Brian Johnson en Coachella 2015 / Foto por Frank Thomas

Todavía recuerdo la primera vez que escuché “Rock ‘N’ Roll Ain’t Noise Pollution”. Fue justo después de que cumplí 11 años. Mi tío cuenta que pasó más de hora y media parado en la tienda de discos con Back in Black  en una mano y The Queen Is Dead en la otra, no podía decidirse cuál de los dos álbums necesitaba más como adolescente. Catorce años después, todavía odio a Morrissey. 

Black in Black fue el primer disco que escuché y no me importó una mierda. Era pesado y desagradable y además servía para divertirse. Al final, justo al final, después de todas las maldiciones y gritos, estaba “Rock ‘N’ Roll Ain’t Noise Pollution”. Durante el track hay unos segundos en donde, sobre la guitarra rebelde, se escucha el encendedor antes de que Brian Johnson inhale, exhale y empiece hablar. Es como si estuviera aventando el humo justo en tu cada. "Ok... EY THERE ALL YOU MIDDLEMEN..." podría haber sido el intro. Tal vez lo es. 

AC/DC fueron imortales para mí. Eran importales igual que cualquier banda de esa era, hecha a base de piedra y saliva, incapaces de envejecer. Es un daño particularmente disruptivo a nivel psicológico darse cuenta que cualquier rockstar de esa generación realmente no tiene ningún tipo de permanencia inmortal.

Brian Johnson publicó una carta hoy para los fans de AC/DC, en respuesta a los cambios de fechas en la gira y el anuncio de que Axl Rose será quien lo cubra durante la gira. En la carta Brian explica que no puede seguir con los shows en vivo por el riesgo que corre de perder el oído para siempre. Lo intentó durante el tiempo que pudo, pero no está en su mejor momento. "He tenido dificultad en escuchar las guitarras sobre el escenario", escribe, " y como no podía escuchar a los demás de manera clara, tenía miedo que la calidad de mi actuación se viera comprometida". 

En la carta, Johnson habla de lo mucho que le gustaría seguir tocando, y la gravedad de las consecuencias si sigue haciéndolo, así como también aclaró que no tiene la mínima intención de retirarse por el momento. Los doctores dicen que aún puede grabar en el estudio, y dice que lo hará. Pero por ahora, los fans tendrán que lidiar con Axl pinche Rose durante los  próximos shows de AC/DC. 

“Rock ‘N’ Roll Ain’t Noise Pollution”  es sobre tocar en niveles altos y no preocuparse por las consecuencias. La mayoría de los adultos hablan de las consecuencias que han sufrido AC/DC por alardear al respecto, pero eso no se supone que sea parte de la narrativa. 

Lee la carta completa aquí abajo: 

Como muchos de los fans de AC/DC sabrán, los shows que quedan de AC/DC Rock o Bust World Tour, incluyendo los 10 show que fueron post puestos en Estados Unidos, están siendo reprogramados con un vocalista invitado. Quiero explicar personalmente las razones porque no creo que los comunicados de prensa sirvan para aclarar todo lo que queremos decirle a nuestros fans, o la forma en como yo debería ser representado. 

El siete de marzo, después de una serie de pruebas hechas por especialistas en el área de perdida auditiva me advirtieron que, si seguía presentándome en venues grandes, corría el riesgo de quedar completamente sordo. Mientras estaba horrorizado por las noticias que acababan de darme, me hice consciente de que la perdida parcial de mis oídos había estado interfiriendo con mi desempeño sobre el escenario. 

Me era difícil escuchar las guitarras sobre el escenario y como no me era posible escuchar a los músicos de manera clara, comencé a temer que la calidad de mi actuación se viera comprometida. Con toda honestidad, esto es algo que no puedo permitir conscientemente. Nuestros fans merecen el mejor nivel, y si por cualquier razón no puedo ofrecerles eso durante un show prefiero no decepcionar a nuestros fans o al resto de los miembros de AC/DC. No soy un desertor y me gustaría terminar lo que empecé, sin embargo, los doctores me dejaron claro a mí y a mis compañeros que no tengo otra opción más que dejar los shows en vivo por ahora y durante el mayor tiempo posible. Ese fue el día más oscuro de mi vida profesional. 

Desde ese día, he tenido varias consultas con mis dotores y parece que, por lo menos durante el futuro cercano, no seré capaz de dar espetáculos en venues como arenas o estadios, donde el sonido eleva los niveles de mi tolerancia actual, y corro el riesgo potencial de quedar completamente sordo. Traté de dar lo mejor que pude a pesar del dolor y escuchar mucho menos, pero ahora  se ha convertido en algo bastante difícil de sorportar y demasiado que arriesgar. 

Personalmente, estoy mucho más devastado por esta situación de lo que cualquiera podría imaginar. La experiencia emocional por la que estoy pasando ahora es peor que cualquiera que haya sentido antes. Ser parte de AC/DC, grabar discos y cantar para millones de fans durante los últimos 36 años ha sido el trabajo de mi vida. No puedo imaginar el futuro sin ser parte de eso, pero por ahora no tengo otra opción. Lo que es certero es que, aunque no podré hacerlo en persona, estaré en espíritu con AC/DC durante cada concierto. 

Y lo más importante, me siento terrible por haber decepcionado a los fans que compraron boletos para los shows que fueron cancelados y que firmemente me han apoyado a mí y a AC/DC. No hay palabras suficientes para expresar la profunda gratitud que siento por las recientes palabras de aliento y buenos deseos hacia mi persona, si no también por los años de fiel apoyo a AC/DC. También doy las gracias a Angus y Cliff por su apoyo. 

Finalmente, quiero asegurarles a mis fans que no me estoy retirando. Los doctores me han dicho que puedo seguir grabando en estudio y pretendo hacerlo. Por el momento, voy a enfocarme por completo en el tratamiento médico para mejorar mi audición. Espero que con el tiempo pueda mejorar y pueda regresar a dar conciertos en vivo. A pesar de que el futuro es incierto, mi actitud es optimista. El tiempo lo dirá. 

Otra vez, mi más sinceros deseos y agradecimentos a todos los que lo entienden y nos han apoyado. 

Con amor,
Brian

La productora Mirador, en conjunto con Región, trajeron para nosotros el festival The End, mismo que traía propuestas mexicanas de la escena psicódelica: Las Pipas de la Paz, Los Headaches, Has a Shadow, Jack & The Ripper y The Broccolis. El acto principal quedó en manos de The Shivas, banda de Portland que recientemente se presentó en SXSW 2016. 

Tuvimos la oportunidad de entrevistarlos en uno de los lugares más bizzaros y magníficos de la capital mexicana: el Museo del Juguete Antiguo de México en otro show previo a su participación en el Foro Indie Rocks! con motivo del festival. Acá se presentaron para pocos asistentes ya que fue sólo con RSVP: nos dieron una probadita de lo que nos esperaba en la primera edición de The End.

Noisey: ¿Qué les pareció este mini concierto en el Museo del Juguete?
Jared: Estuvo increíble, yo estuve ahí (risas), fue súper divertido.
Kristin: Me divertí muchísimo, la gente fue muy entusiasta y eso siempre se siente increíble.

Están acostumbrados a tocar en otros países, ¿no?
Eric: Sí, en Europa, un poquito en Brasil.
K: En Canadá, por supuesto.
J: Pero estamos acostumbrados a tocar en lugares como este, como en el estacionamiento, por ejemplo, o donde sea que no sea un local convencional y… en lugares convencionales también. Nos gusta tocar mucho.
K: Una gran variedad de shows mantiene las cosas más divertidas e interesantes, entonces para nosotros fue divertidísimo.

¿Cuál fue su primera impresión de la Ciudad de México? Ya que es su primera vez por acá, ¿cierto? 
E: Es gigante. Hicimos un par de entrevistas temprano, caminamos un poco y hemos estado comiendo. [risas]
K: Comida EXCELENTE.

¿Qué comieron?
K: Mariscos mexicanos.
J: Huaraches, ¿es correcto? ¿se dice así? [risas]. Pero estamos acostumbrado a la comida mexicana, tenemos mucho de eso por allá [Portland, Oregon].
E: Y comida picante.

¿Se sintieron cómodos tocando acá?
J: Definitivamente.

¿Y qué tal la pequeña que era su fan?
K: ¡Ella es la mejor!
J: ¡Sí! Estuvimos meditando un rato qué hacer porque sabíamos que quería venir al show, pero no tiene la edad suficiente, obviamente. Al final pudo venir al pre-show [en El Museo del Juguete], entonces al final todo fue increíble.

¿Por qué The Shivas? Cuando pensamos en Shiva es algo más oriental y nada tiene que ver con su música.
J: Es una pregunta difícil, no estoy seguro de saberlo [risas]. Empezamos la banda hace 10 años cuando teníamos 15, y simplemente se nos ocurrió de pronto.
E: Y se pegó. 
J: Es sólo cómo se llama nuestra banda, hasta ahorita [risas]. Hasta hoy, y probablemente lo seguiremos siendo.

Empezaron cuando tenían 15 años, ¿cómo fue?
J: Todos fuimos a la escuela juntos. 
E: Empezamos haciendo proyectos de arte juntos y hacíamos canciones para proyectos escolares, y lo seguimos haciendo…
J: Y poco tiempo después, nos volvimos The Shivas.

Ya nos contaron que han tocado en varios países, cuál fue el último país que visitaron.
J: Estados Unidos.
K: Antes de eso Canadá.
J: Y antes de eso, Italia. Fuimos a un tour de muchísimas ciudades. Estuvimos en Bulgaria, Serbia, República Checa.
E: Macedonia.
J: Tal vez ese fue mi show favorito. Fue loquísimo, nunca había visto tanto niños en un bar.

¿Niños, niños?
J: Bueno, adolescentes. 

Cuando eran adolescentes también iban a bares a tocar, ¿no?
K: Sí, pero en Portland tienen reglas muy estrictas en el tema del alcohol en los bares, entonces, tocábamos y usualmente nos teníamos que ir. Teníamos que esperar a que fuera nuestro turno de tocar, lo hacíamos e inmediatamente nos mandaban al diablo [risas].
J: Como por los primeros seis años de la banda.
K: ¡Tanto tiempo! [risas]
J: Eso me gustaba de tocar en Europa, las reglas son un poco más flexibles. En este caso, sí había muchos chicos, pero no estaban súper borrachos haciendo desastres, fue divertido porque realmente estaban ahí para pasar un buen rato y escuchar la música, lo cual está increíble.
K: Sobre todo porque entre más jóvenes, más se emocionan por la música.

Cuando tocan en vivo, ¿hay algún momento que sea particularmente estresante o más complicado?
K: Cuando las cosas salen mal.
E: En general, la mejor parte siempre es tocar, lo estresante sucede entre una y otra tocada.
J: Manejar, tomar aviones, logísticas… tocar es la parte sencilla.

Entonces no se estresan tocando ni pensando en cómo saldrán las cosas al final.
E: Exacto, una vez que comienzas el set, realmente no puedes cambiar muchas cosas o detalles, así que sólo tienes que ir con la corriente.

¿Quién escribe las canciones?
J: Todos. De pronto alguien llega con una idea y todos la trabajamos, o de pronto todos tenemos una idea similar al mismo tiempo.

¿Cómo desarrollaron su sonido?
J: Tocando todo el tiempo. Hemos sido una banda por casi 10 años, tocamos siempre que podemos, vamos de tour siempre que podemos y grabamos tanto como podamos.
K: Escuchamos mucha música.
E: Lo absorbemos todo y tratamos de sintetizar.
J: Y no sólo música, todo, hasta El Museo del Juguete [risas].

