Tomasa del Real acaba de lanzar una buena dosis de perreo en su nuevo álbum Ballaca del Año. Con nueve cortes la chilena va directo para el boom latinoamericano, exponiendo ritmos cadenciosos y sonidos que emergen de nuestra cultura y música actual. El dembow de esta producción definitivamente nos pega en el pecho y nos induce a sacar nuestros mejores movimientos somáticos en la parte más baja del dancefloor.
Bellaca del Año cuenta con colaboraciones de DJ Blass, pionero reggaetonero de Puerto Rico; Alcover y Jamez Manuel. Dale play a continuación:
En abril, Cardi lanzó su tercer sencillo "Be Careful", otro corte desprendido de su debut Invasion of Privacy. Ahora nos entregó el acompañamiento visual. La rapera con raíces dominicanas regresó de su pausa en Instagram para hablar del release de su nuevo video. "Fue uno de los videos más difíciles que he hecho, lo grabamos en el desierto, a la mitad de la nada, hacía un calor del carajo" dijo en Instagram con su característicamente neoyorquino estilo de hablar.
"Be Careful" comienza con una recreación fantástica de una boda, pero termina con Cardi asistiendo al funeral de su novio. Es quizás el video más críptico de Cardi a la fecha. Míralo arriba.
Hay dos opciones: o no dormiste nada el fin de semana, o no has escuchado la aterradora noticia sobre cómo los pulpos podrían ser extraterrestres. Si eres uno de los pocos afortunados, ahí te va un resumen: en una nueva nota titulada "La causa de la explosión cámbrica: ¿Terrestre o cósmica?, los científicos han afirmado que los genes del pulpo muestran "un asombroso nivel de complejidad con 33,000 genes que codifican proteínas —más de los que están presentes en el Homo sapiens". Los autores de la investigación dicen:
Una explicación plausible, desde nuestro punto de vista, es que los nuevos genes son probablemente nuevas importaciones extraterrestres a la Tierra como un grupo ya coherente de genes funcionales dentro de (por ejemplo) huevos de pulpo criopreservados y protegidos con una matriz.
Por lo tanto, no debe descartarse la posibilidad de que los huevos de calamar y/o pulpo criopreservados llegaron a través de algún cometa hace varios cientos de millones de años, ya que sería una explicación cósmica menos estricta para la repentina aparición del pulpo en la Tierra hace 270 millones de años.
*Le da una calada al blunt*
Estamos de acuerdo en que la anterior es info muy vaga. Los aliens viven entre nosotros (esto, al menos, explica los dones todopoderosos, y que todos conocen, del pulpo Paul , descanse en pants). Pero, ¿qué tiene que ver esto con la música? Dos palabras: The Darkness.
En 2003 The Darkness lanzó una pequeña canción llamada "I Believe In a Thing Called Love", tal vez hayas oído hablar de ella. También sacaron un video para acompañar el track:
Lo que tenemos aquí es a The Darkness tocando su canción en una nave espacial. Pero lo que también tenemos es dicha nave espacial siendo atacada... ¿por quién? ¡por un maldito pulpo que habita en el espacio!
The Darkness lo predijo. The Darkness predijo que los pulpos son en realidad aliens antes de que la ciencia siquiera pensara en controlarlos. No solo eso, The Darkness trató de advertirnos. Como siempre, Noisey te trae hechos (no del todo porque solo queríamos una excusa para publicar esta historia súper viajante sobre la noticia de que los putos pulpos son aliens y en la que nadie en esta oficina puede dejar de pensar). Gracias, estén atentos.
Esto pasó ayer domingo 20 de mayo en México: hizo un calor detestable y luego granizó en CDMX, el Santos ganó la liguilla, hubo un debate presidencial, un Campeonato Nacional de Beatbox (¿?) y Aleks Syntek volvió a decir grandes idioteces sobe el reggaetón. Ya es costumbre en este ser humano tomar su teléfono y hablar mal del género más escuchado del mundo. Hemos hablado en un par de ocasiones sobre su cruzada y, la verdad, no quisiéramos mencionarla más. Pero este hombre no para y tenemos que señalar las cosas que no están bien, para que así Papá Noel siga deslizándose sobre nuestras chimeneas cada diciembre y nos premie con regalos. ¿Ustedes creen que Santa Claus va a la chimenea de Syntek? Pero Papá Noel no escucha jazz, ¿lo dejará entrar?
Hace días, Syntek subió un video a su Instagram bien enojado, criticando que en el aeropuerto de CDMX a las diez de la mañana estaba sonando "Bonita" de J Balvin con Jowell y Randy. Un rolón que no ha parado de ser citado en Twitter. Según Syntek, que la rola dijera "se pone caliente" era un "peligro para sus hijos", ya que estaban siendo expuestos a "pornografía". Aleks, ¿hasta cuándo contigo y la pornografía? ¿Acaso has visto porno alguna vez en tu maldita vida? ¿Sabes qué significa estar caliente? ¿Te enoja? Alguien tendría que explicarte que la música que tocas, mucho antes de que la comenzaras a tocar, era vista exactamente igual que como tú pretendes ver al reggaetón: como pornografía. Tenemos los libros, te pasamos la bibliografía.
Los argumentos sin base, clasistas, homofóbicos y racistas de Syntek para denigrar al reggeatón son bien conocidos. Pero la diferencia es que el año pasado, cuando en un programa llamó al reggaetón "música de simios", pocos o ningún artista salió a reclamarle. Ayer domingo, Arcángel y J Balvin destrozaron a este confundido ser. Arcángel le dedicó tres posts de Instagram, y en resumen lo llamó "hijo de puta", se burló porque su hijo tenía más seguidores que él, le dijo que seguro tenía una sexualidad reprimida, e incluso le dijo a sus seguidores que por favor le dieran follow para que ganara más plata. Todo esto, luego de expresar que genuinamente es su fan. Arcángel 3-0 Aleks Syntek.
Luego Arcángel hizo un Instagram Live y le preguntó "¿por qué no dices nada de los narco corridos? ¿O es que tienes miedo que te maten?". Además de llamarlo "hijo de puta" varias veces. J Balvin, por su parte, le dedicó un post en el que le decía que "necesitaba abrazos". Eso desató que muchos más reggaetoneros destrozaran a Syntek en los comentarios del video que subió Aleks en el aeropuerto. Incluso, algunos le sugirieron que "le hacía falta sexo" a Syntek.
A horas de la noche, como nos tiene acostumbrado, Syntek subió un post en el que decía que solo le interesa el bien común: "Me preocupa el mundo que estamos heredando a nuestros niños. Hay excesiva devoción a la lujuria, al control sobre los demás y el dinero, pero poquísima inteligencia espiritual". O sea, este señor es como una especie de Dr Jekyll and Mr Hyde esquina Paulo Coelho. Su modus operandi es bien raro: empieza atacando, siendo bien racista y clasista, y luego en la noche parece "ofendido" o que ofrece una especie de disculpa a medias. ¡Ya 100tc, señor!
Syntek argumenta que todo lo hace "en favor de las mujeres" o "los niños". ¿Qué diablos tienen que ver los niños acá, Aleks? Los niños pueden escuchar cualquier cosa: metal noruego, reggaetón, reggae, dub, gaitas, rock, o tus discos pasados de moda. Evidentemente lo van a escuchar con oídos de niños, eres tú quien cree que lo van a escuchar como tú lo escuchas. Quien define cómo se comportará un niño ante el mundo es la educación y crianza que les dan sus padres. Pero Bad Bunny lo explica mejor: "Buen padre no es aquel que le prohibe escuchar a sus hijos la música de hoy. Buen padre es aquel que sin importar la música que escuche su hijo, lo educa para que este crezca siendo una persona de bien".
Tu discurso es tan absurdo como pensar que por "escuchar metal estás alabando al diablo". O que si veo una película de Martin Scorcese me voy a salir del cine a fundar una empresa criminal. Tal vez tú no tengas capacidad de negociar con los contenidos que consumes, Aleks, pero el resto de la sociedad sí, ¡niños incluidos! Bad Bunny probablemente no había nacido o era un nene cuando tu música era relevante, y la tiene más clara que tú.
Por alguna razón, probablemente no darle publicidad a quien no la merece, los artistas que se la regresaron, borraron sus posts a Aleks.
Así que dinos pues ¿cuándo vas a parar? ¿O estás haciendo todo esto para que no nos olvidemos de tu cara en el 2018? Ya vete a dormir, tómate una Coca Cola Light, mírate una serie en Netflix y déjanos de molestar. O como te dijo Arcángel: ¡haz un puto reggaetón! Sería un hit. Y por favor, si lo haces: dame la exclusiva que en Noisey nos interesa un montón.
“Crippling Self-Doubt And A General Lack Of Self Confidence”, una canción del segundo álbum Tell Me How You Really Feel de Courtney Barnett, tiene un inusual formato de llamado y respuesta a manera de coro. "Tell me how you really feel!" [¡Dime cómo te sientes en realidad!], grita y Barnett responde, "I don’t know, I don’t know anything" [No lo sé, no sé nada]. En el papel, o en la voz de otro músico, este intercambio podría recordarnos una pelea entre amigos o entre una pareja. Pero es Courtney Barnett; este es un monólogo interno.
