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Hablamos con el fotógrafo de los ídolos del rock argentino

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Todas las fotos cortesía de Eduardo Martí.

Fue a mitades de los sesenta cuando Eduardo Martí, un entonces fotógrafo principiante de Buenos Aires, comenzó a dar sus primeros pasos en su profesión haciendo fotos para eventos de rock locales como el Pinap y el Barock, celebrados en teatros como el Coliseo de Buenos Aires, el Teatro Embassy y el extinto Instituto Di Tella. Esa fue su puerta de entrada al mundo del rock 'n' roll -donde lo apodaron Dylan por su parecido con el mítico cantautor de Minnesota- y a Carlos 'Machi' Rufino, el bajista de Pappo's Blues e Invisible. "Comencé a realizar algunos trabajos de prensa para bandas como El Reloj y Aquelarre y fue a través de 'Machi' Rufino, que establecí contacto para hacer una sesión de fotos de prensa para Invisible, la mítica banda liderada por Luis Alberto Spinetta".

Ese fue el comienzo de una amistad tanto personal como artística, que le permitió ser el director de todos sus videos musicales de ese momento en adelante, componer junto a él temas como "Almendra" y "Quedándote o Yéndote" incluidos en su disco solista Kamikaze y ser la mente detrás de portadas icónicas como la de Artaud y Durazno Sangrando y otros retratos memorables de 'El Flaco'. "El carácter visual de los encargos gráficos y visuales que hice para Spinetta fueron motivados por una búsqueda estética cimentada en el gusto por cierto tipo de películas, músicas y literatura que nos inspiraba", recuerda Martí.

En medio de ese camino, Eduardo cuenta cómo fue que gracias a su amistad con Jorge Pistocchi -el fallecido editor de revistas dedicadas a temas musicales como El Expreso Imaginario, Mordisco y Pan Caliente-, logró acceder en los setenta y ochenta a otros músicos a quienes fotografió en diferentes etapas. Una lista gigante donde aparecen nombres como Fito Páez, Charly García, Virus, Soda Stereo, Divididos, Carlos 'el Indio' Solari, Lito Nebia, Pedro Aznar, A Tirador Laser, David Lebon, Seru Giran y Los Abuelos de la Nada. Por supuesto también está Illia Kuryaki and The Valderramas, la banda que su hijo Emmanuel formó junto a Dante, el hijo de Spinetta, a principios de los noventa.

Una vida fotografiando a los grandes del rock de su país y el continente que él mismo evalúa asegurando que "siempre resulta que todo puede ser visto como perfectible una vez concluido, pero mi experiencia dicta que el resultado final es un promedio, y siempre traté de entregar lo mejor de mi".

Por nuestra parte, decidimos que la mejor manera de acercarnos al trabajo de Martí debía ser a través de sus fotografías y le pedimos, con varias de ellas en mano, que nos contara algunas anécdotas y pensamientos que le evocan al verlas hoy en día.

***




Dos personajes talentosos y carismáticos. Mi hijo Emmanuel y Dante, el hijo de Luis, con la cúpula de la iglesia de Guadalupe de fondo, en el inicio de su carrera.


En su casa de Belgrado recién llegado de una gira por Japon junto al Pat Metheny group. Pedro Aznar es un genio multiinstrumentista.

Un retrato mitad Fito, mitad Luis. Dos genios amasando una efervescencia artística irrepetible.

La época de 'Nada Personal'. Hice las fotos para la portada del disco y aquí se ve a Gustavo con guitarra Guitarra Gibson ensayando. La primer banda argentina que proyectó nuestra cultura mas allá de nuestras fronteras. Extrañamos a Gustavo.

En su casa, amo y señor en su refugio. Agárrate Catalina que nos vamos a hamacar.

En un descampado del delta del Paraná, un torero herido. En épocas de 'Tester de Violencia', contra todos los males de este mundo.


"Ninjas" de Rey Pila es el soundtrack de un montaje de película y tú eres la estrella

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No se tienen que poner intensos, ya sabemos que Daniel Larusso es el Karate Kid y no un ninja entrenado en las altas montañas de Asia, pero este nuevo tema de Rey Pila es un montaje de peli ochentera, con todo y sintes a propulsión y coros como tirar golpes al aire, con solo el más ligero toque de añoranza. Esta es la primera rola que saca Rey Pila de un EP llamado Wall of Goth, que lanzarán bajo el auspicio de Cult Records el próximo 28 de abril. Y es otro banger producido por Julian Casablancas. El vocalista de los Strokes en realidad produjo todo el EP junto a Shawn Everett. 

"Desde el principio nos sentimos inmediatamente atraídos hacia 'Ninjas', con su beatbox como de Nintendo y su nostalgia por Judas Pirest", explicaron los muchachos. "Julian siempre dijo que tenía ese tipo de magia que sucede cuando bailas y nadie te ve. Se nos cuecen las habas de compartir con todo el mundo el Wall of Goth EP". 

Escucha abajo:

Surrealismo NSFW con Los Mundos: “Los gatos de Ulthar” es un tributo a H.P Lovecraft

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Entre el caos, el ruido y el increíble orden que Los Mundos han creado en todo su concepto sonoro, existe un surrealismo implícito que se desarrolla en letras bipolares que a momentos no significan nada, y al mismo tiempo pueden significarlo todo.

Un ejemplo claro lo vivimos en "Huracán Ramírez" y hoy, notamos dicho aspecto de bipolaridad en la presentación de "Los gatos de Ulthar", un sencillo que se desprende de su último material titulado Las Montañas y que en una dotación más elevada de distorsiones y reverb, desarrolla ese mismo misticismo al inspirarse en un cuento de H.P Lovecraft publicado en 1920 de título "The Cats Of Ulthar".

Con un agresivo y repetitivo mensaje, pero acompañado de una poderosa serie de cuadros que retoman un aspecto misterioso y artística, Los Mundos presentan este nuevo audiovisual para cerrar el ciclo de su última producción de estudio y dar inicio a la nueva etapa que 2017 trae consigo.

¿Merecemos todo lo malo que nos pasa? ¿Realmente nos hemos convertido en personas terribles y de lo peor? Preguntas que existen en canciones que la verdad, tienen una nula intención de darnos respuestas.

El abismo es profundo y Los Mundos no te quieren salvar, pero bien podrían acompañarte durante tu caída y "Los gatos de Ulthar" serían un buen y ruidoso recordatorio. 

(Foto principal de Thom Díaz, vía).

Mira a Mac DeMarco tocar "This Old Dog" rodeado de perros de verdad

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Mac DeMarco muchas veces parece un hombre irónicamente haciendo una impresión de sí mismo, haciendo covers a sus propias canciones y ataviado con su propia ropa. Puede ser exasperante, tal vez menos porque tiene canciones de pop brillantes enterradas bajo tres metros de chistes de vergas. Sólo tienes que cavar. Una montaña de chistes de vergas.

Su nuevo álbum, This Old Dog, se estrena el 5 de mayo y las dos canciones que hemos escuchado hasta ahora, han sido precisamente el tipo de temas agresivamente lacónicos pero brillantemente construidos que DeMarco puede hacer cuando está en forma. Para completar el círculo DeMarqueano, Crack Magazine invitó al artista de 26 años a tocar el tema homónimo al nuevo disco en uno de esos lugares primermundistas donde la gente puede ir a acariciar perros, así que lo vemos acompañado de los amigos caninos Tilly y Foxton. Todo está en la pertinente y correspondiente calidad VHS, los colores son todos de neón-pastel, y es todo muy retro y torcido. La canción es buena ¡Muy buena! ¡Es verdad!

8 raperos españoles que el pop se está perdiendo

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Hace menos de 5 años, el que un rapero fuese tildado de hacer algo que sugiriera mínimamente al pop, era poco más que el peor menosprecio que podrías hacerle. Eran épocas donde la palabra "real" reinaba tiránica a sus anchas amedrentando a los rappers que no querían verse marcados con la letra escarlata.

El pop y el rap en España siempre han vivido uno de espaldas al otro. El primero miraba al segundo como a ese primo que se dio a la mala vida, al que señala en las bodas y del que nadie de la familia quiere saber. El segundo mira al primero como a un adolescente sin personalidad, simplón, que cambia de gustos cada cinco minutos y que tiene la vida resuelta porque sus papis están forrados de pasta.

Hasta hace muy poco, los escasos acercamientos entre ambos se quedaron en un quiero y no puedo de colaboraciones artificiales y sin ningún tipo de química. Tenemos muchos ejemplos de esto: 

Afortunadamente, en pleno 2017 es el primo díscolo el que cada vez con menos rubor, ha dado el primer paso para acercarse a su familiar más pudiente (aunque últimamente hemos visto también el camino inverso en versiones tan poco previsibles como la de El Último Vecino con "Mi Chulo" de La Zowi o la aún más sorprendente adaptación por parte de Los Planetas del "Ready pa morir" de Yung Beef). No solo muchas de las temáticas se han suavizado sino que en el campo audiovisual, algunos de los clips que podemos observar, si hiciéramos el experimento de mutear el tema y enseñárselo a alguien que no sepa en absoluto quién es el rapero en cuestión, con toda seguridad, hay muchas posibilidades que crea que lo que está viendo es el clip de algún cantante de pop indie español. 

A estas alturas ya hay un grueso de la escena que no solo no ven el pop cómo el demonio sino que coquetean con él y no se ofenden cuando alguien les dice que "popean". 

Arufe

Arufe. Foto de iamMikey1

Arufe lleva muchos años siendo un perro verde dentro del rap español, un alma libre que siempre ha ido muy a su rollo, poco permeable por la que quisiera que fuera la ola del momento en la escena. El gallego de una manera que nunca ha parecido intencionada, va haciendo incursiones esporádicas fuera del rap, siempre manteniendo su actitud positiva y ofreciendo una música colorida con toques de humor y entretenimiento que consigue insertarte sus estribillos en el cerebro como un mantra a la vez que esbozas una sonrisa.

Estas cualidades, sin duda, le hacen poseedor de una merecida posición en el top de raperos españoles susceptibles de hacerse un hueco en un género como el pop, en el que figuras como la del gallego serían muy bien recibidas.



