Ayer por la noche Beyoncé terminó con la música. Para todos esos artistas con sueños de arriesgarlo todo, saltarse la vida ordinaria y disfrutar de la gran emoción que provoca ser un artista musical: por favor no. Nada que hagan podrá superar a lo que sucedió en los Grammys de ayer. Después de ser introducida por su madre Tina Lawson, Bey apareció en el escenario, como la reina que es, rockeando una corona, ataviada en lujosas telas canarias que se agitaban detrás suyo mientras florecía su pancita de recién embarazada. Era una persona a veces, con otras dos personas dentro de ella. Otras veces, se multiplicó en 12 personas, lo que significa que había 24 personas en total dentro de ella. En definitiva, la forma suprema del ser humano.
Comenzó su actuación con "Love Drought" de Lemonade y desafió a la gravedad inclinándose en una silla, a centímetros del suelo. La rodearon sus coristas, luego se inclinaron ante ella cuando terminó. Para "Sandcastles" se sentó en su trono, rodeada de mujeres en una cama de flores. Pueden disfrutar el espectáculo más abajo y ver su discurso de aceptación para el mejor álbum contemporáneo urbano.
Justo después de no ganar en los verdaderos Grammys (pero sí en los Grammys culturales y los Grammys de nuestros corazones), Beyoncé no solo publicó una canción junto con Dj Khaled, si no que además soltó dos nuevos videos que son parte de Lemonade. Son "Love Drought" y "Sandcastles", que si te acuerdas son las dos canciones que se tocaron ayer en la ceremonia de los Grammys, con las que arruinó cualquiera de los otros actos que hubo durante la premiación. Nosotros no hacemos las reglas, las hace ella.
Imaginamos que ya sabes más o menos por dónde va la cosa, así que no necesitamos reseñarlo. Dejamos los videos aquí abajo:
Una manera de sobrellevar la adversidad es retroceder; volver a abrazar los días felices del pasado y refugiarse en viejos intereses y en viejos hábitos. Que es probablemente la razón por la cual 2017 se está convirtiendo rápidamente en el año del nu-emo, con reencuentros nostálgicos, giras y festivales apareciendo por todos lados para celebrar llorando con delineador en los ojos y también, para ayudarnos a olvidar que este presente es un enorme pozo negro.
Pero hasta ahora, nadie ha reconocido al emo más dedicado de todos: el Presidente Donald J Trump. Piénsenlo: ¿su preocupación por tener más amigos? una clara reminiscencias de la lucha emocional del MySpace; ¿su falso cabello que a veces, sólo a veces, se pasea a través de su cara en forma del mismo flequillo que rockeabas cuando tenías 14? E-m-o.
Y luego están los tuits, que se pueden leer como una entrada particularmente cruda de un Fotolog olvidado. Con este fin, la gente buena de Super Deluxe han reimaginado sus entradas de Twitter como la más grande canción emo de todos los tiempos, con todo y guitarras brillosas, voz de gritito y un colapso nervioso. Esto es obra de Dios:
DJ Khaled acaba de publicar una nueva canción en colaboración con Beyoncé y Jay Z. El track se titula "Shining" y fue publicado justo después de que Beyoncé ganara dos Grammys, uno por mejor video musical y otro por mejor artista urbano contemporáneo. En la portada que acompaña el nuevo lanzamiento sale Asahd Tuck Khaled, el hijo de DJ Khaled. Además, Jay Z hace referencias a 21 Savage. Escucha la canción aquí abajo:
"Voy a dejar algo bien claro, y lo voy a hacer basándome completamente en mi experiencia personal", dice Mark Rae. Habla de los recuerdos de su época como DJ, promotor de discotecas, dueño de una tienda de discos, mitad del dúo Rae & Christian, y cabeza del sello de Manchester Grand Central Records. Pero quizás lo más importante es que también está redefiniendo los libros tan estudiados de la historia cultural mancuniana.
"Por lo que yo sé, los barrios bajos de Manchester no tenían nada que ver con lo que se cocía en el club The Haçienda. La historia de Madchester es algo que se vendía al mundo exterior. En Moss Side, Cheetham Hill, Whalley Range y el resto de barrios marginados de la ciudad, lo que se movía era música negra. Las principales tiendas de discos de Manchester vendían jazz, funk, soul y hip-hop".
