electro chaabi, y es el sonido de las calles de El Cairo de hoy. La prueba más clara de todo ello es "Kahraba", traslación al estudio de las barbaridades que suelen ejecutar en directo, con canciones largas (10 minutos de media) y totalmente anti radio-friendly. La traducción del título del disco revela el concepto clave de su discurso: electricidad.

Luka Productions

Presentado por Sahel Sounds, el sello del americano Cristopher Kirkley que tanto ha hecho (y sigue haciendo) para dar a conocer los sonidos de la franja del norte del continente, Luka forma parte de la escena hip hop de Bamako (Mali). La estética y los códigos los copia abiertamente a los yanquis, como hace todo el mundo, pero la música es pura África: velocidad al límite (rozando el footwork y el shangaan electro), auto-tune vacilón, sintes infecciosos y melodías elementales y altamente adictivas. "Mali Kady" es su debut en formato cassette. Puedes comprarlo aquí.

 

Dope Saint Jude

La irrupción de Catherine St Jude Pretorius en la escena de Cape Town viene marcada por sus firmes posturas políticas y, sobretodo, su filiación queer, algo poco común en el hip hop y menos aún en África, aunque Sudáfrica pasa por ser el país más avanzado de la zona en la igualdad de derechos para los gays y el único del continente que permite el matrimonio entre parejas del mismo sexo. No se pierdan el vídeo con Angel-Ho, ni sus provocativas fotos vestida de virgen en la portada de "Reimagine", su poderoso EP de debut, que incluye varias expresiones en "gayle", el slang propio de la comunidad queer de la ciudad.

Mikael Seifu

La historia es conocida: Seifu abandonó Addis Abeba para estudiar en el Ramapo College de New Jersey, donde descubrió que no le interesaba en absoluto el clima de competitividad y el enfoque comercial de la industria yanqui. Aunque algo aprendió, sin duda, porque, ya de vuelta en Etiopía, su sonido creció enormemente, en gran medida debido a la inmersión de Seifu en la música antigua de su país. Su mezcla de tradición y avanzados métodos de producción digital ha moldeado las canciones del hipnótico EP "Zelalem", publicado en el sello neoyorkino Rvng Intl., y del colectivo Ethiopiyawi Electronic, del que es algo más que su cabeza visible.

 

Absence (recopilación)

¿Alguna vez se preguntaron como podría sonar la música experimental creada en Irán? Probablemente no, pero no importa. Arash Akbari nos da la respuesta en "Absence", compilado de 12 tracks que se mueven en los a menudo inhóspitos terrenos del ambient y el drone-noise. El propio Akbari, figura central de la escena de Teherán, aporta un track, y otro de los participantes, Siavash Amini, apunta en el texto introductorio del disco que no hay que juzgar estas piezas con el prisma clásico de occidente, ese que relaciona todo lo que sucede en el país árabe con su complicada situación política. Necesario pues escuchar dejando prejuicios a un lado y penetrar sin miedo en los pasajes aislacionistas, las frecuencias chirriantes y los apuntes de folklore y tradición que asoman sin avisar a lo largo del recorrido.

Kajama

Criadas entre Zimbabwe, Suiza y Suráfrica y residentes actualmente en Johannesburgo, las hermanas Ndlovu son Kajama, un novísimo dúo de soul-pop digital del que apenas conocemos solo una canción, la excelente "Tricks". Eso sí, ambas habían participado ya en varios temas de "Free Love", el álbum del año pasado del grupo liderado por Spoek Mathambo, Fantasma. Nongoma, la mayor, ya con varias colaboraciones antes de formar el proyecto, se encarga de las voces, mientras que Nandi, la menor, produce y trastea con sintes y abletons. Si su nombre empieza a aparecer por todas partes en las próximas semanas no será ninguna sorpresa.

NON

Más experimentación, esta vez deslocalizada y sin país concreto al que apelar. Tal como dicen en su bandcamp, NON es un colectivo de artistas africanos, tanto los que viven en el continente como lo hacen en la diáspora, que tienen en común el uso del sonido como materia prima de su expresión artística. Al frente están Chino Amobi, uno de los "exiliados" (nigeriano residente en Virginia) y Angel-Ho (ver el párrafo dedicado a Dope Saint Jude más arriba). Entre sus últimos movimientos hay que destacar la conexión que han establecido con NAAFI y que de momento ha dado sus frutos en un sencillo que no tiene desperdicio. Su bandcamp y este recopilatorio de abajo son una perfecta puerta de entrada a la mejor música contemporánea creada ahora mismo en África (o por africanos viviendo en cualquier parte del mundo). Escucha obligada.