Ese estribillo de “Dime cómo te sientes en realidad" surge, al menos en parte, de los continuos intentos de Barnett por ser más honesta consigo misma al escribir. "Creo que siempre hay una parte de mi cerebro que nunca es completamente honesta conmigo misma", me dice. "Siempre existen estos mecanismos de autodefensa que automáticamente se activan y a veces ni siquiera me doy cuenta".
Si la falta de honestidad es el problema de Barnett, esto no se refleja en su música. Desde el lanzamiento internacional de su sencillo “Avant Gardener” en 2013, las canciones complicadas y radicalmente sinceras de Barnett la han llevado a logros cada vez más importantes: grandes elogios de la crítica, festivales colosales, actuaciones televisivas y, algo asombroso, una nominación al Grammy a Mejor Nuevo Artista. Perdió ante Meghan Trainor, pero aún así: todos estos son logros que, para un músico DIY de Australia, son incomprensiblemente asombrosos. Barnett no es una sensación surgida de la nada (“Me presenté en todas partes en Hobart y en todas partes en Melbourne, en todos los lugares con micrófono abierto y en todos los sitios donde se presentan los nuevos talento los martes por la noche”), y su ascenso a la considerable fama del rock independiente ha sido exponencial.
Es mediados de marzo, y Barnett se sienta frente a mí en un cuarto trasero de Coburg, el almacén en Melbourne de Mlik! Records, la disquera que dirige junto a su pareja, la cantautora Jen Cloher. El almacén no es enorme, pero es lo suficientemente grande: detrás de mí hay una sala llena de discos de Cloher y Barnett, así como de Jade Imagine, Hachiku, Fraser A. Gorman y muchos más. Detrás de Barnett hay un pequeño rincón para ensayar que está decorado con alfombras persas y una iluminación como de fantasía. Unas semanas después de nuestra entrevista, Barnett y la banda usaron ese espacio como escenario para presentar un show íntimo previo al lanzamiento del nuevo álbum, y antes de dirigirse al hemisferio norte y comenzar una gira de tres meses en apoyo a Tell Me How You Really Feel.
Aunque a Barnett le está yendo mejor que nunca en su carrera, un malestar profundamente arraigado sigue fluyendo a través de Tell Me How You Really Feel, manifestándose en una brutal honestidad lírica que raya en el masoquismo. Tomemos, por ejemplo, a ”Charity", la mejor (y más desgarradora) canción autocrítica de Tell Me How You Really Feel. “So subservient, I make myself sick” [Tan servil que me enfermo a mí misma], canta Barnett en el coro, escupiendo la "k" como si fuera bilis. Es el tipo de autocrítica cruda que probablemente, en algún momento, todos nos hemos hecho pero de la que difícilmente hablamos. Escuchar cantarla a todo pulmón es escalofriante.
”Siento que me acobardo ante las decisiones, y siempre he pedido disculpas por todo y con muchas ganas de neutralizar todo”, dice Barnett sobre esa frase en "Charity". Es una característica suya que ni siquiera había notado que poseía hasta que leyó las memorias del crítico de Melbourne Brodie Lancaster, ¡No Way! Okay, Fine. “Dije: ‘¡Yo hago eso! Fuck, ¿por qué hago eso?’ Es muy extraño no darte cuenta de algo y luego, de repente, descubrirlo".
Al ofrecer una mirada como esta a su personalidad, el tono de Barnett rara vez cambia; a lo largo de nuestra conversación, su voz se mantiene firme y segura, salvo por la risa o el quejido ocasionales. Para alguien que se ve tan seria en sus tomas de prensa, a menudo mirando hacia la lente o a la distancia, como si estuviera sumida en sus pensamientos, y que a menudo es descrita como tímida o de voz suave, Barnett es una presencia reconfortante y cálida. Cuando me saluda, vestida con un como uniforme de camiseta negra, jeans negros y su calzado Blundstone, lo hace con una sonrisa que arruga sus ojos; cuando hace una broma o se ríe durante nuestra conversación, siempre lo puntualiza con un intencional "¿sabes?" de complicidad.
El tipo de autodescubrimiento y autoterapia que condujo a "Charity” es fundamental para Tell Me How You Really Feel. Los temas del álbum, según Barnett, son comunicación y conexión. Ella siempre ha sido consciente de su neurosis (varias de sus antiguas letras podría dar fe de ello), pero este disco es diferente. En lugar de canalizar sus estados de ánimo en anécdotas irónicas sobre piscinas públicas y estampas para el parachoques, en Tell Me How Really Feel Barnett se mira directamente en el espejo, libre de encuadres o metáforas. "Hay mucho de estudio psicológico", dice, antes de darse cuenta de que, bueno, mucha de su música ha involucrado el estudio psicológico de los demás. Y aclara: “Soy yo tratando de hacer un estudio psicológico amateur de mí misma”.
Pooneh Ghana; supplied
En algunas canciones, como en "Charity", este estudio aparece como crítica; en muchas otras, como afirmación. Tal es el caso de "Mind Your Self", una canción optimista sobre la práctica del Qigong, una forma de respiración guiada y de relajación. En el tema Barnett repite frases cortas como si fueran mantras. "You got a lot on your mind" [Tienes muchas cosas en la cabeza], se dice a sí misma. "You know that half the time/ It’s only half as true/ Don’t let it swallow you" [Sabes que la mitad de las veces / sólo es la mitad de la verdad / no dejes que te devore]. Estas afirmaciones se encuentran a lo largo del álbum, palabras serenas de aliento como "Keep on keeping on, you’re not alone" [Sigue siguiendo adelante, no estás sola], o "You seem to have the weight of the world upon your bony shoulders, well hold on" [Parece que llevas el peso del mundo en tus hombros huesudos, bueno, aguanta] o "Your vulnerability is stronger than it seems" [Tu vulnerabilidad es más fuerte de lo que parece]. No servirían para una camiseta, pero de cualquier forma son empoderadoras, se trata de una voz en el fondo de tu cabeza que te dice que sigas adelante.
"Intento fingir el optimismo hasta el punto que se vuelva real". —Courtney Barnett
El estira y afloja entre el malestar de algunas canciones y la positividad de las demás, dice Barnett, refleja directamente su constante monólogo interno. "Siempre intento fingir el optimismo hasta el punto que se vuelva real", me dice. "Me di cuenta en el proceso de hacer este álbum que no soy pesimista, y que no estoy tan enojada. Al terminar el álbum me sentí extrañamente muy positiva. A pesar de que parece ser un álbum realmente negativo, se trata más acerca de estar agradecida y reconocer las cosas buenas".
La necesidad de hacer estas afirmaciones es también un intento por sofocar la parte de su cerebro que está constantemente creando catástrofes. "Mi suposición natural en mis días más negativos es que todos me odian. Pienso que mis amigos me odian. Es difícil para mí pensarlo honestamente, porque lo pienso todo el tiempo", lo dice con franqueza, no como si lo admitiera, sino como una afirmación comprobada. "Antes de lanzar una canción, me siento físicamente enferma al saber que estará en línea a la mañana siguiente. Supongo que es solo el miedo humano a fracasar, o a que la gente piense que es malísima. No soy inmune a eso en lo absoluto".
Las mariposas, aunque inevitables, son innecesarias. Tell Me How You Really Feel es un disco bellamente construido, el trabajo de una artista en la cima de sus súper poderes. Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit, el primer álbum de Barnett, fue aclamado por la crítica, pero mostraba las marcas del dolor que provoca crecer. Canciones basadas en el aspecto narrativo como "Elevator Operator" y "Aqua Profunda", aunque se remontan a los primeros EPs de Barnett, no pudieron seguir el ritmo de canciones más emotivamente crueles como "Pedestrian At Best" y "Depreston", melodías ingeniosamente construidas que se centraron en emociones crudas, utilizando la misma especificidad que Barnett empleó algunana vez para dibujar arcos narrativos. Tell Me How You Really Feel evita por completo la narrativa, operando por completo en este segundo modo, más emocionalmente resonante. Desde el influjo de la grabación y la introducción incierta hasta el final del disco, una canción de amor platónicamente cálida y áspera llamada "Sunday Roast", el segundo disco de Barnett se siente como un retrato mucho más completo de ella misma. Su contenido refleja claramente su portada: un autorretrato en primer plano, con Barnett mirándote directamente a los ojos.
Musicalmente, el disco también se siente más real: algunos años haciendo gira para Sometimes I Sit and Think, convirtieron a Barnett y su banda, compuesta por el baterista Dave Mudie y el bajista Bones Sloane, a quienes en el estudio se les une Dan Luscombe de The Drones (un grupo a veces anunciado en broma como "Courtney Barnett and the Courtney Barnetts”), en una unidad estridente y potente. Aunque una vez fueron descritos ad nauseum como “desastrosos“, Tell Me How You Really Feel muestra la destreza conjunta del grupo, y hace alarde de su aptitud para los solos sudorosos y los codas tensos. Sería difícil volver a describir a los músicos en este disco, quienes están muy íntimamente compenetrados después de cinco años tocado juntos, como "desastrosos”.