One Path

One Path

One Path ha sido el alias con el cual el rapero antes conocido como Javi B y antes de antes conocido como Vince Monk ha encontrado su sitio en la música. El alcarreño nunca ha sido el rapero más estándar del mundo, entre sus muchos temas en la nube difícilmente encontraremos alguna referencia a la calle, su masculinidad o masajes gratuitos hacia su ego.

Ecléctico donde los haya, a lo largo de la andadura del de Guadalajara podemos escuchar una experimentación constante con el sonido pero casi siempre con la musicalidad y el gusto por la electrónica como característica principal en sus temas. Ha sido en su último clip, donde ha dado un golpe sobre la mesa (tanto a nivel musical como audiovisual) y se ha postulado como una de las más firmes promesas a ser asumidas por el pop. Un gesto valiente (y a la vez lógico) proviniendo de una escena como el rap que ya sabemos que no es demasiado amable con los "tránsfugas".


Mi.Amargo

Mi.Amargo

Con casi toda seguridad si a los seguidores primigenios del mataronense e incluso si a él mismo le hubiésemos enseñado hace 5 años temas como "Rosa Borbón" hubiesen pensado que eso era una marcianada que jamás se atrevería a hacer; eran otros tiempos (el hecho de haber colaborado en este track con Sr.Chen, es otro factor diferencial para el sustancial cambio en su música, Chen es otro de los que perfectamente podría aparecer en este post por tener sobrados skills para desenvolverse en el pop y ¿qué tienen en común Mi.Amargo y Sr.Chen? Pues por ejemplo (*spoiler alert) haber trabajado con Elphomega). Aunque fijándose en los inicios de Mi.Amargo, en su predilección por los estribillos cantados y en ver cómo a lo largo de estos años ha ido sumando luminosidad, introspección y especialmente perdiendo estigmas y prejuicios a la hora de concebir su música; tampoco nos debería extrañar tanto el acercamiento tanto estético como musical de Amargo hacia el pop.

Mi.Amargo, ya con una considerable experiencia a sus hombros, es cada vez más Mi y menos Amargo. Cada vez está más cerca del mainstream y más lejos del encorsetado rap estándar. El hecho que el público haya retirado algo sus focos de él, le ha convertido en alguien más libre, en alguien al que ya no parece que le preocupen las vistas, el qué dirán, el ¿esto gusta? y se ha centrado definitivamente en hacer lo que a él le gusta hacer ahora.



Elphomega

Elphomega. Dibujo a lápiz de Albert Ramos según foto de Jordi Fernández.

El malagueño es el papá de los que no tienen prejuicios en el rap. El malagueño ha sido uno de los pioneros, sino el principal, en alejarse de los cuadriculados estándares del rap español para adentrarse en otros horizontes donde muchos no se atrevían ni a mirar de reojo; y lo que es altamente sorprendente es el hecho de que siempre ha mantenido el respeto más absoluto de toda la escena, que comprendía y aceptaba de manera casi silenciosa que eso era algo que solo Elphomega podía hacer.

Corría 2011 cuando el andaluz le dio un buen bofetón al rap español con "Phantom Pop"; un trabajo que solo él podía firmar, rebosante de luminosidad en medio de una época donde la oscuridad era la tendencia. Cuando a principios de 2014 estrenó su trabajo junto con Piti Elvira "Catarata", nadie quedó en shock al darse cuenta que Elpho acababa de hacer un trabajo diseñado para posarse en las estanterías de la categoría de pop de la Fnac, o el Corte Inglés. Un fracaso a nivel de repercusión pero un éxito a la hora de cargarse de muchas limitaciones musicales que nadie parecía atreverse ni a soplar. Elphomega ha sido y es uno de los arietes (evidentemente teniendo en cuenta la nueva forma de consumir tanto música como información) encargados de dilapidar las fronteras de la música urbana.


Pimp Flaco

Pimp Flaco

La canción que más me llamó la atención de Pimp Flaco cuando lo escuché por primera vez a principios de 2015 fue "Golfa". Me pareció transgresor el hecho de autodenominarse "maricona" (aunque a todas luces fuese de forma totalmente irónica) cuando aún estábamos en medio de una escena dominada por la hipermasculinidad. Pero sin duda, mi tema favorito de entonces era "Yo te Quería a Tí" que rebauticé como "Los Secretos Rap Game" por la sensación que me daba que Pimp Flaco estaba cantando sobre una instrumental que el vocalista de Los Secretos, Álvaro Urquijo , hubiese deseado hacer suya.

Pop sin ningún tipo de tapujo es lo que acababa de hacer el de Badalona. El hecho de "no saber cantar" nunca ha sido un inconveniente para muchos de los vocalistas que durante décadas y décadas han inundado el top 40 de las listas del pop en español.

Después de un tiempo sacando videos y videos de un estilo del cual me declaro incompetente para calificar, el pasado 2016 vuelve a coquetear con el pop con "Sintigo" sobre una obra maestra instrumental fabricada por Sandro Jeeawock.

Ya en el presente año, el catalán vuelve a demostrar que los cánones del rap no están hechos para él y como si de una reivindicación propia se tratase, saca los dos pies del rap con "Me Da Igual".


Kaydy Cain

Kaydy Cain

Kaydy Cain ha sido y posiblemente lo siga siendo, uno de los raperos más controvertidos y más políticamente incorrectos de la historia del rap español. Cuando en sus inicios nadie dudaba de si lo suyo era rap o no lo era, ya se había conseguido un puesto muy destacado en el rap de España debido a su su actitud ultraconfiada y desafiante (que le hacía impermeable o incluso más grande ante el hate de gran parte del público) por alardear de la habilidad de los suyos en el "hustleo" y por tratar el tema de la mujer de la manera tan explícita y políticamente incorrecta.

En general, las letras del madrileño son carne de horas de edición para la "clean/radio" version (uno de los factores por los cuales el rap siempre ha estado "vetado" por las radiofórmulas en España) pero si hay una cualidad que hace de Kaydy un valor seguro para el pop esta es la capacidad innata del madrileño por crear hits; canciones enfermizamente pegadizas que por mucho que intentes odiar, permanecen más permanentes en tu cerebro que la tinta su cara y ¿no es esa una de las principales características del pop?

Para muestra un botón: Video Star! Muévelo, Kaydy Cain.


C. Tangana

C. Tangana. Foto: Javier Ruiz

La historia de C.Tangana es la historia de un rapero al cual la escena del rap se le quedó pequeña, punto. El Zeiner se ha labrado una carrera paso a paso que ha dado como resultado que a día de hoy, sea uno de esos escasísimos nombres que cualquier seguidor de la música actual en España conozca; ha traspasado los márgenes del rap para popularizarse fuera de él.

Ya en su última etapa, ha sido cuando el madrileño, dejando atrás todos los complejos, ha iniciado su trayectoria directamente a la escena del pop (ya no español, sino en español). C.Tangana ha hecho temblar los estándares de las radiofórmulas españolas más conocidas y ha forzado a que su música sea ya ineludiblemente mainstream, sea con o sin el apoyo de las anteriormente mencionadas radios.

Pucho ha sido y es, uno de los mejores ejemplos de alguien que ha sabido leer a la perfección cómo debía ser su música en función de los tiempos que hoy vivimos.


Yung Beef

¿Yung Beef? ¿En serio? ¿Pero Yung Beef no ha sido el máximo causante del boom del trap en España? ¿Yung Beef no es el culpable de que aún al día de hoy no tengamos clara la diferencia entre rap, trap, R&B y reggaetón y por causa de esto utilicemos etiquetas tan confusas como el de música urbana a modo de cajón de sastre?

El caso del éxito de Beefie ha sido una cuestión de pura actitud. Una actitud que no solo ha sido vital a la hora de labrarse una meteórica carrera musical sino que además, también ha contagiado a gran parte de la escena de aquel entonces y por extensión a la mayoría de los más jóvenes que poco después decidirían lanzarse al mundo de la música, hasta tal punto de haber volado por los aires muchos de los más firmes estándares de lo que hasta ese momento significaba hacer rap en España.

El andaluz es la personificación de saber manejarse y gestionar tanto su imagen como su carrera musical. Una visión privilegiada que le permitió adaptarse como nadie a la que entonces era la nueva forma de consumo masivo musical, Youtube.

A pesar que el granaíno nunca ha hecho ademán de acercarse musicalmente al pop; irremediablemente, ha conseguido que la montaña vaya a Mahoma, es decir, ha hecho que "por cojones" el pop tenga que fijarse en él y en los suyos. 


(Imagen principal: Arufe, vía)
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¡Púmbale! Lorde estrena otro tema de su próximo disco: "Liability"

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Una semana después de anunciar su regreso con el temita sabroso pa los aerobics "Green Light", el producto neozelandés de mayor exportación desde que conociéramos a los dos Urbans: Keith y Karl, la siempre genial Lorde, acaba de estrenar un segundo tema de su nuevo disco. "Liability" es una bonita balada en la que la veinteañera se suelta con las confesiones encima de un piano solitario. Básicamente suena como el arrepentimiento post-antro, pre-desmayo que golpea como látigo en la estela de hedonismo que dejó "Green Light".

La nueva canción acompaña el anuncio oficial de la fecha de estreno para el segundo álbum de estudio de Lorde, Melodrama: el 16 de junio. También será el invitado musical de SNL este sábado.

Hormonas de 21 años: Una charla con Girl Ultra

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Girl Ultra es sexy y es mustia: dice que su erotismo y su sensualidad provienen de sus "hormonas de chica de veintiún años". Ha puesto a Drake de cabeza —en un altar— y lleva la tristeza del autor de "Hotline Bling" en un escapulario, su cara triste en la parte frontal de la camisa, que querrás verlo llorar más.

Su sonido es fresco, fresa y fascinante, así, con f de fuego. Girl Ultra es como una mezcla entre Selena, Marisela, Jeans, Wet Baes, Affer y Ace of Base, pero más pertinente y más relajada, obviamente. Más epicúrea. Vestida con ropa deportiva de los años 90 y con una clara deuda referencial hacia la "Sporty Spice" (Melanie Chisholm), Nan de Miguel (Girl Ultra) llegará hasta ti para embelezarte la entrepierna del cerebro y agudizar tus cinco sentidos, pondrá a mover tus corvas y resucitará tu corazón, que como el mío, tal vez esté colmado de angustia y oscuridad.