Tiene dos sesiones en KEXP, ¿cierto? Entre una y otra hay diferencias drásticas en cuanto a sonido se refiere, ¿a qué se debe?
J: Creo que entre sesión y sesión de KEXP teníamos una alineación diferente. En la primera éramos cinco, en la segunda éramos cuatro y ahora somos tres. Nos hemos tenido que adaptar a los cambios.
K: Tenemos una variedad amplia de canciones que tocamos y simplemente las adaptamos para mantenerlo interesante. Nunca hemos intentado ir por un sonido en específico, simplemente tratamos de crear arte y cualquiera que sea el resultado, está bien.

¿Tienen alguna canción que sea su favorita?
E: Más bien, hay algunas que son más divertidas de tocar y otras que son un dolor en el trasero [risas]. 
J: Usualmente tocamos las que nos es más fácil tocar.

¿Cuándo tocan las difíciles?
J: Cuando sea que lo sintamos adecuado.
E: Algunas canciones tiene cierta vibra, entonces tratamos de sentir eso en el show. Cuando el ambiente está muy relajado, tocamos muchas canciones que no tocaríamos normalmente, es como una fiestota cuando realmente tocamos las muy ruidosas.
J: Cuando sacamos las gemas.

¿Cuáles son su proyectos en el futuro inmediato? 
J: Oh, esa es una buena pregunta. Vamos a dar un par de shows en el Noroeste del Pacífico, y un tour en la Costa Este de Estados Unidos en mayo, después en junio y julio daremos una gira en Europa y después, un nuevo álbum.
K: ¡Sí! Sacaremos un formato de 7' en mayo, con ese material es con el que estamos de gira, con el sello de nuestros amigos de Seattle: Kasino Trash.
J: Nos gusta mucho, quedó muy bien.

¿Cómo podremos tenerlo acá en México?
E: En Internet y digitalmente.
J: También, aún no sé, pero seguramente regresaremos a dar más shows.

¿Saben más palabras en Español, aparte de “Huarache”?
E: Jared sabe un montón. 
J: “Culero”, “La Virgen de Guadalupe”, “El santo” [risas].

¿Cómo sienten México?
K: Parece que todo el tiempo hay cosas que hacer, puedes sentir la energía. Se siente muy bien estar en un lugar tan movido, todo aquí pasa muy rápido, me gusta.

¿Qué piensan de las otras bandas que van a tocar? ¿las conocen?
J: ¡Sí! Son amigas nuestras.
K: Nos han ayudado mucho, todos han sido un verdadero encanto.
J: Todo mundo acá ha sido extremadamente lindo con nosotros, ha sido increíble.

Los cuatro bastiones del electropop chileno, Sofía Oportot, La Entrópica, Ignacio Redard y Namuel se reúnen en “Agua Profunda”, una canción que mezcla las mejores letras con los sintetizadores de una escuela del electropop que inundarán no sólo las calles de Santiago de Chile, sino de toda Latinoamérica.

Con una cuidada y pulcra estética citadina, más cercana a Batman que a las postales turísticas del capitalino río Mapocho, el video dirigido por el cineasta Roberto Doveris (Las Plantas, 2015) es un recorrido callejero por Santiago Centro.

“Somos una versión oscura de las Spice Girls” comenta Namuel. Desde calle Merced a calle Portugal deambulan sonidos y una Sofía Oportot de botas con tacón de aguja tomando vuelo sobre un skate. En medio de ese cruce, entre la cultura urbana y la electrónica, vemos una convención de pop chileno que hereda el trabajo de Lulú Jam, el trabajo en Plugin de Ignacio Redard, el pop oscuro de La Entrópica y el desenfado teen de Namuel. En este acuerdo tácito, el colectivo exhibe su fuerza y poderosa red que, de la mano de los beats y sintetizadores, dibujan un coro que se queda en la cabeza como tic. Hablamos de un single con tintes de hit que, embarcado en una lírica emocional y personal, exhibe lo que está “en lo profundo de ti / en lo superficial que puedo ser para ti” al ritmo cortado de movimientos de cabeza, hombros y caderas.

“Agua Profunda” nace de la amistad y admiración entre los cuatro, quienes luego de la producción de Temporada Alta de Lulú Jam (2015) decidieron retomar esta canción, invitar a Namuel y grabar lo que sería una reunión histórica de ese pop independiente que nutre a gran parte de la escena pop comercial chilena.

Cuatro caminos que se salen de las tinieblas de un pensamiento, de una escena y de una generación, para inundar una ciudad que les pertenece. Tal y como a Santiago le pertenece ese río basural; tal y como la ciudad latinoamericana del hipercapitalismo está cruzada por un río donde los desechos humanos nos recuerdan que la música, así como sus producciones, no pueden ver la luz si no es saliendo a la calle, atendiendo el contexto, provocando una experiencia que no se agote en lo meramente auditivo.

Cuando pensamos en la historia de la música, normalmente recordamos a los grandes artistas. Los cinco veces ganadores del Grammy; los íconos cuyos rostros se han planchado póstumamente sobre camisetas y banderas y tazas piratas; las bandas que comenzaron escenas que se volvieron fundamentales en años posteriores. Cuando nuestros recuerdos se borren y nos convirtamos en unas simples almas esperando la muerte, sólo recordaremos a los artistas monolíticos. 

Pero, ¿qué pasa con los grupos que nunca llegaron más allá de su primer álbum? Hay varios artistas que sólo publicaron un disco, ya sea como un proyecto solista momentáneo, o porque después su disquera los despidió, o porque se dieron cuenta que se odiaban, o porque decidieron dejarlo por la paz y crear nuevos proyectos. Usualmente, la razón por la que una banda sólo hace un álbum es porque o fue pésimo o porque no vendió nada, pero de vez en cuando un grupo o un artista crea un disco tan maravilloso y hermoso que es desconcertante que no hayan hecho un segundo. Quizá esa es la belleza de nunca haberle hecho una secuela a tu debut de 12 canciones, sin sucumbir a las presiones de la fama y los fantasmas de la drogadicción y la adicción al sexo.

En esta lista de diez pinches discazos que nunca tuvieron secuelas, dejamos algunos de los más obvios, como The Miseducation of Lauryn Hill, Out of Step de Minor Threat, Never Mind the Bollocks de los Sex Pistols, Hurbanistorias de Rockdrigo y el homónimo de The La's— porque ¿cuántas veces más necesitas escuchar que Grace de Jeff Buckley fue un gran disco?—y más bien nos enfocamos en algunos de los clásicos menos celebrados. Por supuesto, varios de los artistas involucrados pasaron a crear muchas cosas más, pero estos proyectos en particular se quedaron por su cuenta en los libros de la historia; un destello en una subcultura, populares en algunos círculos sociales, pero nada más.

Así que rindámosle tributo a estos discos que nunca tuvieron un hermano (por ahora, al menos), pero que son tan valiosos e importantes como esa caja de 15 discos de Nick Cave que tienes en casa.

The Avalanches – Since I Left You

Antes de entrar a la Virgin Megastore de Norwich a la edad de 11 años y escoger este álbum y el Is This It de los Strokes en una de esas ofertas de 2 por 22£, mi concepto de la música estaba limitado a un compilado de Shine y un cassette de "The Real Slim Shady”. Después de esa tarde profética, nada volvió a ser lo mismo. Compuesto por un número de samples inimaginable – parece que nadie es capaz de decidir si son 900 o 3,500 – el álbum consigue, de alguna manera, sonar orgánico, libre, vivo, en vez de una cosa postmodernista completamente fechada que uno supondría. Más bien, lo que consigue es ser uno de los mejores discos del siglo hasta ahora: una obra maestra caleidoscópica que suena a todo y a nada al mismo tiempo. Ah, pero sáltense "Frontier Psychiatrist" — este siempre ha sido una chaquetada. —Josh Baines

Test Icicles – For Screening Purposes Only

El efímero trío londinense Test Icicles se dio a conocer en la ola de dance-punk de principios de los dosmiles, cuando “House of Jealous Lovers” de The Rapture no podía faltar en todas las fiestas. Lo que hacía único a Test Icicles en una era tan superficial para la cultura juvenil fue que tomaron la tendencia del sonido dance-punk y la acuchillaron gloriosamente como unos carniceros adolescentes psicópatas, añadiéndole un poco de screamo y thrash hasta que todo sonara menos a una foto sepia de James Murphy en un café y más como a Glassjaw en un rave. Básicamente, si eras un chico de dieciocho años en la década de los 2000 y odiabas a tus padres, éste era El Álbum.

La banda rápidamente se separó para crear otros proyectos, y Dev Hynes, por supuesto, pasó a convertirse en Lightspeed Champion y después en Blood Orange. Nota aparte: Si piensas que Test Icicles era un nombre corriente, debes saber que inicialmente se llamaban Balls. —Joe Zadeh

Madvillain – Madvillainy

Como individuos han encendido obviamente el mundo del rap, pero como Madvillain, MF Doom y Madlib sólo publicaron dos álbumes – su disco debut, Madvillainy, y su secuela, Madvillainy 2:The Madlib Remix. Dado que este último es un remix completo del original – al parecer publicado porque Madlib no podía esperar para grabar el segundo álbum oficia – el grupo entra a la lista por ser un tecnicismo. Para estos momentos seguramente estás consciente de que el lugar de Madvillainy está más o menos cementado en la historia del hip-hop, habiendo influenciado una generación de productores y raperos, así que si todavía no los has escuchado, felicidades, te has dejado a ti mismo una tarea que hacer. —Ryan Bassil

Germs – GI

Darby Crash es una de las figuras más trágicas en la historia de la música. Un punk de LA, adicto, con un deseo de morir tan ardiente que finalmente lo llevó al suicidio a través de una sobredosis de heroína intencional a los 22 años de edad. Crash fue tan violento y poético como puede llegar a ser alguien sin alcanzar el nivel de una novela de J.G. Ballard.

Estilísticamente, GI era hardcore punk inclusive antes de que el hardcore punk existiera. Es rápido, despectivo, áspero sin comprometer las melodías y, tal vez irónicamente, increíblemente lleno de vida. La energía aterriza en algún lugar entre el caos destructivo de sus presentaciones en vivo y la tensa estructura de su música, en gran parte gracias a la producción de Joan Jett, en donde se percibe claramente la complejidad de la banda, como un insecto en una vitrina. Teniendo en cuenta que la música era intencionalmente minimalista, Crash era un cabrón bastante parlanchín, encarnando y pervirtiendo cada influencia cultural desde David Bowie a Charles Manson. Leer las letras de Germs es tan gratificante como escuchar sus canciones, algo que no puede decirse sobre la mayoría de los artistas, y menos de las bandas de punk en general.

De una u otra manera, los Germs influenciaron todo, desde el skate punk a Sonic Youth y a Ratking. Si hubieran tenido más tiempo, quién sabe qué más podrían haber hecho. —Emma Garland

Fever Ray – Fever Ray

Después de tres discos con The Knife que jugaban con la idea de nunca revelar su identidad artística, Karin Dreijer Andersson finalmente dejó todo en su álbum solista, Fever Ray, pero en la forma más Karin Dreijer Andersson posible, entregando confesiones ominosas y escalofriantes, a través de vocales despiadadamente manipuladas que pasaban de lo angelical a lo demoníaco. El concepto del álbum fue inspirado por la privación del sueño, y se destaca como la pieza de arte más bella y exacta jamás hecha sobre estar terriblemente a solas en la oscuridad. —Joe Zadeh 

Wild Flag – Wild Flag

Sé honesto: ¿Cuánto vómito se te acumula cuando escuchas la frase "súpergrupo indie"? La única vez que es aceptable responder "nada en lo absoluto" es cuando piensas en Wild Flag, cuya brillante pero demasiado breve carrera culminó con un excepcionalmente bueno, poco exigente, y bastante agradable álbum homónimo en 2011.