Al igual que muchos discos dolorosamente buenos y dolorosamente introspectivos, el verdadero camino hacia la creación de Tell Me How You Really Feel no fue particularmente fácil. Después de terminar de hacer las giras para Sometimes I Sit and Think, Barnett comenzó a escribir un nuevo disco, pero le resultó difícil recopilar sus ideas adecuadamente. Si bien no le faltaban acordes y piezas para las canciones ("Tenía una fondear de papel manila lleno de páginas A4 y las pegaba en la pared como en A Beautiful Mind"), lo que estaba formando no era del todo satisfactorio, una experiencia que ella compara con la "visión de túnel". Muy consciente de su voz y alcance, los primeros intentos de escribir canciones que hablaban sobre el clima político actual demostraron llevar el rumbo equivocado. "Cuando comencé a escribir las canciones, eran más políticamente directas, pero eran muy insulsas", dice. "Creo que me di cuenta de que no sabía muy bien cómo expresar los sentimientos que estaba experimentando y todo parecía muy moralizante, egocéntrico y arrogante”.
Parte del proceso de Barnett para superar esta visión de túnel creativo implicó buscar hacer colaboraciones creativas, en oposición al proceso a menudo solitario de escribir un álbum solista. Por lo tanto, en el transcurso de su período de escritura para Tell Me How You Really Feel, Barnett grabó dos álbumes que no fueron del todo propios: el disco homónimo de Jen Cloher, en el que ella tocó la guitarra, y Lotta Sea Lice, un álbum colaborativo con su ídolo de mucho tiempo Kurt Vile. Si bien ambos álbumes fueron elogiados al momento de su lanzamiento, fueron proyectos de bajo impacto para Barnett a nivel personal, que era exactamente lo que ella necesitaba. "Fue simplemente bueno para mi cerebro flexionar los músculos en diferentes áreas y distraerme un poco", nos dice. Después de un período de aislamiento autoimpuesto, durante el cual trató de forzar la materialización de las ideas, trabajar en su nueva música con Vile y Cloher le ayudó a recordar que "salir y hacer cosas" era exactamente lo que necesitaba para tener fuentes de inspiración.
Al final, en lugar de tratar de escribir canciones explícitamente políticas, decidió concentrarse en por qué el mundo estaba en tal agitación. "Empecé a enfocarme en los pensamientos que terminan por conducir al odio y al miedo, de dónde vienen y cómo terminan siendo racismo u homofobia o lo que sea", me dice. "Era lo único que veía y todo lo que podía ver era el dolor derivado de ello, en todas partes, en las personas".
Pooneh Ghana
Triste y enojada por el estado del mundo, Barnett terminó haciendo música que no hablaba de los detalles específicos del clima político, sino del impacto emocional y mental que eso estaba teniendo en sus seres queridos. "Siento que estaba escribiendo canciones para mis amigos o para las personas que sabía que estaban pasando por cosas difíciles”, explica. Seguía viendo a la gente luchar y sentirse desesperanzada, y había un extraño balance entre algo como “¿Qué tan bueno es sentirse desesperanzado? ¿Qué puedes hacer para mejor una situación? ¿Cómo puedo tomar esa energía y convertirla en algo positivo?”.
Esas preguntas se abordan en la canción “Hopefulessness” que abre Tell Me How You Really Feel, la cual es un reflejo de la confusión ideológica de Barnett. En el primer verso de la canción, Barnett responde sus propias preguntas rápida y graciosamente con una cita de la difunta Carrie Fisher: "Toma tu corazón roto y conviértelo en arte". Que es exactamente lo que hace a lo largo del álbum.
"Empecé a enfocarme en los pensamientos que terminan por conducir al odio y al miedo, de dónde vienen y cómo terminan siendo racismo u homofobia o lo que sea. Era lo único que veía y todo lo que podía ver era el dolor derivado de ello, en todas partes, en las personas". -Courtney Barnett
Las canciones que efectivamente terminaron teniendo una inclinación vagamente política, como el sencillo principal "Nameless, Faceless", que se basa en la cita de Margaret Atwood: "Los hombres tienen miedo de que las mujeres se rían de ellos, las mujeres tienen miedo de que los hombres las maten", no fueron planeadas de esa manera. Esa canción no era realmente un “vete al diablo" o algo así. "La gente la describió como un 'intento por empezar una riña un troll', pero no se trata de eso. Simplemente aborda temas con los que siempre he lidiado y con los que mis amigos han lidiado y de los que siempre hablamos“.
En consecuencia, “Nameless, Faceless” es una de las muchas canciones de Tell Me How You Really Feel que se siente como algo que Barnett necesitaba hacer; hay un puñado de canciones “iracundas” en este disco, música tan agresivamente catárticas que se siente como un exorcismo. "La falta de confianza en uno mismo provoca una sensación muy intensa y paralizante, y luego se siente bien decirlo en voz alta y cantando”, explica Barnett. "Siempre se siente muy bien cantar una canción ligeramente iracunda y sacarla de tu maldito cuerpo, sacar ese sentimiento, y se siente bastante... No encuentro las palabras, pero se siente bien".
Y la catarsis de interpretar una canción iracunda ante una multitud de decenas de miles, aunque es una experiencia relativamente nueva para Barnett, es algo que ella ha acogido de todo corazón. Antes era agonizantemente tímida —recuerda, con una sonrisa irónica, su negativa a reunirse con los amigos de Cloher en las primeras etapas de su relación—, pero los años que ha pasado bajo la luz de los reflectores la han ayudado a abrirse hasta a la emoción de las presentaciones en vivo. “Como resultado de los últimos años me di cuenta de que tenía mucho más valor en mí de lo que pensaba. Siempre decía: ‘Ay, soy muy tímida’, y actuaba realmente raro cuando tenía que conocer gente", dice. "Cuando comencé a salir de gira con más frecuencia y a hacer giras por el extranjero, me vi forzada a aprender cómo hacerlo. Creo que es bastante liberador cantarle todas estas cosas a cientos de personas, se siente un poco irreal".
Aun así, Barnett anticipa que los primeros meses de gira con Tell Me How You Really Feel serán una lucha. "Creo que todo este lanzamiento y la gira del álbum será un gran desafío, sinceramente y, de hecho, hablar de ello con cientos de personas ya ha sido desafiante y muy intenso", confiesa. "Tratar de entenderlo y descubrir cómo me siento o de qué estoy hablando con gente extraña, es una situación realmente rara”. Y sólo hablamos de la parte promocional; la gira en sí es algo completamente diferente. Después de la agotadora gira para Sometimes I Sit and Think, Barnett se dio cuenta de que las realidades de viajar al extranjero no eran tan simples como pensó inicialmente. Un mes de gira se convirtieron en dos, los cuales después se convirtieron en tres meses, simplemente porque la banda pensó que no valía la pena pagar el costo adicional de volar todo el camino de regreso a Australia. "Todos descubrimos que estábamos equivocados, eventualmente", dice Barnett. "No es que hacer una gira sea lo más importante en el mundo".
Pero esas son preocupaciones para el futuro; en este momento, todo lo que le preocupa a Barnett es el álbum. "Me siento muy orgullosa de él, así que con suerte la incomodidad inicial desaparecerá", dice. "Supongo que esa es la otra cosa: te das cuenta, finalmente, de que es sólo otra gota de agua en el inmenso mar. Crees que todos están concentrados en ti y pensando en ti; pero en realidad no es así, por lo que luego piensas ¿a quién le importa?”, me dice sonriendo. “Simplemente haz lo mejor que puedas".
Shaad D'Souza es el editor australiano de Noisey. Síguelo en Twitter.
Johnny Depp va a interpretar a Russell Poole, el detective de la policía de Los Ángeles que investigó el asesinato de Notorious B.I.G. en City of Lies, la próxima película de Brad Furman, a estrenarse en septiembre. El primer trailer que se estrenó esta mañana, en lo que habría sido el cumpleaños número 46 de Biggie, se centra en las interacciones entre un Depp bigotudo y su co-protagonista, Forest Whittaker, que interpretará a "Jack", un periodista que trabaja junto a Poole para descubrir la verdad sobre el asesinato del legendario rapero.
El trailer cuenta con todas las frases cliché que esperarías de una película de policías: "Soy periodista" dice Jack, porque... eso, es periodista. "Un asesinato como ese solo queda sin resolver si la policía no quiere resolverlo" dice Poole, porque le ha tocado ver cosas que probablemente a ti y a mí no.
City of Lies está basada en un libro del 2002 de Randall Sullivan cuyo kilométrico título reza: LAbyrinth: A Detective Investigates the Murders of Tupac Shakur and Notorious B.I.G., the Implication of Death Row Records' Suge Knight, and the Origins of the Los Angeles Police Scandal [LAbyrinth: Un detective investiga los asesinatos de Tupac Shakur y Notorious B.I.G., la Implicación de Suge Knight de Death Record Records, y los orígenes del escándalo de la policía de Los Ángeles]. Sullivan es un periodista y guionista estadounidense quien también se adentró en la muerte de Michael Jackson como objeto de estudio.
Los créditos anteriores de Furman como director, incluyen The Lincoln Lawyer en 2011, The Infiltrator en 2016 y el video de "What Do You You Mean?" de Justin Bieber. Mira el trailer en la parte superior de este post.
Una de las grandes conclusiones a las que llegó la prensa sobre el nuevo disco de Arctic Monkeys, Tranquility Base Hotel & Casino, es que no es un disco de sencillos. La banda no lanzó ninguna canción independiente antes de que el álbum saliera en su totalidad; no hay bangers obvios, y ni siquiera hay realmente ningún coro ("Four Out of Five" con su frase "Take it easy for a little while / come and stay with us" [Tómatelo con calma por un momento / ven y quédate con nosotros] es lo más parecido; y no está muy cerca que digamos). Los críticos han comentado que el álbum se tiene que escuchar como un todo, y parece que el público está de acuerdo, ya que el largo les ha significado a los Monkeys su sexto número uno consecutivo en la lista de álbumes del Reino Unido.
