Foto tomada por el usuario de Flickr fernandobizai.info

Daniel Melero, Flavio Etcheto, Alejandro Terán y Alejandro Gómez. Hombres que estuvieron y trabajaron junto con Gustavo Adrián Cerati Clark, músico que tuvo a Latinoamérica rendida a sus pies con una banda explosiva: Soda Stereo. Una banda que supo elegir a la gente que trabajó con ellos. Como solista reventó espacios y armó un disco especialmente apoteósico, Bocanada (1999). Ganó premios, giró y llevó una carrera de solista connotada.

Contactamos a cada uno de estos personajes clave en la vida de Gustavo Cerati, y platicamos con ellos sobre la experiencia cercana de haber trabajado juntos, la amistad,  desde todos los frentes.

Daniel Melero, productor, músico, tecladista, compositor y teórico

Daniel Melero. Foto por Gastón Stein, tomada de su Facebook.

”Dani” Melero admiró desde siempre lo que hizo Cerati. Y Cerati viceversa. El comfort de tomar las máquinas y hacer música por divertimento los llevó a armar Colores Santos (1992), un disco que fue considerado como vanguardista por aquellos años. El álbum tuvo dos videos de promoción: “Hoy ya no soy yo” y a la dulce y entrañable “Vuelta por el universo”. En sí, esta última canción representa el sonido de lo que pasaba por las mentes de esta dupla que se convirtió en “incombustible”, por su sonido de máquinas, la intensidad, el techno y mucho groove.

Logramos contactar a Daniel Melero, quien se encontraba en Buenos Aires, y accedió gentilmente a darnos unas palabras. Melero es un productor importante en Latinoamérica: ha producido a bandas como Soda Stereo, Todos Tus Muertos y Babasónicos; tiene su propio sello discográfico, RED; fue líder y vocalista de la primer banda argentina de techno, Los Encargados; y además de tener una fructífera carrera como solista, se la pasa en lo que más le gusta: producir discos. Tan solo el año pasado produjo cerca de 15 discos en total. Este año ganó el premio a Mejor Artista Electrónico junto al ex-Pescao Rabioso, Carlos Cutaia. Un capo.

Melero nos habló acerca de la amistad, y su labor como productor del experimental Dynamo. Mucho de lo quedó sobrante de Colores Santos se utilizó en Dynamo, álbum donde Melero participó en labores en el background.

NOISEY: ¿Por qué nunca tocaron el disco Colores Santos en vivo?
Dani Melero: La idea estuvo, pero nunca íbamos a tocarlo en vivo. Nuestro acuerdo era que nuestras canciones no se iban a tocar. Solamente no queríamos tocarlo en vivo. Que el sonido sea para siempre, esa era la intención.

Gustavo Cerati encasilla la amistad y la define desde la música como elemento central.
Para mí también lo es. Es más amplio que sólo la música. Son esos guiños que tienes con las personas cuando de verdad hay amistad. No me atrevería que decir que la amistad es algo natural; creo que es uno de los misterios del mundo.

En la carrera de Soda Stereo fueron dos los discos donde se hizo un quiebre sonoro y fue más experimental con respecto a trabajos anteriores: ¿cómo se gestó el sonido de ese disco como Canción Animal y Dynamo? ¿Cuál fue tu aporte dentro de la producción?
Gustavo tenía muy claro cómo iba a sonar el disco Canción Animal. Tal vez yo le aporté un poco más de excesos a esas ideas y ninguno de la banda se opuso. No fui contra la voluntad de nadie. Tal vez contra la voluntad de la discográfica, que le dijo a Gustavo que yo le había arruinado el álbum, el disco más vendido de Soda Stereo. ¡Qué barbaridad! ¡Qué falta de visión! Yo sé también con quién estaba trabajando y la responsabilidad que eso significa. Y los de la compañía eran unos facilistas: querían hacer un chorizo más de Soda Stereo. ¿No sé si en Chile existe la palabra “chorizo” para estos casos? Es un producto más en serie…

En ese contexto, podríamos llamarlo “Un disco de fábrica. Una huevada más producción en cadena y sin calidad”...
¡Sí, jajajaja! Me encanta esa palabra, “huevada”. Y en Dynamo no me sale el adjetivo que tiene Colores Santos. Hay algunos temas que se originan a partir de canciones que no incluimos en el álbum con Gustavo, que son como dos o tres. Te confieso que no escucho mucho los discos que hice, se me van olvidando. Pero si ponemos el disco, te diría: “ese sonido de cada tema viene de tal lado”. Ahora sólo me acuerdo del título de las canciones. Pero son discos que fueron hechos hace mucho tiempo y tardé bastantes años en volver a escucharlos. Colores Santos lo escuché hace un año luego de 15 años que no lo hacía. Y mi sensación me encantó. Seguía vigente. Podríamos firmarlo hoy. Ese disco era parte del sonido actual y ya existía. Colores Santos para mi manera de ver no es un disco de vanguardia: es de vanguardia para los mercados. Era un disco actual y tiene mucha vigencia todavía. Hay muy pocas ideas interesantes en este campo de la música y se sostiene con más facilidad.

Como productor artístico en el álbum Dynamo, ¿cuál fue tu aporte en el disco?
Conceptos, sonido y mezcla. Lo que hace un productor. No sé si alguien de mi talla pueda producir a un grupo de la talla de Soda Stereo, pero yo creo que eso habla de la inteligencia de ellos de saber elegir por encima de la fama. Y no se equivocaron (sic).

¿Cuál de las presentaciones junto a Gustavo es la que más recuerdas?
La primera vez que me acompañó Gustavo fue cuando presenté un proyecto minimalista en el Instituto Goethe, acá en Buenos Aires. Y él, como muchas veces, fue mi guitarrista. También, el mejor bajista que habia tenido en esa época era Gustavo. Tocaba el bajo increíble. Y recuerdo mucho esa presentación que fue para 400-500 personas. Me acuerdo de cómo estábamos vestidos: todos así muy de cuero, látex y también estaba como tercer integrante de la banda Diego Tuñón, tecladista de Babasónicos, que era su primera vez. Él es para mí como un hermano, y estamos haciendo un álbum con él que está casi terminado. Los tres grabamos juntos en mi disco Cámara (1991), donde Gustavo canta, toca bajo, guitarra y debe ser por las buenas compañías. Recuerdo ese show en el Goethe a principios de los 90.

Flavio Etcheto

Flavio Etcheto, a.k.a Flavius, amigo íntimo de Gustavo Cerati, tuvo su primera participación musical con él en Colores Santos, como trompetista en el tema “Madre tierra”. Colaboró en varios proyectos e hicieron un trío explosivo junto a Leandro Fresco, llamado Roken. Esa banda los llevó a tocar en la edición 2004 en Valparaíso, Chile de Mutek, el famosísimo festival electrónico que promociona la música electrónica y lo artístico en dirección a lo digital. Roken era un power laptop trío que nació entre giras cuando Gustavo estaba solista. Etcheto con Gustavo colaboraron en el disco Cámara de Daniel Melero. Posteriormente, Etcheto colaboró en Dynamo de 1992, Sueño Stereo (1995), en el mágico Bocanada de 1999, +Bien en el 2001 y tuvo una relevante participación en el 2002 en el disco Siempre es Hoy. 

NOISEY: Con Gustavo compusiste temas en los discos Bocanada, Siempre es Hoy y formaron el dueto experimental Ocio y el trío de laptops, Roken. En los procesos de composición, ¿cómo fluyó todo esto? ¿Se te hizo simple o complicado componer con Gustavo? Dado la complejidad en la música que creaban.
Flavio Etcheto: Fue un agrado y una experiencia muy enriquecedora en todos los sentidos. En el caso de Ocio toda la composición y producción es compartida, y en el caso de Gustavo como solista, compartimos varias letras y música. En ambos casos fue una búsqueda y un sincro con las ideas que se plasmaron en esos álbumes.

Ocio nació entre giras dentro de Estados Unidos. ¿Cómo se gestó ese embrión electrónico?
Ocio tiene una formación anterior a Bocanada y se desarrolló en varios encuentros con Gustavo Cerati: en su casa, estudio y donde se fue generando nuestro full CD Medida universal (1999, BMG). Sí, hicimos una gira entre la gira de Bocanada y viajamos los dos por EEUU, Los Angeles, New York, Boston, San Diego, México, Ensenada, Mexicali y Tijuana y a Santiago, Chile. Tocamos en el Teatro Oriente.

Tocaron también en el festival Mutek por el 2004, con el power laptop trío Roken, que lo conformaba Gustavo y Leandro Fresco y tocaron en Valparaíso, una ciudad hermosa. ¿Qué recuerdas de ese show y la estadía en la ciudad?
Flavio Etcheto: Sí, tocamos en Valparaíso y tuvo una puesta lindísima en el muelle Barón. Sonó súper bien todo el evento. Nosotros tocamos nuestro set de ese entonces, que ya veníamos tocando en México, EEUU, Panamá, Puerto Rico, Venezuela y Colombia, además de Buenos Aires y Rosario.

¿Crees que Bocanada fue el mejor álbum que sacó Gustavo? Y de los proyectos alternos en los cuales participaste, ¿cuál te gustó más y por qué?
Bocanada es un quiebre y tiene la cualidad y calidad de los discos inolvidables, aunque creo que todo el material de Gustavo cuenta con esos mismos atributos. Los discos en donde tengo participación son: Colores Santos, Dynamo, Sueño Stereo, Bocanada, Siempre es hoy, Medida universal e Insular EP. Adoro todo este material.

Tu amistad con Gustavo se concretó en varios proyectos. ¿En qué puntos concordaban en la creación de sonidos y dónde discrepaban?
No discrepamos nunca. Y mi amistad con Gustavo fue anterior a que hiciéramos música juntos; cuando nos conocimos estábamos cerca de la grabación de Colores Santos y fue porque Gustavo estaba con una muy amiga de una amiga mía y compartimos varias reuniones. Luego con el pasar de proyectos y tiempo fortalecimos nuestra amistad. También Gustavo participó en algunos proyectos míos como Resonantes e Isla de los estados. Yo en el soundtrack de +Bien (cine), e hicimos juntos la música de Sólo por hoy.

