Medellín, década del 80. Pablo Escobar dominaba una ciudad fracturada, llena de muerte y con toda una generación que crecía sin futuro. Entre todo este caos nació un movimiento musical lleno de crudeza y rabia que salió a las calles a escupirle a todo y a todos, que fue bautizado como “ultra metal”. A la cabeza de esta marea de oscuridad estaba Parabellum, un grupo cuyo desgarrador sonido lo convirtió en leyenda. Esta banda maldita, llevó su legado más allá de las fronteras de Medellín y llegó a los oídos de los padres del black metal noruego, quienes se inspiraron en el oscuro y fracturado sonido del grupo favorito del demonio.

Ve aquí arriba completo “Parabellum: El Diablo Nació en Medellín”, el segundo capítulo de Trasescena, la primera serie original de Noisey Colombia.

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El medallero de Río de Janeiro 2016 está en movimiento, las grandes potencias europeas y asiáticas mostrando su dominio habitual y el mundo entero al pendiente. Nosotros, ante tanta internacionalidad, pensamos en música y decidimos hacer un recorrido auditivo por los países protagonistas de estos XXXI Juegos Olímpicos.
 

"Aimless Arrow" ― Converge (Estados Unidos)

Todos miramos con tristeza cómo dos de nuestras grandes esperanzas ―las talentosas Aída Román y Alejandra Valencia― fueron eliminadas… El título de esta canción, "Flecha sin puntería", no nos hará sentir mejor, pero la música garantiza levantarnos el ánimo, a cargo de una de las bandas líderes del metalcore gringo.

 

"Wind in her hair" ― Motorama (Rusia)

Río de Janeiro no se ha salvado de la polémica causada por comentarios sexistas. Aún así, se trata de un factor externo que esperemos no afecte el desempeño de las atletas. En la redacción consideramos que es hermoso y motivador ver a una mujer en acción, con la cabellera agitada por el viento (y si es rusa, mejor). Post punk desde la federación liderada por el Putin.

 

"The World's Awakening" ― Nobuo Uematsu (Japón)

Este señor se volvió famoso por hacer las conocidas composiciones de Final Fantasy, la exitosa serie de videojuegos de Nintendo. Hoy sigue activo, pero a diferencia de sus viejas composiciones para las consolas Super Nintendo y Game Boy, la música no suena "pixeleada", y ya podemos disfrutar de su grandeza sin limitaciones tecnológicas. Como en una auténtica justa deportiva, este tema del videojuego Terra Battle (2014) sólo lo podrán disfrutar quienes logren llegar hasta el final.

 

"Feels Like We Only Go Backwards" ― Tame Impala (Australia)

"Hay que ir hacia adelante, aunque sintamos que retrocedemos". Los australianos son un pueblo enigmático, con su peculiar fauna y su contraste cultural. Aunque en los mundiales de fútbol no figuran, en el medallero de las Olimpiadas se han convertido en protagonistas constantes, siempre mejorando y hacia adelante. Esta canción ya fue usada para fines deportivos, en la cobertura irlandesa del Mundial Brasil 2014.

 

"Lion Heart" ― Girls' Generation (Corea del Sur)

Sí, claro, habrá quien piense que aquí hubiera quedado bien Psy haciendo su baile como que monta a caballo, por lo de la equitación, y así. Pero ya es súper antaño, ¿no? Los surcoreanos han demostrado su talento para los deportes de fuerza, combate y armas: pesas, esgrima, judo, arquería, tiro… Estas niñas no se ven muy musculosas, pero tienen un corazón de león, y eso las pone en este honorable medallero.

 

"Guerra E Pace, Pollo E Brace" ― Ennio Morricone (Italia)

Italia es destacada en el medallero… y también haciendo música. Compositores como Puccini, Rossini, Bellini y Verdi, convirtieron a ese país en un conservatorio gigante. Gracias a The Hateful Eight de Tarantino, pudimos escuchar una vez más al genial Morricone (quizás mejor conocido por el tema de El Bueno, el Malo y el Feo). Pero esta canción para la película Grazie Zia, de 1968, es un himno para los viejos olímpicos.

 

"Arabella" ― Arctic Monkeys (Reino Unido)

"Arabella tiene un traje de baño plateado y cuando quiere resguardarse de la realidad, se echa un clavado en mis sueños". Para quienes estén fastidiados de ver ganar a Michael Phelps, las imágenes que crea esta canción son mucho más sugerentes. Por otro lado, en el mundo de los dibujos animados, Arabella era el nombre del caballo de Benito en un episodio de Don Gato, así que también resulta inspiradora para quienes disfrutan la equitación.

 

"The Game of Love" ― Daft Punk (Francia)

En los presentes juegos, Francia ha demostrado ser buena en equitación y canotaje. En las últimas dos décadas, Francia ha demostrado ser buena en música electrónica. Pero por tradición, Francia ha demostrado ser buena en el amor… Oh, l'amour!

 

"No es que no te quiera" ― Hello Seahorse! (México)

Pues teníamos que poner a México, ¿no? Es cierto que nuestros atletas sufren mucho para estar en el medallero, pero sí los queremos.

 

"Porra" ― Cavalera Conspiracy (Brasil)

Son los anfitriones, y aunque no les esté yendo bien en el medallero, son carnales nuestros. Y si hablamos de hermanos brasileños, qué mejor que escuchar a los más entrañables: los Cavalera, con una canción cuyo título nos recuerda a la entusiasta y reconocible torcida carioca en las tribunas (eso si tomamos la acepción de "porra" en español ― el significado en portugués es algo muy diferente, por favor no lo vayan a buscar).

Foto vía 

La biblia. El libro más vendido del mundo. El escudo de múltiples religiones. El libro sagrado. La guía de vida de los creyentes. El documento anacrónico más camaleónico de los tiempos; el que se adapta a cualquier situación. La biblia: el argumento más utilizado por los cristianos contra todo lo que creen que está mal en este mundo.

Hace unas semanas le escuché a alguien en la calle que según la biblia el reggaetón era malo, de pecadores, de viciosos; música del demonio en pocas palabras. ¿La biblia? ¿En serio? Se me hizo raro que un texto cuyos libros, según Wikipedia, fueron escritos entre el 900 a.C y el 100 d.C, tuviera la habilidad de prever que un género como este se esparciría como vírus veinte milenios después. Pero bueno, después de todo ¿quién soy yo sino un simple mortal para pelear contra un documento tan importante?

El caso es que bajo esa tésis de que la biblia decía que el reggaetón era de lo peorcito, no me aguanté las ganas de hacer inmersión en cuanto blog cristiano y video de YouTube hay para comprobarlo. No fue fácil, sin embargo me encontré con algunos argumentos de la religión cristiana en los que hacen referencia a versículos del libro sagrado para advertirnos a nosotros, los pecadores, sobre este género malvado.

Lo primero con lo que me encontré en esta investigación salvaje por los anales religiosos y su relación con el reggaetón, fue un artículo que titulaba: Origen Satánico del Reggaetón escrito por el Pastor Omar Enrique Vargas M. en el blog santosenlafe.blogspot.com.co, allí, el Pastor a parte de confundir reggae con reggaetón, enumera una serie de características vitales por las cuales el género es una cosa del demonio.

Brujería, vanidad, depresión, melancolía, perreo, venganza. Todo está mal con este género.

Durante esta travesía por encontrar citas bíblicas utilizadas para sacar el reggaetón de la cabeza de los verdaderos creyentes en Cristo, me encontré hasta con teorías masónicas y conspiratorias.  

Incluso me encontré con un análisis semántico de la letra de “El señor de la noche”, de Don Omar.

A todas estas, con tanto mensaje oculto, masónico, satánico y violento, ¿será que bailar es un pecado? Según la página blogdecristo.com “esta es una pregunta muy recurrente que se hacen muchos jóvenes cristianos, ya que el baile siempre ha sido uno de los pasatiempos favoritos de muchas personas” y aunque especifican que no hay versículo en la biblia que lo especifíque, aseguran que si dios lo creó fue para agrado de él. Sin embargo, también agregan que “el bailar en si no es pecado.. pero puede llegar a ser precursor de muchos pecados, en otras palabras puede llevarte a cometer pecado”.

Luego de eso, agregan una lista de las circunstancias en las que el baile se convierte en pecado.

Finalmente allí encontré las primeras respuestas a mis dudas religiosas frente al género que desde hace ya más de 20 años, nos ha puesto a bailar hasta abajo cada fin de semana. Las primeras referencias bíblicas se encuentran en estos dos versículos:

1 Corintios 6:12

«Todo me está permitido», pero no todo es para mi bien. «Todo me está permitido», pero no dejaré que nada me domine.

1 Corintios 6:19

“¿Acaso no saben que su cuerpo es templo del Espíritu Santo, quien está en ustedes y al que han recibido de parte de Dios? Ustedes no son sus propios dueños.

Recordemos que una vez que hemos aceptado a Jesús en nuestras vidas, el Espíritu Santo, que es Dios, entra a morar en nosotros y transforma nuestro cuerpo pecaminoso en su Santuario”.

Por lo tanto, básicamente, cuando tú perreas, estás convirtiendo el santuario de Cristo en un acto inmoral e inaceptable...más o menos.

Otras de las citas con las que me encontré en esta travesía son las siguientes:

Efesios 5: 18-19

“Y no os embriaguéis con vino, en lo cual hay disolución, sino sed llenos del Espíritu, 19 hablando entre vosotros con salmos, himnos y cantos espirituales, cantando y alabando con vuestro corazón al Señor”.