La compañía Official Charts, que es una organización británica que compila tablas con listas "oficiales" del Reino Unido dice que, en total, Tranquility Base Hotel & Casino vendió 86,000 copias en su primera semana (convirtiéndolo en el disco más grande de la semana en todos los formatos, lo que es muy elocuente y una verdadera hazaña). De esas copias, 24,500 estaban en vinilo, lo que lo convirtió en el vinilo de mayor venta en los últimos 25 años (rompiendo el récord anterior de As You Were de Liam Gallagher, que vendió 16,000 en su primera semana).
Siempre es maravilloso enterarse de los álbumes que funcionan en vinilo, y parece que el rock todavía domina ese formato. Por un lado, es muy ~chavorrucos hablando de "Música Real"~. Por el otro, se me resbala una lágrima por mi cachete de nerd de los vinilos ver álbumes físicos. La experiencia de ir a comprarlos, llevarlos a casa y tocarlos en un plato giratorio es una actividad formativa si las hay, para cualquier fanático de la música -y qué mejor que mantenerla viva gracias a nuevos álbumes como este. Sí, soy yo, tu tío el chavorruco.
Lykke Li, a solo un par de semanas de lanzar su nuevo álbum so sad so sexy(sí, ese es el nombre), estrena visual para "deep end", uno de los tres sencillos que ya dio a conocer. Siguiendo la moda que han construido Nicki Minaj y Taylor Swift, Li decidió sacar su video con un formato de video "vertical", como la pantalla del cel. Debe ser un tipo de arte futurista o algo.
El video de "deep end" tiene la cosa bonita de, además de ser vertical, haber sido grabado casi en su totalidad por Li. El clip narra una noche salvaje entre ella y su esposo Jeff Bhaskar (quien co produjo la canción con Malay y T-Minus). La cantante sale a cuadro todo el tiempo posando para sus bellas selfies, tanto en la cámara frontal como en selfies frente a espejos con distintos tipos de iluminación. El video está bien hecho, no odien. Yo pagaría por esas selfies. Entre este y su video de "utopía", Lykke Li está cobrando un papel cada vez más importante en esta época.
Goethe-Institut presenta nuevamente una serie de eventos llenos de intercambios culturales, donde México y Alemania a través de la música, las artes y la historia se hacen aún más cercanos. HERTZflimmern se refresca en la ciudad dando turno a la escena berlinesa y local, trasladándonos a través de los beats y el dancefloor a espacios emblemáticos donde se le rinde culto al techno y al house para ofrecer las fiestas más vanguardistas y representativas de estos géneros.
La primer parada de este nuevo ciclo tendrá lugar en Terminal, un nuevo club en la ciudad que destaca por su selección de música electrónica creativa, y que por su naturaleza seguramente pondrá ante tus oídos mundos por descubrir. DJ Resom, Phaedra y Koscoy son las primeras en encabezar el regreso de HERTZflimmern el próximo 23 de mayo.
Angus Finlayson aka DJ Resom tiene una trayectoria de más de 15 años como DJ de música electrónica, la cual comparte con su trabajo como agente cultural y activista en pro de la igualdad de género. La residente del influyente club berlinés ://aboutblank, crea sets envidiablemente sofisticados, en los cuales construye viajes de house, techno y electro en sus diferentes vertientes, usando solo vinilos. Además, es booker, imparte talleres para incentivar a personas que se identifican como mujer a ser DJ, y presenta el show OPTION en la Berlin Community Radio.
Cortesía de DJ Resom.
A la noche se le suma la línea cósmica de techno, acid y electro por parte de Koscoy, DJ emergente del Estado de México cuya selección oscura la ha posicionado como una fuerte representante de la escena nacional. Actualmente es parte del crew de Dance Your Name y ha tenido dos participaciones en Boiler Room México.
Phaedra, miembro del colectivo Ensamble y programadora de las noches Lapidación en Terminal, donde además es residente, también se une a la celebración de HERTZflimmern. Su sonido se enfoca en el future garage y post bass para crear mezclas diferentes. A partir de este enfoque, sus mixes son más experimentales acompañados de ambient con la contundencia del grime y footwork.
Cortesía de Phaedra.
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El año pasado Goldfrapp lanzó su séptimo álbum Silver Eye. De esa producción se desprendió "Ocean", y ahora el duo inglés sacó una nueva versión del track, esta vez con la participación de la leyenda Dave Gahan de Depeche Mode. El nuevo edit de "Ocean" será parte de la edición de lujo de Silver Eye y estará disponible a partir del próximo 6 de julio.
Gahan y Alison Goldfrapp equilibran la delicadeza del coro con sus voces. El track suena genial. Es el tipo de colaboración que llevábamos esperando desde que salió el disco: En el downtempo se siente la química entre Goldfrapp y Depeche Mode.
En una entrevista, la banda habló acerca de la colaboración con Gahan: "Trabajar con Dave en 'Ocean' es un verdadero honor para nosotros. Estamos encantados de poder compartirles el resultado final". Escucha el track en la parte superior de este post.
Rock n' roll, reggae, ska, rocksteady, punk, rock progresivo, trip hop, shoegaze, drum and bass… Cualquier género musical que haya brillado en los anales de la cultura popular desde mitades del siglo pasado, tiene algo que ver con el Reino Unido, la gran esponja musical por cuyas ciudades han pasado personajes de todo el mundo, enriqueciendo desde todos los rincones un legado que ha definido los miles de rumbos del sonido contemporáneo.
Pero mientras que en las islas surgían movimientos anti sistémicos desde el sonido, y nacía y moría la vanguardia; cruzando el charco, en un país más caliente y selvático llamado Colombia, el campesino ya era un hábil contador de historias en clave musical. Llámenlos juglares, caciques o como quieran, pero lo cierto es que el mestizo que le cantaba a sus pesares y amores con acordeón en mano, acompañado de sus compadres en la guaracha y los tambores, llevaba un tesoro entre sus manos: la sagrada cumbia.
Y tal vez aún no lo sabía.
Aunque desde los años sesenta es imposible pasar por una década en el Reino Unido donde no se haya creado un hito a nivel musical, la magia y el espíritu africanos e indígenas de la cumbia, que por mucho tiempo pareció tan alejado del mainstream, también se ha sabido meter en el alma de muchos, incluso de los que sobre el papel estaban tomándole el pulso a la cultura en otras partes del mundo.
Joe Strummer y Andrés Landero
Justo ahí comienza esta historia.
El romance entre los conquistadores y los conquistados expresado en dos hombres que nunca se vieron de frente: Joe Strummer y Andrés Landero. El primero, fundador de The Clash y referente de la primera ola del punk inglés. El segundo, un campesino sanjacintero que supo convertirse en el rey con la corona de la cumbia en la cabeza.
¿Cómo demonios se encuentran un par de personajes como estos? Pues claro, por la música, y como bien rememoró Mario Galeano -comandante del Frente Cumbiero, Ondatrópica y Los Pirañas- en su texto sobre este encuentro, Strummer decía tranquilamente "I'm a fucking cumbia expert" en los días que programaba temas del maestro Landero en London Calling, su programa en la BBC Radio de finales de los noventa.
Un fan fan.
Sin ir más lejos, fue gracias a John Mayhall alias Cumbia Kid que los discos costeños clásicos de mitad del siglo pasado viajaron de Cartagena a Londres, el lugar donde su amigo Strummer se enamoraría del sonido sabanero. “Estos veteranos punks querían seguir bailando y gozando, y la cumbia se lo trajo en un momento en el que la escena del rave mostraba su cara más punk también”, explica Galeano.
Richard Blair y Sidestepper
Se podría decir que los noventa fue la década donde inició este cariño, o si no que lo diga Richard Blair, otro englishman cuya vida cambió para siempre después de conocer a Toto la Momposina, cuando fue ingeniero de sonido en la grabación de su disco La Candela Viva de 1992 en los estudios Real World de Londres. “Tuve la mejor semana grabando con Toto, todo fue muy cálido en el estudio y después de eso su manager, que vivía en Colombia, me invitó al país durante unas vacaciones a finales de ese año”, cuenta Blair.
Sidestepper en vivo como parte del Mestizo Colombia
Pero la cosa no se quedó ahí y un año más tarde, durante 1993 y con su trabajo en los estudios de Peter Gabriel terminado, decidió regresar a Colombia por unos días, un viaje que “inicialmente era por un mes pero ya van 25 años aquí”, recuerda entre risas. Blair llegó para hacer historia y durante los dos años siguientes, sería una pieza importante para dos discos que combinarían nuestra tradición musical con los sonidos contemporáneos de manera magistral: Con el corazón en la mano de Aterciopelados de 1994 y La Tierra del Olvido, el icónico álbum de Carlos Vives lanzado en 1995.