Alejandro Terán

Alejandro Terán fue amigo de Cerati por décadas. Empezaron a trabajar juntos en Sueño Stereo, en donde Gustavo invitó a Terán a componer algunos arreglos para el disco, y a partir de ahí continuaron colaborando en discos como Bocanada, y Fuerza Natural, además de crear los arreglos y ser el director de 11 Episodios Sinfónicos. 

Previo al show tributo que dará hoy viernes en Argentina en el Centro Cultural Kirchner con su Orquesta Hypnofón y en la dirección general con Tweety González, hablamos con Alejandro Terán:

NOISEY: Tu trabajo con Gustavo data de 1995 con tu participación en Sueño Stereo.  Posteriormente colaboraste en Bocanada y Fuerza Natural. ¿Cómo fue trabajar con él? ¿Cómo era Gustavo en la interna?
Alejandro Terán: Cerati sabía ponerte todos los semáforos en verde, como dice Lynch. En 1993, Axel Krygier y yo habíamos formado una pequeña orquesta a la que bautizamos Mulo, por lo rara e híbrida. El periodista Pablo Schanton presenció un concierto de Mulo y, según parece, le contó a Gustavo que había visto a unos deformes sacando a flote un proyecto orquestal imposible.

Poco tiempo después, Gustavo nos proponía escribir los cuartetos de cuerda para el Sueño Stereo de 1995. Escribí los arreglos al papel en forma totalmente analógica, y finalmente los grabamos en Moebius. Como yo no contaba ni siquiera con demos virtuales de mis ideas, le expliqué a Gustavo los arreglos con las partituras en mano (¡no teníamos aun mucha confianza!)

“-Sirve todo.” 

Me sorprendió su generosidad y su capacidad de delegar. Un artista de superpoderes musicales como él podría haber sido desconfiado o invasivo, y no. Esta situación de confianza y generosidad se repitió luego en cada proyecto que encarábamos juntos. Gustavo me permitió jugar a ser arreglador de cuarteto, arreglador y director de orquesta, saxofonista, violista, bongoísta... y ¡hasta me alentaba como guitarrista eléctrico! Me prestaba sus guitarras en los shows del Último Concierto, y parecía divertirle mi torpeza punk.

¿Qué es lo que más extrañas de él?
Gustavo era el "hombre sí". Cuando jugábamos a imaginar proyectos o aventuras futuras, yo tenía la sólida intuición de que el "No" se desdibujaba, que cualquier idea era imaginable. En el caso de “Verbo Carne”, él me mostró el demo electrónico en su estudio y me dijo: 

- Imagino una situación orquestal aquí. 

Le pregunté si se imaginaba una orquesta física tomada en vivo.

- Sí, me imagino a la Filarmónica de Londres.

- Mmm... (tosí). ¿Y dónde grabaríamos eso?

- En Abbey Road, por supuesto. 

Cada vez que el teléfono sonaba y era Gustavo yo me relamía de antemano porque sus propuestas siempre eran locas, bien arriesgadas e intensas. Extraño las llamadas de Gustavo, su valentía, su propulsión al futuro, su elegante ojo cosmológico.

¿Con quién podrías comparar el talento de Gustavo?
No se trataba de un talento, sino de muchos talentos intercruzados que te dejaban literalmente boquiabierto. Era un cantante asombroso. Un compositor asombroso, un guitarrista asombroso, un poeta asombroso, un líder de banda asombroso, un esteta asombroso, un tipo asombroso. Sinceramente, no creo que se pueda encontrar comparación posible. Porque sumadas a sus increíbles dones musicales, estaban además la belleza luminosa de su carácter, su generosidad, su picardía de niño, su nobleza... y su locura.

Retrocedamos al 2001 e imaginemos que Gustavo te pide hacer la lista a ti de canciones para realizarlas de modo sinfónico. ¿Qué temas habrías escogido tú?
La lista fue surgiendo casi espontáneamente de los primeros bocetos. Iban quedando los temas que mejor se adaptaban al formato. ¡Ya no recuerdo quién los eligió! En esta nueva versión se han sumado temas posteriores al 2001 (“Sal”, “Crimen”, “Puente” y “Vivo”, entre otros) y creo que la lista podría seguir indefinidamente, porque la obra de Cerati tiene una constante de calidad y autenticidad completamente fuera del estándar.

¿Quién fue el cuarto hombre de Soda Stereo: Tweety González o Daniel Melero?
¡He ahí una pregunta incontestable! Cuando más arriba decía que Cerati "sabía ponerte todos los semáforos en verde", me refería a esa capacidad suya de empujar a sus colaboradores a sacar la mejor versión de sí mismos. Con treinta años de actividad musical en el medio, puedo asegurar que ésa es una virtud rara, única.

Alejandro Gómez, ex líder de la banda Solar

Años noventa. El britpop y el lo-fi se dejaban sentir en la música chilena. Hubo mucho one hit wonder. El renacer cultural se dejaba florecer post dictadura y las importaciones musicales aumentan de forma constante. El consumo radial y musical representaban parte del renacer demócratico. Una de tantas importaciones que llegó con todo fue este mismo brit pop, que tenían de capitanes a los hermanos Gallagher y su vereda enemiga, Blur. Se importó mucho más allá de ellos, y posteriormente el sonido se impregnó en parte del ADN del músico que volaba con alas propias.

Con formación desde 1994, con aires a shoegaze y al rock más clásico, Solar sonaba a ese rock también con tintes británicos. Su primer disco lo lanzaron en 1996. “Por costumbre” fue un single brillante que suena hasta el día de hoy. Alejandro Gómez, ex-frontman de la banda, nos cuenta su relación con Gustavo Cerati y el apoyo que les brindó en su momento.

NOISEY: En 1997 telonearon con tu ex-banda Solar a Soda Stereo en su concierto de despedida. En lo personal, ¿qué sensación pasó por tu cabeza en ese momento? ¿Recuerdas alguna anécdota?
Alejandro Gómez: En lo personal, me sentí como un niño soñador que de golpe dimensionó el fenómeno gigante que era Soda Stereo no sólo en Chile, sino en todo latinoamérica. Nunca me había parado frente a 70 mil personas. Y no sé si vuelva a repetir una experiencia así. En realidad, cuando me piden recordar detalles de aquel evento, sufro una especie de amnesia. A nivel sensorial se me viene a la cabeza el zumbido, el murmullo de la gente cuando caminé desde el camarín hacia el escenario bajo el nivel de la cancha.

¿Gustavo Cerati los ayudó a levantarse?
Nunca tuve relación con Gustavo, salvo un par de ocasiones en que nos estrechamos las manos y una conversación técnica de sonido, en la prueba de sonido en el Estadio Naciona (1997). Hace unos años atrás supe que Gustavo estaba al tanto de nosotros e incluso fue a vernos tocar en vivo con un par de ejecutivos de BMG. Nos vio y recomendó a la gente del sello para que nos contrataran. En ese sentido nos dió una mano para "levantarnos".

¿Por qué crees tú que la prensa los comparaba con Soda Stereo? Uds tenían un sonido británico por donde se los miraran
La prensa chilena nos encasilló rápidamente con Soda Stereo por un asunto de comodidad, ignorancia o pragmatismo. En el grupo Solar éramos todos melómanos y escuchábamos discos y artistas, que en ese entonces ni se mencionaban en la prensa. Soda Stereo fue influyente en nuestro quehacer como grupo. Sin embargo, a nivel musical, estábamos más influidos por The House Of Love, The Verve, My Bloody Valentine, Luna, Spiritualized, Ultra Vivid Scene y Catherine Wheel.

¿Qué sentiste tú cuando los llamó para telonearlos?, ¿Cerati los conocía de antes a uds o solo fue casualidad?ç
No fue Gustavo quien nos llamó a telonear. Fue el sello BMG (que también fue la casa disquera de Soda Stereo en su última etapa), quienes gestionaron para que fuéramos nosotros el número de apertura. El grupo Sien tenía más relación con él porque Cecilia Amenábar era muy amiga de la ex mujer del bajista de aquel grupo, y movió los hilos para que Gustavo los designara a ellos como teloneros. Finalmente abrió el grupo Sien y enseguida fue el turno de Solar, previo al show de Soda Stereo, el sábado 13 de septiembre de 1997.

En los noventa, ¿existió un mito en torno a la figura de Cerati en Chile?
¿Mito? No sé... Gustavo vivió dos años en Chile y hay gente que lo vio caminando por Providencia, comprando en algún supermercado o como pasajero del metro. Yo me lo crucé una vez en una disquería y me llamó la atención que comprara discos de Queen y Electric Light Orchestra.

 ¿Qué cosas crees tú que te dejó como herencia en lo profesional y en lo musical?
En realidad no he sido yo el heredero de nada en relación a Gustavo, salvo el espíritu, la prestancia y el altruismo musical del que me empapé desde que lo vi tocando en el Festival de Viña por televisión y comencé a soñar en armar mi propio grupo.           

Foto cortesía del Instragram de Beyoncé 

¿Han intentado realmente ver 50 Sombras de Grey? Yo sí. Fue la semana pasada mientras estaba en un avión de Nueva York a Londres y fue tan pinche aburrido que me quedé dormido a la mitad de una escena de sexo. Bien ahí, para todos los involucrados en esta pieza maestra cinematográfica.

Como sea, ¡Beyoncé cumplió 34 años hoy! Si ya estas el los 30, por favor no compares tus logros en la vida con los de Bey.  ¡Va a ser un fin largo! Y no hay tiempo para ser un pobre diablo. Como sea, Bey lanzó al internet este remix del soundtrack de 50 Sombras de Grey hoy. Antes no estaba disponible. La original es mucho mejor. Esto es un poco como Crepúsculo: grandes cantidades de respiraciones pesadas sin mucha rentabilidad. Aún así, ¡feliz cumpleaños Beyoncé! ¡Te amamos! 