Más agua bendita y menos champaña en esos videos pecaminosos.

Salmo 150:

“¡Aleluya[a]!

Alabad a Dios en su santuario;

alabadle en su majestuoso firmamento.

2 Alabadle por sus hechos poderosos;

alabadle según la excelencia de su grandeza.

3 Alabadle con sonido de trompeta;

alabadle con arpa y lira.

4 Alabadle con pandero y danza;

alabadle con instrumentos de cuerda y flauta.

5 Alabadle con címbalos sonoros;

alabadle con címbalos resonantes.

6 Todo lo que respira alabe al Señor[b].

¡Aleluya[c]!”.

Hermanos míos, les figuró hacer dembow con arpa y meterle flauta y pandereta a ese perreo.

Timoteo 4: 1

“Pero el Espíritu dice claramente que en los últimos tiempos algunos apostatarán de la fe, prestando atención a espíritus engañadores y a doctrinas de demonios, 2 mediante la hipocresía de mentirosos que tienen cauterizada la conciencia; 3 prohibiendo casarse y mandando abstenerse de alimentos que Dios ha creado para que con acción de gracias participen de ellos los que creen y que han conocido la verdad.4 Porque todo lo creado por Dios es bueno y nada se debe rechazar si se recibe con acción de gracias; 5 porque es santificado mediante la palabra de Dios y la oración”.

Momento, si “todo lo creado por Dios es bueno y nada se debe rechazar”... ¿a qué estamos jugando?

1 Juan 2:15 - 17

“No améis al mundo ni las cosas que están en el mundo. Si alguno ama al mundo, el amor del Padre no está en él. 16 Porque todo lo que hay en el mundo, la pasión de la carne, la pasión de los ojos y la arrogancia de la vida[h], no proviene del Padre, sino del mundo. 17 Y el mundo pasa, y también sus pasiones, pero el que hace la voluntad de Dios permanece para siempre”.

Si el Padre habitara el mundo “la pasión de la carne, la pasión de los ojos y la arrogancia de la vida”, sí estarían permitidas, ¿no? Pero, un momento, si Dios habita en nuestros corazones y nuestros corazones habitan en el mundo… ¿no estaría también el Padre entre nosotros?

Eclesiastés 7:5

“Mejor es oír la reprensión del sabio
que oír la canción de los necios”.

Y pues todos sabemos lo necios que nos ponemos cuando hay que ir hasta abajo en lo oscurito, o ¿no?

2 Pedro 2: 9-10

“el Señor,entonces, sabe rescatar de tentación[f] a los piadosos, y reservar a los injustos bajo castigo para el día del juicio, 10 especialmente a los que andan tras la carne en sus deseos corrompidos y desprecian la autoridad. Atrevidos y obstinados, no tiemblan cuando blasfeman de las majestades angélicas”

Colosenses 3: 5-6

“Por tanto, considerad los miembros de vuestro cuerpo terrenal como muertos[c] a la fornicación, la impureza, las pasiones, los malos deseos y la avaricia, que es idolatría. 6 Pues la ira de Dios vendrá sobre los hijos de desobediencia[d] por causa de estas cosas”.

Si después de este par de versículos no aseguramos nuestra condena al infierno, no sé qué haga falta. Piensen en esto la próxima vez que se estén restregándose entre ustedes mientras corean “Acércate a mi pantalón, dale. Vamo’ a pegarno’ como animales”.

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El autor de este texto quiere reflexionar sobre su vida en el pecado. Si tienen más citas bíblicas contra el reggaetón, envíenselas por acá.
 

¿Cuántas veces trataste de escuchar mensajes subliminales en tus discos favoritos reproduciéndolos en reversa? Muchas veces, espero.  

Recuerdo que de pequeño, mis papás no me dejaban comprar nada que tuviese que ver con Marilyn Manson debido a esa portada de Mechanical Animals en donde sale con un disfraz sin pene y con senos. El gran Brian Hugh Warner –alias Marilyn Manson– la tuvo clara desde siempre, y usó el miedo/morbo/curiosidad que generaba en los jóvenes y adultos a su favor para adentrarnos aún más en su concepto artístico/musical. Juro que mis papas me hicieron creer que en verdad era un enviado del diablo o el mismísimo Anticristo, y que no debía escuchar sus canciones ya que tenían mensajes subliminales que me iban a hacer caer en su secta.

En el mundo real, Marilyn Manson es parte de la iglesia de Satán, formada por Anton Lavey en 1966. Tiene la orden de "Sacerdote honorario". Incluso, en las notas de su EP Smells Like Children se puede leer su nombre como "Reverendo Manson". Hermoso. Para Manson el satanismo es una filosofía de vida con la cual se siente sumamente identificado, acá lo escuchas de su propia voz. Acusaciones de mensajes subliminales satánicos a muchos artistas de rock n’ roll se hicieron famosas al comienzo de los años ochenta, quizás inspiradas por la escena de El Exorcista de 1973, en donde una cinta de grabación sin sentido de la víctima poseída en la película, apenas la escuchaban en reversa se daban cuenta que era un mensaje en inglés. Hasta el gran Ozzy Osbourne hizo referencia a una frase de esta película cuando grabó la línea "Your Mother Sells Whelks in Hull" en reversa dentro de la canción "Bloodbath in Paradise".

El Rock n' Roll originalmente tuvo la reputación de ser considerado música satánica –y estoy seguro que hay abuelitos que te lo pueden confirmar. Un ejemplo que siempre digo en reuniones cuando todos ya están pedos o mariguanos y empezamos a hablar del diablo es este: Cuando Little Richard tocaba los primeros acordes de" Long Tall Sally" o "Lucille" en la iglesia, lo llamaban pecador. Ese tipo de letra unida a las melodías pentatónicas del piano y la voz, para ese entonces era considerado un sacrilegio –ya que ese tipo de melodías características de la música gospel, solo se podían usar para venerar a Dios y no a las piernas de Sally o Lucille. Richard de esta forma era precursor en esto de unir el gospel y el Rock n' Roll de una manera bien bluesy y sexy que a los cristianos les hacía enojar.

Ahora, según George Chaniotakis todo esto tiene una explicación y confirma la teoría de que en el mundo maravilloso de Internet, hay absolutamente todo.

Goerge es el creador de Artists who sold their soul to the devil for money and fame. Una especie de documental con todas las teorías que te puedas imaginar sobre cómo U2, Pink Floyd, Kesha, Carlos Santana, Little Richard, The Beach Boys, Kiss, Van Halen, Led Zepellin, Kurt Cobain, Fleetwood Mac, Sting, Iron Maiden y más vendieron su alma al diablo, y te lo ilustra canción por canción. Te demuestra todos los mensajes subliminales y satánicos que según él la música de estos artistas tienen.

Increíble, yo también quiero ir al infierno si es así. Es una fiesta a la que probablemente muchas personas quieran asistir con pases VIP.

Acá tienes el documental con 54 videos explicándote el satanismo de cada artista según el buen George:

Ahora, si aún no están convencidos, estoy seguro que después de leer este website —que se convirtió en mi favorito de este mes—, lo estarán. Citaré por placer la maravillosa intro:

"Comencemos con los más obvios, ACDC. Back in black ha vendido más de 42 millones de copias en USA nada más. Una de las rolas más populares es 'Highway To Hell'. En todos los bares, clubes nocturnos y conciertos los fans de ACDC gritan 'I'm on a highway to hell' ¡y ciertamente lo están!"

Creo que no queda más nada que decir. Ahora, nosotros te damos nuestra selección de 13 canciones con (supuestos) mensajes subliminales o satánicos para hacerte tu camino al infierno más llevadero o divertido. Nos vemos ahí.

Styx – "Snowblind"

En el segundo 0:52 está la línea "I try so hard to make it so" que volvió locos a la Legislatura del Estado de California e insistieron hasta más no poder que si esa línea la escuchabas en reversa decía "Satan move through our voice". Para esa época muchísima gente pensó que era una coincidencia más, pero fue usado como precedente para filtrar qué música debía llevar un warning label o no. Imagino un Parental Advisory Satanic Content.

 

The Beatles — The White Album

La razón por la cual empezó la famosa teoría de Paul Is Dead fue por el mensaje raro en el fadeout de "Strawberry Fields Forever". Se oye la voz de Lennon diciendo "I Buried Paul". La teoría dice que los músicos sustituyeron a Paul con un doble debido a su muerte en un accidente de tráfico y ellos mismos dejaron pistas en sus grabaciones para que sus fans las encontraran. Acá te hablamos de dos temas que pertenecen a disco The Beatles (o Álbum blanco): al final de "I’m so tired" se escucha a John decir algo como "Paul is a dead man, miss him, miss him".  Pero la joya de la corona está en "Revolution #9": Se escucha decir "Number nine" pero si lo escuchas enn reversa es "Turn me on dead man". Miedo.

 

Black Sabbath — "Iron Man"        

Esta canción del 71 es un fenómeno tremendo cuando la escuchas en reversa. Es de esas teorías que no quieres creer pero que apenas las escuchas y escribes lo que sale, te sentirás Mulder y Scully a punto de descubrir algo en The X Files.

Arriba está la letra original y debajo el resultado de oír esa misma frase en reversa. Juzguen ustedes mismos y no apaguen la luz.

I am Iron Man
            Man, they are. Mad, they are.
Has he lost his mind? Can he see or is he blind?
            Can't be seen or is he dead? Get out, this, or leave sad.
Can he walk at all, or if he moves will he fall?
           All the 'earns' will all figure up; wants back all we had.
Is he alive or dead? Has he thoughts within his head?
         'Satan in' means all he's got, can't go beyond these, he.