Girl Ultra es una reinvención del amor platónico en tintes del más suave y delicado R&B que se ha hecho por este lado del mundo y uno de los talentos clave en salir últimamente de Monterrey. También es una de las nuevas caras de Finesse Records, sin duda un referente importante de lo que sucede en México actualmente. Aquí una charla reveladora con la autora de "Cruel", quien será la encargada de abrir el escenario rojo este sábado 11 de marzo, en el Festival Nrmal 2017.

Noisey: ¿Cómo llegaste a Finesse Records y cómo comenzó el trabajo con Jesse?
Girl Ultra: Fue a través de Wet Baes que, platicando con Teen Flirt, pensaron que sería buena idea juntarnos a Jesse Baez y a mí a colaborar. Al estar trabajando, se dio un flujo de trabajo muy cool y pues surgió el EP completo. Nos entendemos muy bien a la hora de producir y componer.

¿Qué le aporta a Nan de Miguel el R&B?
La cara femenina y latina que nunca se le pudo dar antes en México y Latinoamérica. Puede ser un parteaguas a proyectos venideros para este género no tan explorado de este lado.

¿De qué habla en realidad tu sencillo "Cruel"?
De los altibajos, la dualidad que se crea cuando cambian los intereses en una relación. Es un sentimiento algo universal.

¿Qué representó AFFER para ti?
Mi primer acercamiento en la música de una manera más formal, agradezco mucho haber experimentado el trabajar con una banda, porque me preparó y me dio bars para linkear mi trabajo con más gente.

¿Cómo es trabajar con Wet Baes y David Oranday?
Es súper gratificante estar rodeada de mentes como ellos, que me ayudan a crecer como artista. Son diferentes en su manera de trabajar pero nos complementamos bastante bien al final.

¿Por qué hacer un cover a Drake?
Quería aterrizar un poquito a mi realidad y a mi idioma ese track. Fue por mero gusto, la verdad.

¿Cómo definirías tu estilo?
Pues algo como sporty/glittery/babygirl, un poco de todo en realidad.

¿Con qué artistas mexicanos te sientes identificada?
Selena, y me fascinan las divas del cine de oro mexicano.

¿De dónde proviene tu sensualidad?
De mis hormonas de 21 años. lol

¿Cuál es tu libro de cabecera?
He estado muy ligada últimamente a How Music Works de David Byrne. Coincido mucho con su visión de ciertas cosas de la industria y hasta me ha dado tips de presencia en el escenario.

¿Cuál es el ultimo disco que compraste?
Baby One More Time de Britney, porque lo vi en oferta y en alguna mudanza lo perdí, tenía que reponer esa joyita. :(

¿Qué vamos a escuchar de ti en el Nrmal de este año?
Un show bastante orgánico, full band, muy melódico, lleno de atmósferas muy dreamy.

¿A qué artista recomendarías para ser entrevistado por este medio?
Forecast In Rome.

(Foto principal: Caterina G para Totem Store, vía)

Se cumplieron cien años de la primera grabación de jazz

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El 27 de febrero de 1917 se grabó el trabajo Livery Stable Blues por la agrupación de Nueva Orleans Original Dixieland Jass Band. La pieza se lanzó el 7 de marzo de ese año y, su lado A "Dixieland Jass Band One-Step" o "Dixie Jass Band One-Step", es considerado la primera grabación en la historia del jazz.

La agrupación, conformada por músicos blancos, popularizaron la música de Nueva Orleans por todo el EEUU. Primero hicieron unas pruebas de grabación en Columbia durante enero de 1917, sin ningún resultado. Luego lo hicieron con la Victor Talking Machine Company en la ciudad de Nueva York, quienes lo lanzaron convirtiéndolo inmediatamente en un hit instantáneo. Fue quizás la primera pieza de música que vendió un millón de copias y que convirtió al jazz en música popular, posibilitando un boom de otras bandas pequeñas en Nueva York y en Chicago.

Escúchala aquí abajo.


Todo tiene un final, dice Café Tacvba en “Disolviéndonos”, su nuevo sencillo

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Si eres fan de Café Tacvba (de los fans que no se quedaron clavados con el Re, sino que siguen anhelando música nueva), este promete ser un gran año para ti. El cuarteto empezó las cosas el primero de enero con el pie derecho publicando "El futuro", un sencillo en el que inesperadamente experimentaban con la cumbia, como para dar una advertencia: este año venimos con todo, y no esperen más de lo mismo. Y ahora, la banda está de vuelta con un nuevo tema, que suena completamente distinto a lo anterior.

Hoy por la mañana, la banda publicó "Disolviéndonos", el tercer sencillo de su nuevo álbum de estudio, el cual aún no tiene título ni fecha de salida. Y así como "Un par de lugares" era una canción de pop de la onda del Sino, pero experimentando con la estructura de una canción de EDM que nunca llega al drop, y "El futuro" es una canción de cumbia en la onda tacvba, "Disolviéndonos" es su propio universo también: una balada psicodélica que habla ambiguamente sobre la aceptación del fin —aunque no queda claro si hablan del fin de una relación, o de la vida misma —pues a la hora de la hora todos tendremos que morir.

"¿Se escucha la estrepitosa caída del viejo árbol en el solitario bosque? ¿Todo es para siempre? ¿Es más ilusorio y absurdo un sueño que esto a lo que llamamos realidad? Sólo son preguntas que, de a poco, se desvanecen en la nada, a falta de una respuesta verdadera", declaró en un comunicado Rubén Albarrán, vocalista del grupo y autor de la canción, sobre la inspiración detrás del tema. Por su lado, Gustavo Santaolalla, productor de la canción, dijo: "Onírica e introspectiva por momentos y avasallante en otros, 'Disolviéndonos' es una canción que nos invita a un viaje interior. Un camino poético donde, a través de la voz, los instrumentos y los muy diversos paisajes musicales, nuestra materia, lentamente, va perdiendo su forma".

Escuchen la canción aquí abajo, y esperen más noticias sobre su nuevo álbum próximamente.

Cómo Black Sabbath me salvó la vida

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Artículo publicado originalmente en Noisey Colombia
Ilustración por Solo Juan.

La vida, mi vida se resume en una paranoia constante.

War Pigs

Politicians hide themselves away
They only started the war
Why should they go out to fight?
They leave that role to the poor

Viví en el Pacífico, en Buenaventura para ser exactos. Un lugar donde no era nadie y a donde llegué a preguntarme a mí mismo si en verdad existía. Un lugar azotado por la guerra y que posee un gran potencial desperdiciado por la corrupción. Viví la zozobra de no saber si iba a llegar a mi casa cuando salía del colegio. Y cuando me iba a dormir pensando que todo estaba bien, algún idiota hacía estallar un petardo, de esos que rompen vidrios, sueños y esperanzas de niños de diez años que piensan que el mundo es un lugar lindo y bueno.

Time will tell on their power minds / Making war just for fun / Treating people just like pawns in chess / Wait 'till their judgment day comes.

Allá me estaba prohibido pasar de un barrio a otro, aunque fuera para sacar una fotocopia, porque podrían llegar a matarme por ser "blanco" (de blanco tengo lo que Adolfo tenía de ario). Incluso la música, el único escape que llegaba a tener, también era atacada por este tipo de gente: "¿Porque escucha esas vainas satánicas?", "¡Que marica es por escuchar música de peludos!", "No va a ser nadie en la vida si sigue oyendo eso". Todo eso desembocaba en una situación en donde o eras como ellos, o eras marginado. Y bueno, decidí estar solo mientras Araya, Hetfield, Dickinson, Plant y Jagger me acompañaran.

Why doesn't everybody leave me alone now?/Why doesn't everybody leave me alone, yeah?.

Como buen colombiano, y además metacho, nunca empecé por el principio, nunca creí que existiera alguno y no entendí que todas las cosas llevan un proceso. Y aunque a la larga no fue lo más grave, ni algo para tener que crucificarme en una estrella de cinco puntas, cuál true a poseer, si es algo que debí valorar y que tuve que tener en cuenta para no llegar a entrar en ese agujero del que, sinceramente, no quería salir

Back on earth the flame of life burns low / Everywhere is misery and woe.

Durante mi vida en Buenaventura, pensaba que James Hetfield había inventado la música, que Dave Murray era el mejor guitarrista de la historia (Si, aún sabiendo que existe Jimmy Page, Mark Knopfler, Eric Clapton, Rory Gallagher y Jimi Hendrix) y que bandas como Slayer o Iron Maiden eran las únicas que se ganaban el derecho a ser escuchados. Y, aunque en ese momento había decidido que Led Zeppelin sería la banda que sonaría en mi funeral, pese al hecho de haber escuchado "Paranoid" o "Highway Star", había concluido que la dirección de mi existencia tenía que, sí o sí, hablar de guerra. Y como mi vida social era prácticamente nula, me dedicaba únicamente a mis responsabilidades académicas con la esperanza de largarme de ahí tan pronto como fuera posible y vivir. Percibía el funcionamiento de mi mundo dentro de un cubo de cristal que se movía en tres dimensiones, equipado con una especie de escafandra que me permitía salir de él sin perder su protección. Eso era la música.

Al llegar a Bogotá, con 16 años, era un adolescente ingenuo, pero me di cuenta que el mundo es demasiado amplio y que la vida es demasiado corta como para no vivirla; aunque eso repercutiera en tener que morir un poco para poder existir.

Well people look and people stare / Well I don't think that I even care / You work your life away and what do they give? / You're only killing yourself to live.

Planet Caravan
We sail through endless skies
Stars shine like eyes
The black night sighs
The moon in silver trees
Falls down in tears
Light of the night
The earth, a purple blaze
Of sapphire haze
In orbit always

Vivir día tras día con miedo, pensando que me iba a convertir en una estadística para luego llegar a un lugar que se supone que no estaba contaminado por la guerra, fue un fuerte choque. Todo era una utopía y quería "comerme el mundo", tal vez fue ese el principal error que cometí en mi viaje: no entender que es importante responder a los llamados de mi propio cuerpo.