P.D. Jay Z hizo este video para ella. Lo que daría por ser la mitad de una pareja de celebridades. Qué vida tan rara. 

Todas las imágenes son cortesía del artista. 

Este artículo originalmente se publicó en The Creators Project

Cuando algunos metaleros crecen, se cortan el pelo, comienzan a usar tenis deportivos, y cambian sus discos de Megadeth por algo con “más significado,” como las playlist de Spotify de Mark Kozelek. Pero el chef John Hurkes no pertenece a esa clase de metaleros.

Con un pie bien puesto en el restaurante de Minneapolis The Bulldog N.E, y el otro probablemente siendo utilizado para patear caras metaleras cuando hace crowdsurfing, Hurkes crea platillos profesionales inspirados en las bandas más letales de punk y metal que existen. Desde un pentagrama inscrito en una Pizza Slayer, hasta una hamburguesa negra llamada Danzig Juicy Lucifuge, Hurkes ha contribuido una docena de recetas para la serie Perfect Pairings, de la revista Rice and Bread Magazine.

Inspirados por la forma brutal en la que se adueña del medio culinario, platicamos con Hurkes sobre sus platillos de comida metalera, los hábitos alimenticios de Black Sabbath, y el platillo que quiere hacer para Metallica.

¿Cuál fue el primer capítulo que hiciste para Perfect Pairing y cómo resultó?
John Hurkes: Las series de Perfect Pairing originalmente empezaron maridando álbums de heavy metal con cerveza artesanal. Sin embargo, cambié los formatos ligeramente cuando Rice and Bread Magazine me contactaron para que contribuyera en sus series de comida. El primer platillo con el contribuí estuvo inspirado por la banda Pentagram y tenía ostias con infusión de lúpulo hechas en casa, rilettes de cordero y queso de cabra. Pero tengo que admitir que las ostias hechas en casa no se hicieron bajo el código del derecho canónico, sino la al ritmo de discos de heavy metal de la vieja escuela. Este platillo en particular ya lo había hecho antes para una cena con cerveza, pero parecía un buen punto de partida para el inicio de la serie Perfect Pairing.

¿Cuándo se te ocurrió la idea de hacer la Pizza Slayer?
La Pizza Slayer originalmente empezó con la idea de maridar un platillo con Reign in Blood, el álbum de 1986 de Slayer. Es un disco clásico para lo metaleros que todos deberían tener en su colección. La harina de la pizza fue creada con de 350 ostias, luego amasada en la forma del disco de Slayer y horneada hasta que el masa eucarística empezó a tostarse. La ostia gigante fue cuidadosamente cortada en forma de pentagrama y terminada cuando yacía muerta, bañada con su propia sangre: el caliz gastronómico. Todavía tengo la pieza central en mi congelador y algún día será resucitada.

¿Cómo eso se convirtió eso en tu serie para Rice and Bread Magazine?
Ya llevaba un tiempo haciendo maridajes de comida con Rice and Bread Magazine mucho antes de la Pizza Slayer. Está bastante padre, es casi como si con cada maridaje de comida estuviéramos re-lanzando con un disco clásico con su propio platillo especial. 

¿Qué aspectos de la música traduces al lenguaje de la comida?
Existen distintas variables que crean un buen maridaje, ya sea la región de un platillo especifico o de la banda, o fusionar las similitudes entre los títulos de las canciones y los ingredientes. Con Pork Belly Blood Feast, de Exodus, tienes un platillo complejo maridado con el álbum Blood In, Blood Out. El platillo tiene en el exterior salchicha de morcilla, con puré de mora azul y una salsa de morcilla en el centro. Es un álbum violento, y los tracks “Salt the Wound” y “Body Harvest” fueron los que inspiraron el uso de panceta sazonada con sal de carbón negro cosechada en el Mar Muerto de Israel. Así que es todo un proceso, y es importante asegurarse de que el platillo verdaderamente representa a la banda y al álbum. Con la Pizza Black Sabbath en realidad usé una receta para el pan escrita por la esposa del molinero de Mapledurham Watermill, que sale en la portada de su álbum homónimo de 1970. Así que hay diferentes formas de hacer la correlación entre la comida y la música.

¿Hubo alguna vez una idea que se te haya ocurrido pero que era demasiado exagerada u obvia para convertir en un platillo? ¿Tal vez algo como las 'Lamb of God Chops' por ejemplo?
Sí, hay una banda de metal ocultista llamada The Devil’s Blood y se me había ocurrido hacer una especie de jugo tropical del Edén. No es exactamente una comida, pero es una infusión de sangría de caliz hereje, hecha en casa con Cointreau, vodka, y una fruta prohibida. Cuando la tomas, te lleva a tomar malas decisiones. Y simplemente se llamaría The Devil’s Blood.

¿Algunas vez le has servido un platillo a la banda que lo inspiró?
No; sin embargo, soy un chef de partie en un restaurante llamado Bulldog N.E, en Minneapolis, Minnesota. Y hemos recibido algunas buenas bandas como High on Fire y Corrosion of Conformity. Muchas de las bandas en las que me he inspirado para hacer platillos de metal no han hecho tours por el área hasta ahora. ¡Ya veremos qué pasa en el futuro!

¿Para qué dioses del metal te gustaría cocinar?
Black Sabbath. La mayoría de la banda es vegana y siguen dietas bastante estrictas por su edad, pero he escuchado que Ozzy todavía come murciélagos muertos y pasta hecha con huevos de arañas. Así que creo que definitivamente disfrutaría de la Pizza Black Sabbath. También hay una carnicería vegana aquí en Minneapolis llamada The Herbivorous Butcher que presume que puede producir deliciosas salchichas veganas.

¿Ya sabes cuál será tu próximo Perfect Pairing?
Muchos de los ingredientes dependen de la temporada y son difíciles de conseguir, así que cada platillo es creado a partir de los ingredientes que están disponibles. Hay un platillo de Metallica en el que estoy trabajando. Es un róbalo oscurecido con hueva muerta de pescado y grosella blanca. Cuando el pescado “Fades to Black” está listo para servirse. Tal vez pueda tener cables para pasar corriente conectados al platillo y cuando te sientes a probar el platillo y metas el tenedor en tu boca puedas experimentar un "Ride the Lightning".

¿Has considerado en hacer comida basada en otra cosa además del metal? Platillos como Mac n' Cheezusn lo están suplicando. 
Claro. Hay muchos grandes músicos y discos ahí afuera que podrían empezar a comerse. Me encantaría hacer un postre al estilo Donna Summer. Hay una canción súper linda llamada “Macarthur’s Park” que habla sobre cómo Donna horneó un pastel y lo dejó en la lluvia, y el glaseado verde se convirtió en un lodo asqueroso. Le tomó mucho tiempo hornearlo y no escribió la receta. Me gustaría hacer a mano correctamente el pastel de la legendaria reina del disco con algunos ingredientes secos y lejos de la lluvia.

¿Ves tu serie yendo más allá con su colaboración con Rice and Bread Magazine? ¿Podremos ver un libro de cocina en el futuro?
He estado hablando con Jason Schreurs de Rice and Bread Magazine sobre crear un libro de cocina en en el futuro. Probablemente sería un libro de mesa que muestre diferentes platillos y recetas. Estoy seguro de que nuevas técnicas para cocinar como metalero serán discutidas, como la forma correcta de moler la harina de una ostia o sobre cómo cocinar de manera segura nachos con un lanzallamas.

Sigue el trabajo de John Hurkes en Facebook, Twitter, y en la revista Rice and Bread Magazine

Pesky! es una banda de siete niños de Ulverston, Cumbria, un pequeño pueblo en el noroeste de Inglaterra, que suena mejor de lo que deberían considerando la edad de sus integrantes: todos tienen entre once y doce años de edad. El grupo se formó en la clase de música de su escuela y desde entonces han aparecido en The Guardian, en el programa de televisión BBC Breakfast, y más. Nada mal, cuando consideras que la mayoría de los niños usan la clase de música sólo para jugar con la función de “DJ” en un teclado casio, o para soplar desesperantemente en una flauta hasta que le dé un dolor de cabeza a alguien.

El sencillo debut de la banda, "Keep Me" es, según Noisey UK, "una mirada extraña y brillante sobre lo pura que se puede sentir la música cuando no ha sido manchada por el aburrimiento y el odio interno que viene con la pubertad". Pero el hablar de Pesky! en términos de la edad que tienen es hacerles una injusticia. Su juventud trae una frescura necesaria al shoegaze-pop que tocan, y las canciones que han publicado hasta ahora van mucho más allá que el término “banda de pubertos” sugiere. Pesky! han unido la juventud de Keneckie y los armónicos de Slowdive para crear un sonido bastante emocionante.

A continuación pueden escuchar "Unbelieveable", el segundo sencillo de la banda. Está buenísimo.

El EP debut de Pesky, titulado Smells Like Tween Spirit, ya está disponible aquí. 

Foto por Hayde H

Hay veces que estás en Netflix, tratando de escoger alguna maldita película que ver, y sólo vas agregando cosas a tu lista, pensando “algún día las veré todas”. Lo mismo pasa cuando vas a una tienda de discos (las pocas que quedan) e inesperadamente te topas con varios discos que parecen increíbles, o cuando ves una revista de viajes y sólo piensas que algún día, cuando tengas tiempo, visitarás todos esos lugares que actualmente son sólo un sueño. 

De eso va “Algún Día”, la ensoñadora canción de Hey Chica!, una de nuestras bandas favoritas de shoegaze de México. El cuarteto de Guadalajara publicó hace unos meses Un Instante, su nuevo EP de tres canciones, producido por Chavo de Austin TV, y en Noisey estamos felices de estrenar hoy el video de “Algún Día”, el cual fue dirigido por nuestro queridísimo Daniel Patlán. La canción es una oda a todos los planes a futuro que nos hacemos como humanos todos los días, y es al mismo tiempo tanto alentadora, porque es un recordatorio más de todo lo que puede hacer uno en esta vida, como un drama existencial, porque te puede poner en crisis de lo corta que es la vida y lo poco que estás haciendo con ella. Ahora sí que depende de cómo vean el vaso.