Compuestos por Carrie Brownstein (históricamente conocida como la trituradora en Sleater-Kinney, y en tiempos recientes la estrella de Portlandia); la baterista ocasional de Bright Eyes, Janet Weiss; la guitarrista Mary Timony (de Autoclave); y la ex baterista de The Minders, Rebecca Cole, en los teclados, Wild Flag comenzó con una serie de ambiciosas declaraciones públicas a través de Facebook (“¿Cómo suena una avalancha paseando a un delfín? ¿Qué obtienes cuando cruzas una hamburguesa con un hot dog? La respuesta es: WILD FLAG.")

En 2013 declararon que iban a tomarse un descanso indefinido, citando las dificultades de estar en una banda y “vivir a cinco horas de distancia por avión”, dejándonos con sólo un álbum y un anhelo imborrable por algo más. —Francisco Garcia

Life Without Buildings – Any Other City

¿Recuerdas cuando eras más joven y no estabas consumido por ese horrible personaje que creaste, aquel que creías impresionaría a otras personas por su rancia mezcla de narcisismo, cinismo, arrogancia e ignorancia? ¿El viejo tú, que tenía menos miedo de ser un humano real? ¿El viejo tú, al que le gustaban las cosas porque sí, no porque el hecho de que no te gustaran sería un statement menor al hecho de que sí te gustaran? ¿El viejo tú, que aún tenía una banda favorita? ¿El viejo tú, que todavía las letras de las canciones? No está muerto. Todavía no. El viejo tú todavía está allí. En algún lugar. ¿Quieres sacarlo? Pon este álbum ahora. Listo. —Josh Baines

The Postal Service – Give Up

Aquí hay una historia divertida. Me encontré a mi misma en el 2013 durante el festival Primavera Sound, cuando Give Up fue reeditado y The Postal Service se reunió para dar una serie de shows. Unas horas antes de su show, golpeé mi cabeza con algo y perdí memoria de las siguiente cuatro horas de mi vida en un agujero negro de conmoción cerebral y de vino de 2€. Cuando regresé a mis sentidos de manera repentina, milagrosamente pude volver a ubicar a todos mis amigos y comprar un sombrero de paja. La única prueba de mi desaparición fue la hamburguesa vegana que dejé a medias y que había intentado guardar en mi tote. Me di cuenta de que, en algún momento durante todo lo anterior, el sol ya se había puesto. Y de la nada, empezaron a sonar los hipnotizantes tonos de sintetizador de “The District Sleeps Alone Tonight” por todo el foro, marcando el comienzo del set de The Postal Service. Puesto que sólo tienen un álbum, tocaron todo el maldito disco, además de unos tracks extras que aparecen en la reedición del álbum y un cover de “Our Secret" de Beat Happening.

Ahora, no estoy diciendo que The Postal Service me salvó la vida, o que los poderes curativos de Give Up me levantaron de un adormecimiento que podría haber terminado con la policía sacándome de las instalaciones por haberme dormido bajo un stand de falafel – pero para un álbum de apenas 45 minutos de duración, tan cargado de momentos trascendentes y un importante legado cultural, tienes que admitir que es una buena metáfora. —Emma Garland

Late of the Pier – Fantasy Black Channel

Mirando atrás, el álbum debut de Late of the Pier, Fantasy Black Channel, es una propuesta confusa. Por un lado, su pegajoso funk lleno de brillo no debería de hacer sentido en el entorno actual, —uno libre de glow sticks y skinny jeans rojos. Pero por otra parte, el álbum cosechó las semillas plantadas por artistas como Gary Numan, Brian Ferry y sus contemporáneos Klaxons, a tal grado que sus doce canciones de triunfante y descontrolada música dance contemporánea, sigue sonando electrizante – a pesar de que ha pasado casi una década desde que nació la escena del British New Rave afuera Madame JoJo's. Y todo es porque Fantasy Black Channel suena tan ajeno. Se necesita un grupo especial de personas para crear algo que suene tan de otro mundo como esto, como si los restos del house, del techno, de David Bowie y del pop cogieran unos a otros en una orgía en la que todos terminan salpicados de pintura. El grupo conserva un estatus de culto bastante único —de vez en cuando, sus fans salen del trabajo, suplicándoles que vuelvan a estar juntos y hagan otro disco. —Ryan Bassil

American Football – American Football

¿Qué se puede decir sobre American Football que no se haya dicho ya? Es decir, hasta yo he dicho demasiado, después de que fui a uno de sus shows de su gira de reunión y trajeron lagrimas a mis ojos post-pubertos. Así que sólo voy a parafrasear lo que sentí en aquella ocasión. sólo he parafraseando mis sentimientos desde eso.

El álbum homónimo —y único— de American Football es uno de los pocos discos que tiene el poder de transportar a aquellos que lo conocen bien a esa particular época de sus vidas en el que lo tenían en repetición, hasta que la persona más cercana a ellos empezaba a considerar homicidio. El álbum es atemporal porque todo acerca de este te obliga a enfrentarte cara a cara con tu yo formativo, y la única cosa mas incómoda, desgarradora y gratificante que vivir tu adolescencia por primera vez, es revisitarla una y otra vez. —Emma Garland

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Foto por FourD

Después de mucha expectativa, el productor y rapero chileno Jota-Droh —el nunca bien ponderado Hordatoj— por fin presenta el primer video de su nuevo proyecto: “Man In The Mirror”, de DMT.

«El video habla de qué pasa cuando muchas veces los niños quedan solos. La idea la craneanos [creamos] entre el Johnny Leon (el director) y yo», cuenta Hordatoj. «Lo grabamos en la casa del actor principal (Lucas Lobos), en la comuna de Lo Prado, y también en el Paseo Ahumada y el barrio Santa Isabel (ambos en Santiago Centro). Además agregamos una animación que hizo Simón Ramírez en base a unas ilustraciones del Saile (Iván Miranda)».

El video es protagonizado por un niño, un pequeño Hordatoj, que escapa de un mundo hostil mediante el graffiti y el breakdance. «Cuando éramos chicos estábamos todos en la búsqueda de hacia dónde hacer brotar nuestra energía. En algún momento hice graffiti, aunque nunca fui muy virtuoso, y también tuve acercamientos al breakdance. Desde entonces, cuando bailábamos con nuestro crew de esos días en la población y en los eventos de hip-hop de aquellos días, siempre estuvo — y ha estado— presente el breakdance», relata Hordatoj.

“Man In The Mirror” es el primer promo de un disco homónimo y firmado como DMT, por la sustancia alucinógena dimetiltriptamina, en donde participan una montonera de músicos y raperos gringos y chilenos. Por nombrar algunos: Brian Hargrove (teclados), Craig Brockman (teclados), Dion Neuble (baterías), Toly Ramirez (bajo), Waldo Valenzuela (guitarra), Thurz (voces) y Janice Freeman, y Jimetta Rose (coros).

«El disco lo grabamos en Los Ángeles, en Silver Lake y lo masterizó Chris Athens en Austin, Texas. El es un loco súper capo que ha trabajado con Nas y Damian Marley (Distant Relatives), Ghostface Killah (Supreme Clientele), Raekwon (The Lex Diamond Story) y Rick Ross (God Forgives, I Don't)», detalla Hordatoj.

Esa mescolanza queda en clara en el sonido. En una escena chilena marcada por el hardcore, el boom bap, el crunk y el trap, Hordatoj se sale de la línea, desviándose hacia el soul. «Pero para mí esta hueá sigue siendo lo que yo hago. Siempre mi trabajo ha tenido acercamientos al neosoul y R&B. No ha tenido mucho que ver con el sampleo o el bombo y caja pegado. Mi gusto musical, por lo mismo, no es sólo el hip-hop pesado de los noventas, sino que tiene que ver mucho con otras hueás que rodean al rap».

Pero, ¿qué tanto se alejó de su estilo en este nuevo álbum? «El rap sigue sigue siendo el hilo conductor. Man In The Mirror tiene que ver con otros gustitos musicales y las posibilidades que con los cabros [su crew] ahora estamos adquiriendo. Antes no podíamos viajar ni trabajar con hueones de otros países. Ahora, 15 años después, las cosas han cambiado. No somos millonarios, pero el rap nos permite vivir bien, con nuestro home studio y haciendo lo que nos gusta. La idea es continuar haciendo cosas como el Man In The Mirror. Yo quiero que este nuevo disco sea el hilo conductor de mis próximos trabajos”.

¿Alguna vez, mientras escuchas "Wolves", te has preguntándo a ti mismo por qué Kanye lanzaría rimas como "I know it's corny bitches you wish you could unfollow/ I know it's corny niggas you wish you could unswallow" repeatedly? Bueno, Kim Kardashian West tiene la respuesta. En un reciente episodio del Kocktails With Kloe, una serie que ha sido recientemente cancelada, Mrs. Kardashian explica que Noth West accidentalmente tiró el iPhone de Kanye al excusado. Con lo que imediatamente borró un montón de rimas que serían parte de The Life of Pablo, las cuales eran un poco mejores que los soliloquios sobre "refrigeradores abiertos" y "sadwiches" que hay en el álbum. Ve el video aquí abajo y a la mierda "Wolves". Aún con eso, nuestras bendiciones a SIA. 

Foto tomada del Facebook de Coldplay

Coldplay es una banda de polaridades bien marcadas; amada por cientos de miles que llenan conciertos, y odiada por otros tantos, algunos músicos, otros críticos, otros fans religiosos del rock. El fin de semana pasado, Coldplay dio tres conciertos en el Foro Sol, convocando a gente no sólo de la Ciudad de México, sino de todo el país, a rodear los escenarios y cantar canciones como "Yellow" con la garganta bien abierta. Intrigados por conocer quiénes siguen amando con pasión a Coldplay, fuimos a conocer personas que asistieron al concierto del sábado 16 de abril para investigar sobre sus razones para amar a la banda.

Brenda, 25 años

¿Desde hace cuándo te gusta Coldplay?
Yo creo que como desde los 15, los vine a ver hace seis años y estuvo padrísimo, siempre innovan. Por ejemplo, en ese concierto nos regalaron discos a todos y este año van a dar pulseras.

¿Cuál es tu disco favorito?
Mmm... La verdad no sé, o sea... Me gustan canciones pero no sé el disco, es una pregunta difícil, la verdad no sé, todos están padres.

¿Sabes cómo se llaman los miembros de la banda?
¡Ah! No sé, sólo Chris Martin, lo siento.

Diana (21 años), Alan (22 años) 

¿A los dos les gusta Coldplay o alguien viene a fuerza?
A los dos nos gusta.

¿Desde cuándo les gusta? 
Alan: Pues, desde que tenía como 11 años. Está padre, es música tranquila... 
Diana: Realmente es el puro gusto, no somos así súper fans.

¿Es su primer concierto de Coldplay?
Alan: Sí. Ya ves que los dos anteriores se cancelaron, entonces es la primera vez. Pero nos gustó el disco.