Mbongwana Star

Estos no son jóvenes precisamente, aunque el proyecto sí se pueda considerar como tal. Dos de los miembros de la banda, Coco Ngabali y Theo Nzonza, fueron fundadores en su momento de los populares Staff Benda Bilili, y en su primer álbum, el espectacular "From Kinshasa", colaboran otros clásicos de la música congolesa, Konono Nº1. No hace falta añadir mucho más: denle al play al vídeo de Maluyaki e investiguen por su cuenta. Muy difícil imaginar una mezcla más lograda de pasado y futuro de la música africana.

 

 

Del shoegaze al tweegaze y el extraño nuevo sonido de Culiacán: Una charla con Pure Morning

$
0
0


todas las fotos, vía

¿Qué es la descentralización en el ámbito musical, sino un efecto propio del público mexicano que deja de buscarlo todo en una sola ciudad, para ampliar su panorama y encontrar cosas nuevas en lugares inesperados?

Al girar nuestra cabeza hacia ciudades como Tijuana, Mérida o Culiacán, nos damos cuenta de las muchas propuestas independientes que este país ofrece y Pure Morning es definitivamente la que más nos interesa de Sinaloa.

Fusionando una base de shoegaze con rápidos matices pop, que se derivan en su tan llamado “tweegaze”, con ese toque despreocupado, la música de este conjunto ha logrado no solo poner a su ciudad en el mapa, sino levantar la esperanza de que otros proyectos salgan de Cualicán y desarrollar iniciativas como Emma’s House Records que, hoy por hoy, proyecta de manera internacional a talentos independientes mexicanos.

Próximamente, la banda se presentará junto a DIIV & Beach Fossils en el marco del Verano PLOP Radio y por eso aprovechamos en Noisey no sólo para conocer más allá de sus sencillos y videos, al proyecto que se ha convertido en la “band to watch” de Sinaloa, sino para entender un poco el tema relacionado a Guadalajara, y esta gran escena de bandas de Culiacán que se refugian en sus calles, procurando siempre dar el siguiente paso hacia el DF y eventualmente, fuera del país.

Monterrey tiene su historia, Guadalajara tiene su historia y hoy, hasta Zacatecas tiene su historia de música alternativa. ¿Cuál sería la de Culiacán? ¿Qué bandas podrían tomar como las pioneras de un sonido alterno y de no haberlas, cuales han sido las que creen ustedes comenzaron a hacerlo?
Han habido bandas que se han consolidado dentro de la escena independiente sinaloense como casi legendarias, tal es el caso de Taller Para Niños o La Naranja Mecánica, las cuales sin lugar a dudas fueron bandas muy importantes en este ambiente. Dentro de este mismo rango, podríamos incluir a bandas como Los Nuevos Episodios o importantes bandas de ska como La Marcha de la Banda, Skoria y así nos podríamos ir hasta el metal donde bandas actuales como From Alaska han hecho sonar a Sinaloa en todo el mundo, o más de antaño y que siguen vigentes como Evil Heart, quienes han hecho bastante bien lo suyo teniendo giras por Europa un par de veces y en Canadá más recientemente.
Aun así, y con todos los méritos que merece cada una de las bandas mencionadas, creo que la historia de la escena musical independiente en nuestra ciudad y Estado, apenas se está escribiendo, ya que gracias a un trabajo entre bandas y sellos independientes como Emma’s House Records, Cintas, por mencionar algunos, en conjunto con algunos blogs de música independiente como PLOP radio, se han dado a notar bandas como Coco, The Dooms, NÖRTE, Toro Metralla entre otras. Creemos que formamos parte de un movimiento bastante interesante, no solamente a nivel local, si no ya nacional, en cuanto a música se refiere.