Continúa abajo...

Sobre el video, esto es lo que nos dijo Patlán: “Esta es la tercera vez que trabajo con Hey Chica! en sus videoclips; los dos anteriores fueron de su álbum Lo que nadie ve y fueron mis pininos haciendo videoclips. Somos amigos desde hace muchos años y muchas veces se nos ocurren cosas que queremos hacer en foto o video; cuando sacaron su EP, Un Instante, estábamos platicando sobre la posibilidad de hacer un video, y ellos tenían ganas de hacer tres (uno para cada canción), entonces empezamos a pelotear ideas y se me ocurrió hacer algo que tuviera secuencia entre los tres. Así fue como llegamos a la historia de hacer un día en la vida de este chico.

“Cuando pensamos en quién podría ser el actor, la primera opción (y única, creo, jaja) fue Luis de Vaya Futuro. Fue la mejor decisión que pudimos tomar; se metió tanto en el personaje que en muchas tomas hasta parece que en verdad sufre, jajaja. Fue muy divertido grabarlos, porque todo coincidió para tenerlo tal como queríamos: hicimos una pequeña fiesta para poder grabar a Luis y su novia que vino de visita; una amiga nos prestó su hermosa casa; grabamos también en Discos Mono (gracias!) e incluso pudimos poner un par de referencias a Los Simpson y Twin Peaks.

“‘Algún Día’ es el primer capítulo de este tríptico, el principio de la historia y donde nuestro personaje aún no tenía idea de lo que le esperaba.”

Vean el video aquí abajo.

Compra Un Instante, el nuevo EP de Hey Chica!, aquí.

Este fin de semana se llevó a cabo Burger-a-Go-Go, un festival patrocinado por una de nuestras disqueras californianas favoritas,  Burger Records, y que fue de los pocos festivales de este verano en tener una alineación de puras mujeres. En un negocio dominado por hombres, el que Burger-a-Go-Go haya creado un espacio seguro para las mujeres del rock puedan festejar no sólo es algo poderoso, sino necesario. El evento, que se llevó a cabo en el Observatory, en Santa Ana, California, tuvo un cartel bastante legendario:  nuevos talentos como Gal Pals y Bleached compartieron escenario con veteranas como Kimya Dawson y Cat Power así como con leyendas como Kathleen Hanna, cuya banda The Julie Ruin regresó a los escenarios este año cuando la enfermedad de Lyme de Hanna se menguó lo suficiente como para que saliera de gira, y Kim Gordon, quien tocó con Alex Knost de Tomorrows Tulips como Glitterbust. Vean las fotos del festival aquí abajo.

Todas las fotos por Alice Baxley

Gal Pals

Peach Kelli Pop

Feels

Cherry Glazer

Mukta Mohan

Jessie Jones

Kimya Dawson

Kate Nash

Bleached

Glitterbust

The Julie Ruin

Cat Power

Sigue a Alice Baxley en Twitter y ve más de su trabajo aquí.

Si algo entiende bien Lorely Rodríguez, es el largo y duro proceso que se necesita para superar un corazón roto. Esta cantante con base en Nueva York asumió desde el 2012 el mote de Empress Of, y desde entonces se ha dedicado a convertir todas las emociones que se desprenden del amor y desilusión en música liviana bastante divertida.

El inicio de Empress Of en la música se remonta a la llegada del internet a su casa. Después de pasar horas entre páginas web mal diseñadas y programas de audio que había que descifrar en código, Lorely descubrió el mundo de posibilidades y matices que la música ofrece. Lo demás se fue dando. Durante sus años de puberta utilizaba un micrófono de chat barato y un programa bastante arcáico para producir sonido. Ahora, ya con un sonido propio y letras que pican el lado sensible de los órganos, Lorely presenta su álbum debut ME, 10 canciones que fueron creadas bajo el sol de Valle de Bravo, un pacífico pueblo en el Estado de México que Rodríguez utilizó para sanar a través de la música.

Antes de que Me salga el próximo 11 de septiembre (el cual pueden escuchar por adelantado aquí), decidimos contactar a Lorely para preguntarle sobre música pop, el proceso creativo de su nuevo disco, y lo que se siente tener el corazón roto.

NOISEY: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste música en tu vida?
Empress Of: Probablemente desde que estaba en el vientre de mi madre, pero no tengo recuerdos de eso [ríe]. Después, cuando tenía cuatro años escuchaba cosas como Los Beatles.

¿Llegaste a tener o tienes un artista pop favorito?
Cuando tenía como 9 años, o probablemente un poco menos, compré los discos de Cristina Aguilera, N'Sync y Britney Spears. Me gustaba mucho escucharlos.

Leí que desde muy pequeña tomaste la decisión de dedicarte a la música, ¿recuerdas exactamente a qué edad fue eso?
A los 11 años, recuerdo que justo en ese momento el internet llegó a mi casa y tenía la oportunidad de escuchar música muy diferente. Ahí fue cuando me di cuenta que cuando creas música puedes hacer cualquier cosa, nada es imposible. Eso fue lo que me impulsó a empezar a crear mi propia música y desde ese momento tomé la decisión.

A pesar de llevar poco tiempo dentro de la escena has tenido la oportunidad de tocar con grupos como Florence + the Machine en espacios bastantes grandes, para mucha gente. ¿Cómo han sido para ti estas experiencias?
Me encantan, pero me pongo muy nerviosa. Puedo tocar para 30 personas o para más de cien, siempre es lo mismo; si no me pongo nerviosa por la cantidad de personas o el espectáculo, me pongo nerviosa por no estar nerviosa [ríe]. Pero creo que es una buena señal: eso demuestra que realmente me importa lo que estoy haciendo.

Hablando de tu música, ¿qué crees que le da el toque personal? ¿Cuál es la clave de tu sonido?
Creo que su base es la música pop, y podría decir que lo que hago es pop electrónico.

Uno de tus primeros proyectos como Empress Of fue 11 Color Minutes, una serie de tracks que duran alrededor de un minuto y cada uno viene representado por un color. ¿De dónde surgió la idea?
Surgió justo porque quería definir qué es lo que iba hacer bajo el nombre de Empress Of; escribía casi diario y de ahí salieron algunos demos. Fue un proceso para experimentar. Cuando me di cuenta de todo ese material, en vez de tratar de perfeccionarlo para hacer algo mucho más limpio, decidí subirlo. Era como dar un adelanto de lo que es, o en lo que se ha convertido, mi sonido.

¿Los colores que usaste tienen relación con cada track? 
Sí, pero sólo en el sentido de que para mí fue una forma diferente de ponerle título a algo: en vez de ponerle un nombre raro a la canción, le puse “Yellow”.

Sabemos que viniste a México a hacer parte de tu disco. Estuviste una larga temporada en Valle de Bravo. ¿Por qué decidiste venir? ¿Qué pasó durante tu estancia?
Sí, la verdad es que decidí venir a México para alejarme de la rutina; no quería estar en Nueva York, me costaba mucho trabajo concentrarme. Así que decidí venir a Valle de Bravo por un mes. Vine sola. Al principio fue un poco aterrador porque estaba yo con mi mente por mucho tiempo a solas. Me estaba volviendo loca [ríe]. Pero justo muchas de las cosas que hay en el álbum tienen que ver con mi estancia en México, sobre todo con el aspecto que viene de superar el miedo y las inseguridades. Aprendí a quererme a mi misma. Además, ya sé lo que significa estar sola para escribir un disco.

¿Cuál es el mejor lugar para escuchar Me?
Creo que cada quién tiene su manera de escuchar música. En lo personal, cuando escucho nuevos discos, depende mucho de donde estoy e incluso eso afecta si me está gustando o no. Hay discos perfectos para la fiesta, o para viajar o para andar en bici. Pero creo que no hay un lugar correcto; con este nuevo álbum espero que la gente pueda obtener la experiencia de escucharlo a su manera. Tal vez eso sea en su carro, durante un trayecto largo o mientras caminan en un bosque... no sé.

Hablando de este álbum, ¿de dónde surgió tu inspiración para escribir las canciones?
Todo viene de mis vivencias personales, creo que es lo más hermoso de hacer arte. Poder utilizar parte de tu vida para crear algo simplemente me parece hermoso. Siempre busco encontrar eso dentro de mí para escribir; este álbum es eso, simplemente una parte de mi vida.

En entrevistas previas has dicho que este álbum tiene mucho de tu niñez, ¿podrías contarnos alguna anécdota que hayas tenido presente durante la creación de este material?
Recuerdo mucho cuando tenía como 13 años y teníamos un programa en la computadora familiar que te permitía grabar y mezclar sonidos. Yo usaba el micrófono que mi mamá había comprado para chatear. Era un micrófono muy malo. Pero lo usaba para hacer mis propias canciones y sonaban muy mal [ríe], pero me encantaba. Me impresiona que desde esa edad la música tenía un peso bastante grande sobre mí. Nadie me obligaba hacerlo, ¿sabes? Lo hacía porque para mí era algo increíble.

¿Qué es lo que más te gusta de ser mujer?
Todo, simplemente me encanta. Me gusta mucho cómo ser mujer afecta mi trabajo; lo he pensado y creo que no sería capaz de describir las cosas de la misma manera si fuera hombre.

Tu música es una combinación de melodías suaves con letras bastante pesadas, es como 100% girl power. ¿Crees que tu música es para chicas?
No exclusivamente, pero sí creo que podría gustarle más a las chicas por el hecho de que pueden sentirse identificadas con mi trabajo. Nunca estoy pensando para quién es lo que hago, simplemente utilizo la música para contar mi historia.

¿Es difícil ser mujer dentro de la industria musical?
Tal vez por el hecho de que no quiero ser sexualizada; el problema comienza cuando todo se reduce al sexo. Yo no quiero eso para mí, yo simplemente quiero hacer música. El ejemplo de esto es este disco. Lo hice completamente sola, y eso fue de alguna forma porque no quería que nadie se metiera en mi trabajo, no quería que nadie tratara de cambiar mi sonido. Mi intención era tener el control de cómo sonaba. Quería estar segura que todo el trabajo era completamente mío. Y puede que eso sea un poco más complicado para las mujeres, el hecho de poder conservar su propio sonido. Así que sí, a veces es difícil ser mujer dentro de esta industria.