Pokémon Rap          

A todos los que estamos jugando Pokémon Go, nos va a llevar Satán. Al parecer. "All hail satan All hail satan All hail satan All hail satan" vas a poder escuchar en reversa mientras buscas a Pikachu. Bueno, hay hasta porno de Pokémon, así que esto no debería de extrañare. De hecho, el creador de Pokémon admitió en una entrevista un poco extraña que sus creaciones eran anti- cristianas. Toma.

 

Queen — "Anothe one bites the dust"

Bueno, no todas las canciones podían animarte a adorar a Satanás. Esta lista no estaría completa ni fuese seria si no tuviera una canción que te incita al consumo de mariguanita. Ahora, si Freddy Mercury te lo está diciendo en código ¿Qué estás esperando para armar un bong y fumar? "I’ts fun to smoke marijuana, marijuana, marijuana". Repetido por Freddie muchas veces.

The Eagles — "Hotel California"

Lleva muchísimo tiempo este rumor: La premisa básica es que la canción es sobre una iglesia cristiana que fue abandonada en 1969, y fue ocupada por un grupo ocultista –supuestamente satánico. Luego, por razones no muy claras, la antigua iglesia se empezó a conocer como el Hotel California. Otros rumores que quieren confirmar que The Eagles eran adoradores de Satanás afirman que el diablo aparece en la ventana del Hotel California en el jacket del álbum. Búsquenlo y vean si encuentran a Lucifer.

En "Hotel California" pueden escuchar en reversa "Satan he hears this. He had me believe in him". En vez de "In the middle of the night, just to hear them say".

 

Led Zepellin — "Stairway To Heaven"

El tele-evangelista Paul Crouch fue el que hizo famosa esta teoría –quizás el mensaje subliminal más famos— en 1982, alegando que cuando la escuchabas en reversa decía, en vez de: "If there's a bustle in your hedgerow, don't be alarmed now, it's just a spring clean for the May queen. Yes there are two paths you can go by, but in the long run there's still time to change the road you're on".

Esto: "Oh here's to my sweet Satan. The one whose little path would make me sad, whose power is satan. He'll give those with him 666, there was a little toolshed where he made us suffer, sad Satan".

John Stamos cuenta en Howard Stern que Jimmy Page tenía hábitos satánicos. Si quieres más ocultismo acá tienes un blog dedicado a esta supuesta faceta de Led Zepellin.

 

Slayer — "Hell Awaits"

Tom Araya ha admitido que la rola Hell Awaits tiene voces que normalmente dicen "Join Us" 45 veces —hubiese sido más romántico 66 veces, pero no todo es perfecto. Si la escuchas en reversa esos "Join Us" suenan a "Slay God",  y luego termina con un "Welcome Back".

También se ha hablado mucho de lo que representa visualmente una banda como Slayer con sus portadas e imágenes alusivas a la banda. Acá su hermana cuenta como les quitó la "tranquilidad" de sus vidas la fama de las letras que "incitan a la violencia" de Tom. Dato: Su papá es sacerdote.

 

Pink Floyd — "Empty Spaces"

Pink Floyd es de esas bandas que fueron precursoras en todo, hasta en mensajes subliminales. Junto a Led Zepellin fueron de los primeros en ser acusados de satánicos "Congratulations. You have just discovered the secret message. Please send your answer to Old Pink, care of the Funny Farm, Chalfont". Esto es lo que oyes cuando escuchas en reversa Empty Spaces del 79. Roger Waters luego confirmó que se estaba refiriendo a Syd Barret como el "Old Pink". 

 

Craddle Of Filth – "Dinner at Deviant’s Palace"

Bueno, esta canción sí que da miedo. No hay mucho que decir, sólo que en reversa es la oración El Padre Nuestro con unos sintetizadores bastante densos de fondo. Creo que escuchar esto con luces apagadas a las 3:00 am es lo más cercano que vas a tener a The Exorcist.

 

Electric Ligh Orchestra – "Fire On High"

"Fire On High" es una rola instrumental que abre el disco Face The Music de Electric Light Orchestra. Podría decirse que está inspirada en "Revolver 9" de The Beatles, ya que son temas Avant Garde que tienen mensajes subliminales cuando las escuchas en reversa.

Esta es una joyita: Si la escuchas normal, da un poco de miedo. Pero si la oyes en reversa descubrirás el mensaje en su totalidad que dice: "The music is reversible but time isn’t. Turn back, turn back, turn back".

Dicen que Jeff Lyne, vocalista y autor de las canciones puso este mensaje adrede ya que los habían criticado por anteriormente tener mensajes satánicos en sus rolas.

 

Judas Priest - "Better By You Better Than Me"             

Esta canción les salió muy cara a los Judas Priest. Hace 26 años la banda estuvo inmersa en un juicio por el suicido de un hombre e intento de suicido de otro debido al mensaje escondido en la canción, supuestamente. El juez los declaró inocentes.

James Vance y Raymond Belknap, tomaron alcohol por seis horas y se drogaron escuchando el disco Stained Class de la banda. Después de esto, cada uno tomó una escopeta y se dispararon. Belknap murió de inmediato pero Vance sobrevivió y quedó con lesiones graves que lo dejaron desfigurado. Murió tres años después.

Antes de su muerte demandó a la banda por 6.2 millones de dólares, alegando que la banda tenía mensajes subliminales como "Try Suicide", "Let’s be dead", "Do it, que influenciaron a Vance y Belknap a llevar a cabo el suicido.

En la corte se escuchó el tema de forma normal y en reversa, buscando probar que la banda les lavó el cerebro a estos jóvenes con sus letras e hicieron que uno se suicidara y el otro lo intentara sin éxito. Acá ves un documental sobre el juicio.

 

Las Ketchup – "Aserejé"                               

Número uno en más de veinte países, grabada en tres idiomas: español, portugués y ¿spanglish? En fin, esta canción dominó al mundo por un rato. Podríamos estar acá hablando del fenómeno que fue esta canción, pero no. Estamos para la parte divertida, la teoría satánica que hay detrás de esta canción.

Se dice que a través del juego de letras en inglés y español se alaba constantemente a la herejía y se cita frecuentemente a Satanás.

Esto es divertido: A=1. Ser –de la palabra ser- y las últimas cinco letras forman la palabra ereje sin h, es decir, "un ser hereje". ¿Rebuscado o no?

Igual esto sigue: Diego rumbeando= Es un mensajero, y la palabra rumbeando viene de "rumbo". Con la luna en las pupilas y en su traje agua marina van restos de contrabando = La luna en las pupilas solo se puede ver durante la noche y el traje agua marina es por un azul que supuestamente, es el color preferido de Satanás. Yo juraba que era el rojo, llevo 27 años engañado.

Y bueno, si buscan en el océano de Google verán tantas interpretaciones de esta canción, que quizás más nunca la oigan igual. Suerte.

Antes de saber esto igualmente pensé que el bailecito del video era diabólico.

foto Jordi Santos

Tuve una conversación telefónica con Pau Roca, guitarrista de La Habitación Roja, la banda valenciana de pop rock Indie, acerca de su nuevo disco Sagrado Corazón. Pero las situaciones fueron adversas, todos los medios, incluyendo la línea telefónica, estuvieron en mi contra. Es increíble lo difícil que son las llamadas telefónicas desde Estado Unidos a España. ¡Gracias Sprint Corporation!, ¡Gracias Marcelo Claure! Por tu mal servicio, por tus tarifas estratosferitas e inhumanas. Además de los siniestros telefónicos del empresario peruano, subsistieron los acordes catárticos de los gritos de mis hijos. Tengo una llamada con la que podría argumentarse, es la banda de rock más importante de España y ¿qué es lo que hace mi ex-esposa?: Dejarme a mis hijos. Mis hijos que son como demonios emergidos del infierno, pequeños demonios que siempre han tenido cola que les pisen. Sus gritos se manifestaban por toda la casa como si yo le estuviera llamando a Pau desde un psiquiátrico; era realmente increíble: uno quería hacer popó, el otro quería zafarse de la improvisada camisa de fuerza que le coloqué y la otra pareja hacia un boicot en la sala. He criado a unos monstruos, y esos monstruos estaban en mi casa justo cuando tenía que hablar con los miembros de La Habitación Roja ¡Padre, perdónalos porque no saben lo que hacen!

Horas más tarde, cuando hube grabado la conversación a través de mi iPhone, y trataba de escucharla, me di cuenta que no escuchaba nada, apenas unos ruidos provenientes del abismo. Decidí dejarla por la paz y le mandé un correo electrónico a Roca exponiéndole mi caso. Accedió a contestarme un cuestionario, mismo que se presenta a continuación; y no es por nada, pero son las respuestas más honestas y divertidas que le he escuchado (en este caso, en realidad leído) a Pau. Gracias a la inestabilidad emocional y hormonal de mis hijos, pude tener acceso a las respuestas escritas de un Pau Roca despreocupado, amante de la literatura, los Smiths,  las mascletàs (un disparo pirotécnico que conforma una composición muy ruidosa y rítmica que se dispara con motivos festivos en plazas y calles  valencianas) y el mezcal. 