¿Saben cómo se llaman los miembros de la banda?
Alan: Chris Martin, Will Champion, Guy Berryman y el otro... ¿Black? No me acuerdo del nombre [se refiere a Jon Buckland pero vamos a darle chance, tuvo la mejor calificación de la tarde].

¿Ustedes saben quiénes son los Illuminati?
Diana: Sí, pero... ¿a poco ellos son Illuminati? No creo, eh, los Illuminati son como de política y dinero, la verdad es que no le veo mucha relación con Coldplay.

Natalia y Luis Rodríguez 

¿Desde hace cuánto les gusta Coldplay?
Luis: Desde hace muchísimo, como quince años.
Natalia: A mí él me lo inculcó.

¿Tienen un disco favorito?
Luis: No, pero canciones sí. "The Scientist, "Viva la Vida". Todos están buenos.
Natalia: Pero éste nuevo no, debe ser alguno de los pasados.
Luis: Yo la verdad éste no lo escuché.

¿El primero les gustó?
Luis: La verdad no los sigo por discos.

¿Cómo creen que ha ido cambiando el sonido de la banda?
Luis: De eso veníamos hablando en el camino, ¿sabes? De cómo hay gente que dice que se han vuelto muy comerciales y pues bueno, yo no sé si lo hagan por darle gusto a la gente, pero sí me gusta lo que han hecho.
Natalia: Yo siento que este disco se volvió muy electrónico, sólo hay una canción que me gusta, lo demás la verdad le quisieron cambiar demasiado y a mí no me gustó.

¿Sabían que David Bowie no quiso colaborar con ellos?
Luis: También de eso veníamos hablando en el camino, por ahí leí que David Bowie no creía que ellos fueran verdaderos rockeros y no quería hacer nada con ellos.
Natalia: Yo a ellos no los considero rockeros, hacen algo diferente.
Luis: David Bowie es una institución y él podía hacer lo que se le diera la gana, ¿sabes? Pero Coldplay tiene su lugar, no es U2, no se parece a nada y si David Bowie no quiso trabajar con ellos pues está bien, la vida siempre tiene de todo.

¿Y qué creen que tiene Coldplay que jala a tanta gente? Hay muchos que los aman y muchos que los odian. 
Luis: Yo creo que cuando tienes un producto tan propio, no le vas a gustar a toda la gente, no a todos les gusta el rock pesado, no a todos el rock pop, no a todos la rumba. Obvio mucha gente los va odiar, eso te ganas cuando tienes estilo. Cuando quieres hacer algo que complazca a todos terminas haciendo algo que no le gusta a nadie. Yo creo que ellos están en todo su derecho de hacer lo que hacen y de arriesgarse como lo hicieron en este disco; al que le guste bien y al que no, ni modo.

Mayumi, 24 años

¿Hace cuánto sigues a Coldplay?
Uhhh, como desde los 16, 17.

¿Éste es tu primer concierto?
Sí, estoy demasiado emocionada.

¿Tienes una canción favorita?
Sí, "Fix you".

¿En cuál disco viene?
¡Ah! No sé.

¿Sabes cómo se llaman los miembros de la banda?
No, sólo Chris; es el más guapo.

Yuri, 20 años

¿Desde cuándo sigues a Coldplay?
No tiene mucho, como tres años.

¿Tienes una canción favorita?
"Yellow", pero no sé en cuál disco viene.

¿Sabes cómo se llaman los miembros de la banda?
¿Todos? No, sólo Chris.

Carlos, 24

¿Desde hace cuánto te gusta Coldplay?
Desde hace años, los conocí en el segundo disco, cuando yo iba en quinto de primaria.

¿Cuál es tu disco favorito?
El más impopular, el tercero, X&Y, porque tenía una banda en secundaria y una canción de ese disco fue la primera que tocamos, así que será importante siempre.

¿Este disco te latió?
Pues es el que menos me gusta, pero sí. Tiene canciones que me encantan pero tiene otras que para nada. No me gusta el sonido que traen ahorita, pero uno es fan en las buenas y en las malas.

¿Qué opinas de que mucha gente dice que se han vuelto muy comerciales?
Pues ellos siempre han sido comerciales. O bueno, tal vez en el primer disco no, pero a partir del segundo que tuvieron su boom han sido pop, aunque con estructuras que lo hacen diferente al pop usual, así que el último disco no se me hizo un cambio tan drástico.

¿Qué opinas de la riña que hubo con Bring Me The Horizon por lo parecido de las portadas?
Ah, ¿por lo de la flor de la vida? Pues no creo que haya sido una copia como tal; es un símbolo universal, se usa en muchas culturas y religiones, así que en todo caso que sean esas religiones las que reclamen.

¿Viste el show del Superbowl? 
Sí. No me gustó tanto. Creo que Coldplay no es mucho para el Superbowl y además siento que hubiera estado más padre de noche. Ese show debe ser para actos más pop, como Beyoncé.

Hablando de ella, ¿qué onda con que alguna vez les rechazó una colaboración y la acabó haciendo? 
Sí, originalmente no había querido, de hecho creo que lo que hicieron con Rihanna, la idea era hacerlo con Beyoncé, pero ella no quiso y pues qué bueno que finalmente aceptó, porque sí me gustó mucho lo que hicieron juntos.

¿Y de David Bowie?
¡Ja! Claro, no quiso, pero me gusta que ellos le hagan un homenaje en este tour, supieron perder con gracia.

¿Es el primer concierto de Coldplay al que vienes?
No. Los vi en Viva la Vida y vine ayer.

Se ve que sabes mucho de la banda, cuéntame un dato curioso.
No sé... A mí esta gira me gusta mucho por esta onda de las pulseras, de hecho él [Chris Martin] dijo en una entrevista cuando sacaron el DVD en vivo que, desde que salió la onda de las pulseras, empezó a interactuar mucho con el público. Antes sólo le importaba dar un buen show y ahora le interesa cómo se siente la gente, y la verdad sí se nota una gran diferencia entre el Viva la Vida y éste. El concierto de ayer estuvo padrísimo y yo creo que éste también, sólo van a cambiar tres canciones.

Mario (29 años), Gaby (27 años) 

¿A los dos les gusta Coldplay, o alguien viene a la fuerza?
Mario: No, no, a los dos nos gusta, desde hace como diez años.

¿Conocen el primer disco?
Mario: ¿El primero? Eh... sí, pues sí, algunas rolas, ¿no?

¿Y éste les gustó?
Mario: Sí, la neta, creo que es una buena mezcla de diferentes tipos de música, me gustan los dos sencillos que tiene.

¿Qué esperan de este concierto? ¿Qué han escuchado?
Mario: Pues es el primer concierto al que venimos y yo tengo altas expectativas, he escuchado que interactúan mucho con el público y eso me emociona.
Gaby: Yo he escuchado que traen buena producción, que traen como muchas cosas que ayudan a animar a la gente junto con la música.

¿Vieron el show del Superbowl?
Mario: Sí, estuvo muy bueno, muy colorido, me encantó.

¿A qué tipo de gente le gusta Coldplay?
Gaby: Yo creo que a todo tipo de gente, por las letras, cualquier tipo de persona se puede identificar con ellas.

Eduardo, Regina, Ricardo, María José, Ricardo, Manuel 

¿Alguien vino al concierto sólo por seguir la corriente?
Ricardo (el papá): A todos nos gusta, pero la fan número uno es Regina.

¿Desde cuándo escuchan Coldplay?
Ricardo: Desde que tienen uso de razón. 
Regina: Él nos ponía las canciones desde chiquitos.

¿Cuál es su disco favorito?
Todos: Parachutes y Viva la Vida.

¿Les gusta el disco nuevo?
Todos: No lo hemos escuchado, bueno, ella sí (señalan a Regina.)
Regina: Mi canción favorita es "Adventure of a Life". 

¿Vieron el show del Superbowl?
Ricardo: Sí, lo vimos juntos, nos encantó, muy colorido y alegre.

Cecilia, 34 años

¿Hace mucho que te gusta Coldplay?
De unos años para acá, tengo el disco de conciertos, así que más o menos sé qué voy a ver, este es la primera vez que los veo en vivo y espero mucho, vine de Mérida para eso.

¿Tienes una canción favorita?
"Paradise".

¿Sabes en cuál disco viene?
No. Te digo que tengo el disco de conciertos y no me los sé.

¿Cómo se llaman los miembros de la banda?
Sólo sé este guapo, el esposo de Gwen. Te los debo.

Dave, 29 años

¿Desde hace cuánto que te gusta Coldplay?
Desde los primeros discos, o bueno, los primeros son los que me gustan, los demás ya no los he seguido, la verdad, y pues se me hace una buena corriente. Digo, muchos amigos sí me han tachado de que... “Güey, ¿cómo te gusta esta banda?”

¿Por qué los últimos discos ya no te han gustado tanto?
Pues creo que como toda banda tiene su evolución, ¿no? Por ejemplo, a mí me gusta mucho el metal y pasa lo mismo, las bandas alcanzan un tope de su evolución. A mí el primer disco me gusta mucho, es toda esta parte melódica de Coldplay. El último lo escuché porque mi novia me lo regaló y supongo que tiene cosas buenas, ¿no? Sin embargo sí tiene estas cosas muy diferentes, antes era mucho más instrumental y este pues... es un cambio radical en la carrera de Coldplay, mucho más electrónico.

¿Tú crees que ésta es su gira de despedida?
No creo, creo que van a volver.

¿Éste es tu primer concierto?
No. He ido al Auditorio, al del Palacio y éste. Curiosamente nunca he comprado el boleto, siempre me invitan y jalo porque a mí me gusta la música, ¿sabes? El del Auditorio estuvo bien padre porque era el cumpleaños de Chris y pues estuvo muy emotivo, estaban todos llorando, hay banda que le llega.

¿Cómo se llaman los miembros de la banda?
No sé, sólo Chirs Martin.

¿Viste el show del Superbowl?
Sí, más porque la mamá de mi novia estaba allá y me grabó una rola. Fue raro verlo con Beyoncé y con Bruno Mars, digo, no juzgo y que aprovechen, pero no me latió.

¿Qué opinas de que David Bowie no haya querido colaborar con ellos porque no les gustó su rola?
Pues es como todo, o sea, una vez Dave Grohl dijo que con AC/DC no podían participar, y pues, no te lo explicas, ¿no? Mira, yo conozco a mucha banda que Coldplay no le late, mis primos me dicen: “¿Cómo vas ver a estos güeyes?” Creo que a mucha gente no le gusta porque es música inclinada a las chicas, de pronto se ve raro que como hombre que te guste y hay gente que le da pena aceptarlo.

¿Crees que los Coldplay sean parte de los Illuminati?
Eso de los Illuminati está bien interesante, pero no creo que Coldplay esté metido y sí sé mucho del Illuminati. Pero no creo que sean Reptilianos y cosas así. La neta hay casos y banda mucho más importante para meterse en ese tema como para que ellos lo sean.

Ana, Brenda, Karen, Eloisa, Mayra, Edsel  y su novia

Cristina 24

¿Desde hace cuánto que te gusta Coldplay?
Desde hace como cinco años.

¿Cómo crees que han cambiado desde el primer disco?
¿Cuál es el primero?

Parachutes.
¡Ah! Sí. Pues creo que se han vuelto más comerciales, pero está bien, para que le lleguen a distintos tipos de público.

¿Te gustó este disco?
Sí, claro, está muy diferente porque creo que la intención es vender mucho. Ahora tiene más de electrónica, pero a mí me latió.

¿Tú crees que ésta sea la gira de despedida?
Pues eso dicen, por eso me animé a venir, aunque no creo que sea la última, más bien que se van a tomar su tiempecito y ya después a regresar, como mercadotecnia.