¿En qué crees que las chicas de esta generación deberían estar enfocadas?
A mí en lo personal me gustaría inspirar a otras mujeres hacer lo que ellas creen imposible. Lo más importante es seguir tus sueños. Pero creo que lo mejor es que ahora las mujeres podemos ser completamente independientes —digo, siempre hemos podido, pero ahora es mucho más fácil para nosotras perseguir o cumplir nuestras metas. Cuando me ha tocado conocer alguna artista mucho más joven, siempre le digo “Aunque pienses que nunca vas a poder lograrlo, si te mantienes firme, eventualmente todo va a salir como lo planeaste”.

En Me las letras hablan sobre historias de amor que no resultaron como deberían, ¿algunas vez te han roto el corazón?
Sí, ¿a quién no se lo han roto? Me he involucrado en relaciones en las que tiendo a dar mucho de mí misma y cuando las cosas salen mal y terminan rompiéndome el corazón, tengo que empezar desde cero. Cuando yo comencé a escribir este disco tenía el corazón roto; por eso vine a México, porque acá no tenía nada y podía empezar de cero. El proceso fue duro pero aprendí a amarme, y cada día me enfoco en mí. Creo que no hay persona a la que debas amar más en tu vida que a ti mismo. No hay que vivir para nadie más. 

Para conocer las próximas fechas de presentación de Empress Of pueden entrar aquí. 

Me estará disponible oficialmente el 11 de septiembre, pero lo puedes pedir por adelantado acá, y escuchar por streaming aquí.

Hay discos que, cuando los escuchas, hacen que sólo te den ganas de ir con tus amigos con un six en mano, para prender un porro y echar desmadre por horas. La música de Nathan Williams, mejor conocido como Wavves, es de ese tipo, y lo mismo pasa con el álbum debut de Nico Wussy, Bedroom Goth. La influencia de Williams es tal en el sonido de Wussy que incluso Wussy le dedica una canción del LP, titulada “I Wanna Meet Nathan Williams”. Y cuando le preguntamos si su sueño sería que este álbum saliera en Ghost Ramp, la disquera de Williams (que hace poco publicó el sencillo más reciente de Courtney Love), nos contestó “Me gustaría que salga en Ghost Ramp, pero ese no sería mi sueño. Mi sueño sería que Nathan Williams sea mi mecenas. O casarme con Kaya Scodelaria y Miley Cyrus y vivir los tres juntos para siempre.”

Nico nos dijo esto sobre su álbum de 25 minutos de garage punk despreocupado: “Mi dormitorio, como el de tantos otros, es mi mundo santo y secreto, donde sale lo mejor y lo peor de mí. Es mi laboratorio, donde hago mi magia y donde no hago nada; donde espero, medito y ayuno. Mi dormitorio es un lugar gótico y emo, donde desde chico me la paso tocando la guitarra y haciendo canciones. Más del 87% de mis canciones quedaron perdidas y olvidadas porque nunca supe cómo grabarlas. Cansado ya de esto me obligué a aprender a grabarme y este es el resultado. Sé que hay muchxs chicxs como yo que perdieron miles de canciones que compusieron por no saber cómo grabarlas. Ojalá ellxs también aprendan a grabarlas. Por un mundo con menos gilada y más goth.”

Dense el disco aquí abajo.

Aunque St. Vincent actualmente vive en Nueva York, ella es en realidad texana de corazón: fue en Dallas donde creció y fue a la escuela, antes de que su carrera la llevara a mudarse el noreste de EUA. El director de Brooklyn Alan del Rio Ortiz recientemente siguió a la diosa de la guitarra por su regreso a su tierra natal para crear un mini-documental para el blog Nowness. El cortometraje muestra paisajes texanos increíbles, y a Annie Clark completamente enamorada por la paz que siente en ese lugar. También se aparece en un juego de beisbol, donde consigue un micrófono y empieza a cantar "The Star-Spangled Banner". En fin, vean el documental aquí abajo.

Este artículo apareció originalmente en Thump

Todo el mundo conoce a Tinder, la increíblemente popular aplicación para conocer a gente en línea para tomar un trago rápido (o tener un rapidín), que puso en el mainstream las aplicaciones de citas por internet. Pero hoy en día, el mundo moderno de las citas se ha diversificado, con apps específicas para cada tipo de persona: de Raya ("Tinder para los famosos") a Bumble ("el Tinder feminista"). Excepto para un demográfico clave: la gente a la que le encanta la música. Por eso es que Mix'd, una nueva app que se lanzó hace un par de semanas en el club Verboten, en Nueva York, parece una idea brillante que, francamente, debió haber aparecido mucho antes.

La idea detrás de Mix'd es bastante simple: creas un perfil y escoges a tus DJs y músicos favoritos. La app tiene una base de datos enorme gracias a que utiliza el API de Echo Nest, una "compañía de inteligencia musical" que fue comprada por Spotify el año pasado, e incluso cuando busqué algunas bandas más obscuras, la aplicación logró encontrar la mayoría. Mix'd también tiene un algoritmo bastante útil que te sugiere artistas similares basándose en los que has seleccionado hasta entonces, así que crear tu perfil es algo bastante rápido y sencillo —no como OK Cupid.

Como tu perfil está ligado a Facebook, Mix'd también importa los próximos eventos a los cuales planeas asistir. Ahí entonces selecciona a personas que tienen el mismo gusto en música y fiestas —básicamente el tipo de gente que estás buscando— y deslizas el dedo a la derecha o izquierda para aceptar o rechazar a las personas.

Noah Brunell, el creador de Mix'd, dice que la motivación detrás de la app fueron sus experiencias personales: “Yo voy a muchos conciertos. Es una parte muy grande de mi vida, y todos mis amigos salen con chicas o chicos a los que les gusta la misma escena,” dice. “Entonces pensé, hay algo ahí. Esto puede sonar como algo cerrado, pero no creo que podría salir con alguien a quien no le gustara la misma música que a mí. Si no puedo compartir ese tipo de experiencias con la persona con la que voy a pasar tanto tiempo, entonces va a ser un gran problema.

Brunell también dice que hay pocos lugares en línea en los que personas con el mismo gusto musical pueden interactuar en un nivel uno a uno. “Están las páginas de eventos de Facebook, pero esas son interacciones grupales.”

Una característica clave de Mix'd es el “modo concierto”, que te permite buscar a gente que esté cerca de ti, por lo tanto mostrándote a toda la gente que esté viendo a DJ Harvey al mismo momento que tú. Brunell dice que añadió esta función porque los conciertos son lugares en los que la gente es un poco más amigable y está más abierta a conocer gente nueva, como cualquiera que haya recibido un abrazo o un high five de un extraño feliz en un concierto podrá atestiguar. “Tienes una conexión con la gente de tu alrededor, y la gente está más abierta a otras personas que están compartiendo la misma experiencia,” dice Brunell.

Mientras que Mix'd no puede competir con apps como Tinder hasta que logre reclutar un número significante de usuarios, Brunell planea introducir la app en festivales de música electrónica como el Electric Zoo y TomorrowWorld, para captar a varios fanáticos de la música electrónica. Sin embargo, también quiso dejar bastante claro que Mix'd es para todo tipo de fans de la música, no sólo de la electrónica —sólo se inclina por ese lado actualmente por su propia red de amigos. (“Avicii hizo que me gustara la música electrónica,“ dice sin pena.) Eventualmente, él espera que Mix'd sea más que una app de citas, sino algo que incluya noticias musicales, venta de boletos, mercancía, y páginas de artistas. “El escenario ideal es que sea una parada única para hacer todo.”

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Este artículo apareció originalmente en THUMP

Aunque recientes evidencias indican que las películas basadas en los clubes nocturnos no siempre tienen buena recepción en taquilla, a lo largo de la historia han habido varias cintas en donde los clubes se han convertido en escenarios icónicos. Siempre habíamos estado convencidos de que casi todos los intentos cinematográficos de hacer escenas en clubes nocturnos han sido un total fracaso, hasta que nos cruzamos con Hell's Club.

Imagina, si puedes, una clase de club súper infernal, terrorífico y sensual donde cada icónica escena cinematográfica de un club nocturno se desarrollara al mismo tiempo. Exacto: Scarface, Terminator, Star Wars, Saturday Night Fever, Blade, The Mask, American Hustle, True Romance, Boogie Nights, todas destruyéndose asi mismas en una meta-narrativa. La verdad es que debería ser una basura, pero no lo es. De algún modo es sorprendente, como la mejor fiesta de Halloween de la historia, sólo que nadie está disfrazado, sino que son los personajes originales.

Habiendo dicho eso, no envidiamos al pobre imbécil que limpia los baños la mañana siguiente.

Después de que Blur diera a sus fans un respiro con su último disco The Magic Whip, su octavo material luego de estar casi 12 años sin sacar algo nuevo, la banda de rock encabezada por Damon Albarn, acaba de lanzar como una bomba atómica al internet el video para su canción “I Broadcast”, la que también es parte del disco que ya mencionamos. 

El video es básicamente un collage de videos cortos hechos con celular en donde vemos a muchísimos fans haciendo lo suyo al estilo Blur. En caso de que se estén preguntando cómo pasó esto,  básicamente la banda de rock inglesa lanzó un comunicado en el que pedía a sus fans que mandaran un video en donde transmitieran lo que les hacia sentir The Magic Whip. El resultado este video que puede decirse es lo más parecido a poner todo el contenido de Youtube en sólo unos minutos. Prepárense para ver niños comiendo helado, niños corriendo, niños tocando la guitarra, un genio de gorra marrón moviendo la cabeza como un maestro, un pobre diablo en truza limpiando el suelo y, para su soprpresa, más niños. La locura del broadcast viene acompañada de una transmisión con una calidad similar a la de los VHS en los 90 y rock rasposo y despreocupado.  Pierdan el tiempo viendo con detalle cada uno de los muchísimos videos que incluye “I Broadcast” aquí abajo.   