Comencé a experimentar muchas cosas nuevas para mi, esa escafandra no solo se convirtió en un escape musical, sino que se llenó de otros elementos que en ese momento creía necesitar: el arte, el diseño, los museos, las salidas, el cine, los bares, la rumba, los conciertos, las drogas, el sexo desenfrenado. Al mismo tiempo fui enriqueciendo mi saber musical, en un corto espacio descubrí desde Black Sabbath (principalmente gracias a esa joya de concierto que nos regaló Dio, Iommi, Butler y Apice) hasta Lena Willikens pasando por G.B.H, Jefferson Airplane, Buenavista Social Club y Liquid Tension Experiment. Empecé a vivir tan rápidamente, tratando de emular a los genios que tenía en un pedestal, tales como Morrison, Page, Osbourne, Burton, Rotten... Pensaba que en cualquier momento podía frenarme a mi mismo. Lo que no alcanzaba a dimensionar era que si le ponía freno de mano a la situación en la que me encontraba, iba a salir despedido, directamente a convertirme, de nuevo, en una estadística.

Reflex in the sky warn you you're gonna die / Storm coming, you'd better hide from the atomic dive.

La velocidad vertiginosa en la que se encontraba mi vida, no permitía detenerme ni siquiera a pensar por un momento en cual era la dirección del rumbo en el que corría, podía durar enfarrado cinco días seguidos a punta de LSD, cocaína, 2CB y alcohol, descansando sobre mi propio vómito y, en el mejor de los casos, me daba un momento para continuar con mi enfado hacía la vida. Mi manera de golpearla era yéndome de ella.

Lastimosamente tarde, muy tarde, me di cuenta de que no estaba enfadado con la guerra que llegué a conocer, ni con el mundo injusto que habito, estaba enfadado conmigo mismo por no poder hacer nada. Por aquellos que vi desaparecer, y por aquellos que vi ser pisoteados por el hombre desde mi hábitat cristalino. Estaba destruyendo al enemigo que tenía en ese momento, yo, pero creía que lo estaba haciendo con la vida misma.


Hand of Doom
What you gonna do?
Time's caught up with you
Now you wait your turn,
you know there's no return /
Take your written rules,
you join the other fools
Turn to something new,
now it's killing you

Aquí me estrellé con mi primer punto de giro. Desde mi escafandra vivía una vida falsa en donde me sentía como un semidiós y creía que nada me podía dañar. No era consciente de mi propia fantasía. Volví a una Buenaventura que percibía diferente, con más lugares en donde poder caer borracho y con un espectro musical más amplio y con la mente un poco más abierta. Me dejé llevar por los que fueron mis compañeros de colegio a una fiesta cualquiera; eso sí, si no lo hacía a mi manera no lo hacía para nada. A este lugar llevé dos dosis de LSD, algo de perico y obviamente tomé mucho alcohol, nada fuera de lo usual.

To you it's shallow leisure / So drop the acid pill, don't stop to think now.

Ahí tuve mi primera laguna mental, si bien mi memoria era mi mejor amiga, el hecho de encontrar la primera grieta bajo estas circunstancias me llevó a terrible estado de pánico y paranoia que me impedía actuar de manera coherente. A partir de aquí todo adquirió un tono onírico. Desde este momento no sólo los recuerdos van y vienen, también, en mi mente empieza a resonar "Hand of Doom" de Black Sabbath, específicamente:

It's too late to turn, you don't want to learn, Price of life you cry, now you're gonna die!

Asustado como estaba cogí un taxi que me llevara a mi casa, pero mi mente contrariada me jugaba de nuevo. Al aluvión de sustancias en las que nadaba mi cuerpo se le sumaba ahora un desbordamiento de adrenalina, no solo por el efecto de las drogas, sino por el miedo que me producían las jugarretas de mi mente, que me revelaban en ese momento que el taxista que me llevaba a mi casa, tenía intenciones de secuestrarme y lastimarme. Después de gritos, súplicas y negociaciones fallidas decidí saltar del taxi en movimiento, supongo que el taxista también estaba nervioso porque no se detuvo con mi actitud rocanbolesca, de nuevo mi mente me recordaba.

It's too late to turn, you don't want to learn, Price of life you cry, now you're gonna die!

Actuaba por impulsos y cuando salté no lo pensé, pero al caer vi que me encontraba en uno de esos "barrios prohibidos". Si no podía ir ni por fotocopias, la idea de que me encontraran en ese estado era prácticamente firmar mi sentencia de muerte, y porque no era el momento ni la forma de partir de este plano, me atravesé en la carretera y paré un bus que aún no me explico por qué aparecía en ese lugar y a esa hora. No era ni siquiera su ruta, pero cuando me subí hice lo único coherente en toda la noche: le di mi celular y mi billetera al conductor y le pedí que me pusiera a salvo y que llamara a mi mamá. Hasta donde yo creía, solo en ella podía confiar, mi memoria se disipó nuevamente hasta mi encuentro con ella.

Contrario a la actitud que buscaba con su presencia, mi mente, que se daba un banquete con mis miedos, activó nuevamente mi instinto de supervivencia haciéndome huir otra vez, ahora de mi mamá a quien veía como peligro. La nigromante voz de Osbourne hacía una tercera presencia aquí.

It's too late to turn, you don't want to learn, Price of life you cry, now you're gonna die" ' .

Al ver a mi mamá como un peligro salí cuál velocista a buscar refugio, de nuevo mi memoria me falló y entré en un estado de paranoia del cual creí que no iba a salir. Lo siguiente que alcancé a divisar son mis manos esposadas a una camilla de hospital: "Ahora moriré, mi viaje acaba acá", pensé. No sabía que sucedía, no sabía cómo había llegado allí, un médico con voz cortante entra al cuarto blanco donde me encontraba alegando: "Usted casi se muere de una sobredosis, no debería estar acá". "No morí", pensé. "Mi viaje aún es largo", asumí. Todo era oscuro en ese momento y el padrino del heavy metal, acompañado del estruendoso bajo de un Geezer Butler inspirado, dictaba cómo mi corazón latía en dicho instante. "Tengo que valorar más la existencia, tengo que hacer un cambio, ¡NO PUEDO MORIR!", concluí. Lo triste es que después de todo esto, no llegué a aprender.

En mi vuelta a Bogotá, aún siendo un adolescente ingenuo que creía que esta pequeña metrópolis era una utopía, que la gente, aunque no confiaba para nada en ella, no me iba a hacer daño, y que mi existencia no corría ningún peligro, escogí volver a mis andanzas. Luego de algunos días a punta de rock and roll, alcohol, LSD y cocaína, con las personas que creía que eran mis amigos, me atreví a cruzar una línea que no debí siquiera haber pensado en cruzar. Si bien estaba pasando un buen tiempo, sabía que no iba a durar y en un instante de desesperación, con el puño cerrado, con el brazo amarrado y con la jeringa ya preparada. Y sonó Black Sabbath.

Oh you, you know you must be blind / To do something like this / To take the sleep that you don't know / You're giving Death a kiss, / Oh, little fool now.

En cuestión de segundos pensé si este iba a ser el soundtrack de mi muerte o de mi segundo nacimiento. No obstante todo pasó muy rápido recuerdo muy bien el rompimiento de dicha jeringa, recuerdo muy bien a mi existencia corriendo a buscar refugio y queriendo abandonar a los que creía mis amigos. Mi escafandra volvía a su estado original y solo convergía mi estado escuchando Paranoid. La música, mi refugio de la desazón, de la guerra, me había salvado finalmente de mi mismo, e hizo que finalmente lograra renacer.

Paranoid

And so as you hear these words telling you now of my state
I tell you to enjoy life I wish I could but it's too late.

Días después, con el peor guayabo que se pueda llevar, con lágrimas de arrepentimiento por todo lo que pasó y lo que pudo pasar, Ocesa anuncia el que sería el mejor día de mi nueva y mi antigua vida: "Black Sabbath en Colombia". Ese sábado 19 de octubre de 2014 fue el final de una etapa que para ese momento necesitaba muerta. Fue el comienzo de un nuevo viaje. Y aunque todo pasó muy rápido, sentí que cada momento, cada pogo y cada canción me hablaba directamente a mi y a los demonios que pretendía eliminar.

A eso de las 7:00 p.m se encendió la batería de Shawn Drover lo cual dio pie a el intro de "Prince of Darkness", que luego con canciones como "Hangar 18", "In my Darkest Hour", "Sweatin Bullets" y "Tornado of Souls", lograba dilucidar esa escafandra. Aunque me protegía, también me lapidaba segundo por segundo. "Holy Wars" fue el final de una espléndida presentación por parte de Megadeth, y con ello empecé a rememorar el porqué empezó todo, la guerra, además de la corrupción que indirectamente viví. La espera ahora era corta y tal cual la calma previa a la tormenta, recuerdo que el cielo tenía un tinte púrpura, que la multitud silenciosa esperaba como si todos fueran uno…

Al fin sucedió, las luces se apagaron y las tinieblas se apoderaron del Simón Bolívar y con solo una pequeña risa, uno de los mejores frontman de la historia nos tenía en su puño. Desde ahí todo era su voluntad. Las sirenas anuncian la guerra y un Tommy Iommy inspirado comienza a tocar "War Pigs". Desde ese punto arrancaron las lágrimas y la comunión con cada demonio que se colgaba de mis hombros. El bajo de Geezer era el que me guiaba a pasar de recordar esa estúpida guerra, a aprender de ella, Iommi tocando el slide introductorio en "Into The Void" y seguidamente "Under the Sun" rompieron esa escafandra que tanto daño me hizo. Hecho que haría entender que el mundo no gira alrededor mío.