Qué rememoran del año de su formación, 1994, año en que moriría Bukowski, cuando se publica Aki no keda ni Dios, el disco de Eskorbuto, y sale a la luz Mendigos y opulentos, la novela de ciencia ficción de Nancy Kress. Ahora que los años 90 parecen estar de vuelta, ¿cómo fue el 94 para La Habitación Roja?
Pues unos años llenos de ilusión y energía. Intentamos preservar todo lo que podemos de esa época. Para nosotros, esencialmente, las cosas siguen iguales: Mismas ganas de hacer música, mismo pueblo y casi, mismos componentes. Obviamente en aquella época proyectábamos y soñábamos con hacer lo que ahora hacemos, vivir de lo que nos gusta. Está bien no olvidar nunca esa sensación, para no caer en la rutina o el hastío. Recordamos esos años con mucho cariño.

¿Qué tan buenos son en La Pilota Valenciana?
José es el único que ha jugado y en el pueblo de donde somos hay bastante tradición. Es un deporte muy duro de practicar y bastante agresivo con las manos, así que no es muy compatible con tocar un instrumento musical. Mi hermano jugaba bastante bien. Yo fui el otro día al trinques a ver una partida. Es muy divertido de ver.

¿Quiénes de ustedes se han emborrachado más veces en una Cordada?
Ninguno creo. Nos hemos atrevido a meternos debajo de tanto petardo. Somos más de ver las mascletàs, que nos encantan. Arte puro.

Teenage Fanclub es un referente importante en su carrera. ¿Cuál es su disco favorito de ellos?
Me quedaría con la trilogía Bandwagonesque, Grand Prix y Songs from Northern Britain. Maravillosos. Son un grupo muy importante para nosotros y que ejercieron una influencia decisiva cuando empezábamos a tocar. Son canciones geniales y que suenan bien siempre. Probablemente el grupo que más veces haya visto en vivo.

Joaquín Rodrigo parece ser un fantasma recurrente en la Comunidad Valenciana. ¿Alguno de ustedes participó en una banda de música?, ya que en casi todos los pueblos de la Comunidad existe al menos una de estas agrupaciones.
José, nuestro batería, tocó el tambor en una de pequeño. Aquí es muy común iniciarse en la música así. Hay miles de personas que saben tocar los vientos por ello, muchos de los componentes de las secciones de metales de las orquestas son valencianos por esa razón. Hay cientos de bandas de música y certámenes por aquí.

Son ya 19 años facturando canciones “sin bajar el listón”. ¿Qué han aprendido y desaprendido durante todos estos años?
Hemos aprendido algo de técnica y a hacer lo que nos de la gana. Intentamos no desaprender nada, aunque sea inevitable que ciertas cosas se queden en el camino, intentamos que no sea así. También, afortunadamente, podemos permitirnos mejor infraestructura técnica a nuestro alrededor, y eso siempre es bueno.

“El secreto es que no hay secreto. Que no hay trucos”. Han dicho sobre su proceso de escribir canciones. Supongo que no hay fullerías, pero sí lecturas. ¿Qué autores los han acompañado al momento de escribir?
Raymond Carver, Ramón J Sender, Dostoievski, Bukowski, Borges… ¡Hay cientos de ellos!

El escritor mexicano Carlos Velázquez, autor de La Biblia Vaquera ha expresado sobre Morrissey: “No entiendo cómo puede existir gente a la que no le guste The Smiths. Que se destapen los oídos. Mi gusto por la música de Morrissey ocurre porque en sus canciones habla de mí. Me identifico con lo que canta. Es uno de mis héroes. ¿Qué piensa La habitación roja sobre Mozz?
The Smiths juntaron expresividad, estética, calidad y originalidad musical con letras interesantes, con valor en sí mismas y con calidad y musicalidad. Son un referente para nosotros. A mi, personalmente, además de como grupo en sí, Johnny Marr es uno de mis tres guitarristas favoritos. Me he fijado siempre mucho en él.

Triunfaron en el Salón Imperial en México, donde tienen muchos fans. ¿Qué se siente arrollar en el extranjero? ¿Qué es lo que más les gusta de este país?
Unos de nuestros momentos favoritos del año, es ir a México. Nos sentimos genial. Es un país que nos ha tratado siempre muy bien y con sus defectos es una constante generación de energía y vivencias que a nosotros nos encanta. Desde la comida, la bebida, la gente, el paisaje. Nos gusta mucho. Quizás lo peor, como en España, sean sus gobernantes.

¿Qué me dicen de José Alfredo Jiménez? Tan laureado por España.
José, nuestro batería se las sabe todas. Siempre que empieza a sonar una canción suya, se la sigue. Nos encanta.

“La luz, el Sol, el calor, la amistad, nuestra tierra y el amor” son los ejes principales en Sagrado Corazón (Mushroom Pillow, 2016) pero a ciencia cierta, ¿Qué es Sagrado Corazón? ¿Por qué el estigma devoto?
Era un concepto que se nos apareció varias veces mientras gestábamos el disco y que pensábamos que resumía bastante bien el sentir del disco. En su sentido más espiritual y menos religioso.

“Hay tanto resentimiento, que amar es vital”, han comentado acerca de la conceptualización del disco. ¿Por qué de pronto a las bandas de Rock les da pudor cantar canciones de amor?
Es un tema idiomático. En inglés nadie se plantea estas cuestiones. En el pop en castellano, la gente aun tiene cierto pudor a escuchar ciertas cosas que en inglés está muy superadas, como hablar abiertamente de amor o seco en las canciones.

Nos veremos el 19 de agosto en el C3 de Guadalajara y luego el 20 en la Semana de las juventudes en la Ciudad de México, para posteriormente regresar a Guadalajara el 2 de septiembre al Festival Gigante. ¿Aún le entran duro al tequila?
Sobre todas las cosas. Al mezcal. Defiendo que para no caer en el “mal de Moctezuma” hay que beber mucha cerveza, tequila o mezcal y comer picante. No tengo pruebas científicas de lo que estoy diciendo, pero de momento, nos ha funcionado. Y ya van diez visitas a México.

¿Ves la foto de aquí arriba? Así es como Finn Wolfhard, mejor conocido como Mike Wheeler o el niño perdido en Stranger Things, se ve en las mañanas. Este fin de semana, sin quitarse las lagañas y usando una playera de algodón azul, Finn tomó la guitarra para hacerle un cover a "Lithium" de Nirvana. El clip lo subió a Twitter y ahora, como no queremos parar de escribir de una de nuestras series de televisión favoritas en la vida y además hay que reconocer que Finn no lo hace nada mal, nosotros vamos usar este espacio para estimular su interior morboso con este video. 

Esta no es la primera vez que Wolfhard se involucra con temas relacionados a la música. Anteriormente participó en el visual para "Guilt Trip" de la banda canadiense PUP y seguramente no tarda en darnos más videos como el que hay aquí abajo. Deja de pensar en el "otro mundo" un rato y disfruta. 

Early morning Lithium! pic.twitter.com/qmIRnaO3y5

— Finn Wolfhard (@FinnSkata) August 14, 2016

El punk, como expresión musical, no conoce fronteras. Hay una nueva camada de chicas y chicos para la que no importan las nacionalidades y el sexo, donde están presentes las maneras de conectar uno con el otro haciendo uso del correo postal y las redes sociales para intercambiar demo tapes, playeras y vinilos. Igualmente es más sencillo formar una banda, grabar, subir a Internet canciones, editarlas en algún formato, organizar una gira, contactar a las personas idóneas que estén envueltas en lo mismo, salir a la carretera y tocar por distintas partes del planeta.

Todo esto ocurre en las entrañas del punk mexicano, movimiento al que se han ido sumando más chicas, integrando bandas y apoderándose de los espacios que les permite gritar lo que sienten. Grupos como Riña, Cremalleras, Especie Fallida, Olvido o Anti Sex lo han venido haciendo; sin embargo, Viruela, un conjunto que igualmente sobresale por tener dos chicas al frente, se escucha fuertemente influenciado por bandas ochenteras de hardcore y punk. Viruela se formó el verano de este año después de que hicieron amistad Lisa y Alexandra en las tocadas y fiestas que hay en la ciudad. Lamentablemente su existencia solo duró un mes, periodo en el cual tuvieron tres shows en la CDMX.

“Teníamos ganas de hacer las cosas, y aunque sabíamos que nos íbamos a separar muy rápido por nuestras ondas de que somos bien nómadas, preferimos dejar algo grabado a no tener nada”, comentaron los integrantes del grupo respecto al mes en el que dedicaron todo su tiempo a la banda.

Viruela estuvo integrado por Alexandra en el bajo y voz; Lisa en la guitarra y la otra voz; y Patricio en la batería, quien jamás había tocado punk, pero siendo un viejo amigo de la bajista, complementó la fugaz alineación, demostrando que los muros y distancia no son un pretexto para hacer lo que se convierte en una pasión.

La grabación de su self titled estuvo a cargo de Doomsday Records en el mes de julio, mientras que la masterización la realizó Lenin Rojo (Mula Terca Records).

"Todo fluyó bien cabrón, fue fácil hacer algo juntos", explica Alexandra. “Pudimos hacer todo en poco tiempo; le apodamos ‘la misión suicida’ y hasta Yair (Doomsday Records) se prendió para ayudarnos a hacer la grabación”.

Lo que hizo Viruela fue conseguir una casa prestada donde durmieron, despertaron temprano a desayunar chilaquiles y tamales, para posteriormente ensayar lo mejor posible las canciones y grabarlas al tercer o cuarto intento en un solo día.

“Grabamos todos los instrumentos juntos. Obvio también nos prestaron los amplificadores y la batería, que esa era la de nuestros compitas Olvido. De un jalón hicimos eso y a día siguiente grabamos las voces en el cuarto de la Santa María la Ribera donde vivía acá en la ciudad”, recuerda Alexandra, quien después de esto regresó a Mazatlán, Sinaloa, ya que la vida en la ciudad es muy demandante.