Si quieren comprar The Magic Whip, entren aquí. 

Foto de la portada del álbum, cortesía de Sese. 

Desde principios de los 2000, el hip-hop ha mantenido una extraña fascinación con el anime. Desde Kanye West afirmando (verdaderamente) que Akira es mejor que El viaje de Chihiro a Lupe Fiasco creando varios tracks con referencias al anime —siento la más notoria la referencia a Lupin III en un desgarrador verso de "Touch the Sky"— los raperos han mostrado su obsesión con las caricaturas japonesas por un largo tiempo ya. Pero hay una serie en específico, que de manera casi abrumadora, ha permanecido en la lengua vernácula del rap desde hace casi 20 años: Dragon Ball Z, del autor/artista Akira Toriyama.

La secuela original de Dragon Ball, Dragon Ball Z es anime popular que trata sobre un hombre en la Tierra, Goku, que resulta ser el último de una raza alienígena, el cual tiene que aprender a usar su fuerza para salvar al mundo de distintas amenazas extraterrestres. La serie ha ganado innumerables fans, incluyendo artistas como Frank Ocean, Childish Gambino, Soulja Boy, y Chance the Rapper, los cuales también han hecho referencias a DBZ en su música (agradecimiento especial a la productora de VICE Eleanor Fye por la información). Y ahora, un rapero proveniente de las Cataratas del Niagara del lado de Ontario, Sese aka Lord Freiza, ha llegado a un nivel más alto con un mixtape totalmente inspirado en DBZ, el cual tituló La Saga de Freezer. Después de sacar el nombre e inspiración de una de las partes de la trama más populares y queridas de la serie, en la que Gokú debe luchar contra Freezer, el supremo amo de la galaxia y destructor de planetas, Sese cuenta que su incursión dentro del "anime-rap" comenzó justo después de ver un montón de capítulos de Dragon Ball Z en YouTube con sus amigos.

“Uno de mis amigos estaba hablando sobre lo épicas que eran las batallas en Dragon Ball Z, y luego comenzamos hablar sobre el loco paralelismo que hay entre el hip-hop y el show", explica Sese. “Todos en la serie están tratando de aumentar su poder y ser el luchador más fuerte, y es casi la misma forma en la que yo veo que se mueve el mundo del rap—los raperos quieren ser los mejores, quieren ser el próximo mejor rapero; de ahí el jugo creativo empezó a fluir”. 

La cinta tiene sampleos de la música original del soundtrack japonés, al cual le agregó toques más contemporáneos, como la cadencia de Sese inspirada en Migos en “why must you flex, Vegeta, Vegeta” dentro de su canción “Vegeta”. Sese avienta rimas para los fans de DBZ a lo largo del disco como, “smoking Piccolo on planet Namek / Fuck it I’m a hippie / Said I'm perfect like I’m Perfect Cell,” que le han dado al rapero una impresionante cantidad de fanáticos. De hecho, uno de sus fans es Drake, que comenzó a seguir Sese misteriosamente —como de costumbre— en Instagram. Tal vez él también ve DBZ en sus días libres. Como sea, perplejo por esta serie de eventos, platiqué con Sese acerca de su afición por la serie y lo desafié a un cuestionario pop de DBZ. ¿Es J. Cole el Krillin del rap? ¿Qué personaje de DBZ sería Jay Z? Sí, ni pedo, somos esa clase de idiotas.

NOISEY: Esta tal vez es una pregunta muy obvia pero, ¿cuál es tu personaje favorito de DBZ?
Sese: Tiene que ser Frieza porque es el tipo más fuerte, increíble y malévolo. Él destruye todos los planetas. Y él quería ser el más malo, y es así como yo me siento dentro de esta mierda del rap, quiero destruir todo.

Pero a Freezer lo mataron muchas veces. (Lo mató: Goku, Trunks del futuro, Piccolo, Gohan y luego Gokú otra vez).
[Ríe] Sí, a Freezer lo mataron muchas veces, pero lo interesante de él, incluso en la nueva película, es que es resistente. No importa cuántas veces él tuvo que poner los pies en la mierda lo superó; han habido momentos para mí en donde pensé que las cosas iban acabar y no fue así. Así que de cierta forma, yo también he tenido que soportar mierda dentro del juego, pero me recuperé. Sigo volviéndome más fuerte.

¿Por qué decidiste hacer una canción sobre Vegeta?
Bueno, Vegeta es como… cuando estaba trabajando en el álbum estaba viendo la saga de Freezer, y Vegeta, como era de esperarse, estaba intentando ser el más poderoso y rudo de todos. Y seguía enfrentando a Freezer. A pesar de que era obvio que Freezer lo mataría y él tendría que regresar para volver a intentarlo. Así que empecé a ver a Vegeta como a los raperos que creen que son malos, pero en realidad no hacen nada. Están esforzándose más allá de sus capacidades.

¿Sabes cómo Drake se enteró de ti y por qué decidió seguirte en Instagram?
No sé lo que pasó o cómo fue que se enteró. Tengo relación con algunas personas de OVO, pero no con él directamente. Es gracioso porque ni siquiera me di cuenta cuando pasó. Estaba en King of The Dot y de repente la gente comenzó a comentar debajo de mis fotos en Instragram, todos decían que Drake me estaba siguiendo. Esto fue como a las 7:45 pm. Después cuando chequé mi lista de followers, y vi que realmente estaba siguiéndome quedé impresionado.

Así que esto es el principio de algo nuevo, ¿vas hacer más mixtapes de Dragon Ball Z?
Sí, la gente me ha estado diciendo que necesito hacer algo con Los Juegos de Cell o algo totalmente diferente como el Ataque de los Titanes y toda la demás mierda. No sé, la verdad es que no he pensado en ello. Esto simplemente lo tenía en la cabeza y salió de la forma en que tenía que salir. Pero si la respuesta es lo suficientemente grande, por supuesto que seguiré con ello. 

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¿Hay alguna saga en particular o tal vez una serie de anime totalmente diferente sobre la que te gustaría rapear?
No me he puesto a pensar en ello, pero probablemente continuaré con el tema de DBZ porque fue el que funcionó y obtuvo buena respuesta. He notado que a mucha de la gente que le gusta el anime también le gusta el rap. Parece como si los dos géneros de alguna forma coincidieran. Es una locura.

¿A qué crees que se deba esto?
Es raro. Recuerdo haberle platicado a mi amigo sobre hacer este álbum y recuerdo que él pensaba que era arriesgado porque fácilmente pudo haber sido una mierda a la que la gente respondiera como “¿qué chingados está haciendo este tipo con esta caricatura en la portada de su mixtape?”. Si analizas a la música ahora, todos están dentro de la mentalidad del gang y el trap, por lo que yo haciendo un mixtape sobre anime está fuera de onda. Era una oportunidad que parece estar funcionando bien, así que estoy dispuesto a seguir con ella.

Interesante. Ahora voy hacerte un par de preguntas rápidas par a ver cuánto saber de Dragon Ball Z. Empecemos con algo sencillo: ¿Cuál es el lugar de nacimiento de Vegeta y todos los Sayayines?
El planeta Vegeta.

¿Cuáles son las dos formas de hacer una fusión?
Aún no le llegado a Dragon Ball GT (la serie después de DBZ), así que no sé mucho de fusiones todavía.

Está bien. Sin contar al Dios Sayayín, ¿cuál es el nivel más alto al que puede llegar un Súper Sayayin?
Súper Sayayin 4.

Esa era una pregunta capciosa, es Súper Sayayin 3. Dragon Ball GT no está dentro de los canones, así que no cuenta.
Sí, tienes razón, es por separado.

¿Quién derrotó a Perfect Cell?
Gokú — No, fue Gohan.

Correcto. Dime un nombre de ataque característico de Vegeta.
El Cañón Galick. 

Correcto. Ahora voy a soltar algunas bastante difíciles y no sé si seas capaz de contestarlas. ¿Cuántos días hay en el planeta Namek?
¿Un año dentro de la cámara del tiempo hiperbólica?

No, en el planeta Namek.
Sí, ¿un día en tiempo de la Tierra? Eso es tiempo dentro de la cámara de tiempo que no estaba en el planeta Namek, así que no sé esa.

Son 130 días. Ahora, una de las frases más populares en la serie viene de Vegeta, cuando dice “It's Over 9000” en la mayoría de las versiones en inglés de la serie. ¿Pero, cuál es el número que se menciona en el manga y el anime original?
¿No es 9,000? No sé, esa está difícil, ¿un millón?

No, originalmente dijo 8,000.
Yo recuerdo a él diciendo que la fuerza de Freezer era arriba de un millón en el planeta Namek. 

¿Cuál es el nivel de poder de Krillin al final de la serie?
[Ríe] Mierda, Krillin… no sé cuál sea su nivel de fuerza. Tal vez como 645.

La verdad yo tampoco tengo idea. Así que, podría decirse que los tres raperos que están en el juego ahora son Kendrick, J. Cole y Drake. ¿Qué personajes crees que serían en Dragon Ball Z?
Drake sería sin duda Gokú: pelea contra el mal y hemos visto esto con Meek Mill. Vence a los poderes malos y triunfa. J. Cole podría ser Krillin, porque sabe rapear pero no es interesante, y eso es muy parecido a Krillin, porque sabe luchar pero es aburrido. Y Kendrick Lamar seria Piccolo, porque simplemente se mantiene relajado en el fondo.

¿Quién crees que sería Jay Z?
Kamisama, porque es viejo como el demonio. Pero también es muy sabio. 

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Narcos. ¿Te gusta?...¿No te gusta?¿Es una apología a la narcocultura? ¿Exalta a aquellas figuras responsables de que los colombianos tengan todo tipo de problemas en los aeropuertos (por decir lo menos)? ¿La producción está buenísima? ¿Los gringos tienen derecho a estar hablando de estos temas cuando, finalmente, gracias a ellos estamos como estamos? Que si el que no conoce su historia está condenado a repetirla... que si Pablo Escobar debería hablar bien paisa y no como brasilero...