El divertido y parlanchín Rae, que ahora está a finales de sus cuarenta, publicó el año pasado Northern Sulphuric Soulboy —un libro y vinilo de diez pulgadas que cuenta la historia, con palabras y con música, de su extraordinaria vida. El objetivo principal del proyecto es hacer justicia. Manchester —la ciudad a la que se mudó cuando era un torpe adolescente obsesionado con la música negra— es venerada en todo el mundo como la cuna del rave y la lluviosa ciudad natal de los Smiths, pero la ciudad en la que Rae vivió y trabajó durante casi dos décadas estuvo definida por un tipo de música muy diferente.
En la visión que Rae (y seguramente muchos otros), tiene de Manchester, la imagen y sonido de la ciudad en los 80 y 90 estuvo ambientada con hip-hop, reggae y street soul —una versión británica, llena de sentimiento y bajos pesados del género jamaicano conocido como "lovers rock", hecha por la comunidad negra de Harlesden, Birmingham y Manchester. "Los Stone Roses y los Happy Mondays alzaron la bandera de la ciudad de cara al exterior, pero desde dentro su música no podía estar más lejos de lo que se cocía en los clubs", dice Rae. "La gente quiere seguir contando la misma historia popular. Ha predominado tanto que se ha convertido en una verdad que nunca existió".
Como ocurrió con el garage en Londres en el 2000, el street soul fue el sonido que ambientó los clubs de los barrios bajos y las emisoras de radio piratas. Era una mezcla de "cajas de ritmos, pausas, sintetizadores baratos, líneas de bajo pesadas y una voz sórdida llena de sentimiento", que se emitía en lugares como Frontline Radio y Buzz FM, transmitiéndose desde lo alto de multifamiliares en el camino hacia Old Trafford. Loose Ends fue el grupo relacionado con la escena que más éxito comercial cosechó, pero Rae también habla de Gold in the Shade, Fifth of Heaven, Denise Johnson, Lalah Hathaway, Roberta Gilliam, Soul Family Sensation y Projection.
A diferencia del uniforme arquetípico de Hacienda —bucket hat, mandíbulas apretadas, tipos de tez blanca— la escena del street soul nació de un crisol de culturas. Uno de los lugares de encuentro más populares era el PSV, que fue también el lugar de nacimiento de Factory Records. El PSV se encontraba en The Crescents, un enorme proyecto de viviendas construido en 1972 que el ayuntamiento abandonó a mitad de los años 80 y se convirtió en caldo de cultivo para artistas dispuestos a vivir en una casa ocupa sin calefacción ni agua y con una proliferación de bandas callejeras.
"La mafia de Moss Side, los aspirantes y sus morritas y los estudiantes fresas de Home Counties", dice Rae, recordando la topografía de la escena. "Era una combinación curiosa pero funcionaba a la perfección... A veces me llevaba una hora entrar, sobre todo si los guardias habían sido atacados por los pandilleros armados con machetes que siempre parecían llegar desde Birmingham".
La jungla modernista decadente de The Crescents también sirvió para acoger otro club: The Kitchen, que organizaba fiestas de blues ilegales. Para crearlo se juntaron tres pisos y se instaló un sound system. "Allí vi a Bez, así que puedo dar fe de él", dice Rae entre risas. "Se deslizaba entre la semioscuridad al ritmo de los primeros ritmos de techno". Pero con la excepción de Bez y los visitantes de Home Counties, la escena del street soul estaba básicamente ligada a la cultura de pandillas del momento. Si los pandilleros blancos estaban en el Hacienda vendiendo pastillas a clientes de Cheshire y de Wirral, los pandilleros negros estaban escuchando street soul en los clubs de los barrios bajos —en The Crescents y lugares como The States y Precinct 13— con un tempo que apenas pasaba de 95 BPM algunas noches.
"Cuando poníamos street soul en Precinct 13, el lugar se llenaba de pandillas. Sonaba esa música lenta con líneas de bajo muy pesadas y la gente se subía a las mesas, cogía la botella y la golpeaba contra el techo, porque se dejaban llevar por la música", recuerda Rae, antes de pasar a ensalzar su propio talento como uno de los DJ más populares del momento. "Era impensable que la pista de baile fuera a responder ante un tipo blanco delgaducho con gafas y pinta de torpe, una licenciatura de psicología y un persistente interés en la marca Fila, a menos que ese tipo supiera muy bien lo que estaba haciendo".