Lisa hizo lo mismo, pero ella volvió a su natal Quebec, en el país de Canadá para ahorrar dinero y ver a su familia después de ocho meses. No obstante, Viruela, comentan sus integrantes, no está muerto, sino que permanecen en una especie de standby.

“Si Lisa llega a bajar para el tour que se tiene planeado con Olvido en el verano del próximo año, me iré a la Ciudad de México antes para sacar más rolas con Patricio, grabarlas y así ya irnos bien listos. Pero a ver qué pasa. Es algo que todos queremos: irnos a tocar por el país, cotorrear y visitar compas”.

Así es como sus tres integrantes pudieron realizar sus aproximados siete e intensos minutos que dura el self titled. Los cinco temas que lo componen y se cantan tanto en inglés como en español, parecen expresar lo que cualquier persona amaestrada a una ciudad gigantesca –como lo es Chilangoland– siente, descubriendo entre empujones en el transporte público y carterazos: lo que implica es vivir en esta pocilga maloliente que nos absorbe, a la cual rápidamente se le ama y odia al mismo tiempo. Su canción "Escape" expresa: “Estoy harta de esta ciudad, ¡ME COME VIVA!”. "Paranoid", que abre la grabación, quizás trate ciertas dudas y el miedo que se tiene, mientras se intenta ir tranquilo y soñando por las calles de la ciudad, dándose cuenta de que en realidad, todos parecen ir a otro ritmo, a la defensiva, transando y avanzando, haciendo que uno se genere muchas dudas dentro de la cabeza. El tema más frenético y que funge como una válvula de escape es "Mierda".

"Gettin’ home" refleja ese sentir de cualquier mujer yendo y viniendo de casa en esta metrópoli gris y misógina, donde lo más nefasto es tener que soportar todas las sandeces que les gritan a los cuatro vientos. Y el último tema, "Never enough", es otro rugido femenino, en el cual, dentro de la escena punk del país, las mujeres de a poco se han ido estableciendo en un núcleo que solía ser dominado por el sexo masculino.

Respecto a las temáticas de las canciones, Alexandra comenta:

“Las rolas hablan sobre nuestra inestabilidad emocional, como le dije alguna vez a Lisa. Tratan del delirio de persecución, la ansiedad, de querer escapar e irte de donde estás; sobre todo de ser mujer y sentir que nunca eres lo suficientemente ‘algo’: bonita, talentosa, buena, etcétera... También van sobre el acoso sexual callejero y de responder contra eso, siendo fuerte y no dejar que te chinguen”.

Y sobre su composición dijo:

“Algunos riffs son míos y otros de Lisa, quien anteriormente ya había tenido algunas bandas de punk en su país (Malokio y Deadwife). Yo también ya había tocado antes en una llamada Synesthesia. Patricio, aun cuando no está acostumbrado a tocar punk, agarró rápido el rollo y la batería de volada sentimos que se escuchó bien amarrada. Lisa y yo primero nos juntábamos a sacar ideas, para ya después ensayar los tres y que Patricio se acoplara a las ideas que traíamos”.

Viruela no solo es una agrupación pasajera de tres acordes que no se sabe qué pasará con ella en un futuro. Viruela demuestra que hacer música con una especie de deadline se disfruta igual o más, sin sentir un compromiso por completo, y como sea logrando dejar un registro en las nuevas bandas de punk que están formándose en México. El grupo simplemente es un canto de rabia para las chicas y un ejemplo de hacer bien las cosas para todos –aunque parezca que hayan sido muy rápidas–. Solo queda esperar a que el tiempo y los compromisos se vuelvan a alinear para Lisa que se dedica a hacer ilustraciones y cómics, Alexandra que es estilista y Patricio que está por recibirse como maestro. Por lo pronto su self titled en los meses que vienen será editado por Runstate Tapes de Canadá, y posiblemente también habrá una edición europea.

foto de Danna Podst, vía

La voz de Loli es una antorcha que ilumina noches de luna nueva, como una aguda iluminación sonora que sabe acompañar los sentimientos más azotados, o los más sutiles. Todo con la sencillez de su voz, sus letras y su guitarra. 

La cantante argentina protagonizó una noche más cortesía de Sofar Sounds, en esta ocasión en la Ciudad de México, en la embajada argentina. El track que tocó es "Los Días", corte abridor de su placa 2015 Rubí, y con la cual, marca su sexta participación en el formato de interpetaciones íntimas que permite Sofar.

El video fue filmado y editado por David Gutíerrez Marín, y con un audio de Alejandro Sales. Al respecto, Loli nos dijo: "Fue muy hermoso, la hicimos en la embajada de Argentina, mi país, fue muy interesante poder tocar en ese contexto. Había mucho vino, que estaba rico. Y toqué algunas canciones de mi disco Rubí, entre ellos 'Los Días', así que ojalá lo disfruten". 

Dale play abajo y déjate envolver por la voz y personalidad magnéticas de Loli. 

Imagen vía Vevo

Es difícil imaginar por qué alguien odiaría a los raperos. Desarrollan bien la palabra, son capaces de expresar los momentos más oscuros en la vida y están haciendo la mejores baladas de esta generación. Sin embargo, entendemos si el nuevo video de YG para “Why You Always Hating?” te provoca envidia. 

Durante cuatro minutos puedes ver a Drake rapeando sobre un carro, a YG arriba de un helicóptero y a Kamaiyah recibiendo un masaje en los pies. ¿Cuál es la narrativa del video? No tenemos idea pero seguramente no se le notificó a ninguna compañía de seguros sobre el desmadre que harían para este clip. Ty Dolla Sing también aparece porque para los excesos se necesita compañía. Ve el video para  "Why You Always Hatin" aquí abajo. 

Se lo preguntaban Kana Kapila hace casi un lustro y nosotros nos lo seguimos preguntando ahora: "¿Dónde está la sangre joven?". El pasado 12 de agosto fue el Día Internacional de la Juventud, así que pareció un buen pretexto para intentar responder dicha pregunta. La sangre joven está en todos los sitios haciendo música y brincando, sólo hay que abrir los ojos.

Pero se las pondremos fácil. Aquí va una lista de algunos de nuestros músicos menores de 20 años favoritos. ¡Esperamos grandes cosas de todos ellos!

 

DJ Perigoso y Nidia Minaj

Con 18 años, DJ Perigoso es uno de los miembros más jóvenes del sello Príncipe Discos y el más joven del colectivo Black$ea Não Maya. Hace unos meses, coincidiendo con la salida del último sencillo del colectivo, ellos mismos nos contaron su historia. De hecho el sello es un hervidero de sangre joven. Quizás es por eso que se ha convertido en uno de los más vitales de últimos años. Bueno, por eso y por el increíble talento de alguno de estos jóvenes como Nidia Minaj (19 años), autora de uno de los mejores discos del año pasado.

 

Bishop Nehru

¿Qué estaban haciendo a los 15? Bishop Nehru estaba grabando un disco colaborativo con MF Doom, fichando por el sello de Nas y haciendo alguna de las mejores canciones de hip hop noventero de esta década. No es raro que haya llamado la atención de estos tótems escuchando sus primeras canciones. Ahí sigue. Todavía no tiene 20 años y el tipo ha trabajado con DJ Premier, Madlib, ha hecho de telonero de Wu Tan Clan y ha recibido los parabienes de gente como Kendrik Lamar. No está nada mal.

 

Los Sugus

Los menores activados. En el trap y el reggatón también hay sangre joven dispuesta a subirse al escenario. Los Sugus tienen entre 16 y 17 años, y los encuentras en la plaza del MACBA de Barcelona, cuando no están en el estudio grabando temas con AC3 o PXXR GVNG con quien cantan "Ahora hay nueva sangre, lo dice la calle". De momento tienen sólo 4 canciones, pero vendrán más. Las estamos esperando.

 

Grushenka

A Grushenka no les dejaron entrar a su propio concierto por tener entre sus filas a menores. Ese fue uno de los detonantes de la campaña española #Queremosentrar, que reivindicaba el derecho de los menores a acceder a salas de conciertos. Escuchándolos, parecen los primos hermanos de Los Planetas o los Jesus & Mary Chain del Darklands, así que podemos imaginar perfectamente la cara de sorpresa de los cadeneros cuando llegaron con sus guitarras.

 

Trapo

Con 18 años recién cumplidos, Trapo es ya una de las mayors promesas del hip hop cercano al soul en español. "Bad Gal" forma parte de su EP Girl, y está a medio camino entre Chance The Rapper y King Krule. Si no se estropea nos dará muchas alegrías, ya verán.

 

Novelist

Este joven inglés acaba de cumplir 19 años y ya es una de las mayores estrellas del grime, codeándose con Skepta, Mumdance o Major Lazer. Con su última canción, consiguió mezclar R&B aterciopelado con el grime más primitivo. No sé a que espera Drake para llamarle.

 

Chanel

Aunque parece que haya vivido ya un par o tres de vidas, Tania Chanel sólo tiene 16 años. Su futuro pinta brillante. Si quieren saber más, aquí pueden leer la entrevista que le hicimos a principios de año.
 

Saba-Lou

Ser hija de King Khan tiene que ser de lo más divertido. Un padre medio turulato con el que cantar lo que se te pase por la cabeza y hacerte el tonto. ¡No se puede pedir más! A Saba-Lou la estamos escuchando crecer a través de los sencillos que ha sacado acompañada de su padre, pasando de canciones gritonas sobre no querer ir a la escuela a obras maestras de melancolía infantil como este "until the end".