¿Cómo comienza Pure Morning y de qué manera decidieron que el sonido de la banda sería “tweegaze”? ¿Nos podrían adentrar más en las influencias, nombres y vertientes que dan vida a este género?
La banda como tal comienza muy curioso, unos meses antes (como 6 o 7) de que saliera Space Dive a la luz, habíamos empezado Mario y yo (Jesús) a componer unos cuantos temas muy chillgaze. De hecho, hay un EP por ahí de eso, era algo más como Wild Nothing en Nocturne mezclado con M83 en Saturdays = Youth. Fue muy extraño, yo tocaba el sintetizador, en ese entonces nunca en mi vida había agarrado una guitarra, Mario se encargaba de las guitarras y Víctor, nuestro primer baterista, de las baterías... jaja. Realmente no teníamos a nadie más y necesitábamos vocalista porque ninguno de los 3 sabía cantar o algo parecido. Como no conseguíamos más miembros, paramos y dejamos de ‘ensayar’ por un tiempo, hasta que un día Mario dejó su guitarra en mi casa, le dije que me dijera algunos acordes sencillos y probé en tocar y grabar temas ahora con guitarra, así salieron los dos primeros tracks del Pure Morning Tweegazero creo yo, "Worth" y "Strangers" <3. Marco escuchó los temas y se quería unir al ‘proyecto’ que realmente no era nada en ese momento, pero me agradó la idea de volver a tocar algo así (esto paso durante meses). Posteriormente se nos unió Jorge en el bajo y después Mario y Víctor de nuevo. Así comenzamos a tocar en mi casa un par de temas nomás, porque no había más jaja. Pasó lo de Jorge y decidimos ser un trío: tocábamos en vivo solo Mario (Guitarra), Marco (Keys) y yo, guitarra y voz. De hecho comencé a cantar en los ensayos porque nadie más se animaba. Era algo raro tocar con secuencias de batería y de bajo, así nos escuchó Orlando de hecho, y posteriormente llegó César a unirse al viaje.
El sonido nunca lo decidimos como tal, te digo, comenzamos Mario y yo con un early Pure Morning (por así llamarlo porque pues, nada que ver) tocando algo muy distinto, creo que Marco y Jorge ayudaron bastante a que el sonido se solidificara como algo ya bien marcado, no buscábamos sonar a nada en un principio, solo queríamos algo bonito y suave. Nuestras influencias más importantes, creemos que son The Field Mice, Slowdive, The Smiths y por supuesto todo el catálogo de Sarah Records.

¿Cuales considerarían ustedes son los tres elementos más importantes en la música de Pure Morning?
La melancolía, los 90 y la ambientación suave. Creo que todas nuestras canciones cumplen esos tres puntos.

Me gustaría que me contaran cómo es comenzar una banda independiente en Culiacán. ¿Cual es el primer paso, de ahí qué sigue y cómo se desarrolla (o muere) un proyecto indie de esta ciudad?
Es complicado, no vivimos en una ciudad donde la música alternativa tenga espacio. De verdad: hay solamente un bar ‘diferente/alternativo’ y en donde se hacen eventos por acá (sin contar los de rock estilo AC/DC, claro). Es realmente duro, en experiencia propia con Pure Morning, lo primero fue darnos cuenta, mucho antes de debutar en vivo, que en Culiacán tal vez, muuuuy probablemente, casi 100% seguro, nadie nos va a hacer caso; no tenían por qué hacerlo pues, primero porque tocamos algo ‘muy ruidoso’, es algo distinto y no tan entendible, por así decirse. Nosotros ya conocemos al público, sabíamos que tocar aquí sería complicado en los inicios de la banda y hasta la fecha lo es. La gente sigue marchándose del venue cuando tocamos nosotros, aún después de un año, no hemos vendido más de 20 discos/tapes en Culiacán y está bien, sabíamos que así iba a ser y no solamente con nosotros, ahí están los Coco también, que están dándole con su música pero que realmente la encuentran complicada porque tampoco es algo a lo que Culiacán está acostumbrado a escuchar. 
Creo que uno de los pasos más importantes es poner tu música en Internet. Suena hasta obvio pero, de verdad hoy en día eso es de lo más esencial, hay gente de Japón que nunca en su vida va a venir a Culiacán, ni siquiera a México, pero que ya está escuchando la música gracias a los grupos en redes sociales o páginas como Bandcamp.
Si no quieres morir en el intento, simplemente pon todo el empeño en sacar el proyecto adelante, diga lo que diga la gente, y no te desanimes si se van cuando tocas o si nadie se acerca a comprar mercancía.

¿Por qué el movimiento de Culiacán a Guadalajara? Es muy sonado que la perla tapatía está llena de bandas sinaloenses.
Sin duda, sería como jugar en un tablero de mayores dimensiones y por ende, con mayores opciones para el jugador pues, la situación actual (musicalmente hablando) en la que nos encontramos en Sinaloa no ha sido de las más favorables para la música independiente/alternativa. Puedo decir que del 2012 (o antes) para acá, se ha ido creando una apatía por el público directamente hacia organizadores y bandas; en cambio, la audiencia de Guadalajara tiene una formación totalmente distinta pues no se encharca en un ambiente comercial, sino que son más curiosos, más participativos, más "trve", imagino que debido a eso, y a que es una ciudad más grande (y hace menos calor), se produce esta migración, pues acá nadie te ‘pela’.