Algunas noches, Rae, Ross Clarke y su colega Andy Madhatter eran los únicos en Precinct 13 que no pertenecían a una banda. "Antes de darnos cuenta estábamos en medio de todas esas bandas, con pistolas por debajo de los abrigos y tipos que le daban al guardia balas con su nombre grabado". Una noche, estalló una pelea en el club y Madhatter cogió el micrófono y dijo: "Hay un par de pendejos aquí dentro". Antes de darse cuenta, la cabina del DJ fue abordada desde todos los rincones de la sala, los tocadiscos volaron por los aires y a uno de los colegas de Rae le partieron la cabeza con una botella mientras buscaba un disco. A veces la policía pasaba por allí para ver si arrestaba a alguien, plantándose en uniforme, con casco y todo, en medio de la pista de baile.
En otra ocasión, un MC intentó disparar al guardia. Falló en sus dos intentos y el guardia, que era jamaicano, le cogió la pistola y le sacó hasta el último diente. Rae se encontró al tipo tendido boca abajo en el hueco de una escalera, con la boca ensangrentada y escupiendo sus dientes hacia fuera. La historia salió en las noticias locales al día siguiente.
En 1993, Rae y Ed Pitt abrieron Fat City, una tienda de discos en el palacio de Affleck, en el Northern Quarter de Manchester, y en 1995 empezó Grand Central Records. En momentos en los que la música negra británica seguía tristemente poco representada en los canales convencionales, intentaron acercar el sonido al público que se merecía. "Fue un reto abanderar la música que se estaba escuchando y pinchando en Manchester porque no tenía representación", dice Rae. "Me daba la sensación de que había una historia que no estaba siendo contada y que necesitaba una exposición más amplia. Esa fue mi gran misión: estoy aquí para sacar a la luz esta música que está siendo ignorada".
Rae ha estado obsesionado con la música negra desde que era un niño creciendo en Tyneside. Sus padres eran bohemios de clase obrera. "De algún modo eran bastante fiesteros", dice. "Mis padres bailaban cada noche. Ponían temas de disco y reggae y bailaban... No iban al pub y mi padre detestaba el fútbol, pero les gustaba mucho dar fiestas y bailar". No fue sino hasta después de un viaje a Nueva York, a sus diez años, que se quedó completamente enloquecido con el sonido del hip-hop, que no había hecho más que empezar. "Para un enano pecoso que venía del campo fue como ir a otro planeta".
Como parte de la pareja Rae & Christian, Rae amplió más tarde las características de la escena del street soul de Manchester y empezó a trabajar con The Pharcyde, Tony D, The Jungle Brothers, Jeru the Damaja y muchos otros. El sonido de la pareja era, según Rae: "una mezcla de street soul, principios del hip-hop, la formación clásica de Christian y una gran ingeniería y producción. Pero uno de los problemas era que no sabíamos cómo llamarlo". Sus discos eran aclamados por la crítica pero nunca lo laureaban. Aun así, lograron crear un negocio paralelo lucrativo convirtiéndose en los remezcladores favoritos de grupos comerciales como Texas, Simply Red y Natalie Imbruglia, además de todos los jefes del hip-hop y el dance que consideraban como sus almas gemelas. Incluso llegaron a grabar una de las primeras remezclas de Jay-Z e hicieron un puñado de pistas con Bobby Womack.
"Nunca conocí a Bobby y en cierto modo tampoco quería hacerlo, porque parecía tan chiflado por teléfono que pensé que podría estropear lo que estábamos intentando conseguir si llegaba a conocerlo", dice Rae, que se ganó el cariño de la leyenda del soul preguntándole si había recibido alguna indemnización de Rod Stewart, que plagió "If You Want My Love Put Something Down On It" de Womack con su "Do Ya Think I'm Sexy"?. "Ya, no hice nada al respecto", le dijo Womack a Rae, que más tarde describiría Rae & Christian como "poco ortodoxos" y "con pinta de astrólogos".
Con todo, la carrera de Rae & Christian no duró mucho. A mitad de la grabación de su segundo disco, Sleepwalking de 2001, Rae fue testigo de cómo disparaban a un padre y a su hijo frente a las oficinas de Grand Central. Salió corriendo para encontrarse al padre yaciendo inmóvil y al hijo retorciéndose de dolor. Los dos sobrevivieron pero Rae se quedó traumatizado por lo que había visto.