 

Mint Field

Uno de los nombres necesarios en la nueva ola de bandas tijuanenses, insertada en el rollo shoegaze y pop de alcoba, con matices oscuros que van del punk al noise-pop,son sin duda Mint Field. Una banda joven que se descubre a sí misma en cada lanzamiento.

Foto vía

¿Te imaginas a Adele moviendo su cuerpo de forma exagerada mientras serpentinas de colores, botargas y bailarinas con trajes diminutos la rodean durante una presentación en el Super Bowl? Esa presentación desataría la avalancha de memes más grandes en el internet porque, en primera, Adele no sabe bailar y, segunda, ella solo necesita un buen vestido y su voz para destrozar el escenario. 

Como sea, a principios de este mes The Sun reportó que Adele estaba en la lista de los probables artistas que se presentarían el próximo año durante el medio tiempo del Super Bowl. Luego, para ser exactos este fin de semana, durante un concierto en Los Ángeles, Adele dijo lo siguiente: 

"Para empezar, no me presentaré en el Super Bowl. La verdad ese espectáculo no tiene nada que ver con música. Y yo no puedo— realmente no sé bailar. Fue muy amable de su parte preguntarme, pero decidí decir que no". 

 De acuerdo con Billboard, ahora la NFL soltó un comunicado en el que dice que no le ofrecieron nada a Adele. Aquí abajo un extracto: 

"La NFL y Pepsi son grandes fans de Adele. Hemos platicado con varios artistas sobre la presentación de medio tiempo del Super Bowl. Sin embargo, hasta este momento no le hemos ofrecido una oferta formal a Adele o alguien más. Ahora nos estamos concentrando en crear un espectáculo fantástico para Houston y revelaremos quiénes serán los artistas invitados en su debido tiempo". 

Asi que dejen de fantasear con la idea, fans de Adele: Es imposible.  

Fotos por Daniel Patlán

Cada año, Little Jesus hace una fiesta a la que va cada vez más gente y en donde hay una mayor producción y más sorpresas. Este viernes, la banda presentó su más reciente álbum de estudio, Río Salvaje, ante un Plaza Condesa con las entradas completamente agotadas, y justo como en el show que dieron en el Lunario a principios del año pasado, las sorpresas y los invitados cayeron uno tras otro.

Si en el Lunario hubo un neón con su nombre, ahora había ese más unos increíbles de unos OVNIs, haciendo una referencia clara a su video más reciente, para “La magia”. El número de personas sobre el escenario también aumentó: la banda ahora cuenta con siete integrantes en sus presentaciones en directo desde que tocaron —en conjunto con Noisey— Río Salvaje por primera vez, y hubo momentos de la noche en donde el número de personas era aún mayor, llegando en un punto a tener hasta seis guitarras y bajos al mismo tiempo. Los invitados, por supuesto, abundaron, y entre ellos estuvieron Ela Minus cantando “Norte”; Rodrigo Blanco de Rey Pila tocando la guitarra en algunos temas; todos los Románticos de Zacatecas; e incluso hubo un momento en el que Little Jesus le prestó el escenario a Vaya Futuro para un increíble cover de “Sur”.

Como en el Lunario, invitaron también a protagonistas de sus videos: en esta ocasión repitió Manuel Bueno, el de “Norte”, además de el protagonista masculino y la extraterrestre de “La Magia”, lo cual volvió locos a los asistentes.

Fue una noche épica en donde mostraron que son una mejor banda en vivo de lo que solían serlo, tanto por cómo tocan como por el show que dan, y que reflejó el gran momento por el que pasa la banda, en un año en el que le abrieron dos shows a los Rolling Stones y publicaron uno de nuestros discos favoritos del año. Y quedó aún más claro que el cambio de dirección en sonido no afectó su popularidad: “Azul” y “Berlín” siguen siendo las más pedidas, bailadas y coreadas, pero el público se sabía todas y cada de una de las canciones nuevas, y las cantaban al grado de que Santiago, el vocalista de la banda, podía tomarse la libertad de no cantar cuando se le antojara.

Daniel Patlán estuvo ahí para capturar el festejo, y a continuación pueden ver las imágenes de esa noche.

Ela Minus

Little Jesus

Jesse y Patti Smith, foto vía Wikicommons 

Patti Smith lanzó un video para promocionar su nuevo álbum colaborativo con su hija Jesse Paris Smith y el Soundwalk Collective, un trío de músicos especializado en la producción de obras de audio centradas en la naturaleza, la etnografía, la antropología, las narrativas no lineales, y la psicogeografía. El disco lleva el título de Killer Road, estará listo el 2 de septiembre por Sacred Bones y es una reinterpretación de las canciones y la poesía de la modelo alemana Nico, ex vocalista de The Velvet Underground.

Foto por Michael Stipe de R.E.M. vía 

El video, dirigido por Barbara Klein, se grabó en una interpretación en vivo de Fearfully In Danger para una audiencia alemana, porque para Patti Smith todos los símbolos importan. Las letras que Patti desparrama cantando, susurrando y haciendo spoken word sobre un oleaje eléctrico se grabaron para el último disco que Nico logró grabar cinco años antes de su muerte, Camera Obscura.

La carrera de Nico despegó en Europa, donde se convirtió en un ícono de la belleza femenina. Después de cinco años de trabajar con publicaciones de peso como Vogue, Tempo, Vie Nuove, Mascotte Spettacolo, Camera, y Elle, el cineasta italiano Federico Fellini la invitó a aparecer frente a su cámara para el clásico La Dolce Vita en 1959. Así se convirtió en un ícono de la cultura popular europea. Entonces empezó a grabar canciones compuestas por el cantante francés Serge Gainsburg. 

Ya dentro del circuito musical y viviendo en Nueva York, Nico conoció a Brian Jones de los Rolling Stones en 1965 quien le presentó a Jimmy Page de Led Zeppelin para que le produjera su primer single, “I’m Not Sayin”. Nico empezó a trabajar con Andy Warhol y Paul Morrissey en su filmes experimentales, entre ellas Chelsea Girls al mismo tiempo que Warhol se convirtió en el manager de The Velvet Underground y sugirió a Nico como vocalista. Warhol preparó una serie de shows multimedia, Exploding Plastic Inevitable, estelarizado por The Velvet Underground & Nico, quienes en 1967 sacaron un disco homónimo, que se convirtió en uno de los discos más importantes del siglo XX.

Su participación con VU duró solo dos años. En realidad ni John Cale ni Lou Reed la soportaban y ella tampoco los quería nada. El actor Ben Carruthers le presentó a Bob Dylan en el 67 y decidió grabar "I'll Keep It with Mine" para su primer álbum, Chelsea Girl, sencillo que Dylan había escrito para Judy Collins en el 64. La carrera solista de Nico se prolongó hasta los últimos años de su vida. Camera Obscura de 1985 fue su última obra antes de sufrir un ataque al corazón mientras iba en su bicicleta en Ibiza.

La razón por la que Patti Smith se ha mantenido en la esfera pública todos estos años tiene que ver con la determinación con la que se ha dedicado a documentar y repasar la historia de los orígenes de la escena punk en el Nueva York de los 60. Su trabajo la ha convertido en un documento viviente. Patti es la prueba viva de que existió una generación de músicos jóvenes que se formaron como niños ferales en un bar, el Max’s Kansas City, donde la influencia de los poetas de la Generación Beat, la gente de la Factory de Andy Warhol, los travestis y la vida nocturna del East Village en Nueva York.

Killer Road sale el 3 de septiembre. Arriba su portada. 

Sin quitar el dedo del renglón, Patti se ha encargado de contar y juntar los pedazos de esa historia una anécdota a la vez, y con Killer Road se acerca a una última parte de su labor. Entre un mar de voces, al principio del video de su versión de “Fearfully In Danger”, se escucha un pedacito de audio donde Patti dice: “I have a daughter who’s a struggling musician”, “tengo una hija que está luchando por hacer música”. De la misma manera en la que preparó su autobiografía de 2010 Just Kids, que revivió su carrera y la conectó con una generación de jóvenes muy distinta a la de sus seguidores en los 70, ahora está asociando a dos generaciones de músicos: la suya, representada por Nico y The Velvet Underground, y la de Jesse Paris Smith, que ahora tiene 29 años. 

el cast de The Get Down

La vieja y original escuela del Bronx es uno de los momentos más románticamente idealizados en la historia de la música popular, como el verano del amor en 1968 o los raves en la década de los noventa: momentos donde la inocencia, la rebeldía, la originalidad y la pasión se unieron para dar pie a algo nuevo; un ojo de aguja por el que pasó la música popular para nunca volver a ser igual. 

Este fin de semana, el mundo se volvió a montar en un tren del mame gracias a Netflix, ahora por el estreno de los seis primeros capítulos de la serie The Get Down, sobre el circuito de fiestas clandestinas en el Bronx de los años setenta que dio origen al hip hop y el contexto de pobreza y abando extremos que sufría este borough. Más allá de que es una serie ligera, bien contada, con atención al detalle y con una intención honesta de hacer un recuento histórico, también es un producto edulcorado, y si no te engancha, es entendible. 