Escuchar "Snowblind" dio pie a que sentara cabeza y me diera cuenta que el perico no era una solución, ni a la ira, ni a la depresión. Suena Black Sabbath y todo empieza a tornarse en un ritual del cual no quería salir. "Estaba escuchando el comienzo de todo", me decía a mi mismo mientras mi raye con la religión se convertía, también, en una enseñanza. "Behind the Wall of Sleep" y "N.I.B" evocó esos momentos en donde el sentir que amaba me hacía de cierta forma feliz, canciones nuevas como "Age of reason" y "God is dead?" que canté como si fueran clásicos y que hicieron que notara que la música, en su gran generalidad, es para disfrutarlas, bailarlas y zapatearlas a cada instante. Geezer "Fairies wear boots", Iommy en "Rat Salad" y Osbourne señalando a Iommi diciendo "He is Iron Man", y posteriormente Tony tocando uno de los riffs más prendedores en el metal, me mostraron que la ira se puede transformar en algo espectacular.

Al final de todo, después de gritar hasta el cansancio "Dirty women" y "Children of the Grave" se incoó el final del nuevo principio. Iommi empieza a retumbar el riff de "Sabbath Bloody Sabbath", que considero el mejor en la historia del metal. "Paranoid" me golpeaba en la cara tan fuerte que no me dio tiempo de asimilar lo que estaba viendo. Esa multitud acallada ahora saltaba al unísono dirigidos por un Ozzy Osbourne que aún tenía fuerzas de cantar.

El cielo aún estaba calmo, pero lo acompañaban las lágrimas de varias generaciones que se reunían a rendirle pleitesía a los creadores, sus gritos, sus pogos y, por ende, su felicidad. Todo había sucedido tan rápido, pero no había concebido la felicidad hasta ese instante y solo hasta ahí comprendí que sí. El mundo es amplio y la vida es corta y no existe realmente ese afán de trascender ni de vivir infinitamente. Entendí que la vida es de momentos y que, en el tramo final del viaje, lo único que quedará son las pequeñas cosas que viví. Solo desde ese momento, y por fin, empezaba a existir.

Dicho esto y a pocas semanas de su capítulo final, a pocas semanas de que se celebrara el aniversario de Black Sabbath, no puedo decir otra cosa que gracias. Gracias por la música, las letras, el baile, por dos de los mejores conciertos a cuáles un mortal haya podido asistir, por darle sentido a la vida y por la vida misma, por ser motivo de recuerdo en tantos momentos. Por casi 50 años compartiendo hito tras hito en la historia humana. Y gracias por ser y seguir siendo la banda más importante en mi vida.

Tortoise: Más allá del post rock

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Cuando comenzaron a principios de la década de los noventa, pocos pudieron vislumbrar que el trabajo de unos músicos que buscaban tocar lo que a ellos les parecía que no se había hecho antes, se convertiría en la leña que hiciera arder el fuego de uno de los géneros que más fans de culto ha desarrollado alrededor del mundo.

El primer disco de Tortoise en 1995, fue de los primeros trabajos musicales a los que se le atribuyó la etiqueta del post rock --tenía todos los elementos de la música que llegó para quedarse, pero hacía todo menos rocanrolear-- y poco después llegó a los oídos de músicos que pronto se pusieron la camiseta con esa nomenclatura. Sí, Tortoise hicieron mucho por el post rock pero el post rock no define a Tortoise; más bien, es solo un pequeño aspecto de su identidad.

Para muestra, tenemos su más reciente disco, The Catastrophist, el cual lanzaron en el 2016 a través de Thrill Jockey, fundada en su natal Chicago. En este trabajo encontramos lo que ya podemos esperar de este grupo de músicos --ritmos que constantemente se interconectan, sonidos dulces y algunos desconocidos, pequeños guiños experimentales que nos hacen cuestionar la misma naturaleza del sonido solo para desaparecer en un parpadeo-- sin llegar a sonar repetitivo. Aún manejan los mismos elementos pero siguen sonando emocionantes hoy en día; sobre todo, nadie suena aún como ellos, por más influyentes que sean. Encontramos guiños al jazz pero mirando a otros lenguajes dentro de esta música que aún no se habían atrevido a interpretar, algunos destiempos con los que el progresivo setentero se forjó en sus grandes años y cortes más sobrios de los que les hemos escuchado en bastante tiempo. También encontramos un cover ("Rock On", original de David Essex, con Todd Rittman de U.S. Maple en las vocales) y "Yonder Blue" con voz, melodía y letra cortesía de Georgia Hubley de Yo La Tengo: uno de los momentos más impredecibles de la banda y uno de los más bellos en su discografía.

Tortoise han manejado siempre muchos matices dentro de su sonido, desde el dub y krautrock del clásico Millions Now Living Will Never Die a los tintes jazzeros y orgánicos de TNT a la saturación electrónica de Standards y lo más frenético de Beacons of Ancestorship. Su lista de colaboraciones incluye todo un disco de covers con Bonnie "Prince" Billy, una colaboración con Beck para recitar de memoria el Live At The Acropolis de Yanni (sí, en serio) y una magnífica sesión de improvisación con The Ex para la serie In The Fishtank.

Aunque abarquen tanto, nadie suena como Tortoise; aún no ha habido quienes logren un sonido tan característico, minimalista, natural y experimental al mismo tiempo como ellos. Es el producto de la esencia de los músicos que conforman a esta banda de manera más pura, una colaboración que solo se logra con la combinación exacta de química y pasión que se logra al juntar a John McEntire, Doug McCombs, John Herndon, Dan Bitney y Jeff Parker. En vivo son más como un monstruo de cinco cabezas que toma órbita a través de ritmos y produce climas a través de notas y texturas bien escogidas.

Tendremos la oportunidad de presenciar eso gracias a su participación en el Nrmal de este año, sin duda una de las cartas fuertes del festival. Antes de subir al avión para cerrar el domingo 12 el escenario azul, platicamos con el baterista John McEntire.

Noisey: Ya llevan un rato tocando en vivo las canciones de The Catastrophist. ¿Cómo ha sido transformar estas canciones cuando han estado tocando en vivo? ¿Han evolucionado de alguna manera?
John McEntire: Toma un poco de trabajo saber cómo restructurar u orquestar las cosas de manera diferente si es necesario. Tratamos de solucionarlo lo más pronto posible, pero las cosas evolucionan y cambian conforme seguimos de gira. Por alguna razón pienso que las canciones del último disco no han tenido grandes transformaciones aún, como lo han tenido parte de nuestro material antiguo que es totalmente diferente ahora, como lo tocamos en vivo. Tal vez aún suceda. A veces toma años.

Mucho de lo que hace a Tortoise es la interacción de todos los músicos y cómo se reparten sus papeles. ¿Tienen una manera de interactuar en vivo para llevar una pieza improvisada en la que todos compongan en vivo?
Depende de las canciones. Hay ciertas cosas que dejamos abiertas donde hay la posibilidad de que las cosas sucedan pero ya está predispuesto ese espacio. Ahí hay una ironía. Hay áreas en las que podemos tener una interacción como grupo. Sí, hay partes improvisadas en ciertas secciones pero está controlada cuando sucede.

Quería preguntarles de esto directamente por el origen de algunas de las piezas de The Catastrophist salieron del material comisionado por la ciudad de Chicago para músicos de jazz e improvisación, basado en solos. ¿Es algo que cambió algo de su manera de hacer música?
Realmente no. A ser honestos, cómo estructuramos esas piezas de la comisión de Chicago fue para dejar que los invitados tuvieran mucho chance para que tuvieran un buen lugar donde tocar solos, no era tanto lo que sucedía desde nuestra perspectiva. No nos contribuyó mucho de lo que hicimos pero estuvimos muy contentos de trabajar con esos músicos.

No han cambiado mucho su manera de trabajar pero cada uno de sus discos tiene su forma de sonar sin perder el sonido de Tortoise. ¿Cómo hacerle para seguir así después de tantos años?
Definitivamente es algo que tenemos a consciencia. Tratamos de no repetirnos. Es un gran reto cuando escribimos, el encontrar un lugar interesante o aunque sea algo lo suficientemente único donde podemos decir "esto no lo hemos hecho o por lo menos no exactamente así". Es gran parte del proceso.

Has sido el productor e ingeniero de todos sus discos. ¿Cómo mantienes las cosas frescas en términos de grabación?
Es una difícil de contestar. Es interesante porque no soy muy consciente de ello, pero de vez en cuando me sorprendo reflexionando sobre ello. Es maravilloso para mi que no tengo que pensar en mucho. Agradezco tanto el talento que hay dentro del grupo.

¿Hay una manera de que se reparten sus roles dentro de la banda cada que comienzan a trabajar en un disco?
Realmente no. Todos definen su rol como van sucediendo las cosas, no es algo preconcebido, pero es interesante como puede ser fluido.

Muchos de sus discos se han convertido en clásicos para muchos fans. ¿Suelen regresar a escuchar sus discos viejos?
No, en realidad. A menos que tengamos que checar algo y repasar. Es interesante a qué se siente atraída la gente. A través de las canciones que se han quedado en nuestro setlist puedo decir que son parte de nuestra identidad. Es bueno e interesante.

¿Qué conforma una buena pieza de música, en tu experiencia?
Es difícil, es algo que sabes de manera instintiva cuando lo logras. Cuando dices "aquí hay algo. Hace media hora no lo teníamos pero ahora sí". Es una de esas cosas intangible.

Tortoise son los encargados de cerrar el escenario azul del Festival Nrmal 2017, este domingo 12 de marzo. Su show comienza a las 20:50 horas. 

(Foto principal, vía).

Ya déjate ahí: Llegó el cómic de la semana

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Iván Mayorquín mezcla su imaginación excepcional con ilustraciones súper chidas. El resultado son cómics que dicen lo que todos pensamos pero casi nadie se atreve a decir en voz alta y que tienen el potencial de hacerte soltar un chorro de pis. 

Además de esta dosis semanal de humor ácido creada especialmente para Noisey, Mayorquín reflexiona sobre los pesares de la edad moderna a través de Pizza Sandwich, cómics tan buenos como los que hay aquí abajo.

Te hacemos la tarea: 5 discos de Charly García para escuchar antes de su placa 2017 'Random'

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Charly García es el artista más importante del rock en español en los últimos 50 años. Es algo que debemos entender para valorar el hecho de que aun esté sacando material sonoro. Charly marcó un antes y después en la música latina, trazó con sus manos y uñas destrozadas una línea imposible de borrar y, sus acordes más sonidos extraños, influenciaron a una cantidad absurda de artistas que terminaron de moldear lo que fue el génesis del rock en nuestro idioma.