Sea como sea, todos la están viendo.

Por el momento, nada de eso importa, porque alguien compiló todas las canciones que han salido en la serie favorita del momento y las metió en una lista de Spotify. Adivinen qué: hay unas joyas colombianas brutales, tan interesantes como los 14 cañonazos de los Discos Fuentes. Empezamos con lo básico: sí,  aparece Soda Stereo, pero también tenemos a Don Fruko y sus Tesos, Son Palenque, Corraleros de Majagual, las hermosas hermanas Fleta, Julio Jaramillo, La Sonora Dinamita, y desde el desierto psicodélico mexicano, los extraordinarios, únicos e inigualables Dug Dug's (atención en el tema "Smog").

¡Taz taz taz! Dense aquí abajo.

Fotos: Paula Godoy y Begoña Ortúzar

Diego Adrián tiene una larga carrera musical, anterior incluso a fenómenos como Alex Anwandter, Gepe o Javiera Mena. Su modo de producir está mucho más ligado al rap que al pop, pues conserva una preocupación por la lírica, por el mensaje y por el modo en el que éste forma también parte de un entramado social/musical mayor. Sin embargo, es inevitable escuchar sus canciones y quedarse impávido. Posee un gran conocimiento sobre la música oreja y sabe cómo usarlo a favor. De mano de la artista visual Begoña Ortúzar —quien dirigió el video “Nunca vienes a mi casa” y hace de corista— Diego vuelve a las radios y parlantes festivos con un hit que habla sobre amigas, amores no correspondido y el corazón roto. Un hit que entra en directa discusión con el café con helado de “Amiga mía” de Los Prisioneros, “El tiempo (que) no fue tiempo entre nosotros” de Miguel Bosé, pero también con la “Maldita amiga” de la girl band noventera Supernova.

Conversamos con la estrella del under bailable chileno, quien nos contó sobre la relación entre el pop austral, la ansiedad y el reggaetón. Además estrenamos su primer single y videoclip “Nunca vienes a mi casa” de su próximo disco Rap y Amor, el cual pueden ver aquí abajo.

NOISEY: Hola Diego, comencemos desde el principio. Cuéntame, ¿cómo nace el proyecto Adrianigual?
Diego Adrián: Adrianigual nace con mis ganas de hacer canciones. No sé bien si fue con “Mátense” o con “La Mística Espiral”… pero sé que lo que más quería era hacer música y hacerlo solo en mi pieza fue el primer paso. No sé, recuerdo un día que iba yendo a mi casa en bicicleta, iba súper volado y se me ocurrió la melodía de “La Mística…”. Llegué y la hice al tiro con mi teclado y la pasé al computador. Creo que eso fue lo primero. Igual, el proyecto ha tenido varias etapas: al comienzo probé con mucha gente y tocábamos por lugares muy under; después ya grabé el primer demo, “Demostración”. Para presentar esas canciones invité a Nacho Aedo y también en ocasiones tocaba Alex Andwanter.

El nombre no significa nada más que la banda. Creo que eso es lo mejor que tiene: que si buscas “adrianigual” en un diccionario debería decir “banda de pop” y nada más. Estudié en muchas partes y con muchos profesores, pero fue de la observación e intercambio de conocimientos con a mis amigos donde lo aprendí todo. Sin Alex, Carlos Barros, Gonzalo Vargas y YouTube, todo sería muy diferente.

¿Cómo fue tu paso por la banda Tengoungraveproblema?
Tengoungraveprovlema era una banda muy adolescente que teníamos con unas amigas punkys que conocí en la calle, cerca de Plaza Ñuñoa. Duró como desde los 17 a los 20 años, pero hacíamos nuestras propias canciones y ensayábamos bastante. Organizábamos muchos eventos. Con ellas aprendí a componer y a trabajar en equipo. Onda hacíamos flyers y fotocopiábamos afiches, armamos tocatas por todos lados y hasta grabamos un disco. Todos con demasiada motivación.

¿Y tus aproximaciones al pop cómo se dieron?
Siempre me gustó la música, cantaba desde súper chico y ya, onda en tercero básico trataba de participar en las actividades del colegio con mis propias canciones. Recuerdo que esa vez al profesor no le gustó y no me eligió. Creo que de ahí paré un rato y sólo me dedique a escribir poesía en rimas, jajajaja. Durante ese tiempo, un tío nos regaló un espejo gigante que estaba onda, casi al lado de una radio. Todas las tardes bailaba e imitaba a todo el mundo: Madonna, Boy George… amaba Ace Of Base, los Technotronics. Así aprendí que no sólo hay que saber cantar, también hay que encantar… jajaja. Después entré en la adolescencia y me gustaban las cosas un poco más punks o darks como Pánico, Fiskales Ad-Hok, The Cure… un millón de bandas, pero nunca dejaba de escuchar las canciones más pop como las de Blur, las Spice Girls. Escuchaba todo lo que me llegaba. Pero ya, hoy podría decir que soy fan de los productores y compositores más taquilla, jajaja, los sigo a todos: Mike Wil Made, London on da Track, Dr Dre, El Musicólogo…

¿En qué piensas cuando compones?
No sé… se me ocurre una melodía y después la trato de repetir en loop hasta que la convierto o en una letra o en algún arreglo. Ahí depende: si tengo realmente algo que decir, lo escribo. Si no me voy y veo las notas en el piano, la guitarra… o live, lo que tenga a mano. Pero dejarla escrita es lo principal. Es mucho mejor partir componiendo desde que te levantas porque no estás contaminado con vibras ajenas. Paso casi todo el tiempo en mi estudio casero pensando en música, buscando información, aprendiendo y principalmente, intentando componer. A veces, me voy a lugares más aislados a trabajar y otras veces me pasa mientras voy en skate… pero si pasa cuando estoy sin nada, me voy corriendo a grabar, a probarla y escribirla. En realidad, escribo porque amo la música con todo mi corazón. Porque quiero que la gente baile, sea feliz y se sienta identificada con las letras. En la música pop, trabajamos bajo reglas muy estrictas, tanto estéticas como de forma: estrofa, coro, no sé. Pero aún así, sigue siendo una de las herramientas más libres y masivas que hay para entregar un mensaje.

Al parecer este disco tendría un pop más intimo que social…
Sí, esta vez fue más personal, porque finalmente me dí cuenta de que hablaba de lo mismo: de empatizar con el sentimiento general de la gente, de la falta de sentido y angustia frente a un futuro, que es como la falta de seguridad en uno mismo. Por ejemplo, cuando no te sientes amado.

En ese sentido, ¿cuál es el lugar del amor en tu disco?
Puede sonar un poco hippie, pero quiero que la gente se respete, que sepan que la persona que está al lado es igual a él; que sufre igual, que está chato igual… no sé, que se ríe de las mismas cosas. También me gustaría que las personas sean capaces de observar su propia vida como parte de algo más: de un planeta, de la naturaleza y que la respeten de igual manera. Para mí, el amor es la gente trabajando para un mundo mejor. Y la única forma de partir es por el amor hacia nosotros mismos. Mi canción preferida se llama “Rap y Amor” (igual que el disco). Cuando hice ésta canción se la mostré a mis amigos y fue como un hit instantáneo. A veces pasa. Pero debo decir que escribí mucho, mucho antes de hacer estas canciones. Esa canción me gusta porque es una canción de amor y me dio la valentía de escribir sin prejuicios, expresando sentimientos reales. Fue inspirada por alguien a quien amo mucho. Dentro de todos los mini textos que escribí, había uno que hablaba del rap y el amor. Obvio que son las dos cosas que más me gustan. “Rap y Amor” para mí significa vivir al vida como quieras y con mucha pasión. Y me hice un tatuaje que dice eso, también hice muchos graffitis. Es la frase más correcta para sintetizar todo lo que quería decir.

Trabajé con Alex Andwanter en los dos discos anteriores y en este disco me ayudó en las primeras etapas de composición, con su ojo entrenado. Luego comencé a trabajar con Marcelo Miopec de MKRNI, con él produjimos la mayoría de los temas. Es importante tener a alguien que pueda criticar tus canciones de manera constructiva; en ese sentido, no hay que tener miedo a compartir las ideas. Un partner es difícil de encontrar, pero Alex y Marcelo son dos mega profesionales. Además, ahora mi sello es Enciclopedia Color, quienes me han ayudado en mil tareas que hay que cumplir para hacer un disco. Mis amigos, mi novia también. Me siento muy apoyado.

Dentro de las muchas canciones que escribí durante este tiempo hice algunas con la Planta Carnívora, otras con Begoña Ortúzar y trabajo en la producción de otros artistas. Además, soy DJ casi todo el tiempo y con mi proyecto tecno llamado Terry Unplugged. Durante este tiempo estuve en un montón de actividades.

Tu nombre siempre ha estado ligado al baile, la fiesta y al Santiago de noche. ¿Tu música tiene una vocación al carrete o más bien es que la música ha llamado a la noche fiestera?
Mi música es para bailar y cantar en la casa o donde estés, da igual. Creo que el hecho de que la bailen en los clubes es como una de las cosas más geniales del mundo. Quizá, si no hiciera que la gente baile y sea feliz, me sentiría muy poco orgulloso. Creo que acá —en Chile— con el frío, a todos nos cuesta un poco comunicarnos, entonces lograr una mini cercanía al saber que hay muchas personas bailando la misma canción alrededor es algo único. No es como ver un programa de la tele y reírte. Bailar te conecta con un tipo de lenguaje que está presente en cada rincón de la naturaleza, es un sentimiento que puedes compartir con cualquier persona en el mundo e incluso con los animales. Bailar es entregarse a tu propio ser y a tu entorno, como formar parte de algo o un pertenecer… por algo los indígenas siempre bailaban para comunicarse con los dioses. Es un súper lenguaje.