Yo no he visto The Get Down con la atención que merece, pero si no se han dado ningún episodio, este párrafo contiene un pequeño cuasi spoiler. Gran parte del primer capítulo gira alrededor de un disco y de la odisea para conseguirlo, sobre cómo pasa de mano en mano y sobre el valor que tiene, como una bolsa de monedas. En realidad, el disco en cuestión que sale en el primer capítulo no existe, pero ejemplifica uno de los mitos fundacionales de la vieja y original escuela del Bronx: El uso secreto de los discos, su contrabando, y su valor en la calle. Un DJ era mejor que otro porque sonaba más fuerte y porque sabía hacer trucos, pero sobre todo por sus canciones. Muchas veces, los DJ's recorrían la ciudad entera en busca de todas las copias de una canción, para destruirlas y que sólo existiera la suya. Era una regla generalizada arrancarle las etiquetas a los discos para que nadie supiera su contenido. La información sobre nombres de canción, disquera, año y artista, se pasaba de mano en mano como ritos de iniciación.

Además, estos discos contienen dentro de ellos la simiente de los siguientes veinte o treinta años de música popular, gracias a que alrededor suyo se descubrieron las técnicas modernas del corta y pega propias de los DJ's de hip hop. La lista que está abajo tiene algunos de los sonidos más reconocibles y sampleados en toda la historia del sampleo, pero también tiene canciones absolutamente olvidadas. 

El Amo de los Discos, ahora para siempre mancillado su nombre por las nefastas acusaciones en su contra, el señor Afrika Bambaataa, hizo esta lista con las canciones más importantes del circuito de fiestas clandestinas del sur del Bronx en los años setenta. La lista salió originalmente en el número de agosto de 1988 para la revista inglesa Blues & Soul. 55 de los más importantes breakbeats de la historia.

Estas canciones a continuación, puede argumentarse que dieron origen al hip hop.  
 

1 Incredible Bongo Band - "Apache" (Pride, 1973)

 

2. Ralph MacDonald - "Jam On The Groove" (TK, 1976)

 

3. Dave Mathews - "Theme From Star Wars" (CTI, 1977)

 

4. Juice - "Catch A Groove" (Greedy, 1976)

 

5. Friend & Lover - "Reach Out In The Darkness" (Verve, 1968)

 

6. The Busboys - "Minimum Wage Rock N Roll" (Arista, 1980)

 

7. James Brown - "Give It Up Or Turn It Loose" (King, 1969)

 

8. James Brown - "Get Up I Feel Like Being A Sex Machine" (King, 1969)

 

9. Sly & The Family Stone - "Sing A Simple Song" (Epic, 1969)

 

10. Little Sister - "You're The One" (Stoneflower, 1970)

 

11. Jimmy Castor Bunch - "It Just Begun" (RCA, 1972)

 

12. Herman Kelly & Life - "Dance To The Drummer's Beat" (TK, 1976)

 

13. Dennis Coffey - "Scorpio" (Sussex, 1971)

 

14. Dennis Coffey - "Ride Sally Ride" (Susex, 1972)

 

15. Dennis Coffey - "Son of Scorpio" (Sussex, 1972)

 

16. J.J. Johnson & Various Artists - Willie Dynamite Soundtrack (MCA, 1974)

 

17. Bob James - "Take Me To The Mardi Gras" (CTI, 1975)

 

18. Dyke & The Blazers - "Let A Woman Be A Woman & Let A Man Be A Man" (Original Sound, 1969)
 

19. Dyke & The Blazers - "Funky Broadway" (Original Sound, 1967)

 

20. The Mohawks - "The Champ" (Colition, 1968)

 

21. Ottis Redding & Carla Thomas - "Tramp" (Stax, 1967)

 

22. T-Connection - "Groove To Get Down (TK, 1977)

 

23. Funkadelic - "Get Off Your Ass And Jam" (Westbound, 1975)

 

24. Little Hooks & Ray Nato & The Kings - "Give The Drummer Some More" (United Artists, 1972)

 

25. James Brown - "Get On The Good Foot" (Polydor, 1972)

 

26. James Brown - "Funky Drummer" (King, 1970)

 

27. Bobby Byrd - "Keep On Doin' What Yo're Doin'" (Brownstone, 1971)

 

28. Bobby Byrd - "I Know You Got Soul" (King, 1971)

 

29. Lyn Collins - "Think (About It)" (People, 1972)

 

30. Marva Whitney - "It's My Thing" (King, 1969)

 

31. Jams Brown - "Get Up, Get Into It, Get Involved (King, 1970)

 

32. Rolling Stones - "Honky Tonk Woan" (London, 1969)

 

33. Rolling Stones - "Hot Stuff" (Rolling Stones, 1976)

 

34. Sly & The Family Stone "Dance To The Music" (Epic, 1968)

 

35. Sly & The Family Stone - "Family Affair" (Epic, 1971)

 

36. Grand Central Station - "Jam" (Warner Bros., 1975)

 

37. Joyous - "Pleasure" (Fantasy, 1976)

 

38. The Blackbyrds - "Rock Creek Park" (Fantasy, 1976)

 

39. The Blackbyrds - "Happy Music" (Fantasy, 1975)

 

40. Earth, Wind & Fire - "Africano" (Columbia, 1975)

 

41. Earth, Wind & Fire - "Shining Star" (Columbia, 1975)

 

42. Earth, Wind & Fire - "Power" (Columbia, 1972)

 

43. Anita Ward - "Ring My Bell" (TK, 1979)

 

44. Instant Funk - "The Funk Is On" (Salsoul, 1980)

 

45. Kool & The Gang - "Funky Stuff" (De-Lite, 1973)

 

46. Kool & The Gang - "Jungle Boogie" (De-Lite, 1973)

 

47. Parliament - "Flashlight" (Casablanca, 1977)

 

48. Zapp - "More Bounce To The Ounce" (Warner Bros., 1980)

 

49. Disco Tex & The Sex-o-Lettes - "Dancin' Kid" (Chelsea, 1976)

 

50. Rufus Thomas - "The Breakdown" (Stax, 1972)

 

51. Rufus Thomas - "Do The Funky Penguin" (Stax, 1972)

 

52. Fela Ransome Kuti - "Shakara" (Editions Makossa, 1974)

 

53. Roy Ayers Ubiquity - "Brother Green (The Disco King)" (Polydor, 1975)

 

54. Roy Ayers Ubiquity - "Lonesome Cowboy" (Polydor, 1976)

 

55. Yellow Sunshine - "Yellow Sunshine" (Gamble, 1973)

"Annie" es sin duda uno de los mejores tracks del tercer LP de Neon Indian, VEGA INTL. Night School, la forma en como se mezcla el clásico de Matthew Wilder "Break My Stride" con los sintetizadores relajados y buena onda de Alan Palomo es exquisita. (Por cierto, si no estás familiarizado con con la canción de Wilder o el video linkeado a esa canción es momento de que vayas involucrándote). Hay tanto anhelo en la melodía de Palomo que el deseo humano de acurrucarte con alguien será inevitable. "Annie" sería el soundtrack perfecto para que Tony Montana y Elvira Hancock manejaran en Miami sobre un convertible, muy contentos y despreocupados—ya sabes, antes de que la cocaína acabara con su amor y cerebros. 

Como sea, aquí abajo está la premiere del video de "Annie"—dirigido por Palomo—y tiene una historia compleja. Palomo ha perdido a su novia, ese es el hilo conductor de toda la historia. Está desolado, atrapado en un video de karaoke, buscado a su mujer casi como Harrison Ford buscaba a su esposa (y su familia) en los 90. Habla desde un teléfono público y tiene un celular del tamaño de mi departamento. Son pequeños segmentos intercalados, como cuando veías televisón en los 80 y todo parecía una locura porque había un gato en la azotea jugando con la antena de televisión. Palomo canta: "With the brush you left / I combed the alleyways…" Chale, ¿acaso algún día va a encontrarla?  

Ve el video aquí abajo y vuelve a verlo diez veces más. 

vía

La música de Polo Vega alias Trillones tiene una magia tan particular, que la mayoría de sus audiovisuales se asemejan más a pequeñas películas de arte con mensajes profundos, que a simples videoclips liberados por otra banda.

Sin embargo, muy aparte de lo que estos trabajos puedan reflejar, mucha sencillez se esconde detrás de las historias que dan vida a sus videos y conociendo a Polo, estoy seguro que “Trayectorias” no es sino un debraye que nació a partir de verdaderamente ver a dos señores jugando billar, mientras éste originario de Mexicali se cuestionaba las diversas trayectorias que tomamos en la vida conforme crecemos, y los muchos efectos secundarios que estas decisiones pueden provocar (como el choque de la bola blanca contra las otras, en una mesa de pool).

¿Pero quién soy yo para decirles de qué va o no lo nuevo de Trillones? Los invito a que saquen sus propias conclusiones de “Trayectorias”, cuyo video fue grabado en La Tropiconga, bar ubicado en la ciudad de Mexicali, Baja California.

portada oficial del nuevo disco de Tino

El mejor rapero en activo nacido en la Ciudad de México, es también uno de los artistas más prolíficos en el panorama independiente mexicano. Y como no sabe estarse quieto, después de presentar Almanueva hace unas semanas, el nuevo EP con su banda The Guadaloops con tremendo éxito y un disco que ya es considerado de lo mejor del año, ahora Tino El Pingüino nos regala el primer adelanto de su nuevo disco en solitario titulado De vuelta en el lodo. y en el que lo veremos ejerciendo su derecho a poner en ridículo a los otros raperos capitalinos. 