Además de crear dos de las bandas más importantes del rock argentino, como lo fueron Sui Géneris y Serú Girán, con su carrera como solista grabó discos clave y obligados en la historia del continente. De sus manos salieron canciones que, no sólo fueron transcendentales musicalmente hablando, sino que dieron voz y voto a millones de personas en una de las peores épocas para el pueblo argentino –la dictadura de Perón–.

Rolas como "Nos Siguen Pegando Abajo" o "Los Dinosaurios" –por nombrar dos de las más icónicas–, son himnos que pasarán a la historia como parte del soundtrack de la resistencia al gobierno.

La libertad y energía que transmitía Carlos Alberto en sus conciertos, inspiró a chicos como Fito Páez –entre decenas de otros– a dedicar su vida a la música. Es como ese rumor de redes que siempre citan en otros lugares, en el que Paul Mccartney dijo que "Si Charly fuese inglés sería un Beatle". Probablemente este rumor sea falso pero no es descabellado.

Musicalmente hablando, Charly usó acordes y texturas que jamás se habían usado. La estética de su sonido, marcó una época y retrata perfectamente la década en la que sus discos fueron editados sin sonar pasados de moda. Su sonido es universal, influenciado fuertemente por la música clásica y todo lo que hacían los Fab Four: Charly tenía una fórmula para conectar con la gente diciendo lo que le daba la puta gana.

Para hablar de Charly hay que tener cuidado, ya que probablemente siempre nos quedemos cortos. Su música es inmortal y, que actualmente haya estrenado Random, es la mejor noticia en castellano en lo que va del 2017.

Random es el mejor disco que Charly puede dar a sus 65 años de edad. Ya no tiene 24 años y quiere comerse al mundo con una rosa en la boca y la pata en las teclas de su melotron. Charly ya cumplió. A Charly no podemos exigirle que vuelva a componer "Rezo Por Vos", "Estoy Verde", o "Promesas Sobre El Bidet". No son las mismas circunstancias ni el mismo contexto, es imposible que esas canciones vuelvan a crearse ¿Por qué crees que ningún otro artista ha sacado algo parecido a esas rolas? Es imposible.

La sensibilidad como ser humano y artista del bigote bicolor permanece intacta. Ver o escuchar cualquier cosa de Charly siempre hará que tu día sea mejor.

Hace unas semanas estrenó Random, pero antes de él vinieron casi más de 50 LPs. Para hacerte más fácil el trabajo de adentrarte en la música del genio argentino, acá están 6 discos de Charly García que tienes que escuchar antes de clavarte en Random.

Clics Modernos

La obra maestra del bigote bicolor para la gran mayoría. La cuestión con Clics Modernos es que adelantó el rock argentino en al menos 10 o 15 años. La tecnología y sonidos que se usaron en ese disco era algo que jamás se había oído en Argentina. Fue una puerta al futuro, a lo que estaba por venir. Charly siempre fue un visionario y a veces pecó de no ser entendido en su momento, para luego catalogar sus obras como obligadas en el recorrido de la música en español. Este disco se grabó en Electric Lady, estudio que fundó Hendrix.

Canciones como "Nos Siguen Pegando Abajo" cambiaron el panorama musical/social argentino. Puso en melodías y letras el sentir de la gente unido a máquinas con secuencias multirrítmicas que nadie más estaba haciendo. Puso a bailar a los rockeros.

Charly trajo sonidos y estéticas que, si no hubiesen sido por este disco, habrían aparecido una década después en la música del Cono Sur. Con este disco entró en el Olimpo de los genios, del cual no se bajó nunca.


Piano Bar

Charly entra a grabar este disco justo después de bajarse los pantalones en público en un concierto en Córdoba en 1983. Para esta época empieza a salir en tapas y diarios por este tipo de cosas además de la música. Rolas como "Demoliendo Hoteles" retratan quizás este comportamiento, para luego convertirse en uno de sus temas más conocidos.

Se ha hablado mucho de la sensibilidad de Charly pero, quiero hacer énfasis en esto. La canción "Promesas Sobre El Bidet" está en el Olimpo de canciones escritas en nuestro idioma. Armónica, melódica y líricamente, en el conjunto de lo que es en sí una canción, lo que representa y deja a quién la escucha, está en dos o tres niveles por encima de todo lo que se hacía en ese momento.

Acá en este video en vivo, podrán ver quizás de lo que estoy hablando:

Es uno de sus mejores discos, muy bien recibido por la gente y la crítica. Para esta época Charly estaba en un momento creativo que superaba a cualquiera de los artistas que hacían vida musical en esa época. Este disco tiene como anécdota que tuvo a Fito Páez en los teclados y también en la banda en vivo. Suscribo las palabras de Rodolfo: "En esa época a veces sentías que la paga era ver al monstruo aceitar la máquina en primera fila, era como ver a Mozart".


El Aguante

Este disco es uno de mis favoritos por su formato en físico y por lo que representa para la carrera de Charly. Si tienen la suerte de encontrar el físico, lean un manifiesto que está adentro, es precisamente de lo que trata El Aguante.

El Aguante es un mensaje de Charly para sus seguidores. No es ni de cerca una de sus obras más brillantes, está lleno de covers traducidos y canciones a medio hacer. No fue bien recibido por la crítica, es un disco de paso pero que, obligatoriamente hay que oír si quieres entender la vida musical de Charly.

Para conocer a un artista a fondo, hay que escuchar sus hits y sus no hits, ver esas dos caras te hace entenderlo más como ser humano y te hace estar más cercano a su obra.

Charly es de ese tipo de artistas que compone todo el tiempo, a toda hora. Es de esos que compone más de lo que graba. Muchas rolas tienen ese feeling en el disco, quizás la mejor lograda es "El Aguante", un blues de doce barras que pudo haber sido editado en los años cincuenta.

Como dice la letra "Y si no te gusta, te podés matar, este es el aguante, este es mi lugar".

Más claro imposible.


Say No More

Su disco más oscuro. El que definió un concepto que venía trabajando hace tiempo –el de Say No More– y que dio luz a uno de los proyectos que, en su época, fue catalogado por la prensa como uno de "los discos más difíciles de oír".

Es un disco denso, con muchas capas en la mezcla, en el que vemos a un artista metido de lleno en esta faceta conceptual. Odio usar el término "disco conceptual" pero acá es sumamente necesario.

No lo recomendaría a alguien que jamás ha escuchado a Charly. Ni de cerca. Tiene rolas amables como "Necesito Un Gol", pero también tiene rolas como "Estaba En Llamas Cuando Me Acosté", que pueden hacer que entres en un viaje sonoro del cual no sabes si vas a poder salir igual que como entraste. Bueno, como lo dice Carlos Alberto: "La entrada es gratis, la salida vemos".

Charly estaba en una etapa bien oscura. Diría que Say No More es la representación exacta de lo que era su vida en ese momento: un caos. Es un disco experimental, con el que cambió su sonido bruscamente. En su momento obviamente no fue valorado pero, con el pasar de los años, se terminó convirtiendo en un disco de culto. 


Unplugged

Uno de los unpluggeds más celebrados. Este disco es un fijo al momento de descubrir a Carlos Alberto, no sólo por la lista de temas y su interpretación en vivo, sino porque retrata exactamente quién es Charly García: cambios de setlist a última hora, letras olvidadas, desmadre en la tarima, desorden, caos, sensibilidad, y genialidad. Todo esto son ingredientes obligados para poder cocinar el coctel García.

Charly sin todo esto no es Charly. Es como cuando quieren separar a Maradona deportista de Maradona activista político o su relación con las drogas. Son personas, con defectos y aciertos: si no tienen esos destellos de su personalidad en su arte, jamás van a tener el mismo resultado final.

A Charly hay que tomarlo como viene, Charly es lo más punk que tuvo y tendrá el rock en español por mucho tiempo.


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No más vueltas: Jean Loup está de regreso con “Lilith” y promete más sonidos para 2017

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Todo en la carrera de Jean Loup pareciera la construcción de unos escalones que paso a paso y show tras show, hicieron una gran escalera que nos dirigió hasta este momento.

"Lilith" no es simplemente el nuevo sencillo de la banda, es un etapa que culmina la preparación de años en los que Nestor, Emmanuel, Alex y Fernanda experimentaron desde su cuarto de ensayo en Naucalpan, y que simultáneamente concluye la vuelta de Valerio por el Palejonú para centrarse en un sonido más propio de esta nuevo camino que se abre.

Ahora añadiendo más letras y permitiéndose un poco más de prime time en la voz, esta entrega muestra que el silencio de la banda en 2016 fue por el tiempo que invirtieron en el estudio para este estreno. Si bien la base sonora mantiene mucho de sus influencias concebidas por proyectos como Austin TV, la línea parece enfocarse en algo ligeramente más abierto a que el público en general entienda de qué va este excelente proyecto que muy probablemente, esté tirando nuevos videos más adelantes y noticias de esta nueva producción que hace mucha falta para retomar el camino que dejaron pendiente a finales del 2015. 


(Foto principal: El Rompeolasvía)

Virtual Haze nos explica canción por canción su nuevo disco 'Uninvited'

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Varios escenarios fueron testigos de la existencia de este proyecto; amigos, colegas y otros conocidos fueron corriendo poco a poco la voz de una banda en la que Efrén Barón de División Minúscula figuraba; ¿la realidad? En un panorama tan abierto a nuevas propuestas y tantos talentos emergentes, resultaba difícil dirigir la atención a algo tan misterioso como poderoso, según las palabras de quienes los habían visto, pero que de alguna manera no era tan fácil de "capturar".