Todavía faltaba algo y aliado con Teto Ocampo e Iván Benavides -de la banda de Carlos Vives e integrantes de Bloque de Búsqueda-, Blair le daría forma a su propio hijo musical: Sidestepper. Un laboratorio de beats, groove y cumbias con el que publicó himnos para la pista de baile como “Hoy tenemos”o “Más papaya”. Entre los colaboradores que han pasado por su grupo a lo largo de los años aparecen nombres clave como Goyo de ChocQuibTown, El Chongo de Colombia, Pernett, Kike Egurrola y Pedro Ojeda. Una flama que supo encender rumbones endemoniados alrededor del mundo durante finales de los noventa y principios de los dosmiles, dejando un legado que se traduce en grupos del tamaño de Bomba Estéreo y Systema Solar.
Richard Blair en vivo con Sidestepper como parte de Mestizo Colombia
“Cuando llegué a Colombia nadie entendía qué estaba haciendo con la cumbia, les parecía una música horrible y decían que por qué no me metía en el rock. Por eso cuando se puso de moda a principios de los dosmiles le dije a Toto que su trabajo estaba hecho”, sentencia satisfecho Blair, que hoy sigue tocando con Sidestepper y disfruta de tantos años de trabajo en su casa en el histórico barrio de La Candelaria en Bogotá.
Quantic y Ondatrópica
Si nos adelantamos a fines de la década pasada, en 2007 aparece el nombre de Will Holland, conocido tras los decks como Quantic. Un músico, productor, DJ y melómano -pero de verdad melómano- que de Worcestershire se pegó la rodada hasta Cali para vivir la experiencia entre discos, instrumentos y maestros. Llegó buscando oro negro y lo iba a encontrar sí o sí: “Vine a Cali por un amigo y terminé metiéndome de lleno a la cultura melómana, de verdad estaba dispuesto a meterme en una pelea por un disco jaja”.
Quantic en vivo con Nidia Góngora en vivo como parte de Mestizo Colombia
En total fueron siete años en la Sultana, maquineando todo tipo de remixes y compilados desde su base de operaciones en el barrio San Fernando, en una época en la que incluso llegó a participar en el Petronio Álvarez 2010 con su grupo Quantic y su Combo Barbaro. Un tiempo en el que realmente se entregó a reflexionar desde la música sobre el mestizaje y esa evolución hasta el dance electrónico.
“Me puse a estudiar acordeón en Cali con un profe de Ovejas, después viajé a aprender ritmos y canciones en San Jacinto; con Carmelo Torres en Sincelejo; con los Hermanos Tuiran en Barranquilla; con Aníbal Velásquez en Valledupar; con el Turco Gil en Chitre y Guararé; en Panamá con Papi Brandao y Fito Espino”, nos dijo Quantic en una entrevista del 2015. Encuentros con auténticos maestros de distintas disciplinas del folclor que lo llevarían a el que es tal vez su gran aporte al sonido nacional:
On-Da-Tró-Pi-Ca
Así grande, como la cantidad de músicos que la componen y las canciones con las que llenan escenarios enormes cada tanto. Todo un manifiesto tropical contemporáneo que junto al genial Mario Galeano -mencionado antes-, comanda desde 2012, cuando gracias al apoyo del British Council entraron a los míticos estudios de Discos Fuentes junto a leyendas de la tropicalia nacional como Michi Sarmiento, Alfredo Linares, Aníbal Velásquez y Fruko, para grabar su primer disco homónimo. “Con Mario Galeano nos quedamos allí un mes grabando en Discos Fuentes, componiendo temas y colaborando con una alta clase de músicos” rememora Quantic. Fueron 30 días que bastaron para marcar un antes y un después, descrestando a oídos recorridos y extraños y llegando a presentarse en escenarios de la talla de Glastonbury.
Pero aún con esto encima, Quantic siguió inquieto y junto a Nidia Góngora, una de las cantaoras contemporáneas más grandes del país, echó a correr su propio proyecto del que vimos una primera muestra en el 2017 con Curao. “Cuando conocí a Nidia era todo un acontecimiento del Petronio Álvarez y además de ser cantaora, siento mucha admiración por ella porque también asume el rol de compositora en muchos de sus trabajos. Es realmente una badass jaja”. Un disco que asegura Quantic, duró unos seis años en el horno, mientras componían los tracks entre Cali, Bogotá y finalmente lo terminaron de mezclar en Nueva York, donde reside actualmente.
Nidia Góngora en vivo con Quantic como parte de Mestizo Colombia
“Lo que siempre he dicho es que uno nunca debe eclipsar a nadie o tomar el trabajo de otro e intentar reemplazarlo. Siempre hay que tratar de hacer discos que nunca has escuchado”, comenta Quantic, con el temple de un tipo que lleva años metido de cabeza en la música. Es la historia de otro inglés que cayó flechado por los encantos de la música latinoamericana y se entregó a ella, creando su propia historia en el camino.
***
Como buen romance, lo de Strummer, Blair y Holland con la música colombiana es un cariño que se ha entregado recíprocamente. Ellos, fascinados con los ingredientes sonoros de este país y encantados por los colores de la Colombia profunda. La música, por su parte, abierta a ser llevada por nuevos caminos, a que la muestren hacia el mundo como algo que lleva pasando desde hace años y debe ser escuchada. Finalmente estamos hablando de mestizaje y tanto acá como en Londres, es la razón de la vida como la conocemos.
“Cuando llegué a Colombia no me interesaba que me hablaran de rocanrol. Quería escuchar tambores alegres, ¡percusión!”. Una frase de Richard Blair que finalmente lo dice todo.
Junto al British Council Colombia hicimos una mística fiesta en la bahía de Taganga para celebrar esta historia de romance musical, que significa un nuevo mestizaje. Sigue esta historia en palabras de Sidestepper, Cero39, Boom Full Meke y Quantic Music + Nidia Gongora:
Tuve la oportunidad de conocer hace unas semanas a mi artista favorito de todos los tiempos, Brandon Boyd, compositor y vocalista de la banda californiana de rock alternativo Incubus, quien ahora pasa por una faceta artística que mantuvo oculta por mucho tiempo: la pintura, la cual manifiesta como una muestra de amor y gratitud hacia la vida.
He sido fan de Incubus desde el lanzamiento del Morning View, en 2001. Crecí con su música desde que estaba en la secundaria. Había mucha influencia gringa en mi natal Chihuahua porque en la radio había un auge del rock alternativo y rocanrolero. Incubus, Audioslave, Red Hot Chilli Peppers, Creed, Staind y Lifehouse era lo que se escuchaba.
Cuando tenía 14 años, viajé un verano a Alaska y en un centro comercial bastante rustico compré el Morning View. Recuerdo que mientras mi tía manejaba una antigua van, escuchábamos el álbum en medio de aquel inmenso paisaje. Era como tener un recorrido del estilo de vida hippie, acompañado por la música californiana de Incubus en medio de las montañas, el mar y el bosque. Fue un momento nómada que cambió mis esquemas.
Cuando vi que en esta nueva faceta de Brandon, sus primeras exposiciones eran en California, pensé “Ojalá estuviera ahí”. Durante todos estos años, mi mayor aspiración con él era justamente conocerlo y entrevistarlo porque, aunque he tenido la fortuna de estar en primera fila en sus conciertos, poder ver su arte de cerca es otra cosa.
Hace días me apareció una sugerencia de eventos en mis redes sociales, donde anunciaban que Brandon Boyd estaría el 12 de mayo en la inauguración de su exposición Optimystic, en la galería Sammuel Lynne, de Dallas, Texas.
Inmediatamente mandé un correo solicitando una entrevista, presentándome como periodista de México, y me resolvieron en cuestión de una hora. Tenía una cita con Brandon Boyd ese sábado a la 1:30 de la tarde, previo a la inauguración de su obra.
Aún no era quincena, así que pedí un dinero por adelantado y compré de inmediato los boletos del Greyhound que me llevaría hasta allá. Viajé un viernes por la noche y conocí a Meeche, un afroamericano de Los Ángeles que se dirigía hasta Dellaware para visitar a un amigo. Nuestro insomnio nos convino porque veníamos platicando de trap y de lo maravilloso que es California. En cada parada que el chofer hacia fumamos Newports mentolados.
Cuando llegué a mi destino, me fui directo a un baño público. Me bañé y me arreglé como pude, llegué al museo y me recibió amablemente el artista J.D. Miller, el dueño de la galería. Yo con el corazón acelerado vi que al fondo de la sala estaba Brandon, ahí como si nada, platicando con su manager Jen DiSisto.
Reconozco que en algún momento del viaje pensé que podría decepcionarme al conocerlo, pero resultó todo lo contrario. Boyd es lo contrario a un divo: divertido, humilde y sencillo. Platiqué con él por más de media hora y me firmó su libro con un “Gracias, Norma”. Sí, escribió las gracias en español y me dijo que su comida favorita son los tacos.
Optimystic, es un juego de palabras para hacer un recordatorio sobre cómo la mayoría de las cosas son una cuestión de percepción, y que la forma en que percibimos el mundo es un reflejo de nosotros mismos. De ahí la necesidad de introducir un poco de esperanza y magia en nuestras ideas. Un optimismo mezclado con algo más profundo.
Sus lienzos de tinta, acuarela y acrílico, obras en papel y retratos enfocados en figuras abstractas, muestran a musas, siluetas femeninas y miradas profundas. Su arte crea una sensación mística, y su trabajo pictórico parece inspirado en el surrealismo y psicoanálisis, con líneas meticulosas y a la vez caóticas.
Boyd no descarta la oportunidad de algún día mostrar su arte visual en México, un país al que dice amar por su gente, por su comida y por sus raíces chihuahuenses.