El tema se llama "Todavía (Piensa que podría ser peor)" y es un festín de barras cotidianas en el clásico estilo desenfadado y afilado como colmillo de vampiro que tiene Tino. El beat es del hidrocálido Goon Boy, quien se encargó de producir los once temas incluidos en la placa. Los scratches son de T-Capital, y Maiky Nav estuvo en la mezcla y el master. Acá en Noisey ya lo escuchamos todo, y podemos asegurarles que esta rola de abajo no es lo más potente del disco. Se volvió a montar en la ola y rifó machín Tino con la entrega. 

La presentación oficial de De vuelta en el lodo es el viernes 2 de septiembre en la Sala Corona y los boletos ya están a la venta. Aquí el evento en Facebook. 

Dale playe abajo al nuevo capítulo en esta saga de barras sucias directo de Chilango City. 

Imagen vía YouTube

A veces, me gusta imaginar un universo paralelo en el que nunca me convertí en escritora, y en cambio me convertí en una popstar muy famosa, porque eso sería mucho más chido. Pero luego veo videos como el que BANKS hizo para "Gemini Feed" (está abajo) y recuerdo que para ser una estrella de pop tienes que hacer cosas como deambular con un montón de ropa vieja encima mientras luces sexy, y la verdad es que yo me vería bastante ridícula haciendo eso; la gente pensaría que estoy pasando por una crisis. Hasta podrían confundirme con un vagabundo. No es justo, ¿o sí? 

Como sea, lo importante es: BANKS acaba de publicar un nuevo video y es rarísimo pero al mismo tiempo sexy como pocas cosas logran serlo. Sus pestañas son del tamaño de un plato, tiene una lengua enorme hecha de metal, y pasa la mayoría del tiempo revolcándose en el suelo y moviendo los brazos seductivamente. Este también es otro ejemplo de cómo todo en este planeta está influenciado por FKA Twigs, quien es la reina de la cultura pop y eso es lo mejor que le ha pasado al universo. 

Ve el vidoe aquí abajo: 

El dub es un género musical que se originó en Jamaica durante los años sesenta y que surgió mediante técnicas de grabación innovadoras para su época. Es el primer género musical cuyo énfasis recae en la ingeniería de audio, más que en la ejecución de instrumentos grabados. King Tubby y Lee Perry son dos de los músicos precursores más exitosos del dub, el cual debemos comprender como uno de los géneros de mayor influencia en la música popular, debido a que el dub consiste en hacer remixes de un tema original. Lo que los productores e ingenieros hacían era manipular la sección rítmica de una canción agregando efectos de sonido y retirando las vocales de la misma. El resultado es una pista con muchos bajos y una atmósfera llena de ecos.

Como mencionaba, productores como Lee Perry y King Tubby son reconocidos universalmente por sus aportaciones al género y al desarrollo de técnicas de grabación. El anterior es un punto que no debe ser subestimado pues estamos hablando que debido al atraso tecnológico en Jamaica durante los sesenta, los ingenieros y productores tuvieron que echar mano principalmente de su ingenio para desarrollar las famosas cámaras de eco o efectos especiales. La historia de King Tubby tirando un amplificador u otras piezas de equipo para crear reverberancia o efectos especiales como el de un trueno, son muy reconocidas. De esa clase de ingenio es del que estoy hablando.

En este escenario pero una década después, es que Overton Brown mejor conocido como Scientist llega al estudio de King Tubby a trabajar reparando amplificadores, televisores y prácticamente cualquier otro pedazo de equipo electrónico que le pusieran enfrente. King Tubby reconoció inmediatamente la pericia de Overton para reparar equipo e incluso para crear y modificar amplificadores. Lo anterior le valió la confianza de Tubby, quien le otorgó un copia de llaves para que anduviera en su estudio a placer. El disco Roots Of Dub de King Tubby ha sido señalado como la máxima influencia para el Scientist. El disco mencionado es el que usó cientos de veces para ecualizar micrófonos y es el que ultimadamente alentaría la curiosidad de Overton para poner sus manos en la consola de cuatro tracks de Tubby.

Con la confianza que le había otorgado Tubby, el Scientist (el apodo fue otorgado por Bunny Lee y el mismo Tubby debido al ingenio y capacidad para crear y modificar equipo de audio característico de Overton) comenzó a trabajar atrás de la consola. A la sombra de Tubby creó varios dubs que eventualmente le valieron fichar para el prestigioso sello Studio One. Studio One en esos momentos atravesaba por una breve crisis. Cantantes como Sugar Minott y Willie Williams aun no eran las estrellas en las que se convertirían grabando bajo las direcciones del Scientist. El segundo auge de Studio One es en gran parte debido al trabajo del Scientist atrás de la consola. A pesar del éxito con el sello algunas diferencias con Coxsone Dodd significaron su salida.

Su siguiente parada fue otro sello de gran envergadura en Jamaica: Channel One. Es aquí y atrás de una consola de 16 canales que su trabajo empieza a tomar tintes legendarios. Es en Channel One donde une fuerzas con la banda Roots Radics. Los Roots Radics se encargaron, en esos años, de grabar varios riddims para Barrington Levy. El Scientist sería clave para el éxito de la carrera de Barrington Levy y es con los Roots Radics que graban el temazo "Collie Weed". La mano del Scientist es crucial para la grabación del riddim y el ajuste en el micrófono necesario para que la voz de Barrington suene como venida de las profundidades del mar conservando su característico y agudo tono.

A mediados de los años ochenta el Scientist, como muchos de sus compatriotas, se vio forzado a abandonar su isla natal debido al involucramiento activo y violento de las pandillas locales en el tráfico de cocaína. La crisis por la que atraviesa Jamaica desde finales de los setenta hace que muchos emigren a los Estados Unidos, en particular a Nueva York. Curiosamente es ahí mismo donde se establecen los grupos jamaiquinos asociados con el tráfico de cocaína más violentos. Después de una estancia en Brooklyn, el Scientist decide abandonar la conflictiva Nueva York y se establece en Washington D.C.

En la amplia obra de Scientist destaca el título Scientific Dub y los editados por el sello Greensleeves Scientist Wins The World Cup, Scientist Encounters Pac-Man y Scientist Meets The Space Invaders. Las portadas de los discos editados por Greensleeves fueron realizadas por el artista Tony McDermott y están inspiradas en la imaginería propia de los cómics. Estas tapas han sido tan reconocidas que fueron incluidas en una colección de la afamada marca de ropa californiana Stüssy.

El Scientist es acreditado en su obra como ingeniero y por lo anterior ha sufrido mucho para cobrar lo que él considera justo por su trabajo. El trabajo del Scientist es, definitivamente, crucial y debiera tener el mismo crédito que los demás involucrados en la grabación de un disco, si no es que más. Nadie mezclaba como él. Los dueños de los estudios y sellos pedían que él fuera el ingeniero durante las sesiones de grabación. El Scientist era un integrante más de la banda, un integrante, incluso con mayor influencia que los demás. Tristemente ha perdido varias demandas en las que ha estado involucrado.

Aunque menos activo que durante el principio de los ochenta, Overton ha trabajado recientemente con Karen O de los Yeah Yeah Yeahs y Death in Vegas y vive una vida tranquila en Maryland.

El Obeah es el nombre que se le otorga a los rituales y prácticas de magia y santería de los esclavos originarios del oeste africano. Forma parte de las tradiciones del voodoo y candomblé propias de esa parte de África. Los iniciados lo llaman Alta Ciencia o High Science en inglés. Lo que hacía el Scientist al momento de mezclar y alterar un riddim no era de este mundo y el efecto hipnótico de sus producciones podría compararse con el de un hechizo. Vamos, el Scientist es un iniciado.
 

En Revancha están disponibles los siguientes títulos de este legendario ingeniero: Dubbing At Tuff Gong, Scientist Meets The Space Invaders, Scientist Encounters Pac-Man at Channel One y Jah Life. Síguenos en Facebook, Twitter e Instagram.

Todas las fotos por Alexis Gómez, excepto cuando se indica lo contrario

Hace un par de meses Caloncho se embarcó por vez primera a Europa, en donde se presentó en el festival Bona Nit en Barcelona, además de tocar dos noches consecutivas en Madrid. El hecho de poder viajar hasta allá para poder presentarle sus canciones a un público nuevo representó un hito en su carrera, la cual ha explotado en el último año de manera impresionante.

Alexis Gómez estuvo ahí para capturar este momento tan importante para Caloncho y su banda, y nos entregó varias imágenes de lo sucedido en esos días, en donde además cumplió años Dexter, uno de los integrantes fundamentales de la banda. Lean lo que nos dijo Caloncho sobre ese viaje, y posteriormente vean las fotos del viaje. 

El viaje estuvo increíble. Coincidí con amigos que quiero mucho y que son parte de una tribu que se ha formado poco a poco de manera fortuita en diferentes países. 

Me llevo de Madrid la afabilidad de la gente y la disposición a conocer gente nueva. Había buena onda en todos lados y es una belleza que se pueda tomar cerveza en la calle, en la banqueta, de 1 euro. La gente se apropia del espacio público y lo disfruta. Vi perros bailar con humanos, conversaciones, y mucho canto al aire libre. Gente libre, por lo tanto hermosa. 

En Barcelona fue algo similar, en experiencia de festival. Lugar particular, comida vegana deliciosa, cerveza infinita y especial atención. El grupo de compas que coincidimos teníamos todos la misma euforia de pasarlo bien, y así fue. Conocimos también a gente que ilumina y que nos dio mucho amor. Vimos el amanecer en la playa, hasta el rabo. Delicia de tiempo. Verano y amigos. —Caloncho

Foto por Denise Caravez

Foto por Denise Caravez

Video por Yara Müller

Foto por Denise Caravez