¿Viste el show del Superbowl?
Claro. Me encantó. Ésta es la primera vez que vengo a un concierto de Coldplay, pero un primo vino anoche y me dijo que estuvo genial, que la onda de las pulseras estuvo increíble.

¿Sabes algún dato curioso de Coldplay?
Estaba casado con una actriz, ¿no? Y se divorciaron y tienen un hijo.

¿Sabes cómo se llaman los miembros de la banda?
Nada más Chris.

¿Qué sientes de que tanta gente los odie, especialmente músicos y críticos?
Supongo que debe haber una razón lógica, pero sobre todo de seguro no coinciden en sus formas de pensar y los estilos musicales, quizá algunos piensan que las colaboraciones no van a funcionar y por eso mejor no aceptan trabajar con ellos. A casi todos mis amigos les gusta Coldplay y no conozco gente que los odie, pero sí algunos me dicen: “Ay, qué aburrido!

¿Cuál es la canción que más estás esperando?
"Yellow" y "Adventure of a Life".

Brenda, Martha y Ricardo

¿Desde hace cuánto les gusta Coldplay?
Brenda: Desde hace mucho. 2007. Desde que escuché "Yellow".
Martha: Algo.
Rircardo: Por ahí del 2003.

¿Se acuerdan de la primera canción que escucharon?
Todos: "The Scientist", "Yellow" y "Viva la Vida".

¿Qué tiene Coldplay que le gusta a un chingo de gente pero tiene muchos haters?
Brenda: Pues los comparan con U2, y pues quizá últimamente han cambiado de la imagen que traían.
Martha: Yo creo que a gente no le agrada que sean una banda que no se queda en un solo lugar, todo lo que hacen es distinto.

¿Qué opinan de que dicen que este disco es más comercial?
Brenda: Pues no, más bien antes eran más melancólicos, pero a mí me encantó la onda alegre de este disco. Se me hacen letras bonitas y todas las canciones me agradaron.
Martha: Más bien es música más alegre, antes eran más rockeros.
Ricardo: Ahora se escucha más en la radio.

¿Saben cómo se llaman los integrantes de la banda?
Martha: No sé, sólo Chris, la neta no somos muy fans, sólo nos gusta.
Brenda: De hecho yo los vi pasar hoy por la Roma en bicicleta y no les pude gritar porque no me sabía los nombres.

¿Creen que Chris va intentar un proyecto solo ahora que dicen que se separan?
Ricardo: No creo que se separen, espero que no.
Brenda: Probablemente lo intente, pero no es la misma magia, ¿sabes?

¿Qué están esperando del concierto?
Rircardo: Dicen que hay mucha interacción con el público y es algo que casi no se ve. Aparte está genial que les abra Ximena, vamos a correr para verla.

Fotos y gifs por Ana Blizzard

Hay dos clases de festivales de música en este mundo: los que se esmeran por crear un cartel novedoso, lleno de propuestas nuevas y frescas, que quizá en un futuro lleguen a ser bastante populares (como es el caso del Nrmal), y los que simplemente buscan que el público cante los éxitos que ya conoce y que más le llegan, sin importar el género o si son bandas viejas o nuevas. Ese último es el caso del P'al Norte, festival que este año llegó a su quinta edición, y que en su corta vida se ha convertido indudablemente en el festival de música más importante y grande del norte de México.

Hay que aclarar: el P'al Norte no sólo es un festival de artistas grandes con éxito probado. En sus dos días, el festival presentó este año a varias bandas emergentes que han estado haciendo ruido tanto en México como en América Latina, como es el caso de Clubz, Little Jesus, Technicolor Fabrics, Rey Pila, Indios, Porter y hasta Dënver (si se quiere considerar a estas últimas dos como emergentes, aunque llevan más de 10 años de carrera). Sin embargo, revisando el cartel, y habiendo estado allí, queda claro que aquí el mero mole son los hits: Tanto el sábado como el domingo, la mayor parte del cartel estaba compuesto por bandas latinoamericanas con éxitos que casi todo el mundo puede corear: de “Pupilas lejanas” de Los Pericos a “Vasos Vacíos” de Los Fabulosos Cadillacs, pasando por Caifanes, Enrique Bunbury, Natalia Lafourcade y hasta Moenia. De hecho, si hay algo que sorprende del P'al Norte es la diversidad de géneros que hay en su cartel: aunque nunca llega a ser algo completamente radical, sí salta cómo pueden pasar del Rock en tu Idioma Sinfónico a alguien como 50 Cent, y el público no sólo lo acepta sin chistar, sino que lo celebra. 

Lo anterior demuestra tanto que el público del P'al Norte es distinto a aquel del Vive Latino— más purista, quienes han bajado del escenario a actos como Natalia Lafourcade, Calle 13 y Motel— como que los organizadores saben bien qué están haciendo cuando hacen un cartel que varios podrían considerar un champurrado de bandas y géneros, e incluso llamarlo “el line-up más asqueroso de todos los tiempos”. Sin embargo, también es muestra de una nueva generación de escuchas con una preferencia mucho más ecléctica y menos arraigada — como bien ha reportado Nielsen— en donde no existen las lealtades que solían caracterizar al fan de la música hace unos 20 años.

Dicho eso, el grado de enfoque hacia los hits queda más claro que nunca en las “Sorpresas P'al Norte”, modalidad que el festival lleva aplicando un par de años y en donde, entre headliners, una banda sorpresa se aparece para tocar su canción más conocida. Por un lado, es por supuesto algo completamente cutre, pero por el otro, ¿qué más da? Estando ahí, no había persona que no se cagara de risa y bailara eufórico mientras Magneto tocaba “Vuela vuela” o Caballo Dorado trataba de romper el récord de más número de personas bailando “Payaso de rodeo” (los otros dos actos sorpresa fueron Baha Men tocando “Who Let The Dogs Out?” y Lou Bega con “Mambo No. 5”; ediciones anteriores han contado con Vanilla Ice, Inner Circle, Proyecto Uno y Crazy Town, entre otros). En un mundo cada vez más enfocado a la modalidad shuffle, este es un festival de Greatest Hits, que sin embargo logra sentirse más actual que el Vive Latino tanto por la juventud del festival, como por la inclusión de actos que el Vive dudosamente se atrevería a meter, como J Balvin, quien sin duda se llevó el festival.

Ana Blizzard estuvo ahí para retratar ambos días, y fuera de unos percances que no le permitieron tomar fotos la primer parte del viernes, esto es lo que logró capturar.

DÍA UNO

Caballo Dorado

Los Fabulosos Cadillacs

50 Cent

DÍA DOS

Clemente Castillo

Jenny and the Mexicats

Siddharta

Technicolor Fabrics

JAMZ

León Larregui

Magneto

Two Door Cinema Club

Caifanes

Lou Bega

J Balvin

Si hay algo que resaltar de Salvaje Discordia, el disco que Triángulo de Amor Bizarro que salió a principio de este año, son las baterías salvajes. Durante los once track que contiene el material, las percusiones no dejan de agitar tu cabeza. Es como caminar por un sendero oscuro con una licuadora de llena de guitarras y voces dulces sobre la cabeza. Lo maginífico de este nuevo material es que, a pesar de que está lleno de caos sonoro, cada sonido parece haber sido específicamente colocado ahí para hacerte retorcer un rato. Eso, aunado a la fina producción, hará que no puedas dejar de escuchar este material durante mucho tiempo. 

Y el día de hoy, para agregarle más rareza a la banda, Triángulo de Amor Bizarro publicó un video para "Nuestro Siglo Fnord", uno de los sencillos que se desprenden del disco y que, a través de un videojuego, nos cuenta una historia de terror en 8 bits. El video fue hecho por Baroque Decay. Dense un viaje loquísimo con lo que hay aquí abajo.  

Billy Corgan es muchas cosas—cantante, guitarrista, Pumpkin, y un Zwan—pero su mejor y más reciente actuación, fue su aparición en el programa de conspiraciones de Alex Jones, Info Wars. Años atrás, los dos ya han tenido toda clase de conversaciones excéntricas y el día de hoy, pasó exactamente lo mismo. Vestido como un basquetbolista que asaltó el closet de su tía abuela, Corgan comienza dando a entender que ha hecho una especie de Making a Murderer serie documental sobre Estados Unidos en donde acusa al gobierno por hacerse de la vista gorda con las descargas ilegales. Según Billy, quienes lideran y mantienen el orden en su país están demasiado ocupados con la industria tecnológica y eso podría provocar que la tecnología explote debido a los clickbaits que se hacen a partir de artistas como él. Por consecuente, el dúo crítica a las personas que utilizan solo un medio para informarse. La entrevista completa está en la página de Jones y contiene armas para los guerreros de la justicia social y un espinoso discurso de liberación que incluye al Ku Klux Klan. Ve un fragmento del video de Corgan/Jones aquí abajo y la entrevista completa dando click aquí. 

Imaginando que las palabras  "solo porque hoy es 420" hoy saldrían muchas cosas nuevas. Pero jamás imaginamos que Rihanna soltaría algo nuevo. Aunque cuando Ri dice algo en Instagram, quiere decir que va en serio. El día de hoy decidió regalarnos un video para "Needed Me" uno de los sencillos que se desprenden de ANTI. Dirigido por Harmony Korine—quien hizo las películas de Spring Breakers y Kids, así como videos para Sonic Youth y Black Keys— el video muestra a un crew de cholos que es liderado por Rihanna quienes, acompañados por Riri, van a un club de striptease a matar a un hombre. Definitivamente no hay que meterse con Rih. 

Imagen via YouTube

¿Dónde carajo ha estado Fetty Wap en los últimos meses? Si su Instagram es una fuente fiel de información, ha estado disfrutando con todo su tiempo libre, yendo a andar en cuatrimoto con su banda, comiendo pie de cereza con su morra, y echándola con su perro enfrente de una fogata. Pero ahora parece que la sequía del Trap King por fin ha terminado y está de vuelta al bisne, porque anoche soltó tres nuevas rolas “Westside (ft. Snoop Dogg)”, “Queen of the Zoo”, and “My Environment”.

Desafortunadamente, pocos minutos después borró las primeras dos, y sólo nos queda “My Environment” para escuchar por el momento. Por suerte, está tan buena que ni nos duele que haya borrado las otras dos. En ella, Fetty deja a un lado el auto-tune melódico y rapea de frente, contando una clásica historia de pasar de la pobreza a la riqueza contra cualquier pronóstico. “Everyday the only mission, gotta stack the green, a couple million for my children, gotta get the cream, I turned a thousand to a million, started with a dream,” rapea, canalizando a Tupac sobre un beat esquelético.

Escúchenla completa aquí abajo:

Cuando estás buscando un plan para salir en la noche, muchas veces se te olvida que para una buena peda no necesitas nada más que tus compas y una (o varias) botellas de alcohol. Y la muestra perfecta está en “María”, el nuevo video de Tony True & The Tijuana Tres. 

Foto vía

La fuente de electricidad de Tino es el martillo de Thor. Si no lo conoces, Franco Genel alias Tino El Pingüino es hoy en dia el rapero nacido en la Ciudad de México con mayor trayectoria. Con más de cinco años de entregar material de calidad incesantemente, un estilo delineado y un sinnúmero de proyectos que no ha dado a conocer (shot out a Lenin Peña), Franco es un referente necesario del rap chilango. 