"Debería ir en algún momento a la Sierra (Tarahumara). Mis bisabuelos maternos eran de Chihuahua, pero se movieron a El Paso, Texas y finalmente a San Diego donde mi madre nació”, resalta con orgullo.
También me dijo que el talento le fue heredado de su madre, quien pintaba y cantaba cuando él era un niño, y de su padre, que en los años 70 solía modelar pantalones para la tienda JcPenney, en comerciales de televisión. "Algunas veces pinto lo que escucho y viceversa", dice.
“El proyecto lo hice como una forma de expresión porque con el paso del tiempo, aprendí a observar cómo me siento. Me hace sentir esperanzado, muy optimista sobre cómo van las cosas, porque experimentamos el mundo a través de nuestra percepción y eso puede estar tan fácilmente fragmentado e influenciado".
“Un centenar de personas pueden entrar en esta sala y ver la misma cantidad de cuadros en la pared, algunos pueden alejarse de ellos y tal vez se sientan optimistas, tristes, inspirados para formar una banda o ir por un taco. La persona es lo que importa en esta experiencia”, me explicó.
Checa el resto de la charla que tuve con Boyd abajo.
Noisey: ¿De qué manera has prescindido ligera o dolorosamente para caminar más liviano por la vida? Brandon Boyd: Hay ventajas y desventajas en los caminos que he elegido a lo largo de los años. Los aspectos positivos son obvios, que son hacer las cosas que amo hacer y eso tiene una inherente recompensa. Me gusta usar el término de "caminar con el viento y no en su contra". Sigo mis instintos y la creatividad es casi una especie de fuerza invisible que ayuda a empujarme, obtienes cierto impulso. Hay algunos inconvenientes de aislamiento que afecta a tus amigos y familiares, ellos pueden sufrir en la medida en que avanzas por este camino en dónde estás.
Cumplí 42 en febrero y a veces siento que tengo 19 años, y de vez en cuando me siento como si tuviera 150 o como si hubiera vivido siete vidas, pero luego desde un plano positivo, siento como si todavía fuera un adolescente haciendo garabatos en mi bloc de dibujos o jugando con mi perro.
Las fans te aman, ¿te has detenido a verles a los ojos y encontrar algo del otro lado que también te inquiete? Ha sido una experiencia interesante mostrar el arte. Es diferente en un concierto porque estás emocionado arriba de un escenario: el sonido explotando, hay luces, humo e ilusión y todas estas cosas que son divertidas pero que también dan un paso hacia otro papel. A mis exhibiciones de arte ha asistido gente maravillosa, y hablar y mirarles a los ojos pone las cosas en perspectiva y me cambia a un escenario más profundo, que cuando estoy en un concierto y los fans me gritan que me quite la camisa [risas].
¿Qué sucede mientras creas una obra y dejas secar la pintura? Nunca escucho mi música cuando pinto. Eso sería raro, como John Malcovich viendo Cómo ser John Malcovich. Antes de crear, investigo y me vienen las ideas. Mi pieza favorita es siempre la más reciente. La mas desafiante fue “A smile in a darkened room” en la que se asoma una lengua y quiere alcanzar una puerta sicodélica. La terminé hace un mes pero la empecé hace tres años. La guarde, no cooperaba y me di por vencido como 10 veces pero no lo tome personal. Fue muy retador. Hay días en los que fluyes, y otros en los que sientes unas pesas en tus brazos pero es parte del proceso y es hermoso sumergirse en la medicina de estar bloqueado en tu propia creatividad. Al final la pintura habló por sí sola.
Finalmente, los fans siempre quieren saber sobre tus tatuajes. Siempre me gustaron. De chico solía ver libros de prisioneros rusos y me parecían geniales, aunque la gente me decía que eran solo para gente mala. Pero a mí me parecían de lo mas cool y poco a poco me fui tatuando el cuerpo.
Tijuana es la ciudad fronteriza más visitada en el mundo, una ciudad donde se mezcla lo gringo con lo propio, donde puedes ver un panorama californiano a la vez que observar el tráfico y la contaminación, donde da lo mismo hablar inglés que español, y donde la vanguardia crece al mismo tiempo que la violencia. De esta esquina izquierda emergen muchas de las propuestas que hoy en día se apropian del programa musical del país y que claramente reflejan dicho cruce cultural en sus creaciones. Per estás bandas —ahora con proyección nacional o en algunos casos, internacional como Mint Field o San Pedro el Cortez— no estarían donde hoy están si no fuera por All My Friends Music Festival.
El AMF nació en 2010, gracias al esfuerzo de Argenis García, quien junto a algunos amigos, decidió emprender la labor de conjuntar cada año lo más sobresaliente de la escena musical del norte. En ese momento Tijuana no pasaba por su mejor etapa: el narcotráfico y la violencia estaban en auge y las balacera se presentaban sin avisar, por lo que la noche era un momento de incertidumbre total, y el nacimiento del festival vino a revitalizar la escena, darle a las bandas un espacio de crecimiento, y que el mundo volteara de nuevo a ver a Tijuana y, en está ocasión, para bien.
Hoy en día no se puede hablar de la escena tijuanense sin mencionar al festival. La creación del evento fue un hecho sin precedentes, y dio paso a la creación de más eventos donde se promovieran proyectos musicales de todo tipo, siendo el AMF de los primeros en aglutinar bandas sin importar el género o nicho de donde provinieran, manteniendo un espíritu independiente, inteligente y una visión transnacional, negándose a ver fronteras entre escenas. García lleva casi 7 años organizando un festival autentico y sin pretensiones, además de promover shows alternos o colaborar en la gestión de otros festivales fronterizos como el Viva Pomona.
All My Friends Fest en 2015, foto de Elsa Solorio
Lamentablemente el AMF no pasa por su mejor momento. Tras tener problemas financieros en ediciones pasadas, ahora se enfrentan a la usurpación de su nombre por parte del promotor y DJ estadounidense Gary Richards ( Destructo), mismo que organiza raves bajo el nombre de HARD Events o Holy Ship! Este sujeto registró el nombre de My Friends Music Festival en los Estados Unidos, como lo reportó el portal estadounidense Billboard.
Richards anunció el 10 de abril la creación de un festival de dos días a mediados de agosto, en el centro de Los Angeles (a dos horas y media de Tijuana) bajo el mismo nombre que el festival fronterizo, pero siguiendo la misma tendencia de sus eventos anteriores de música dance, hip-hop y sus variantes. Este hecho provocó que el festival se contactará con Richards, pero toda insistencia del equipo hacía el DJ de abandonar el nombre, fue en vano. Eso ha dejado al festival en una situación complicada para seguir produciendo eventos bajo el mismo nombre, y creando confusión entre sus patrocinadores estadounidenses.
Nos acercamos a Argenis García, su fundador, para charlar sobre la historia del festival, la polémica actual que vive su nombre y el futuro que le depara. Checa lo que nos dijo.
Noisey: ¿Cómo nació a idea de crear un festival como el AMF? Argenis: La idea original se dio en el 2010. Al principio era solo hacer una fiesta casera con mis amigos para apoyar a mi hermana que en ese momento se iba de viaje de estudios a Barcelona. Pero fue hasta el 2011 que empezamos a ver la idea de hacer un festival que sirviera como plataforma para las bandas de la región, para exponerlas a nivel nacional e internacional. Conforme fueron pasando las ediciones, fuimos aprendiendo de las diferentes oportunidades y obstáculos que presentaba hacer un festival cada vez más formal, que tuviera relaciones convergentes con otras disciplinas.
A partir del paso de crear el festival y sus dos primeras ediciones, ¿cómo fue el proceso de hacer crecer al festival, hasta lo que es hoy? Tuvo mucho que ver el equipo que hemos tenido a lo largo de las diferentes etapas del festival. Cada quien aportó para convertir ideas en realidades. Obviamente fue fundamental la relación que tuvimos con Nrmal a partir del 2012 hasta el 2015, que nos ayudó mucho en el aspecto comercial y los puntos finos de la producción.
All My Friends Fest en 2015, foto de Elsa Solorio
Pasando por géneros muy diversos, y apostándole siempre a bandas en su momento emergentes, hoy proyectos consolidados, ¿cómo ha sido el proceso de curaduría del festival a través de los años? Desde sus inicios creo que el entorno donde se desarrollaría el festival nos ayudó mucho a definir qué bandas tocarían y dónde. Es decir, si serían sets acústicos en una cocina, las bandas más garages que tocaron en el salón de Millionarie’s House, el teatro de La Casa de la Cultura o en la playa. El entorno nos ayudó a definir las propuestas que escogimos para tocar en los diferentes escenarios.
A grandes rasgos ¿cómo ha sido el proceso de hacer un festival con estas características? Ya que es un festival fronterizo que fue el primero en posicionarse como tal. Ha sido un proceso complicado por diferentes motivos pero aún más importante ha sido muy reconfortante. Creo que en su momento el festival capturó una época que se vivía en Tijuana y en México, con muchas bandas que traían propuestas muy interesantes. Muchas siguen consolidándose, otras siguen activas y otras se han presentado en escenarios muy importantes. A su vez se han establecido relaciones muy buenas con festivales de California para seguir estrechando lazos y realizando eventos en ambos lados de la frontera.