¿Es verdaderamente este uno de los mejores momentos en la historia de la música independiente mexicana? Como una banda de “provincia” que inició desde 0, ¿lo ven así?
Lo que yo veo es que en realidad todos han sido buenos momentos, sin embargo, en al actualidad los medios para conocer diferentes tipos de música, así como los recursos para grabar y editar audio están mucho más al alcance de quien tenga una lap top y conexión a internet. Esto se nota en la calidad de las propuestas y el tipo de propuestas.
En Culiacán, por ejemplo, hasta hace algunos años la escena independiente se regía por modas, donde en un momento todo era punk, ska y reggae, años después esa escena fue perdiendo espacios y dando paso a la escena del hardcore o metal, que fue lo fuerte también durante muchos años.
Más recientemente se puede hablar de una oleada de stoner, psychedelic y garage, con propuestas de muy buena calidad técnica como Raging Bull, Pipe's Mind, The Dooms y Toro Metralla, pero si hablamos de bandas jóvenes, bandas incluso más jóvenes que Pure Morning, ahí están Coco y Nörte dando el ejemplo de que en provincia también se pueden hacer cosas más allá de lo ya impuesto y generar propuestas interesantes de calidad.
Creo que todo esto ha sido posible gracias a que la información fluye mucho más rápido. Yo recuerdo que antes me informaba de música comprando revistas como Rolling Stone y la Mosca, las que estaban a mi alcance, y pues las propuestas que llegaba a conocer estaban limitadas a la línea editorial de esos medios. Ahora existe una infinidad de blogs y grupos donde cada quien puede ir conociendo y experimentando y no solo quedarse en lo que te podía llegar. Si es el mejor momento para la música independiente mexicana no sabría decirte, pero los medios están ahí y quien tenga algo que expresar a través de la música puede hacerlo y llegar a públicos más amplios con mucha más facilidad.

Hay muchos secretos detrás de Pure Morning y uno de ellos, me parece es la dedicatoria que hacen a un ex-integrante que falleció hace no mucho. ¿Cómo ha sido para ustedes manejar un asunto tan delicado siendo tan jóvenes y teniendo tantos planes por delante?
La verdad es que es el golpe más fuerte que hemos tenido, sobre todo Jesús y yo. Antes de formar parte de Pure Morning, él era nuestro mejor amigo ¿sabes?, nos veíamos a diario. Fue realmente muy, muy complicado fuera de la música, sobrellevar eso. 

¿Qué ha pasado con el nuevo material de la banda? ¿2016 verá algo de ello?
Ah pues, por ahí anda. Vamos a soltar un tema inédito (no formará parte de algún ep o lp, es más un b-side) grabado como maqueta/demo para Dance To The Radio de Costa Rica en unas semanas, pero; lo realmente emocionante está a finales de Agosto, vamos a lanzar un video nuevo, de un tema ya 100% de Pure Morning. El single se llama Cielo y va para Jorge, es el primer tema que saldrá a la luz compuesto después de lo que pasó. Te puedo adelantar que es algo muy diferente, en español y sobretodo suave <3.

Te espera un buen jueves: Prophets of Rage acaba de publicar “No Sleep Till Cleveland”

$
0
0


Foto por Mike Winter vía 

Por si apenas te vas enterando, en mayo de este año integrantes de Public Enemy, Cypress Hill y Rage Against The Machine anunciaron que armarían un súpergrupo llamado Prophets of Rage (sí, igual que la rola de Public Enemy) y que lanzarían un EP debut titulado The Party's Over. Luego, hace un mes exactamente, soltaron "Prophets of Rage": su propia versión del track originario de Public Enemy que también le da nombre a la banda. Pero para hacer de los nombres de sus canciónes algo más confuso, hoy publicaron a través de Beats1 “No Sleep Till Cleveland", un track inspirado en “No Sleep Till Brooklyn” de Beastie Boys que además fue grabado durante la convención anual de republicanos. 

 “No Sleep Till Cleveland" tiene mucha batería, instrumentos de cuerda que se derriten en tus tímpanos, raperos con voces rasposas y esas pausas que le dan énfasis a las letras y que hacen del track algo más pegajoso que un chicle masticado. The Party's Over sale el 25 de agosto a través de Caroline. En lo que esperas date lo que hay aquí abajo: 

Hablamos con Camilo Lara sobre 'Compass' y no vas a creer lo que dijo en la pregunta 7. (O igual sí, no puedes creer eso de “no creerás lo que contestó” y menos si conoces a Camilo)

$
0
0


vía

Lucas Vernon, publisher de Noisey, me mandó un mensaje relativamente urgente: “Oye Ro, ¿puedes echarte un phoner con Camilo sobe Compass, mañana a las 11?”. Francamente no sé si es porque confía en mis capacidades para transcribir a tiempo o porque el perfil del staff de a diario está ya clavado en lo que le toca a su generación: en rap, trap y a veces crap y me convierto en uno de los pocos eslabones a los que francamente una canción con un sampleo del Donkey Kong Country le vale verga. Quizás es porque sabe que conozco y aprecio a Camilo Lara y que por edad e igual algunas posiciones personales y gustos musicales, estoy más próximo a él, a sus influencias y su música que, digamos, Erich Mendoza o Gio Franzoni, verdaderas estrellas de la economía del like en Noisey.