Hoy aquellas palabras cobran vida, se vuelven sonido, y gracias a la labor de Alejandro Elizondo y la familia Abstrakt Muzak, Virtual Haze lanza Uninvited: 8 tracks que demuestran que aquellas opiniones que hablaban de un proyecto con una base stoner dibujaba ambientes de ruido, toques de psicodelia y un obvio fanatismo por películas vieja escuela en el rubro sci-fi, eran ciertas. Si algo podemos aprender de todo esto, es que Abstrakt sigue y seguirá dando pasos firmes en su búsqueda por seleccionar proyectos que mantengan esa cuidada línea que ha mantenido el sello regiomontano desde que nos aventaron a Los Mundos, Vladimir, White Ninja, entre otros.

Virtual Haze -ahora sí- llegó para quedarse. Así que para escuchar su debut del modo más correcto posible, le pedimos a la banda que nos hicieran un puntual recorrido por cada uno de los tracks, según sus palabras. Vale la pena invertir $8.00 dólares vía Bandcamp para descargarlo en WAV, colocarse unos buenos audífonos, y darle play a esa experiencia en alta calidad, que no se le debe negar a nadie.  



"Endless"

Es la historia de un conocido y la relación con su novia, quien después de vivir de él lo engañaba de vez en cuando con uno de sus amantes, al mismo tiempo él prefería ignorar el sufrimiento que esto debería ocasionar y nunca la hubiera dejado, si ella no se hubiera ido.

"Uninvited"

El mal o la maldad es una fuerza imprevisible o de origen desconocido. Todo el disco está sumergido en esta premisa. Cada canción refleja un tono diferente de maldad.

"The Chase"

Imagínate que tu curiosidad te hace meter las narices en algo secreto y ahora el miedo te persigue: tratas de escapar pero ahora que sabes demasiado no puedes esconderte. Te persigue siempre.

"Descend"

Las expectativas que hacemos y son rotas no significa renunciar a lo que ya guardamos.

"From Beyond"

Habla de la idea de que cuando duermes algún tipo de criatura te visita, te observa y tu sabes que está ahí. Es también una referencia a la obra de H.P. Lovecraft y su adaptación en el cine en 1986 dirigida por Stuart Gordon, donde unos científicos crean una maquina resonadora que te permite ver a otra dimensión donde habitan monstruos: son dos dimensiones que no chocan entre sí porque no contamos con la capacidad cerebral para interactuar fisicamente entre ellas. Las películas de horror, libros, videojuegos y series, son de gran inspiración en todo momento.

"Remorse"

Es la historia de un asesino psicópata que asesina mujeres que le recuerdan a su madre.

"D.O.G. (Death of God)"

Básicamente es el Apocalipsis bíblico: el momento en el que el séptimo sello se rompe y el infierno se mezcla con la tierra.

"Blind Soil"

Inicialmente la idea era hacer una canción sobre ser olvidado en un planeta y vivir con la esperanza de regresar, pero no es lo suficientemente buena, es aburrida. Ahora tiene un propósito mas húmedo, se le dio un vocabulario más o menos el mismo contexto de ser alienado de un planeta y ese planeta seria una mujer.


Charli XCX se siente más acaramelada y colorida que nunca en 'Number 1 Angel'

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Charli XCX no es precisamente lo que llamarías una artista "aburrida". La razón por la que se ha establecido como una de las marcas más importantes del pop inglés, tiene que ver con la constante innovación que hay en su sonido, y que se ha mantenido completamente honesta a sí misma. Con un precario balance entre seguir la misma línea y empujar los límites. Desafortunadamente, esa es una característica bastante rara en la música comercial del Reino Unido hoy en día, lo que no impide que podamos apreciarla en completo efecto en la última entrega de Charli, su mixtape Number 1 Angel, que lanzó este viernes 10 de marzo. 

Con un montón de artistas destacadas en las colabos (todas mujeres: Uffie, ABRA, CupcakKe, Raye y Starrah) y los loquillos de la música por computadoras AG Cook y Danny L Harle tomando las riendas de la producción, Number 1 Angel muestra a Charli XCX en su mejor faceta – puras letras coquetas e imaginería adolescente del Tumblr, respaldadas por letras pop en niveles que la mayoría de los actos en esa misma arena jamás podrían entregar.

Es interesante recordar que esta fue una entrega originalmente pensada para descarga gratuita, pero más bien encontró su lugar a través de los canales tradicionales del stream: Spotify y Apple Music. 

La lucha de Charli por tener el control sobre cómo su música se libera, debido a la letra pequeña en su contrato discográfico, es una historia familiar para muchos artistas: ahí está el ejemplo de Frank Ocean y Def Jam (que sacó Endless para satisfacer lo que estipulaba su contrato con ellos, pero que en realidad, era sólo para después poder soltar Blonde por su cuenta, aparentemente el disco 'real'); o el enfrentamiento súper público entre M.I.A y su sello Interscope en 2013 debido a que retrasaron el estreno de Matangi. Parece que si pretenden burlarse de las grandes disqueras para quedarse a cargo de su propia música, los artistas van a tener que ponerse más creativos. Aunque no lo consiguió esta vez, esperamos que un lanzamiento gratuito de Charli XCX no tarde en salir.

Escucha Number 1 Angel abajo:


(Imagen vía el Instagram de Charli XCX).

El congresista de Nueva York Hakeem Jeffries rindió el mejor homenaje posible a Biggie Smalls

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La derrama de tributos para el legendario Notorious B.I.G. era de esperarse, ya que el día de ayer, 9 de marzo, se cumplieron veinte años de que falleciera el legendario rapero. Lo más inesperado fue que Biggie entró en la arena política ayer, cuando el congresista de Nueva York Hakeem Jeffries le honró recitando las líneas de apertura de "Juicy" en la Cámara de Representantes del Congreso: "It was all a dream, I used to read Word Up! magazine/Salt-n-Pepa and Heavy D up in the limousine/Hangin' pictures on my wall/Every Saturday Rap Attack, Mr. Magic, Marley Marl".

El congresista Jeffries, quien también es nativo de Brooklyn, enalteció a Biggie diciendo: "Estas fueron las palabras del fallecido Notorious B.I.G., Biggie Smalls, Frank White, el rey de Nueva York. Falleció hoy hace veinte años en una tragedia que ocurrió en Los Ángeles. Pero sus palabras vivirán por siempre. Tengo el privilegio de representar el distrito donde Biggie Smalls fue criado. Sabemos que fue de lo negativo a lo positivo y se encumbró como una de las más importantes figuras del hip hop a nivel global. La historia de cómo viniendo de cero conquistó el mundo, es la encarnación del sueño americano. Biggie Smalls se ha ido pero nunca será olvidado. Descanse en paz, Notorious B.I.G. ¿Dónde está Brooklyn?"

Aunque Biggie ya no está aquí para presenciar cómo sus letras llegaron al Congreso de los Estados Unidos, es impresionante ver cómo sigue vivo su legado y conquista nuevas alturas. No es común para un artista cuya obra tiene mucho que ver con la ansiedad, la brutalidad y la desesperación que, en parte, fue causada por las decisiones políticas de la gente en el Congreso, ahora sea honrado y homenajeado por ellos mismo. Mira el video abajo, publicado en la cuenta de Twitter del congresista Jeffries.

The Weeknd confirma su obsesión por la cultura japonesa en el video para "I Feel It Coming"

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Todos sabemos que Abel Tesfaye es un cinéfilo con afinidad para las películas de los años 80, así que muchas de las referencias en su interestelar video nuevo, dirigido por Warren Fu no son una sorpresa. Tomas atmosféricas de nebulosas y galaxias son de 2001: Una odisea del espacio, mientras que el final de Tesfaye convirtiéndose en piedra y desintegrándose, es un homenaje a Altered States. Lo mismo para el diseño y la fotografía granulada. La capa oculta es, como siempre, animé.

La actriz/modelo/diseñadora japonesa Kiko Mizuhara hace el papel de enamorada de Tesfaye, y su presencia hace que lo que podría interpretarse como un rollo Star Trek se vuelva mucho menos aburrido. La ridículamente popular Mizuhara protagonizó la adaptación con actores del animé igualmente ridículamente popular Attack on Titan, como Mikasa Ackerman (sale matando gigantes come-hombres con espadas, chingón su rollo enfermito). Añádele a eso un cameo de Daft Punk, que son incluso más nerds que Tesfaye por haber hecho la  increíble opera espacial de animé Interstella 5555 y la obsesión con la cultura japonesa es fuerte en este video. Mira el video de "I Feel It Coming" abajo.

El rugido de una ciudad en llamas: Historia del Metal Bogotano (Parte I)

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Durante la segunda mitad de los 80, si uno iba caminando por el centro de Bogotá, y de casualidad decidía mirar por unos segundos las publicidades pegadas en los postes y paredes, se veían camuflados, entre los retazos de afiches viejos y el smog de las busetas, unos pequeños carteles mal fotocopiados o hechos con esfero. Estos anunciaban un concierto de bandas con nombres demoniacos en algún garaje, bodega o cloaca de la ciudad. Pero lo que más llamaba la atención de esas hojas no era la invitación a un blasfemo bacanal lleno de distorsión y cerveza sino la advertencia que decía categóricamente: "No casposos".

En los 80 el metal era solo para los que sabían dónde mirar y dónde buscar. Era un club selecto compuesto por unos cientos de greñudos que compartían casetes y se la pasaban en las casetas azules de la 19 buscando ruidosos tesoros escondidos entre los discos de salsa y los libros izquierdistas. A diferencia de Medellín – en donde a finales de los 80 ya existía una escena consolidada, con bandas legendarias y toda la cosa – a la capital el rock extremo llego unos cuantos años más tarde. Pero gracias a factores como la radio, el mercado de álbumes y la apertura económica, el metal bogotano se esparció como la peste.

Se podría decir que esa marea negra de gritos y distorsión comenzó en 1957 cuando se estrenó la película Al compás del reloj - o en inglés Rock Around The Clock -, que estaba musicalizada por Bill Haley. La juventud capitalina de inmediato sintió un fuego en sus piernas y caderas, mientras que el resto de la mojigata y beata ciudadanía, se encomendó a todos los santos para salvarse de esa intromisión de Lucifer disfrazado de oveja en la frágil y piadosa sociedad. Pero de poco sirvieron los rezos del Arzobispo y su ciego rebaño. El bichito del rock mordió la capital y la gente se dejó envenenar contenta. Tanto así que en el '62 el viejo Billy Haley llenó el Teatro Colombia (Hoy Jorge Eliécer Gaitán).