All My Friends 2012, foto de Pax Delgado
Hace algunos meses se vieron en una disputa por la usurpación del nombre del festival por parte de una empresa estadounidense, hecho que dieron a conocer en redes sociales ¿Qué fue lo que pasó con exactitud? El promotor y DJ Gary Richards registró el nombre en Estados Unidos de ALL MY FRIENDS MUSIC FESTIVAL, el cual se realizará en junio en Los Angeles, a pesar de nuestra recomendación de no hacerlo, pues coarta nuestras posibilidades de crecimiento, crea confusiones con nuestro público americano, y nuestros lazos con compañías americanas etc.
En qué etapa está dicho conflicto ¿Pueden mantener su nombre y hacer el festival?
Nosotros podríamos hacer el festival en México. Lamentablemente para nuestros inversionistas, una marca fronteriza que no puede crecer hacia el mercado estadounidense, le resta muchísimo valor y eso fue lo que canceló la inversión para este 2018.
Además de hacer shows y proyecciones bajo el nombre del festival o en conjunto con otro ¿Qué le depara el futuro al festival?
Estamos trabajando en ello. Por el momento en lo que se resuelve lo del nombre del festival, estaremos haciendo shows. Una vez que haya una resolución, se tomará una decisión si continuar el festival o cambiar de nombre.
Faith Rodgers, ahora con 20 años, declaró que tuvo contacto con el cantante y compositor, cuyo nombre real es Robert Sylvester Kelly, después de un show en San Antonio, Texas en marzo pasado. Según la demanda, Kelly alcoholizó a Rodgers esa misma noche, a pesar de ser menor de edad e intercambiaron números de teléfono. Dos meses después Kelly viajó a Nueva York para una presentación; de acuerdo con la demanda, le pidió a su asistente Diana Copeland que comprara un boleto para que Rodgers viajara a la ciudad.
La demanda dice que Kelly "llegó a la habitación del hotel [de Rodgers] e inició un contacto sexual no deseado". Además afirma que el ex jugador de baloncesto "hizo caso omiso de las palabras específicas por parte de Rodgers de que no estaba 'lista para tener relaciones sexuales'".
Rodgers hizo declaraciones acerca del abuso en una entrevista publicada ayer por la BBC : "Le dije que no estaba preparada para tener relaciones, que no lo hago en la primera cita, no soy ese tipo de persona".
Desde entonces, según la demanda, Kelly ha abusado de Rodgers "mental, sexual y verbalmente" y su comportamiento "la ha humillado, avergonzado e intimidado". Rodgers aseguró que Kelly la violó repetidamente y la encerró en automóviles y estudios, como castigo por "no complacerlo" sexualmente. Rodgers dice que Copeland fue complice de estos hechos.
Durante su relación, Faith dice que R. Kelly le pidió que firmara un acuerdo donde le ofrecería "protección". Ella no firmó el acuerdo.
A Faith le presentaron a un grupo de mujeres que R. Kelly describió como su "familia", todas se dirigían a él como "papá". Seguían una serie de reglas impuestas por él como ponerse de pie, caminar hacia él y besarlo en la boca cada vez que entraba a la habitación.
La víctima llamó a algunos miembros del grupo cercano a R. Kelly como "títeres" a quienes les han lavado el cerebro.
"Él es el maestro y ellos son sus esclavos", dice Faith.
Rodgers también declaró que recibió una llamada en febrero donde le aconsejaban hacerse una prueba de infecciones de transmisión sexual. El resultado fue positivo en el examen de herpes. La demanda alega que Kelly sabía que tenía herpes y no se lo dijo a Rodgers.
En abril, cuando apareció por primera vez el informe de Rodgers, un portavoz de Kelly dijo al Washington Post que el cantante de 51 años "niega rotundamente todas las acusaciones".
En la parte superior de la demanda, la abogada de Rodgers, Lydia C. Hills, escribe: "Desafortunadamente, los hechos y los antecedentes de este caso no son únicos. Esta es una rutina sexual de R. Kelly. Durante más de 20 años mujeres en todo Estados Unidos han sido [...] víctimas de R. Kelly y han presentado denuncias similares".
Kelly ha sido acusado de violación y de maltrato sexual varias veces en las últimas dos décadas, aunque nunca ha sido condenado por alguno. El año pasado, Jim DeRogatis informó a Buzzfeed que Kelly estaba practicando un "culto" abusivo, aislando a jóvenes de sus familias. Un reciente documental de la BBC profundizó en el tema, declarando que Kelly usó a una niña de 14 años para ser su "mascota sexual".
Hace dos semanas, en respuesta a la campaña #MuteRKelly, que exige "investigaciones y nuevas revisiones a los dictámenes de las denuncias hacia R. Kelly por mujeres de color y sus familias durante más de dos décadas", Spotify eliminó las canciones de Kelly de sus listas de reproducción.
Las portadas de discos son parte de los máximos encantos del formato en vinilo. Los 30 centímetros cuadrados de la portada y contraportada permiten la apreciación de cualquier imagen o motivo que se haya utilizado para adornarla. He visto cómo discos con grandes portadas se convierten en líderes de ventas simplemente porque resultan atractivos a la vista y, por el contrario, he visto discos con portadas no tan agraciadas almacenados por su nula rotación en inventario (a pesar de tener joyas musicales entre sus surcos). Así es como se desmorona la galleta.
Por ejemplo y hablando de ediciones recientes, el Drunk del Thundercat tiene una grandísima portada pero la música incluida, pienso, no está a la altura de la misma. Hablando de clásicos, el Bitches Brew de Miles, Krishnanda de Pedro Santos y Super Ape de los Upsetters son discos que tienen grandes portadas y los compradores en tiendas de discos tienden a tomarlos y apreciarlos con avidez.
En el pasado hablé acerca de portadas de discos con bebés y en esta ocasión haré un recuento de portadas con comida, que es otro motivo recurrente para adornar tapas de álbumes.
Una de las referencias en este tema es el álbum de 1969 de los Rolling Stones Let it Bleed en el que vienen incluidos los clásicos de la banda inglesa, "Gimme Shelter" y una de sus rolas más recordadas "You Can’t Always Get What You Want". La tapa del disco muestra al vinilo siendo reproducido, mientras que el centro del plato incluye al eje cromado de una longitud inusual que atraviesa a lo que parece ser una pizza, encima de ella otro plato con un pastel decorado con figurillas que representan a Mick y el resto de las Piedras.
Del jazzista Cal Tjader recordamos su clásico Soul Sauce de 1964, editado bajo el sello Verve. En primer plano aparece una botellita de salsa con claras reminiscencias al modelo que usa la salsa Tabasco y atrás un platillo que ha sido presumiblemente aderezado por la salsa en cuestión. El disco encuentra a Tjader usando ampliamente los ritmos latinos que estaban en boga durante esos años: mambo y bolero. En el álbum participan músicos como Donald Byrd y las percusiones están a cargo de Willie Bobo, Alberto Valdez y Armando Peraza, todos ellos aportaron su indispensable cuota latina para el sonido de Tjader. Existe una teoría que sugiere que el nombre del género llamado 'salsa' proviene de este disco ya que la pronunciación de Soul Sauce en inglés es similar a Salsa en español.
Todavía en géneros latinos, otra portada relacionada con comida es del disco Cocinando la Salsa del vibrafonista Joe Cuba de 1976; incluye la rolota de boogaloo con influencias disco "Joe Cuba's Latin Hustle". En el arte del disco aparece el viejo Joe junto a una estufa con algunas ollas y con la mano izquierda sostiene un abundante plato de ‘arroz guisado’, un platillo típico de Puerto Rico. Ese mismo 1976 Mongo Santamaría editó su álbum Sofrito y cuya portada muestra una cacerola en la que recién se ha preparado el famoso platillo en una versión puertorriqueña.
Cuando se habla de portadas con comida, siempre se hace la referencia al Best of Brahms de la Pittsburgh Symphony Orchestra que interpreta la música del famoso compositor clásico alemán Johannes Brahms. La portada es considerada como uno de los peores artworks en el mundo de la música clásica y muestra sobre un fondo azul cielo una sartén con un par de huevos estrellados acompañados por unas tiras de tocino. Supongo que la sugerencia es que el disco debe ser escuchado durante las mañanas.
Dentro del jazz de Blue Note existe una portada muy famosa, me refiero a la del Down Home Style del Brother Jack McDuff que muestra un delicioso plato con carne, frijoles y ensalada sobre un mantel de esos que tienen tus tías en el comedor. También se aprecia un plato con tostadas, un elote con mantequilla y una taza con una salsa casera para acompañar los alimentos. El disco es uno de los clásicos de la era jazz funk de Blue Note.
Mi favorito es el Mm.. Food del MC enmascarado: MF Doom, la famosa tapa del disco originalmente editado durante el 2004 por el sello de Minneapolis Rhymesayers Entertainment. El arte contiene a Doom caricaturizado -obvio- sentado a la mesa sosteniendo una cuchara recién extraída de un cuenco de cereal en el cual podemos apreciar el empaque junto a una botella de producto lácteo. El cereal en cuestión no son pequeños malvaviscos y hojuelas de maíz cubiertas de chocolate: lo que está comiendo Doom son pequeñas cabezas de personajes que no podemos identificar acompañadas de lo que parecen tuercas. Alimentos con alto contenido de hierro para empezar el día de un villano regular. La portada es original de Jason Jagel y Jeff Jank.