El motivo del phoner, hecho con Camilo en medio de una gira con alguno de sus múltiples conjuntos y yo en pijama en casa fue, al fin, la aparición del álbum que junto con Toy Hernández conceptualizó, armó, grabó y demás, durante los últimos dos años: Compass  –un álbum cuya razón de ser fue el nomadismo entre estudios de RedBull y la colaboración presencial de muchos de los ídolos y compitas de Hernández y Lara–  y que sale formalmente al mercado en una semana, el próximo 26 de agosto, después de mucho tiempo de haber sido anunciado.

La charla es amigable, extensa, a veces se entrecorta –Territorio Telcel mis Güebos– pero  si algo tiene Lara, además de la absoluta precisión en sus palabras, en su selección de temas y géneros a abordar, es la capacidad de  no hacerle sentir a uno como imbécil haciendo quizá las mismas preguntas que seguramente ya contestó en el phoner anteror, y no sólo eso, aún después de la entrevista, es lo suficiente, y honestamente cordial –o al menos así se siente– como para preguntarte cómo has estado. En fin, este el phoner transcrito donde nos lleva desde cómo y los porqués del ábum hasta por qué de pronto él y su socio en esto reciben hate a lo pendejo, nada más porque creen verdaderamente, como dicen algunas playeras del IMS, que Cumbia is the Answer

Estrenan Compass... ¡Al fin! Lo tenían anunciado para hace un año…
¡Ya sé! Uota, es que esto es como nuestro Fitzcarraldo. Ha sido un proyecto que pensamos iba a ser muy fácil pero ha sido muy complejo, con muchas variables: managers, gente, disqueras, permisos… Nos hubiera encantado sacarlo hace un año pero pues no. Empezamos a sacar sencillos pero hasta ahora, ya todo lo legalmente posible, todo el mundo está contento, tenemos disquera, y tuvo que pasar un año pa poder organizar a tanta gente…
También terminarlo, fue mucho trabajo y en realidad no está acabado… Hicimos cuarenta canciones para el proyecto y quedaron trece. Todavía falta el resto y esas, las terminaremos, volveremos en algún otro momento.

Cuéntame del proceso del álbum: 90 invitados, dar el rol por todo el mundo. ¿de dónde surge el proyecto? ¿bajo qué principios empiezan a darle forma a un ente tan complejo?
Desde el inicio, el principio es que el dancefloor es el único democratizador, unificador, y pegamento de la sociedad. A través del dancefloor pueden convivir la cumbia, el rock heavy, el reggae, el rap, el punk, todo puede vivir en una pista de baile. La premisa era: Qué podía pasar si en vez de tocar un sólo género a la vez, suena todo al mismo tiempo. Esa era la idea de Compass, por eso se llama así: tener a tus compadres en la pista de baile. Con base en esto, decir qué pasaría si llamas a toda la gente que te gusta o que te inspira, a colaborar en hacer un dancefloor que tuviera todo. No forzosamente que todos tuvieran elementos en común. Así empezó y la verdad no pensaba en otra persona más adecuada que Toy como compañero de esto. Toy es un monstruote, un tipo que en el estudio es muy hábil en comunicarle a la gente, de lo mejor cuando está produciendo y veníamos de trabajar en lo de los Ángeles Azules, entonces estábamos muy conectados. Empezó siendo una serie de canciones, de ahí un documental y ya. Ahora quién sabe cuántos volúmenes de Compass habrá y por eso también se tardó tanto.

Si el dancefloor se plantea como el pegamento social, hay un componente o un compromiso político-en-gran-esquema en todo esto… Relevante ahora más que nunca.
Sí, o sea, pero era más pensar en una cosa sin fronteras. Además que en realidad, siempre lo hemos hecho así. No era novedad. Era plantear un esquema donde la colaboración y el clash de sonidos fuera el protagonista. Al final en el disco sí se nota. De pronto hay cosas que se agregaron en Jamaica, Brasil e Inglaterra que al final, aunque no sean primos, conviven muy bien.