Viajó a Londres en diciembre de 2000, para lo que debería haber sido el punto álgido de su carrera: una sesión de DJ con Texas en la Brixton Academy, como teloneros para el gran concierto de regreso de Madonna. "La zona VIP era una procesión de la gente más famosa del mundo", recuerda Rae. "Mick Jagger, Sting, Kylie Minogue, todos los famosos de Inglaterra estaban en la sala VIP y todos me miraban y luego miraban rápidamente hacia otro lado". Ese momento acabó siendo un "enorme bajón" para Rae desde el punto de vista psicológico.
"Se me hizo un nudo en el estómago al darme cuenta de que todas las personas de esa sala eran unos hijos de puta y que sus egos eran como un aftershave de terror; no era más que una burbuja de mierda. No había nada de amor en esa sala ni verdadera música, solo prepotencia. Y a partir de esa experiencia nunca quise seguir con lo mismo".
Grand Central Records dejó de funcionar en 2006, y Rae, cansado y desilusionado, se mudó a Los Ángeles para intentar empezar de cero. Volvió a Manchester años después con su esposa y lo encontró cambiado. Una ciudad ahora dominada por el desarrollo privado. Todo lo que queda de la tienda que dirigía Rae es el logo de hierro de Fat City, "congelado en el tiempo en medio de Oldham Street".
Cuando la gente habla de los viejos tiempos, es inevitable no hablar de la Hacienda. Pero por debajo de esos recuerdos bañados de serótina hay otra historia: la que Rae plasma en Northern Sulphuric Soulboy, que cuenta la historia de la escena del street soul del Manchester de los 80 y 90. Una historia igual de importante, a pesar de haber caído en el olvido.
Cuando salgo del piso de Rae, me cruzo con un repartidor que se dirige hacia allí. Unos minutos después me llega un mensaje. Es de él: "Me traía unos 12" de street soul, ja ja". Todavía sigue siendo el jefe después de todos estos años.
Su lanzamiento de septiembre "Black Beatles" tuvo más de 400 millones de views y sonó en todas las fiestas universitarias del país y lograron que Paul McCartney hiciera el mannequin challenge. Dicho esto, cuando te comparas con los Beatles y haces explotar un meme, la gente a la que no le gusta divertirse muy seguramente te tirará mierda— y Rae Sremmurd lo saben. En este episodio de The People Vs, Slim Jxmmi & Swae Lee contestaron los comentarios de YouTube de su video para "Black Beatles", aclarando las confusiones que provocó un curita, haciendo énfasis en que son una sensación en internet y hablaron sobre "no saber tocar sus propios instrumentos".
Como Sean Nicholas Savage es experto en hacer música suave muy melosa, previo a su presentación en Nrmal 2017, decidimos armar una noche en Departamento para que el artista canadiense nos cantara muy de cerca todos esos tracks en su repertorio que han provocado en nosotros más de un suspiro.
Acompañado de luces muy bajas y un micrófono, Sean creó la atmósfera perfecta para flechar a cualquiera. Quienes asistieron al evento con una cita, seguramente ya tienen una pareja asegurada para echar pasión el 14 de febrero. Así de íntimo y romántico estuvo esto.
Daniel Patlán se encargó de documentar el show y las fotos puedes verlas aquí abajo:
¡Hola adolescentes y hipsters del mundo! Tenemos algo que les va a encantar: fotos analógicas, una banda súper hot y la vida del rockstar sin filtros. La simple fórmula para lograrlo: Una banda como Cage The Elephant, una cámara desechable en la mano y muchas fotos de su estancia en Zurich tomadas ellos mismos. Se los propusimos y a estos chicos les gustó tanto la idea que nos devolvieron dos cámaras llenas de fotos. Los mejores nunca duermen. Felicidades a Cage The Elephant por su Grammy a mejor disco de rock por Tell Me I'm Pretty. Checa su estadía en Zurich abajo.
Radiohead es una de las pocas bandas que a lo largo de los años se ha mantenido fiel a su sonido. La forma en cómo alteran el tiempo a través de sus tracks es uno de sus sellos característicos y lo que de cierta forma le dan al catálogo de la banda cierto misterio. Nadie suena igual a Thom Yorke y compañía— o por lo menos nadie lo había hecho hasta ahora.
paTCHES, una página de internet que es de gran ayuda para los nuevos pioneros en producción y creación de música con computadoras, acaba de publicar en su sitio un paquete gratuito de Ableton en donde se incluye todas las canciones que Radiohead ha grabado en el estudio. Aunque este compilado no permite que uses los tracks como samples, sí puedes agregar firmas de la banda como la temporalización, el swing y los sonidos atmosféricos a tus propias producciones.