Como parte de The Guadaloops, Franco ha mostrado una faceta de fusión pocas veces vista con tal seriedad en el rap mexicano. The Guadaloops preparan el lanzamiento de su nuevo disco, Almanueva, además de una presentación el domingo en el Vive Latino.

Pero como Franco tiene chinches en las nalgas, acaba de publicar un nuevo corte suelto, "Mago". De algún modo se siente como la continuación de "Naútica", otro corte suelto estrenado el año pasado y también producido por el tijuanense Taxi Dee. Ambas rolas son una demostración impecable de cómo montarse encima de un ritmo. Y qué pinches ritmos: si no conoces el trabajo de Taxi Dee, no te pierdas una de las propuestas más frescas en el subterráneo mexa. 

La producción adicional de "Mago" es de Ferdinand González, otro de los Guadaloops. La grabación, edición, mezcla, master y los cuts, corrieron a cargo de T-Capital.

Fotografía de Luis Briceño

Hoy es la navidad de los pachecos. O al menos es lo que nos ha hecho creer el capitalismo global. Una especie de festividad contracultural convertida en mengambrea digital que poco a poco ha tomado seriedad para ventilar temas de la agenda cannábica en la política. Aunque para la mayoría de la gente familiarizada con el término, 4/20 no es más que un código para fumar mota y la festividad como tal, un pretexto para pachequear a gusto. 

Y bueno, si hay un género, además del reggae, cuyo estereotipo está asociado a consumir cannabis, es el rap. Y no cabe duda que la gente que hace rap en este país fuma chingos de mota. No todos. Obvi. Pero muchos. Así que les pedimos a raperos de la geografía nacional un pensamiento sobre la relación que existe entre mota y rap.

Ahí les van quince pensamientos alrededor del tema, por parte de pachecos profesionales. 

Lng/SHT

Foto de Monterrey Rock, vía
Es raro, en ningún momento se mencionó que la mariguana sea parte de la cultura. Sin embargo, uno no puede evitar crear una relación invisible entre el rap y la mota. Supongo que es algo que siempre ha estado ahí y siempre estará, como las gorras y los pantalones holgados.

Hood P

Foto vía
Dee: Yo creo que porque se agudizan los sentindos y se aprecia mejor la música o la instrumental.
MOF: La magia que tiene la hierba canaliza el enfoque y se puede disfrutar muy bien de rap music. Con todos sus detalles. Aparte que va de la mano con el estilo de vida relajado y tranquilo que el rapero siempre busca tener. Desde el pedo de "no jodo con quimicos", uso la hierba. Pedos acá más locos y profundos entre el rapero y su relacion con la hierba, lol.

Mime871

Foto de VndlsMX, vía
Creo que la relación no es con el género aunque sé que hay más de mil razones para verlo así. Creo que la cosa es más con la cuestión creativa: en el caso del rapero, aquel que presuma de serlo ha de estar frente a sí mismo varias horas pensando qué decirle al mundo y qué mejor que una droga que te canaliza el pensamiento, tolerable, para ayudarte a “volar” y escribir. A mi ver, cualquier creativo que quiera enfocar su mente en concebir una idea es un potencial marihuano, jaja.

Mike KO (Quid Comba)

Foto vía
Pues yo no me clavo, la consumo de forma recreativa igual que la chela, pero creo que tiene que ver con el simbolismo que hay alrededor de ella. Se le asocia con la creatividad, la rebeldía, el placer e incluso la protesta. Obviamente hay muchos personajes influyente en el rap que han potenciado esta idea.

Phyz Eye

En lo personal, sin irnos de que a los orígenes y que los negros & shit, creo que la mota se presenta en el hip hop por el hecho de que si te da para arriba reflexionas más cosas o incluso te acuerdas de historias chidas del pasado o creas una. Al momento de grabar, en mi caso, me siento más libre, lifted para hacer hypes extraños o incluso darle más chingon a los backs, como andas en el avión te la crees más que de costumbre. La mayoría de los raperos o gente relacionada a cualquier "rama" del hip hop fuma, los que no tienen sus motivos personales, pero digamos que un 85% de la gente que conozco en el rap fuma weed. Esta el pimpeo de siempre traer la mejor mierda y no fumar cualquier cosa. Llegar a otro estado mental por este pedo es lo que nos hace querer fumar siempre que hay un evento, una rola, etc.

Rabia Rivera

Foto de Miguel Zavala, vía
Concentracion.
Tranquildad.
Creativadad.
Y ya la cuestion más burda es porque ¡está en el barrio!

Aczino

Foto vía
La neta lo de 4/20 yo nunca he sabido qué pedo, jaja. Yo fumo 24/7. Y pues yo creo que por el efecto, cualquier música que se escucha así se disfruta diferente. Yo creo que tiene más que ver con que los grandes íconos son bien pachecos desde los inicios del rap.

Dabeat Ramírez alias Master Vincent Vega

Foto vía
Creo que en general es más peer pressure que otra cosa. [Léase: presión de tus pares].
 

Taxi Dee

Foto vía
Creo que no es algo exclusivo del rap, pero sí lo llevamos con más descaro tal vez, jaja. Es un tema que hablamos todos los dias: "yo fumo, yo compro, yo vendo". Ya sabes, eso jamás nos cansa ni nos aburre y por supuesto se refleja en los tracks. Pero en general el weedo y la music van de la mano, recuerdo que mi primer hit fue siendo bajista, no rapero. ¡Jaja!
Blazin'.

Sekreto

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Es un gusto personal, fuera de ser o no rapero, mi primer contacto con la mota fue cuando recién comencé a meterme en el rollo del rap. Unos primos en LA me ofrecieron y mientras fumábamos, escuchábamos el recién salido debut de Snoop Doggy dogg, Doggystyle. Desde entonces me di cuenta que para la mayoría de la gente (no todos) que escuchaba rap, la mota era un común denominador y era parte de la cultura como lo fue para los hippies la psicodelia.

Proof

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Pues para mí en específico igual que para otros MC´s que conozco en persona, el motivo fue que estábamos en algún barrio de México de esos que les dicen de clase media baja y en esos barrios hay droga a madres, y las más accesibles son la mariguana y el activo. El pedo es que el activo no se lleva con lo creativo y la weed sí. Yo digo que por ahí muchos nos enganchamos, por el tener una droga barata con la que podías seguir haciendo lo que hacías, ya sea escribir o subirte al escenario. Pero igual es cierto que la relación hoy en día es por moda, porque los raperos de la tele lo hacen y de más, pero ya es de esta generación esa idolatría por los fumadores ostentosos.

Alemán

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Cuando mis papás de morro me descubrieron fumando mota, al chile les conteste we (porque me sentía más rapero, será porque de lo primero que escuché fue Cypress Hill y Dre.Dre y sin duda ellos son mota), hahaha, recuerdo que les dije: "no se alarmen, ahorita me meteré a mi cuarto y me pondré a escribir". Tenía 16.

Muelas de Gallo (de La Banda Bastön)

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La mota ha estado ahí, como fiel compañera de las andanzas de los artistas desde hace un buen tiempo. Creo que al ser una planta tan noble es natural verla tan presente en el día a día de los escritores y rimadores. El planeta no se equivoca, te da lo que necesitas para seguir en el camino. 
Como dije, desde hace mucho se ve la influencia de la planta en la música en general, los raperos no podrían ser la excepción. Además siendo tan fácil conseguirla y siendo tan de la calle el rap, pues se podría decir que van de la mano. Conecta de manera especial las neuronas, ves las cosas desde otras perspectivas, te muestra maneras de llegar al destino como ninguna otra sustancia. Viva la mota.

Eptos Uno

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Pues creo que a los músicos nos gusta por cómo agudiza el sentido del oído y nos pone en un modo creativo. Y claro, lo considero parte de la cultura hip hop ya que es una droga que tiene muchísimos beneficios y que ha siempre sido parte del movimiento underground musical desde los jazzistas y su reefer.

Tino El Pingüino

Foto vía
Supongo que el rap y la mota se parecen en que ambas me ayudan a olvidarme de ella.
Fuma mota y sigue a Noisey México en Twitter.

Foto de Daniel Patlán, vía

No hay peor hierba que la que no hay. No hay mejor hora que las 4:20. No hay mejor día que el 20 de abril, y no hay mejor forma de celebrar todo esto que con un track de hip hop lleno de carne asada, mota y buenos compas.

Alemalandro de Los Cabos, a quien vimos presentarse recientemente con gran éxito en el Festival Ceremonia, hoy se une a los Ilegalez de Hermosillo bajo la producción de Pacho P3 y Joss “El Químico”. "Está caliente" forma parte de una serie de estrenos audiovisuales conformada por tres entregas muy distintas entre sí. Esta es la primera, en exclusiva para Noisey. 

Armado de un hook pegajoso que el mismo Alemán inicia, y que conforme el track se desarrolla se colma de más voces con los Ilegalez, “Está caliente” es una oda a la subida y bajada de maña en la H. El beat es bueno y las rimas son precisas, cortesía del ya famoso doble rima a quien volvermeos a ver ocupando spotlights con cosas nuevas.

El track no formará parte de Rolemos Otro. Dense un joint, celebren como se debe el 4/20 y suban el volúmen de esas bocinas.

Foto vía. 

A finales del año pasado, luego de que los batos de SMART lograran obtener el ampararo para el consumo lúdico de marihuana en el país, buscamos músicos grifos que hayan creado uno o varios tracks en honor a Maria, e hicimos esta lista de las mejores 10 rolas mexas para fumar. Como siempre pasa con las listas, mucha música para la grifa se quedó fuera. Y el día de hoy, para celebrar el 420 y el pequeño nuevo avance que habrá en nuestras leyes con respecto a la tolerancía y uso de la marihuana— ayer, 19 de abril de 2016, el Presidente Enrique Peña Nieto anunció en Asamblea General de Naciones Unidas sobre las Drogas, que México actualizará su marco normativo para que la marihuana pueda ser utilizada con fines medicinales y científicos en el país— hemos decidido hacer la segunda parte de la lista, para que disfrutes de ese Marley que seguramente forjaste hoy con dedicación. Sin más, dense: 

Ganja — "Ganja" 

El ritual para preparar un toque no debe tomarse a la ligera. Es necesario un flow tranquilo mientras tú y tus amigos lo esperan. El proceso es tardado, sobre todo eso de moler la hierba para que se queme sabroso. Mientras usas el grinder o te ensucias las manos escucha "Ganja". Tal vez lo más chingón de este track es que hay pocas bandas que tengan un track homónimo: gran ventaja de fumar mota.

Toncho Pilatos— "Dulce dama Maria Juana"

Algo tranquilo para empezar el ritual de "elevarse". Este track con vocales extremadamente alargadas y guitarras suavecitas es un cover a los Stones. Pero en la versión de los tapatíos sueltas el cuerpo y te clavas en las cosas que la marihuana ha alivianado en tu vida. 

Peace & Love - "Marihuana"

Si estás recorriendo esta lista con un porro prendido —como se supone que lo hacen los pachecos el 20 de abril— entonces seguramente estás a punto de despegar. Y "Marihuana" de los triunfadores indiscutibles de Avándaro, los tijuanenses Peace & Love, es la dosis de swing que tu cuerpo necesita para desentumir los dedos. Sólo canta "Mariiii, Marihuanaa" mientras mueves la cadera como chica yeye. Una institución del rock mexicano. 

Reyes del Pulmón — "Fuma Mota" 

"Préndase la vela de esta melena" es el consejo que te dan GogoRas y MC Luka. Estos raperos decanos del DF son autoridad y referente en cuestión de fumarla, y su diagnóstico es claro: cualquier cosa es mejor con mota y si puedes, fúmala siempre.  