¿Cómo se desarrolló el tema de la composición y la producción?
Toy hizo beats y me mandó una serie de beats y sobre esos beats yo hice canciones y sobre ellas pensamos qué podía funcionar para qué invitados. Meses antes empezábamos a ver quién estaba en la ciudad que íbamos a visitar… De ahí hacíamos una lista de favoritos para colaborar y a la hora de llegar grababan y algunos conocían la rola, otros no, y de ahí al estudio. Al final grabamos con gente que llegó a sumarle a las canciones, porque al principio estaban abiertas a este proceso, pero al final era ya buscar a gente que podía poner cierta cosa. La de Sao Paulo ya era estratégico buscar qué le metía a cada cosa.

¿Algún colaborador cuya participación haya sido completamente ineserada o una sorpresa para ustedes?
Pon tú, ya habíamos acabado el disco, ya mezclando algunas cosas y Gael nos habló y dijo “ah invítenme” y no podíamos coincidir y ese día estaba en Nueva York grabando una película y sólo podía grabar esa noche, y terminó grabando, y fue el último en grabar. O con Tricky grabamos en París, perdió las sesiones, volvimos a grabar. Gogol Bordello fue el primero con el que hicimos grabaciones… Luego había gente que te decía “ ah mira, ahora acá tengo una amiga “ e invitaban a otros colaboradores. En Los Ángeles teníamos 10, 12 colaboradores al mismo tiempo, estaba el Tooty, estaba Ana Bárbara, Money Mark, un coro de niños, un coro de Gospel… necesitábamos como tres cabinas por separado y luego los juntábamos a todos.

Las condiciones que dan lugar a este proyecto me parecen particularmente contemporáneas. El tema del nomadismo, de la relación con gente de todos lados, el clash constante… Considerando también tu experiencia como head label en algún momento, ¿este disco hubiera sido posible conceptualizarlo y ejecutarlo hace 15 años?
Sí, se llamó We Are The World, (risas). No, la verdad no, porque creo que si no hubiéramos tenido los estudios Red Bull, no hubiera podido pasar, porque los estudios son carísimos. Creo que a pesar de ser una idea colaborativa y moderna y de nuestros tiempos, tiene una relación estrecha con el pasado. Lo interesante era que antes sí se ponían a colaborar realmente en un estudio, juntos. Si Michael Jackson se iba a grabar con Paul McCartney, sí se tenían que juntar. No podían mandar los files. Creo que en este disco lo que fue muy interesante es que además de que el tema colaborativo es muy bueno, es muy bonito el sí sentarse y generar algo que sea cara a cara. No en real time, ni por mail.

¿Cómo es que un dude que crece escuchando new wave, kraut, hip hop, brit pop – y Toy también– acaban por encontrar en la cumbia un lenguaje común para avanzar dentro del dancefloor, sobre todo considerando lo elitista que pueden llegar a ser ciertos segmentos en México?
Creo que es una cosa de ADN. El otro día escuchando una entrevista a Los Planetas, que estaban planteando que todo de lo que estaban rodeados era el Flamenco. Terminó siendo su onda de la reducción del flamenco. Lo que nos pasó a nosotros y a Toy y a Nortec, a toda nuestra generación, le pasó lo mismo que a la Maldita, Caifanes y Tacvba, namás que ellos escuchaban a Violent Femmes pero también a Pérez Prado y su reducción de la "Música Popular Mexicana" o de José Emilo Pacheco varía. Y lo que pasó con Nortec, Toy, conmigo es que eramos curiosos de comprar discos, de diyeiar, de buscar, y la reducción llega de escuchar krautrock y britpop y hip hop y trip hop y todo eso, entonces nuestro resultado era más electrónico. No creo que hayamos inventado nada, estamos rescatando el ADN que muchas generaciones fueron rescatando. Empezando desde Tin-Tán…

Tu generación parece ser la última en México que busca su herencia, o como dices su ADN, en la cotidianeidad de su propia ciudad. Durante un rato el rock mexicano buscó negar cualquier aspecto que lo definiera como mexicano, no que esté mal o que a huevo por ser de acá tengas que sacar la Mexcellence , pero en los dosmiles hubo una búsqueda por ser anodino y buscar cambiarse el nombre a algo más friendly a otros mercados, o buscar el nombre que suene en cualquier idioma. Nota: Curiosamente nadie de esa generación local, aparece de colaborador en el disco. Pero sí hay algo notoriamente diferente de bandas en otros lados de la misma generación, es que no niegan sus herencias, o por lo menos tienen más claro de donde desciende su clan.
Totalmente. Digo, ya, ningunear a la música mexicana también está pasado de moda. Ni siquiera es decir la música popular. Vivo de la música popular, me gusta, me emociona, nuestra labor ha sido tal vez que a partir de eso lograr intentar lograr un entorno menos elitista.