El paquete es descarga gratuita y viene con un tutorial que la gente detrás de paTCHES proporcionó para que puedas sacarle todo el jugo a esto. El único pero es que este programa funciona únicamente con Ableton Live 9.7.1. Si quieres descargarlo da click aquí.
Recuerda que la música de Radiohead no es cualquier cosa, usa este regalo del internet con mucha responsabilidad.
Mientras que la banda originaria de Baltimore/Brooklyn, Animal Collective, acaba de consolidarse como una banda jammera, siguen siendo mejores y más extraños que cualquier banda dentro de esa categoría. Su nuevo track "Kinda Bonkers", el cual es parte de su próximo EP, The Painters, sirve como prueba. De hecho, el track cuenta con una tabla de percusiones y ese sentimiento hippie que demuestra que, dentro de su escala de rareza, esta es la mejor canción que la banda ha creado. Puedes escucharla aquí abajo.
Como hemos mencionado en entregas anteriores, los videos musicales pueden ayudar a bandas y cantantes a alcanzar el éxito. Desde hace unos años hemos sido testigos de cómo las carreras de chicos y chicas hermosas alcanzan la estratósfera porque sus videos están en alta rotación. Claro, también están los casos de éxito de bandas con excelentes videos que ayudan a fortalecer un sencillo. En nuestra entrega anterior hablamos de videos que durante los ochenta marcaron una época. "Thriller" de Michael Jackson y "Like A Prayer" de Madonna son dos de los ejemplos más representativos de la primera conquista imperial del videoclip como medio de difusión de música grabada. El poder de los videos no puede ni debe ser subestimado. Ya volveremos a este tema.
Michael Eugene Archer, mejor conocido simplemente como D'Angelo nació en la sureña ciudad de Virginia en el seno de una familia cuyo pater familias era un ministro de la iglesia pentecostal. Desde pequeño mostró una inclinación poco común hacía la música y a muy temprana edad empezaría a ganar premios en concursos musicales. Después de ganar un prestigioso concurso en el famoso Teatro Apollo en Harlem D'Angelo estaba listo para para grabar su debut.
El primer disco de D'Angelo es el Brown Sugar que debutó en las listas de popularidad en 1995. El disco está producido casi en su totalidad por D'Angelo, aunque Ali Shaheed Muhammad de A Tribe Called Quest participó en una rola. Para este esfuerzo, el autor se inspiró en sonidos jazzy y soul con toques de gospel heredados, por supuesto, por su familia pentecostal. Brown Sugar es un disco que bien podría ser considerado como el que inaugura el género conocido como neo soul a mediados de los noventa.
El término neo soul fue acuñado por Kedar Massenburg, quien fuera el representante de D'Angelo y Erykah Badu, la cual también es considerada como una de las máximas impulsoras de este subgénero. El neo soul contrastaba con el soul que dominaba las listas de popularidad a mediados de los noventa y que era una iteración del género que usaba un sonido más clásico inspirado en Al Green, Smokey Robinson y Aretha Franklin. Incorporaba también atmósferas más jazzy. También tenía un sonido más 'orgánico', propio de una banda con instrumentos tradicionales. El otro ingrediente indispensable del neo soul es que se usaban beats y bases rítmicas inspiradas en el hip hop.
El éxito de este primer disco de D'Angelo no se dejó esperar y acompañó sus buenas ventas con una gira. Pero es justo después de la gira que D'Angelo empieza a batallar para encontrar inspiración y poder componer temas musicales. Es en esos años que se asocia con el grupúsculo de los Soulquarians. Esta asociación estaba integrada por Erykah Badu, Mos Def, Talib Kweli, James Poyser y Common, entre otros. Los Soulquarians eran como el equipo todo-estrella de la NBA. Los cuarteles generales del grupúsculo estaban ubicados en la casa de Questlove en Philly. Es ahí donde se reunirán a ensayar, tocar y componer. Solo imaginen esas sesiones de jameo.