La Banda Bastön con Cultura Profética — "Envuelto en Humo" 

La colaboración entre el legendario combo de reggae y el dúo de la Baja Sur es un clásico del subterráneo. Y si babeas cuando ves un gramo de Ak-47, seguro compraste el blunt más grande que había, y vas a hacer un toque como los que presume el tío Snoop en sus videos. Mientras logras tu misión, llénate los oídos con buen rap mexa. 

Three Souls In My Mind — "Presta" 

Alex Lora es nuestro tío Gamboín. El Chabelo del rock. Desde 1968 y casi que ininterrumpidamente, ha brindado a los pachecos y drogadictos del mundo, una increíble variedad de folclore y melcocha frita. "Presta" es otra institución incluida en esta lista.  

El Komander — "Tokezones de Cannabis" 

Siempre hay un momento de la grifa en el que invade el pánico —mejor conocido como mal viaje. Es cuando tu subconsciente suelta los pendientes, recuerdos pasados o tus secuelas de paranoía. Cuando eso pasa, he descubierto que no hay nada mejor para combatirlo que música agresiva que te recuerde que sea lo que sea "te la pela". "Tokezones de Cannabis" es una  de esas rolas que el Komander utiliza para decirte "Ora compa, sin sacarle, no pasa nada". 

Brujería — "Marijuana" 

Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá! Dale a tu cuerpo lo que necesita... ehhh ¡Marihuana, ajá!

Los Rastrillos — "Basyer"

Escuchar "Bayser" es como estar en un paraíso de marihuana en donde la gente sonríe sin parar y la buena onda y falta de memoría a corto plazo son una constante. Ahora que ya estas bien pacheco, busca la bachita que dejaste arrumada en el sillón y fantasea con ese mundo perfecto lleno de papel de arroz y hierba que Los Rastrillos construyeron a partir de reggae pausado y voces chillonas que te van ayudar a enforcarte en lo único que importa hoy: quemar hasta que no puedas más.  

Control Machete — "El Son Divo" 

Esta rola súper noventera sigue siendo de las mejores sobre la mota en el rap mexa.  Con el estracto de Salma Hayek en El callejón de los milagros. Mejor levanta las nalgas antes de que se fusionen con el sillón, porque igual "Es mota, ¿verdad? ¡Hijoleeee!" Ni modo que no fumes, ¿o sí?" 

Foto por Calon, via Flickr

En el fondo, todo el mundo tiene algo que aman pero que no saben explicar exactamente por qué. Ya sea una sopa con tuétano, la película Spanglish, o a alguien con quien ibas en primara —nos aferramos a las cosas, y nos entregamos a cosas que probablemente deberíamos de dejar atrás. Para mí, esa lucha la he tenido los últimos quince años, tratando de justificar mi amor por Guns N’Roses, contra una oleada de odio y burlas de parte de cualquier persona nacida después de 1990.

Mi verdadera pasión por Guns N' Roses empezó un largo día de verano en 2003, cuando mis entonces gordos dedos empezaron a teclear en la enorme computadora de escritorio de mis padres. Utilizando un sitio llamado Freewebs, creé el sitio gnronline.freewebs.com. Para aquellos no familiarizados con el lingo, mi yo de 12 años creó un fansite de Guns N’Roses. Así que aunque usualmente intento articular mis pensamientos utilizando términos más elaborados, me presenté así: “Hola y bienvenidos a Guns N’Roses online, ¡¡el mejor sitio de Guns N'Roses!! Creé este sitio porque soy un fan enorme de GN’R fan y creo que hacen la mejor música que ha escuchado el mundo!”

Mirando atrás, esas breves líneas probablemente sean una de las cosas más genuinas que he escrito sobre música. Porque, cuando se anunció que una banda cercana a la alineación original de Guns N' Roses se reuniría en abril para formar parte de Coachella, casi podía saborear la emoción como un sabor dulce en mi paladar. Esa emoción familiar que venía de escuchar a  Guns N’Roses empezó a correr por mis venas una vez más; el sentimiento que seguramente te da cuando vas en un coche de rallys sin cinturón atravesó mis nervios.

La última vez que vi a la banda fue en el festival de Reading, en 2010. El único ruido más fuerte que los avasalladores abucheos era la voz de Axl Rose, mandando al carajo a los organizadores. Todos mis amigos regresaron a sus tiendas de campaña sin mí. “Esto es una mierda,” dijeron. “Ya sé,” contesté, “es perfecto.” Ese es el mismo sentimiento que miles de personas tuvieron sobre su reunión de 2016: "Por esto odio la reunión de Guns N' Roses" escribió Stereogum, "Va a ser una mierda" dijo MetalSucks, y "¿Por qué?" preguntaron varios en Twitter.

 Imagen via Wikipedia

Pero, ¿qué es lo que hace que tanta gente odie a Guns N’Roses tan fácilmente? Supongo que está el hecho de que el grupo ha seguido existiendo mucho más tiempo después de su fecha de expiración. Constantemente rodeados de un aire de desastre, tienen la estabilidad de un cohete sin piloto lanzando llamas por todo el cielo. Llegando tarde a conciertos si es que llega, sin aliento, pasado de peso y usando chamarras de cuero blancas y botas de vaquero que parecen un cliché de la crisis de la edad media, Axl Rose es el papá disfuncional de los vocalistas de rock, liderando un grupo cuya alineación ha cambiando más veces que la mayoría de los mejores equipos de futbol.

Del despido del baterista Steven Adler en 1990 por su adicción a la heroína, a la salida de Slash en 1996, en la que citó las tendencias “visionarias” de Axl como el catalizador de su partida, el ego de Axl ha detonado este proyecto desde el interior de la banda desde el día uno. No existen muchas bandas que tengan una entrada en Wikipedia detallando los más de 50 músicos que han formado parte del grupo —e incluso son menos los casos que muestran una tabla que delínea exactamente cuándo cada miembro se unióy después dejó el grupo. Pero ese es exactamente el tipo de cosa que existe en la Wiki-lista de integrantes de Guns N' Roses, la cual parece sugerir que Axl Rose ha pasado los últimos diez años tratando a sus guitarristas principales como sandwiches rancios.

Mirando los datos, estoy seguro de que una cosa les va a brincar: ¿ven esa gruesa vena roja hasta arriba de la tabla, al mismo la fuente vital de vida y el súcubo? Ahí es donde Axl Rose gradualmente ha estado armando y desarmando su propio Imperio. Es casi como si la historia completa de la banda fuera básicamente un eterno reacomodo a modo de venganza, y es quizá por eso que tanta gente ha perdido interés en el grupo. Pero no yo. A mí me mama este pedo. Porque los interminables cambios de alineación son la felicidad irresistible que late en el corazón de este desastre. Cuando pienso en ello, es también exactamente lo que hace que esta reunión de la alineación original sea algo de asombro.

En el fondo, Guns N’ Roses nunca ha sido realmente una banda. Son un mito. Un cuento de vaqueros lleno de arrogancia, enemistades e intereses personales. Las implosiones son parte del acto y no existe Guns N’ Roses sin la amenaza constante de renuncias, golpes y escándalos. Son una banda cocinada en una historia de coca, fijador de pelo y colágeno. Son parte del lado obscuro del sueño Americano —el lado que torna la ambición en avaricia, el lado que huele a cuero quemado y convierte a amigos en enemigos. Son una saga interminable de drogas, violencia, dolor y pantalones de cuero entallados que se han puerto del folclor de Sunset Strip. Y por fin tenemos a la alineación completa de vuelta. ¿Qué deberíamos de odiar?

Para entender la importancia de esta reunión, tienen que apreciar lo cortas que fueron las “épocas doradas” de Guns N’ Roses. El álbum debut de la banda, Appetite For Destruction – el cual fue publicado en 1987 y que felizmente describiré como un 10/10 absoluto – es el único LP que tiene la alineación original, y el único que es bueno de principio a fin. Sin embargo, esta inconsistencia, la cual provoca que tanta gente los odie, es parte de la fiesta. Escuchen “Welcome to the Jungle”: esos primeros demoledores acordes no son el sonido de una banda que luego quizá produciría un álbum de electrónica experimental. No, ese es el sonido de un tren que salió descarrilado de su estación. El título del álbum era una profecía que terminó por cumplirse —una banda tan hambrienta que estaban destinados a consumirse a ellos mismos.

 (Imagen via Wikipedia)

Por supuesto, toda esta examinación de qué los hace tan desagradables para tantas personas deja a un lado que Axl Rose claramente es un ser humano vil. Un egomaniaco desalmado cuyas tendencias autodestructivas se muestran a la perfección por el dolor real que le ha acusado a aquellos que lo rodean. Su historia es una en la que “Sympathy for the Devil” no le llega a los talones. Pero esta reunión está pasando. Digan lo que digan, esta banda es el sangriento producto de los excesos de finales del siglo XX —cuando el país más poderoso del mundo seguía siendo el país más poderoso del mundo. Esto es un gran pedo.

La sabiduría colectiva asumía que Guns N’Roses jamás se reuniría. Estos tipos históricamente se odian. Mientras que la reunión de LCD Soundsystem fue a través de una ida a tomar un café con viejos amigos, no debemos de olvidarnos que apenas en el 2012 Slash afirmó que Axl “lo odiaba con ganas.” Después de la adicción, las mentiras, la manipulación y un terrible álbum de covers de punk titulado The Spaghetti Incident, pensamos que esto jamás iba a pasar. Por eso, el hecho de que gran parte de la alineación original de Guns N’Roses vaya a tocar en festivales alrededor del mundo este verano es un extraño milagro por sí mismo. line-up will be playing on festival stages this Summer is a bizarre miracle in of itself.

Si te aproximas a Guns N’ Roses con críticas enfocadas en algún tema secundario como, no sé, su música, entonces tienes que reconfigurar tu cerebro. No se trata de eso. Según los estándares médicos, todos los integrantes originales de Guns deberían de estar muertos. La banda definitivamente no debería de haber seguido existiendo después de su primer álbum. Y sin embargo sobrevivieron. Es esta existencia antinatural la que hace que esta reunión sea emocionante. Contra todo pronóstico, Guns N’Roses están de vuelta para un round más. Y si eso no los convence, entonces tómenlo de la boca de Axl mismo.

Súbanse al ring, cabrones. Este es nuestro momento.

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“Shoes”

pom pom pom

“Shoes”

pom pom pom

"Shoes"

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“Oh my god... Shoes”

Lo recuerdas. Entregado en un plano monótono, el grito de Kelly, una adolescente cuyos padres y hermano simplemente no entendían su pasión interminable por el calzado. Pavonéandose en la boutique, la Poncio Pilatos de las plataformas y zapatillas: "estos zapatos me encantan", proclama, "¡estos apestan!" Si consigue lo que busca, hará una fiesta en la alberca para todos sus amigos dudosamente de moda. Si no, invocará la furia del demonio para enfrentar a cualquiera que intente frenar su obsesión por el calzado y decirle "betch".

El video se llamaba "Shoes", un viaje ácido de pasión por la moda que captó la atención de millones, y que podríamos clasificar como el primer video viral de Internet.