En este sentido, he notado un hate particularmente clavado hacia tu persona, desde huevitos de Twitter hasta personajes con followers cercanos al millón… Como hay gente que te admira, hay gente que en automático te tira mal pedo, no sé si por lo que eres, lo que has en cierta medida logrado, lo que fuiste… De lo que te conozco eres un tipo sumamente sensato, antes no respondías, ahora ya de repente sí lo haces, ¿es por la música que abordas o por el personaje que tienes?
De verdad creo que es bastanto repentino, creo que es testimonio de esta idea de ser naco porque oyes música popular, o eres cool porque no la oyes. Evidentemente es muy fácil que Toy o yo seamos los talking points de eso y que además le sumas que tienes éxito o que funcionan esas ideas, como funciona Mexrrissey o los Ángeles Azules, es una combinación explosiva. Si yo estuviera acomplejado asi, lo primero que haría sería tirar… Pero creo que habla más de quienes somos como clase media mexicana que de otroa cosa. Si los colombianos lo hacen, es un triunfo nacional. En México no, acá eres jodido porque no lograste incluirte en el mundito moderno. Yo estoy muy acostumbrado y no me asusta. Habla mucho más de en qué momento histórico estamos.

¿Consideras que tu música podría transformar esto en generaciones más jóvenes?
Pues no sé. Creo que ya hay generaciones que no tienen ese chip, como NAAFI. Por ejemplo, el tirar para otro lado. Al final  siempre hay ultra conservadores y ultra radicales y yo espero que triunfe la coordura en el mundo o en el país. Si es así, siempre habrá un Peña Nieto de Presidente, u otro Peña Nieto, o alguien peor. Yo sinceramente no hago música para cambiar al país. La hago porque me gusta hacerla. Si eso ayuda qué bien.

¿Bueno ya cerrando cuando metes a Juanga a Mexrrissey?
No espérate, imagínate…

Lydon, lágrimas y un chingo de slam: PiL en México

$
0
0


Todas las fotos son cortesía de Eyescream Productions

“… no soy un cliché  y no me van a encasillar y a hacer lo que quieran. Voy a expresar lo que siento de verdad y tu puedes hacer lo que te de la gana”, John Lydon en su autobiografía La ira es energía, Ed Malpaso.

Dos horas antes de las nueve de la noche de este martes, todo era litros de adrenalina y lluvia que obligaba a los puestos de camisetas a resguardarse bajo los alféizares de las orillas, parches típicos del punk en desgastadas chamarras de cuero de los fanáticos, revendedores manchados (los boletos de pista pasaban de los 1500 a los 1700 a los 2000 baros en cuestión de minutos, conforme la desesperación se propagaba a la entrada de El Plaza Condesa, como si fuera el apocalipsis post punk; de entra la multitud formada-amotinada boleto en mano listo para entrar, flotaba un pedazo de papel arrancado de un cuaderno a rayas con una frase escrita con plumón negro Compro un boleto pero NO DE REVENTA!!!) e hileras de policías que iban de la taquilla a la bahía del foro a las ventanas del Pata Negra y de regreso. “Dicen que pidieron tiras por el rumor de un portazo, yo estoy aquí por eso, un compa me citó aquí, quesque sería el punto de reunión para juntarnos y dar el portazo pero se me hace que el único pendejo soy yo, ya me la pelé…”, me confesó un punk cuarentón, quizás arañando el medio siglo, con pantalones ajustados dentro de botas industriales y chaqueta vino y una cara de congoja que me estremeció hondo.

En efecto, el portazo nunca ocurrió. Hubiera sido la cereza histórica.

Porque lo del pasado martes 16 de agosto fue un concierto histórico. Public Image Ltd dio un concierto por primera vez en la Ciudad de México. La banda que el entrañable John fundó después de su tormentoso episodio al frente de los Sex Pistols. Entonces se deshizo del Rotten, reunió a ex miembros de los Clash más otros músicos pirados que con el primer sueldo que Lydon les pagó se compraron cabezas de alce aunque tuvieran que dormir sobre periódicos y ensambló una de las bandas que revolucionó el rock con mucha más creatividad e incisión que la presteza calculada de los Pistols. Y si bien su lugar en la historia es incuestionable, dicho pasaje está endeudado con el carisma y la inteligencia de Lydon. 

En lo personal, PiL me resulta brutalmente superior a los Sex Pistols. Quizás tenga que ver con el hecho de que la primera vez que escuché los alaridos de Lydon fue con "Dissapointed", que por cierto el puto no la está cantando en esta gira y el toquín de la CDMX no fue la excepción. Una de mis rolas consentidas de todos los tiempos.

PiL es un punto de inflexión en el rock sin el cual no pueden entenderse muchas cosas de hoy. La prueba que hay vida después del emblema.