Si el Brown Sugar es el disco más soul de D'angelo, su segundo esfuerzo, Voodoo, es mucho más hip hop. El disco fue editado originalmente en el 2000 cinco años después de su debut. Y es con este disco que D'Angelo se confirma como la máxima figura de este género a finales de siglo. El sencillo "Devil's Pie" es una de las mejores canciones en la carrera de D'Angelo. La rola tiene un break de batería y una línea de bajo que nos remite a rolas de Sly Stone. Lo anterior no es sorpresa pues la producción estuvo a cargo del legendario productor DJ Premier. J Dilla también formó parte de los Soulquarians y su involucramiento en el segundo disco de D'Angelo es de la mayor importancia y lo podemos identificar en la contundencia de los beats y las mencionadas líneas de bajo que son características de la producción de Dilla durante esos años.
Pero es aquí donde empiezan los problemas graves. Para el sencillo "Untitled (How Does It Feel)" D'Angelo grabaría un video que le iba causar pesadillas además de varios millones de dólares. La situación es la siguiente: el sencillo mencionado es un tema muy downbeat con D'Angelo en una de sus entregas más emocionales. Su estilo de murmurar estrofas, el falsetto y las candentes líricas hacen de este tema una bomba sexual. Por si lo anterior fuera poco, se hizo un video en el cual aparecía D'Angelo desnudo mostrando su escultural torso. Al video le fue tremendamente bien, tan bien que en los conciertos las chicas empezaron a pedirle a D'Angelo que se desnudara cuando era el turno de interpretar esta canción.
A D'Angelo le incomodó que las chicas fueran a sus conciertos sólo a verlo desnudo. D'Angelo, que era considerado como la segunda venida de Prince o Stevie Wonder, empezó a beber y como consecuencia varias fechas del tour de Voodoo fueron canceladas. D'Angelo cayó en una fuerte depresión que lo alejó de los escenarios y del estudio. En el punto más alto de su carrera D'Angelo había empezado a deslizarse en una espiral llena de alcohol y otras drogas. De acuerdo a Questlove, también productor del Voodoo, nadie tuvo contacto con D'Angelo más que él que intentaba persuadirlo de volver a grabar.
El torso desnudo más famoso del soul grabaría algunas colaboraciones pero su verdadero regreso a la escena sucedió hasta el diciembre del 2014. Es en ese mes que el Black Messiah tomaría por sorpresa a todos. El tercero y esperado disco de D'Angelo estaba a disposición del mundo en las plataformas digitales y en vinilo. El Black Messiah es un disco mayormente orientado al rock, al rock psicodélico con reminiscencias a Funkadelic y Sly Stone. D'Angelo volvería a tener los ojos del mundo mirándolo pero esta vez por las razones correctas: su genio musical. Su tercer disco lo confirma como uno de los músicos más importantes de su generación y debe ser comparado con Prince, Sly Stone y Miles Davis.
El 2017 marca el aniversario número 20 de la muerte de Biggie y como un homenaje a su legado, parece que finalmente tendremos un documental autorizado acerca de su vida hecho con la bendición y colaboración de su madre, Voletta Wallace.
Titulado tentativamente como Notorious B.I.G: One More Chance, Variety reportó que será dirigido por el equipo detrás de Under Great White Northern Lights —el documental acerca de la gira del 2009 de The White Stripes—y que su lanzamiento fue anunciado desde el Berlin Film Festival, que se está celebrando en este momento. Emmet Molloy, uno de los directores, se refirió así del proyecto: "El reto de hacer una película sobre uno de los artistas más importantes de mi generación es de lo que vivo como cineasta".
Aun así, el documental no es la única manera en la que el legado de Biggie se está celebrando: este mayo será publicado otro álbum en colaboración con su viuda Faith Evans titulado The King & I. El LP de 25 canciones, tendrá la voz de Evans acompañada de versos icónicos y material inédito del fallecido rapero, así como apariciones de otros artistas como Snoop Dogg, Jadakiss, Busta Rhymes y Lil Kim.
Ambos proyectos son tributos formidables a un grande y también razones excelentes para que gastes el resto de tu día preparándote escuchando "Hypnotize" en repeat.
Todas las fotos: Mauricio Castillo para Noisey MX.
Que levanten la mano lxs que nunca hayan comprando en su vida un disco pirata. No existe, es imposible conseguir a esa persona. Los discos piratas tuvieron su gran auge en la época post Napster/Kazaa/Limewire. Era ley no escrita hacer un quemadito con tus rolas favoritas para escucharlo en tu discman, el auto de tus padres, o para regalárselo a esx amigx especialtz.