En el video, la angustia adolescente es llevada al extremo cómico. Los padres de Kelly son caricaturas de una autoridad nada empática, y más allá de no entender lo que pasa, detestan abiertamente que su hija tenga la edad suficiente para recibir condones como regalo de cumpleaños. Describir el ambiente familiar de Kelly como injusto sería un eufemismo. Ferris Bueller pensó que es injusto que su hermana terminó con un coche y él con una computadora. En el caso de Kelly, su gemelo consiguió ambos mientras ella recibió un como Barney de peluche. Cuando finalmente salió al mundo, no sorprendió que su libertad pronto se convirtiera en un sueño de fiebre por el consumismo, el hedonismo y las fantasías de venganza. Algo así como el resultado final de la pubertad más PCP, "Shoes" te gana gracias a lo absurdo y a su electroclash emblemático. 

El primer cuarto de siglo de Internet ha sido moldeado por una serie de "fiebres del oro" tecnológicas. El "boom del punto Com", las prisas por convertirse en "famoso de Instagram," las actuales "guerras del streaming" —todo esto da cuenta de cómo nos movemos actualmente en el mundo en línea. Se introduce un nuevo sitio o una nueva app, y nadie sabe cómo obtener un beneficio al respecto hasta que alguien se topa en su patio trasero con la pepita de tamaño Nano iPod de la fama digital. Los tres fundadores de YouTube dijeron que originalmente pretendían crear un lugar en donde la gente pudiera fácilmente acceder y compartir grandes e interesantes materiales para noticias (es decir, el pezón de Janet Jackson y el tsunami del Océano Índico de 2004). Pero mediante la creación de una manera fácil para que cualquiera pueda subir sus propios videos y al instante compartirlos con una audiencia global, el sitio tuvo como consecuencia una defensa involuntaria del DIY. Los videos virales de bajo presupuesto fueron la pepita de oro en este caso.

El corto digital de SNL "Lazy Sunday" fue el primer videoclip en emerger como una sensación de YouTube, reenviado "millones de veces" en diciembre de 2005, pero fue producido por NBC y contó con dos estrellas de la televisión: fue más el modo de acceder lo que fue asombroso, no la exposición real. Pocos meses más tarde un video auto producido y auto filmado llamado "Shoes" que logró un alcance similar y anunciaba el verdadero comienzo de la era viral.

El actor Liam Kyle Sullivan escribió, compusó, editó, dirigó y protagonizó como un personaje llamado Kelly este clip de cuatro minutos de duración, que apareció por primera vez en YouTube hace casi exactamente diez años. Es extraño, enojoso e hilarante, y al menos por un mes en 2006, era lo único de lo que querían hablar en la cafetería de mi secundaria. A pesar de que por años han existido varias versiones subidas por diferentes usuarios, el actual video oficial de "Shoes" (que Sullivan no subió sino hasta el 2007) tiene más de 58 millones de vistas. Teniendo en cuenta su estilo de Salvaje Oeste y la ausencia de regulación en los primeros años de YouTube, el número total de vistas que ha tenido "Shoes" es imposible de calcular. Baste decir que es un infierno de mucho más de 58 millones.

Una década, varios videos de Kelly y una gira de comedia a nivel nacional con Maraget Cho más tarde, Sullivan ha hecho todo menos retirarse del estrellato de YouTube, y aún cosecha los beneficios de las habilidades aprendidas hace una década. Noisey se juntó con Liam para recordar "Shoes", hablar de la génesis de Kelly, y de los albores de la viralidad como hoy la conocemos.

Noisey: ¿Cuáles eran tus antecedentes en la comedia antes de que comenzaras tu canal de YouTube?
Liam Kyle Sullivan: Hice comedia de sketches en el Acme Comedy Theater en Los Angeles, hice comerciales y algunos episodios de No con mis hijas. Después empecé a hacer mi propio show en vivo —un pequeño stand up, pocos personajes, mostraba videos y canciones. El video de los "Muffins" [un absurdo sketch sobre una panadería que vende variedades de sabores que van de arándano a clip] apareció por primera vez en mi show porque yo no sabía que existía YouTube en ese momento.
Ponía mis videos en mi propio sitio web y luego los copiaban en YouTube muchas diferentes personas. Ni siquiera podría decirte el número combinado de views. Cuando finalmente me di cuenta de que yo podía tener mi propio canal, no sabía ni siquiera qué tan viral se había hecho.

¿De qué te acuerdad de YouTube en sus primeros días?
Era indomable, era súper nuevo. Todo el mundo pedía a gritos estar allí. Recuerdo los comments, esto fue antes de que se inventara la palabra "trollear" y había algunos realmente desagradables. Comentarios realmente desagradables, asquerosos e ilegales. Probablemente el primer video que allí vi fue uno de los míos, "Muffins" o "Shoes".

¿Cuánto tiempo después de eso decidiste hacer tu propio canal?
Un rato, tal vez seis meses. Fue lento. Yo no me la acababa respecto a poder postear cosas —acababa de pagar por el servidor y el dominio de mi propio sitio—, fui lento en reaccionar porque era tacaño.

Recuerdo haber entrado a un Best Buy en esa época y preguntar en dónde podía comprar una copia de iTunes para instalar en mi compu. 
Sí, creo que nuestro instito todavía era preguntar ¿por qué es gratis? Pero luego, pues publicidad.

¿Cómo inventaste el personaje de Kelly? ¿Su familia?
Su creación me tomó mucho tiempo. Comencé a hablar como Kelly en el coche, manejando y diciéndole a los coches "¡Cállate!". Me acuerdo la primera vez que hice el personaje en público, ni siquiera tenía el look, era sólo un hombre haciendo una voz tonta. Me imaginé una adolescente con frenos, y que tenía que jalar los labios hacia atrás y tenía que sostener su espalda porque eran demasiado pesados. Esa mala leche tan simple salió espontáneamente. Hice el personaje en el teatro Acme y no funcionó, no fue chistoso. Lo retiré y lo traje de regreso años después cuando estaba haciendo stand up y tampoco funcionó ahí. No tenía la peluca ni los lentes de pasta. Creo que cuando tuve todo eso, funcionó el personaje. Pero igual me equivoco. 
Algunos miembros de su familia están tomados de mi propia vida, porque yo era el hermano menor y mi hermana, que no es para nada como Kelly, tenía restricciones que yo no tenía. Como son más jóvenes, los padres hacen todos los errores con los hermanos mayores, y luego con uno más joven dicen, "Ah, él está bien, déjalo". Y también siendo niña, tal vez tienes un toque de queda más temprano que un niño, ese tipo de cosas. Yo sólo exageré eso. Hice que los padres abiertamente la odiaran. Aquí está, ahora, una mujer joven y no se sienten cómodo con eso. Pero el muchacho, él consigue una computadora y el coche, lo que quiere.

La rola me recuerda el electrocash que era súper grand en esa época. ¿Estabas clavado en ese rollo?
Definitivamente me inspiró Peaches, fue una gran influencia para mí, así como Chicks On Speed. Me acuerdo haberlas escuchado y tenían súper bien la actitud. Eran muy expresivas sin necesidad de hacer mucho. No estaban cantando ni gritando, sólo como charlando. 

¿Qué te hizo darte cuenta por primera vez lo grande que era "Shoes"? ¿Fue cuando el conductor de Fox la puso en Good Day LA?
Creo que sí. De hecho, yo era súper fan de ese show, eran chistosos. Siempre tocaban canciones del Top 40 como fondo y cuando pusieron "Shoes", sí me quedé pasmado. También pusieron un pequeño extracto del video en TRL, y se veían bastante confudidos respecto a lo que estaban poniendo. "¿Qué es esto?". Eso fue cuando YouTube era una nota en las noticias. La gente todavía escuchaba hablar de YouTube por primera vez. 

¿La idea original era hacer múltiples videos de Kelly?
Justo no. Había escrito un buen de rolas y, de hecho, tuve que ser persuadido por un amigo para que hiciera el video de "Shoes". No tenía idea de que haría tantas y tan diferentes cosas con ella. En algún momento, estaba metiendo toda la carne al asador, así de "¿Qué más puedo hacer con Kelly?"

¿Cambiarías algo si estuvieras comenzando con Kelly ahora, once años después del nacimiento de YouTube?
Cuando miro la comeida que circula actualmente en YouTube, se trata mucho de hacer juegos, crear retos, hacer colaboraciones. Hay un modo correcto de hacerlo que no es hacer sketches o videos musicales directamente. Yo hacia un video cada seis meses, como un pequeño cortometraje con muchos días de filmación y locaciones. No tenía idea de que nadie estaría interesado en lo que hago, más allá de "Shoes". Cuando veo los videos de otras personas ahora, siempre es de que "no no no no, no pueden hablarle a la audiencia". Nunca entendí eso. No te puedes hacer viral cada semana, pero puedes ser una celebridad de nicho, y parece que así es como puedes vivir de esto. Supongo que le prestaría más atención al lugar en donde quepo y cómo puedo hacer lo que me gusta. Me adaptaría mejor si tuviera que hacerlo de nuevo. 

¿De qué modo has visto que han cambiado los videos virales en el transcurso de esta década?
Pues, el último video realmente viral que recuerdo fue el "Gangam Style" y ya tiene algunos años. Cada par de años, un video gigante sale y todo el mundo lo ve, pero me acuerdo cuando las marcas me buscaban en un rollo de "Vuélvete viral otra vez... para nosotros". Y así es como funciona. Lo viral es... no lo sé. Supongo que existe una receta, pero no podría decirte cuál es. 

Sobre todo ahora con Vine, siento que la palabra "viral" puede que ya ni sea relevante. 
Sí, la otra vez estaba con mis amigos y les pregunté: "Oigan, una pregunta estúpida, ¿Vine es un sitio o una app?". Fue como tu momento del iTunes en Best Buy. Los chistes de seis segundos son geniales, pero no sé, ¿se va a hacer viral? Ni siquiera sé cómo compartir un Vine a menos de que tengas la app. Pero los Viners la están rompiendo. Se están haciendo pequeñas fortunas, formándose discretas celebridades. El otro día vi un espectacular aquí en Los Angeles de Grace Helbig [una personalidad de YouTibe] y pensé: "¡ya era hora!". Es 2016, tendrían que haberle puesto un espectacular hace cinco años. Su público es gigante, sus números son mejores que los de los programas de la tele por cable, pero sigue estand debajo del radar.  

¿Qué has estado haciendo desde que dejaste de subir videos a YouTube?
¡Tengo un trabajo de verdad! Bueno, más o menos. Soy editor de video, y eso es algo que me enseñé a hacer en los días de "Shoes". Editaba todo mi material, así que logré aprender una habilidad y le agradezco al creador por ello porque no sé qué más podría hacer. Pero he estado haciendo audiciones de nuevo, viendo mi canal y tratando de imaginar qué podría hacer pero en una escala más pequeña. Tengo una hija ahora, me casé. Crecí, supongo. A veces extraño melancólicamente los días en los que giraba por todo el país y eso, pero también es increíble que pueda tener mi trabajo actual. Todavía me paro enfrente de una audiencia de vez en cuando para darme mi dosis. 
Con Kelly, me han dado varias ideas. Qué tal que Kelly tiene 42, ya creció y tuvo hijos, ¿cómo sería eso? O poner una gaza súper delgada en el lente e intentarlo de nuevo. No lo sé, ya veremos. Tal vez sea una cosa animda, o sólo pinturas. Tal vez podría hacer graffit. 

Y la cara de Kelly comenzará a aparecer en las autopistas de Los Angeles.
Sí, como Obey, pero va a decir Shoes.

La cuenta de YouTube de Liam Kyle Sullivan’ sigue siendo un tesoro de risas [en inglés].Chécalo acá.

Patrick Lyons es un escritor basado en Portland. Síguelo en Twitter.

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