Sé que te gusta el reggaetón…
Sí, para mí el reggaetón es la versión de la música pop actual, pero en Latinoamérica. Antes estaba Chayanne, Emmanuel, Juan Gabriel.... ahora están Wisin y Yandel, Plan B, Maluma, J Balvin, o sea… es la música más pop y original que ha salido de nuestro idioma en mucho tiempo, y qué bacán que sean artistas de nivel mundial. Eso sí, les falta un poco en el mensaje, pero yo encuentro sus letras más divertidas que vulgares. Como en todo tipo de música hay unas canciones que están buenísimas y otras horribles. Hay que saber encontrar.

Varias de tus canciones son súper pegajosas y suenan incluso años después en las radios. En ese sentido, ¿cómo se logra construir un hit?
Hacer un hit es algo muy simple: básicamente tienes que copiar otro y trabajar mucho en la difusión. Lo importante es atreverse a representarlo, a tocarlo en vivo, a mostrárselo a tus amigos. En otras palabras, si te la vas a creer o no. Debes ser muy honesto contigo mismo y tener claro tus capacidades y objetivos.

¿Cómo ves todo este bombardeo mediático del pop hecho en Chile?
Creo que fuimos una generación que aprendió a usar los computadores y se dedicó a componer mucho con teclados y sintes, a diferencia que la generación anterior, que era súper pop, pero primaban las guitarras. Onda Solar tenía unos mega hits, pero todos dicen que era rock… típicas confusiones de los medios. Antes de los 90 la música chilena no escuchó bandas tan pop como Tiro de Gracia o a las Supernova, o sea… si después de eso no te gusta el pop, obvio que no voy a confiar en ti, jajaja. Pero el pop siempre cambia, nada es definitivo, así que todos tenemos que estar muy atentos y tenemos que seguir trabajando para que la música chilena no muera… porque cuando llegamos, ya estaba súper agonizando.

En algún lado leí que decías que la ansiedad juega un rol importante dentro de tu trabajo…
La ansiedad, más o menos; obedece a la misma instantaneidad de Twitter, o algo así. Uno quiere mostrar su música de inmediato, pero a veces no logras dar con el sonido o la letra real, o con el concepto que agrupe todo. No sé, piensas que ya no vas a tener fans o cosas así. Supongo que todos somos complejos y asimilamos los retos de manera diferente. En mi caso la ansiedad por mostrar las canciones es muy fuerte. Creo que todos tenemos el miedo a envejecer o ya no ser cool, o simplemente ser olvidado. La música –para mí— está definida por el ego, por el intentar convencer a las personas mediante la persuasión; es algo diferente a la ambición de poder. Pero la Anita Tijoux nos enseñó a valorar al hombre por la calidad de su trabajo, y cuando la gente no ve en lo que tanto te esfuerzas, es un poco frustrante. En ese sentido, la ansiedad me llevó a buscarme, a escribir mil textos… la ansiedad es cruel. Pero todos necesitamos algo para movilizarnos hacia donde queremos estar. Así que gracias a la ansiedad, puedo escribir los textos más tristes tigres.

Andrea Ocampo no para de bailar la nueva canción de Adrianigual. Síguela en Twitter —@andreiii

Lo has leído una y otra vez: las guitarras están muertas. Los sintetizadores, la música electrónica, el EDM, el pop, todos ellos y más son los culpables de que el rock y la ruidosa guitarrera esté en peligro de extinción. Bla, bla, bla.

Cualquiera que no saque su música exclusivamente del radio sabe que esto es mentira, y que diario hay proyectos nuevos que demuestran que el sonido de una guitarra distorsionada sigue siendo igual de vigente que antes, y como muestra más reciente tenemos a Tomás Violencia, un dueto colaborativo a distancia entre Luis Ángel Martínez (de Piyama Party y Los Mundos, quien vive en Monterrey) y Jimmy Castillo (de Mijo Feo y She's Dead, quien vive en Los Ángeles).

Este par publicó hace unos días Chugar, su EP debut, a través de Panamérika, un álbum compuesto por ocho canciones que mezclan el shoegaze, el rock psicodélico, el college rock, la música experimental y vocales aletargadas para crear una placa bastante hipnótica, que necesita de varias escuchadas para realmente apreciarse a profundidad.

Escuchen el álbum completo aquí abajo, y esperen más info de la banda próximamente. 

Foto por Alice Baxley.

Cuando conocí a Kim Gordon en el festival Burger-a-Go-Go, traía puesto sólo un jersey de Roadarte, sin pantalones. La que fue durante una larga temporada bajista en Sonic Youth acababa de tocar un set fascinante de punk artístico como Glitterbust, la nueva faceta de Gordon con las guitarras a dueto con su único compañero de banda Alex Knost de Tomorrow Tulips. La banda que fue nombrada a partir de una canción experimental de noise de Royal Trux, Glitterbust, es un retroceso a la escena pionera de avant-rock en la cual Gordon desempeñó uno de los roles cruciales  dentro del nacimiento de la escena a principios de los 80 con el éxito mainstream de Sonic Youth. Kim también se mantuvo en la escena en los 90 cuando la bajista se convirtió en la poco convencional It Girl dentro del terreno de la música y la moda gracias a su mirada azul que congela, su voz ronca y su impenetrable presencia en el escenario. Mientras bebía una copa con una pierna contra la pared en el backstage en Santa Ana demostraba que ella es, y obviamente sigue siendo, la cosa más cool del planeta.

Después de decirlo todo en su autobiografía Girl in a Band, Kim Gordon ha estado sobre llevando su parte justa de racha mierda en la vida. Pero, por supuesto, se puede notar que sabe llevarlo bien. Incluso sus tenis con diamantina lucen como si le hubieran sacado las tripas a un diamante. Cuatro años antes de la separación de Sonic Youth y su divorcio con Thurston Moore, la novedad de ser "la chica" en una banda dominada por los hombres, siguió a Gordon dentro de la edad adulta, además de sus múltiples proyectos y su carrera en artes visuales. Pero gracias a la cantidad de interés exacta y el  enaltecimiento de su rol de “chica en una banda” Kim pudo salir adelante. Aún sigue siendo la chica de una banda, pero es su banda. Pude verla en el escenario haciendo sonar el amplificador con su guitarra como si fuera una varita mágica que controlaba las reacciones de la gente. La realidad es que Kim Gordon siempre ha sido en primer lugar es artista y en segundo música, y mientras ella gritaba a través del micrófono desde una nube de humo, no podía dejar de pensar, ¿Era Thurston qué? 

Platicamos con la rockera del no-wave mientras empacaba sus cosas después del show. Chequen nuestra entrevista con Kim acerca de pantalones acampanados, crush con morras y el zodiaco para este especial de grrrl power en nuestra edición de Primeras veces y Favoritos . 

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Para su disco número catorce Duran Duran decidió armarla en grande. La banda inglesa regresó del abismo, revolucionó la música hecha para tíos y tomó todos los iconos que representan a la banda para embarrarlos sobre la portada de Paper Gods, el nuevo álbum que saldrá a la venta el 11 de septiembre vía Warner Bros Records. El cover de la banda lo diseñó Alex Israel y la música fue producida por Josh Blair. Esta nueva joya nos ofrece mucho rock bailable y teclados chillones. Incluso podríamos decir que los chavorucos de Duran Duran hicieron este disco para acompañarte en una noche de fiesta fuera de límites. Paper Gods incluye “Pressure Off” un track en el que colaboran Janelle Monáe y Nile Rodgers. Además tiene colaboraciones con Mark Ronson, la reina del desmadre, Kiesza, Mr. Hudson, John Frusciante y Lindsay Lohan. Aunque el disco sale hasta la próxima semana, los de Duran Duran decidieron darnos una probada de lo que se avecina con el stream del disco completo. Sin quitarles más diversión, tomen sus estupefacientes favoritos, organicen una fiesta familiar y váyanse de fiesta con Duran Duran.   

Los de Napalm Death nunca van a dejar de masticar sesos, y su nuevo disco Apex Predator – Easy Meat es una muy buena razón para que no dejen de hacerlo. La banda hoy lanzó un nuevo video para su canción “How The Years Condemn”. El video es una extraña mezcla entre filmación en vivo, caricatura, video acompañado de las letras de la canción, y cualquier otra forma de video musical convencional que hayan visto. Todo se mezcla con el metal espástico y ardiente que toca la banda. Napalm Death ahora es mucho más inevitable e imparable que antes. Apex Predator – Easy Meat es un disco que mata, y lo único que tenía sentido hacer era hacer tronar tus sentidos con un video de esta clase.  

Este artículo apareció originalmente en Vice

"Ya llévate a tu amigo a la chingada de aquí", fue lo primero que escuché al llegar al Centro de Convenciones Tlatelolco el pasado sábado por la noche. Al acercarme pude ver a un güey con la cara llena de sangre, porque un señor le había partido la madre y le pedía a otro chico que ya se lo llevara. Las amenazas seguían en el aire y en ese momento supe que iba a ser una noche interesante.

Caminé hacia la entrada y otro güey, también borracho, se acercó a mí: "¿Tienes un porro, carnal? Te lo cambio por dos cigarros". Gula, Tungas, Etílikos, Maleducados, Tabacos, Endorfina, Case Off y Los Larva tocaron antes de Seguimos Perdiendo, banda que celebraba sus 22 años en la escena del punk rock nacional. Tuve acceso a todas las instalaciones del lugar, aunque los punks se meten hasta donde quieren sin necesidad de acreditaciones de prensa.

La cerveza voló durante la noche y los putazos continuaron fuera y dentro del slam. Para cuando llegó el turno de que Seguimos Perdiendo subiera al escenario, muchos ya estaban tirados en el piso a causa del alcohol y las monas. Se convirtieron en zombis que se levantaban con los acordes de los guitarrazos y terminaban pintando dedo arriba del escenario.

Durante una de las canciones alguien vació un extintor en medio de la gente, pero eso no impidió que la gente siguiera gritando las canciones. Me dejé llevar, aunque mi cámara salió volando en medio del slam. Aquí algunas fotos de una noche de punk rock nacional llena de muchas caguamas.

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