Todo era felicidad forever. Amigos por arriba de los 30, 35, 40, 45 años. Por ahí andaba el Aknes que recién también había vivido su propia gloria con el reencuentro, el de Massacre 68, abrazándonos e intercambiando expectativas y opiniones, ¿Cuál es tu álbum favorito? ¿Crees que toquen "Seattle"? Será el concierto del año.

Había un chingo de gente: afuera, en la calle, y otros haciéndose de un buen lugar al interior. Curiosamente en algun momento el lobby se encontró semi vacío y en ese pinche momento me topé a ese pendejo, con su nuevo novio. Pinche madrazo en el estómago y eso que el pogo ni había empezado. Había hecho malabares con un boleto que en principio era de una amiga… Chingada madre. Fingí arrogancia y valemadrismo y hasta le regalé mi nuevo libro, uno que me sobraba. Pero en el fondo sabía que mis sentimientos no estaban saldados.

Cuando el baterista Bruce Smith (de raíces en el Pop Group) salió al escenario con su galanura nerd coronada de canas que siempre me ponen como toro, yo estaba ardiendo en mi infierno privado. Y cuando Lydon salió al escenario con un chaleco blanco y abotonado sobre una camisa desfajada y un sobrepeso orgulloso y una corbatita y sus inconfundibles pelos parados y su desteñido y empezaron las notas de "Albatross", empecé a llorar. Ahí estaba yo, encarnando el cliché más pinche puñal que puede haber. Para colmo, "Albatross" no duró los casi 11 once minutos de la versión original y le siguió una rola del nuevo disco al que no le he prestado la atención necesaria. No tuve chance de despabilarme. 

¡Maldita sea! ¿Qué pensaría Lydon de mi? Yo que me la paso rompiendo las casillas, los lugares comunes de la cotidianeidad gay, llorando por un baboso y su nuevo ligue que no era yo y con el que seguro se iría a coger después del concierto. Pero si Lydon estaba cantando estoico después del botellazo que le estamparon días antes en el concierto de Santiago de Chile, yo podía saltar y gritar perfectamente después del pinche desencuentro gay. “No te metas en cosas que te superan. Juega sólo a tu nivel” dice Lydon en su autobiografía. Tiene la boca llena de razón. 

Lydon es un genio cuyo máximo talento es su franqueza disparada desde la lucidez. Y es evidente en la forma en como se planta en el escenario.

Mientras me hacía bolas con mis recuerdos y los recuerdos de PiL, el concierto fue cobrando una puta excelencia de majestuosa ejecución y nostalgia y honestidad ideológica y musical y yo me tranquilicé cuando soltaron las primeras notas de "This is not a love song". El punk rave había empezado. Porque la resolución demencial de las canciones de PiL son tan chingonas que se prestan lo mismo para el baile cachondo qye el moshpit despiadado, del dub al rock al no wave al dance descarado en cuestión de acordes de la guitarra de Lu Edmond y el potente bajo de Scott Firth. No tocaron "Seattle", pero si "Warrior" que también viene en el álbum 9 de 1989 y "Religion" del primer disco y por supuesto la indispensable "Death Disco", sencillo del 79 y dedicada a su madre mientras moría de cáncer. 

Aunque a Lydon le caga el axioma en el que se ha convertido el punk y su rigidez ingenua. No hay nada más punk que destruir sus pinches tres acordes con la inconformidad sonora, sin miedo ni reglas.

Con El Plaza a reventar, Lydon llegó al clímax de su entrega con los primeros tamborazos de "Rise", el himno de PiL y un canto a la lealtad a uno mismo con todo y nuestras contradicciones y fracasos y alegrías. Volví a llorar, pero por la letra: I could be wrong, i could be right… podría estar equivocado o tener la razón, pero me llevaba la chingada, eso era lo que sentía en ese momento y ni modo y Lydon parecía entenderlo perfectamente. Estaba presenciando uno de los mejores conciertos de mi vida, a pesar del drama que aportaba un elemento más para hacerlo inolvidable.

La ira es energía. Y también salvación. Por eso cuando en el encore sonó The Public Image, empecé a desenganchar probablemente el slam más violento que he practicado en mi vida. Me caí de espaldas pero un bato me levantó y me aventó al centro del torbellino de madrazos y seguí brincando y bailando, Dancing with tears in my eyes, como si fuera el último pogo. Era la primera  y probablemente última ocasión de ver a Lydon, el mismo que le pintó un dedo a La Reina y cantaba sobre destruirlo todo nada más porque si, en vivo. Quizás también era la única vez que el ex me ponía lacrimógeno.

En efecto. Fue histórico. 

Viewing all 6445 articles
Browse latest View live