No podemos olvidar el Spaghetti Incident de Guns con el mundialmente famoso plato italiano de fondo; del mismo Mongo Santamaría el Stone Soul con un opíparo plato de frijoles y arroz; y del famoso guitarrista de sesión Dennis Coffey Finger Licking Good que muestra un cesto de alitas de pollo al estilo buffalo.
Graduado de Red Bull Music Academy, Nick Hook, además de ser DJ y producir su música, ha destacado por sus colaboraciones con una gran cantidad de proyectos, haciendo de todo, desde produciendo para Young Thug y Azealia Banks hasta colaborar con artistas de rap como El-P. Recientemente, Nick trabajó junto a DJ Earl para lanzar un álbum titulado 50 Backwoods, el cual se desliza entre el hip hop y footwork, teniendo como invitado especial a Wiki. Sin duda, se ha convertido en uno de los personajes más solicitados de Nueva York gracias a su versatilidad y apertura a los ritmos urbanos.
Nick no tiene miedo de arriesgarse con nuevas propuestas, funciona de mil maneras mezclando lo análogo con lo digital, permitiendo a su público percibir su sonido en distintas direcciones y facetas. El próximo 26 de mayo, el originario de Brooklyn se presentará en la Ciudad de México en un evento organizado por NAAFI; al line up se suman Lao, Mexican Jihad y Braian. (Da click en la imagen para mayor info).
Para comenzar a calentar motores, Hook preparó este mix exclusivo para Noisey. Dale play y prepárate para una buena dosis de baile.
Death Grips acaba de lanzar un nuevo tema, "Flies", y un video musical para acompañarlo. Esta es la segunda canción que estrenan de su próximo álbum, Year of the Snitch y continúa su noble labor de querer hacer canciones que, ejem, pues suenen a canciones de verdad. O sea, "Flies" dura dos minutos y medio, casi no tiene gritos (lo cual no quiere decir que no tiene ninguno, solo son menos) y no es espeluznantemente abrasiva como fogatas infernales debajo de tus pies por los siglos de los siglos.
Ahora, algo particular de "Flies" es que... ¿me da una sensación similar a la que me provoca mirar videos de ASMR? ¿Sí conoces? Es como un hormigueo que te recorre la piel. Y pues es todo muy raro porque la canción en sí es bastante estresante: suena como cuando tengo varias canciones tocando al mismo tiempo en diferentes pestañas de mi navegador. Lo cual, obviamente, lo digo a manera de halago. Escucha/mira la canción/video arriba (NOTA: contiene imágenes estroboscópicas). Y si te quedas con la necesidad de un video ASMR real, te ponemos abajo uno que encontramos antes y está bueno.
Ayer 22 de mayo por la noche, Björk dio su primera actuación televisiva en ocho años, como la invitada musical en Later with Jools Holland, un spin-off musical del Late Show, que forma parte de la barra nocturna de la BBC. La diosa de Islandia interpretó "Courtship" delUtopia del año pasado y "The Anchor Song", tomada del Debut de 1993. Junto con un conjunto de flautistas, Björk transformó el escenario de Jools Holland en un oasis. Rodeado de vegetación, el espacio normalmente desnudo parecía un Edén en pintura renacentista.
Björk usó una de sus características máscaras para ambas interpretaciones, y tocó la flauta en "Courtship". Partes del set también parecían sacadas directamente de Utopia. Björk está a punto de lanzar su EP Arisen My Senses, con remixes matones de Jlin y Kelly Lee Owens. Se lanzará en un "vinilo recubierto de genitales de babosa", porque ¿qué otra cosa podrías esperar de Björk? Mira "Courtship" arriba y "The Anchor Song" abajo.
Tal vez recuerdan que a finales de 2017, además de ser una cantante, ganadora del Grammy, filántropa, meme y leyenda cultural, Britney Jean Spears se convirtió en pintora. En noviembre, vendió una pintura a Robin Leach por $ 10,000 USD, que luego se donó para ayudar a obras de beneficencia.
Mientras pintaba este cuadro, grabó su Proceso, en un video que tiene a Mozart como soundtrack, y hasta esta mañana sigue siendo lo más puramente bueno (en el sentido de bondad, y en el sentido de ser lo mejor) que he visto en Internet (aparte de tal vez la cuenta de Twitter @round_boys, no me den las gracias). Sin embargo, siguiendo con mi rutina semanal de meterme a las redes de Britney, noté que publicó un nuevo video donde pinta.
Por favor, disfruten:
Nunca había sentido un oasis de paz como el que me invadió la primera vez que vi este video, mejor dicho, esta pieza de arte en movimiento, con Britney y sus hijos pintando en lienzos instalados en un jardín. Este videito tendría que mostrarse cada determinadas horas en las discusiones ociosas en redes sociales por las elecciones presidenciales, o cada que se pelean en la calle un par de tipos porque uno se pasó el semáforo, y que pudiera así, fungir su vocación más profunda: lavar toda su furia en lágrimas fervientes y generar una conversación productiva sobre las expectativas que la sociedad y la masculinidad tóxica les imponen a ellos y, por ende, sufrimos el resto de nosotrxs. Estamos hablando de un video que podría resolver guerras. Es pura serenidad, en todos los sentidos:
1) Silencio
A diferencia de la visión anterior que nos regaló Britney de ella inmersa en su arte, este video no va acompañado de un edificante tema de música clásica, sino que está rodeado por la magia del silencio. Los tres artistas están embebidos en su trabajo, absortos completamente en él; lo que, con su ejemplo, nos invita a nosotros como espectadores a recogernos en nuestros propios pensamientos.
2) Ubicación
Si el cielo existe, definitivamente tiene un pequeño rincón, –—tal vez entre la parte donde puedes acariciar todo tipo de cachorritos, y la que tiene siempre asientos vacíos en el metro— donde Britney imparte una clase de pintura, en un jardín como este. Presumiblemente este es el jardín de la casa de Britney, y es exuberante, verde y soleado, y todo al respecto de él me hace sentir centrada y serena.
3) Las pinturas mismas
Britney está pintando un pajarito con unas flores en un lienzo pequeño, y si no te hace sentir cantidades industriales de serenidad, entonces somos fundamentalmente diferentes.
4) La ombliguera de Britney
Hay cosas que simplemente van a ser así, y cuando me siento triste o ansiosa o que el mundo es una mierda, me gusta recordarlas. El tiempo seguirá, el sol va a seguir poniéndose, y Britney Spears siempre, siempre va a usar ombligueras. Esta tiene flecos. Todo está bien.
5) Los conjuntitos blancos
Por supuesto, la nueva santa patrona del arte pictórico (lo siento Frida, pero hay un nuevo ícono de la pintura en la ciudad, y se llama Britney) viste de blanco. Dame una blusa blanco y un lienzo y unos acrílicos del Lumen y hazme tu discípula, Britney. Estoy lista para ser salvada.
La personalidad de Moodymann es como su música: tan impredecible que se ha convertido en un cliché de Detroit. Pocas veces ha dado entrevistas y la mayoría de sus apariciones en público son como DJ. Nuestros hermanitos de THUMP alguna vez se refirieron a él como "el último enigma de la música dance". Lo que conocemos de él es simple: ama a Prince (fueron grandes amigos), el house y el patinaje. Como productor y remixero ha gozado de gran éxito, tomando lo mejor del funk para sus odiseas interminables y reconstruyendo canciones pop para llevarlas a la pista de baile. Para él, el house es más que un sonido, es un sentimiento.
Esa flexibilidad fue lo que le atrajo del productor inglés Nightmares on Wax y decidió remixear uno de sus tracks: "Deep Shadows". "Moodymann es un productor al que he admirado durante mucho tiempo; todo sobre su ambiente musical es impredecible, y te hechiza", dijo Nightmares. "Así que fue complejo pedirle que remezclara esta canción, sin saber cuál sería el resultado".
Y lo inesperado surgió. El track original se desprendió de Shape the Future, álbum lanzado en enero, y es un cover a la versión de Little Ann de finales de los 60. Moodymann siguió fiel a su esencia y nos envió a un lugar desconocido. Excavó en el centró rítmico de la canción y transformó la voz de Sadie Walker en brumas de sintetizadores sumergiéndose en los colores del house. No es un trabajo épico del pilar de Detroit, pero te absorbe hacia la profundidad de sus bajos.
Este lanzamiento resalta el valor emocional de Nightmares on Wax, lo que es razón suficiente para ahondar en el remix, el cual estará disponible en 12' a partir del 13 de julio, acompañado de más versiones del alter ego de Nightmares, DJ E.A.S.E.
Fechas próximas de Nightmares on Wax: 25 de mayo - Belgrave Music Hall - Leeds, Reino Unido * 26 de mayo - World Island - Leeds, Reino Unido 27 de mayo - LSTD - Bristol, Reino Unido 30 de mayo - Trees - Dallas, TX 31 de mayo - The Mohawk, Austin, TX 2 de junio - 1stBank Center, Broomfield, CO 3 de junio - Urban Lounge, Salt Lake City, UT 6 de junio - Imperial, Vancouver, BC 7 de junio - Nectar Lounge, Seattle, WA 8 de junio - Wonder Ballroom, Portland, OR 9 de junio - Mezzanine, San Francisco, CA 11 de junio - The Fonda Theatre, Los Ángeles, CA 12 de junio - The Crescent Ballroom, Phoenix, AZ 13 y 15 de junio - Sonic Bloom Festival, Rye, CO