No había vuelta atrás, el rock empezó a susurrar ideas de desenfreno y libertad en los oídos colombianos. En los 60 comenzaron a nacer bandas como Los Speakers ('63) y Los Yetis en Medellín ('65), que tocaban rock 'n roll y hacían covers de Los Beatles, Los Rolling Stones, Cream y todos los grupos rockeros que cautivaron a medio planeta en ese entonces. En los 70 se dio una especie de boom del que salieron Génesis, Hope, La Columna de Fuego, La Banda del Marciano, La Planta y demás representantes del rock criollo, que en verdad era un grupo de unos cuantos cientos de peladas y pelados medio hippies que amaban la música y estaban contra el sistema.

Después, los poco hippies amantes de la música que había, comenzaron a organizar conciertos y así nació el Festival de la Vida en el Parque Nacional, el mítico Festival de Ancón, los toques en Lijacá, Melgar, Silvia y Yumbo, y además la visita de personajes como Carlos Santana y el mismísimo James Brown. Así es, el rey del soul estuvo dislocando su cadera en el '73 en el Coliseo el Campín frente a miles de frenéticos fanáticos.

Esos conciertos y los pocos LPs que sonaban por ahí comenzaron a masificar esta nueva y sensual música. Pero lo que realmente hizo que el rock llegará a todos los rincones de la ciudad fue el cine. En esa época se puso de moda que los teatros de barrio hicieran funciones de media noche en la que pasaban películas hippies y conciertos. En el centro estaba el Teatro Embajador, en Kennedy el Iris y el Kennedy, en el Galán el Ezio y en Fontibón el Avirama. En los cines, la gente abrigada por la oscuridad se sentaba a escuchar música, meter bareta y vino, y soñar con ser como esos jóvenes que salían en las pantallas.

Pero durante mucho tiempo el rock bogotano se quedó como un movimiento de unos cuantos hippies que se reunían en chapinero o en el Quiroga a fumar marihuana y a tocar los bongos. Además era una movimiento mayoritariamente de gente con plata. Gente de clase media y alta que tenía el lujo de viajar, comprar discos e instrumentos para tocar. Por ejemplo, Jorge Barco, de Crash, era sobrino de Virgilio Barco. Muchos grupos de la época tocaban en las batallas de las bandas de colegios como el Gimnasio Moderno y se quedaron atados a ese sueño de paz y amor del que Colombia despertaría en los '80 a punta de bombas.

La nueva década traería nuevos sonidos. Grupos como Black Sabbath, AC/DC y Pink Floyd mostraron la magia de la experimentación y la furia de las distorsión a los oídos de la juventud desenfrenada. En 1980, los ex integrantes de Crash formaron Ship. Grupo que sacó Born disco hecho con Polydor y prensado en Estados Unidos el cual Carlos Reyna – historiador, docente y autor de varios libros de rock bogotano– describe mientras toma un tinto en una cafetería cercana a la Universidad Distrital, como un disco avanzando para su época, que mezclaba el sonido de Pink Floyd con el de Sabbath y a la vez combinaba el jazz con la experimentación.

Pero el rock bogotano seguía estancado, muchos de los músicos de los 70 se fueron del país y varios de los que se quedaron seguían muy metidos en la onda hippie. Mientras en la capital la gente seguía delirando cada que pasaban una película de Los Rolling Stones en el cine, en Medellín se juntaban las notas en los barrios marginales a escuchar Venom, Bathory y Metallica y de ahí saldría todo el brutal sonido del ultra metal.

El hecho de que el rock capitalino estuviera en su mayoría concentrado en el centro y norte de la ciudad, no significó que en el resto de la urbe no hubiera gente dándole a sus instrumentos. Entre finales de los 70 y principios de los 80, en Venecia, Fontibón, Kennedy, Quiroga y San Fernando se forjaron grupos como La Chimenea Eléctrica, Los Buitres, Los Eclipses, Los Trogloditas, La Mermelada, Los Rebeldes y Neptuno. De esa camada salió Minga Metal, grupo creado en el barrio Timiza al sur de la ciudad en el '79, cuyos miembros pertenecían a la Unión Patriótica. La banda tuvo varias etapas hasta que más o menos en el '85-'86 se volcó por el sonido del rock pesado y, probablemente, se convirtió en la primera banda de heavy metal bogotana.

Para la segunda mitad de los 80, muchos de los rockeros que no se sentían identificados con los hippies comenzaron una nueva ola más pesada que buscaba sonidos más oscuros y underground y que comenzaría a darle forma al metal capitalino. El punto de encuentro de todos estos greñudos locos ávidos de gritos y velocidad eran las casetas de la 19. Estas se encontraban entre la octava y la décima. Los kioscos pintados de azul nacieron en 1970 y duraron hasta el '89 cuando Andrés Pastrana, entonces alcalde de Bogotá, mandó a destruirlos. En ese entonces, los andenes de esta arteria del centro se convirtieron en un eje de consumo cultural de la ciudad. Allí habían libros, revistas y sobre todo discos. Los dueños de estas casetas se convirtieron en héroes anónimos que importaban cosas por pedido y traían paquetes de acetatos. En un principio, entre esas cajas llenas en su mayoría de discos de salsa, se colaban álbumes de rock pesado y en algún punto alguien se dio cuenta de que muchos pelados llegaban en busca de esos discos estridentes y así comenzó a moverse un mini mercado de vinilos metaleros.

Carlos Reyna, quién viste completamente de negro, usa gafas y lleva un anillo de calavera en uno de sus dedos, dice que sin bien eran escasos, los discos de rock pesado en verdad no eran una rareza. Esto se debe a que en Medellín estaban las prensadoras de discos del país, lo cual influyó en que los rockeros paisas estuvieran varios años más adelantados que los rolos. A Codiscos, Sonolux y CBS llegaban las matrices de todo tipo de discos. Entre ellos Iron Maiden, Jimmy Hendrix, Black Sabbath , Metallica y en general las bandas pasadas que tenían un corte más comercial. Esos acetatos se distribuían a todo el país y quedaban perdidos en las cajas hasta que uno de esos nuevos guerreros del Infierno los encontraba y rescataba de su letargo.

Pero en la 19 también se podían conseguir cosas más raras y perdidas. Bandas under a las que tocaba mandarle cartas para contactarlas y pedirles material. Así aparecieron casetas como Top Metal administrada por un señor llamado John que se especializaba en metal. Pero la cosa reventó cuando en el '87 José Mort, un sastre amante de la música criado en el barrio La Estanzuela, abrió un local llamado Mort Discos en el quinto piso del Centro Comercial Los Cristales ubicado en la octava.

Sentado en la actual ubicación de su local en el C.C Multiséptima que queda sobre la peatonal del centro, José, un hombre rudo 68 años con un semblante frío y serio, los ojos achinados y que habla de forma rápida y agresiva, cuenta que el comenzó a traer discos porque siempre ha estado atraído por la música anticomercial. Dice que a principios de los 80, trabajaba en la 19 con octava, zona donde habían muchos talleres por lo cual conocía gente que viajaba a Estados Unidos. Él les pedía música y revistas y así conseguía sus rarezas. Después decidió montar su tienda porque no había nadie más vendiendo discos de música pesada y como él dice: "le tocó el papayaso". José asegura que en su diminuto local la gente hacia fila para entrar y allí se promocionaron los demos y álbumes de la mayoría de las bandas de la época.

A finales de los 80 ya existía una pequeña pero apasionada escena metalera en la capital. Se abrieron más tiendas, aparecieron bares como Iron Speed y Abbot & Costello, y la gente comenzó a grabar y compartir casetes. El rock pesado infectó las venas de cemento de la ciudad y se comenzaron a formar distintos parches en los barrios que se sentaban alrededor de una grabadora a escuchar lo que llegara.

En ese momento la radio también empezó a jugar un papel fundamental en la pedagogía rockera. Uno de los que comenzaron a sacar rock en las emisoras fue Gustavo Arenas conocido como el Doctor Rock, quien en el '71 creo en Radio Latina su programa "Aquí desde la madre tierra". A parte, también en Radio Tequendama, entre los temas de Camilo Sexto y las baladas de la época, se colaban canciones de grupos como Barón Rojo y Kraken y en Radio Fantasía todos los días pasaban conciertos de bandas tipo Sabbath y Zeppelin. Pero el encargado de cultivar el gusto musical de toda una generación de metaleros fue Lucho Barrera con su programa "Metal en Estéreo". Este espacio nació en el 86 y se transmitía por la Súper Estación (88.9) los domingos a las diez de la noche. La inconfundible voz de Lucho Barrera le daba un toque de solemnidad a las introducciones poéticas que creaba para cada canción. Después, Barrera a mediados de los 90 creó "El final de los tiempos" en la 99.1 (Radionica) que tenía el mismo formato y duró hasta el 2004.

Ya no había vuelta atrás. En los 80 Colombia se desangraba y sus calles explotaban en pedazos. La paz y el amor habían sido pisoteadas y todo una generación adoptó el negro como su color de batalla y la distorsión como su himno de resistencia. El metal estaba rodando en Bogotá, ya no era un juego de unos cuantos grupitos aislados. Cada vez crecía más y se volvía más oscuro, furioso y cerrado. Era un monstruo de mil cabezas que rugía en todas las esquinas de la capital.

Escucha una nueva canción sorpresa de Frank Ocean, "Chanel"

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¿Recuerdan cómo eran las cosas hace un año, cuando todos estábamos sentados platicando sobre cómo Frank Ocean no había publicado música nueva en lo que se sentía como una década? 

Bueno, pues un par de semanas después de que se publicara "Slide", el track que hizo en colaboración con Calvin Harris y Migos, Ocean está de vuelta con una nueva canción más. Titulada "Chanel", Frankie soltó la canción ayer en el segundo episodio de su programa en Beats 1, Blonded, el viernes por la tarde. 

Escuchen la canción completa aquí abajo, y lean la letra en un post de Tumblr del mismísimo Ocean que les dejamos al final.

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