Mi primer compra de disco pirata fue culpa de MTV –como muchísimas cosas. Era una época en donde los Backstreet Boys mandaban, y Korn empezó a despertar en mi un cierto interés en el nü metal que hizo que le dijera a mi papá que me llevara al centro para comprar ''Issues'' y así perder mi virginidad en discos piratas.
Recuerdo que la calidad del booklet y caja del disco eran increíbles, incluso imprimieron todas las páginas del booklet para hacerme sentir que tenía algo en mis manos que era lo más cercano posible a tener el Issues original.
Progresivamente la compra de discos piratas se fue convirtiendo en una especie de moda entre mis amigos, cada quién compraba sus piratitas favoritos y que, debido a su precio, existía la posibilidad de salir del centro con cinco o seis discos de nuestros artistas favoritos.
Fue una época dorada, en la que genuinamente el disco pirata se convirtió en un ítem de colección, casi en otro nivel distinto al del disco original. Era chingón y especial ver la parte de adentro del CD y ver que era tornasol –por ser pirata– y no plateada como la de los originales. Ninguna de las personas que compraba un disco pirata pensaba que le estaba haciendo algún daño a los artistas, simplemente se convirtió en un fenómeno coyuntural sin frenos que se propagó por casi todos los países de habla hispana.
Ahora, fast forward al 2017. Época en la que ya cualquier tipo de disco –sea de vinilo, piratita, original, o de caramelo de fresa–, pasó a ser un ítem de coleccionistas o gente que no tiene algún servicio de streaming o Internet. Incluso la "industria" de discos piratas se ha visto afectada por el boom del streaming, debido a la aparición de un nuevo modelo de negocio: las memorias USB con GBs de música. Es común ir por las calles del DF y ver cómo estas memorias han desplazado a los antiguos puestos de discos piratitas. Recientemente un operativo policial decomisó 45.348 discos y películas piratas en la Ciudad de México, haciendo aún más difícil el encontrar estos puestos piratas.
Pero, como ya saben que en las oficinas de NOISEY somos nostálgicos y todo eso, decidimos ir a recorrer la ciudad y desafiar a los operativos policiales para buscar a los héroes sobrevivientes del holocausto de discos piratas. Con la principal misión de saber cuáles son los quemaditos más solicitados para este 14 de febrero y así hacerte el trabajo mucho más fácil para que que puedas llevar a la cama a esa personita especial al ritmo de Juan Gabriel, Enrique Iglesias, Romeo Santos, Maluma, Ozuna y más.
Hablamos con algunos vendedores de discos piratas para saber qué es lo que más se vende este 14 de febrero día de San Valentín.
Cecilia, 56 años
Los que más se venden esta semana son los de boleros, al parecer la gente se pone bien romántica y quieren hacer sentir bien a sus señoras. Les siguen muy de cerquita los de rancheras viejitas, Acapulco tropical y la Sonora Santanera también están ahí pero eso siempre depende de la persona que venga.
Normalmente los jóvenes que aun compran buscan muchos mezcladitos de reggaetón, se llevan de a dos o tres discos de una. Hace días vino un DJ bastante joven y se llevó casi diez discos, porque cumplía años el próximo fin de semana. Tengo tres años con este negocio y no creo que lo deje, el negocio de las memorias USB apenas empezó, vamos a ver cómo nos va contra ellos este año, ojalá no me quiten muchas ventas. Lo que pasa es que la gente ahorita prefiere conectar sus USB al coche y ya. De igual forma no me pasaría a ese negocio porque es más complicado, tienes que tener muchas computadores y pasar las canciones manualmente, en cambio con los discos me parece mucho más fácil, aquí me quedo hasta que me saque la policía, que ya ha sacado varios y por eso ves que ya no quedan casi.
Miguel, 58 años
Justo ayer me llegó un señor buscando algo romántico que hable bien bonito del amor, y yo le recomendé uno que sacamos para el 14 de febrero que tiene más de 100 éxitos bien romanticones. Pero, si no, es dependiendo de las generaciones que vengan a buscar discos. Si son chavos buscan música pop –Enrique Iglesia y Alejandro Fernández se venden mucho–, si ya son de mayor edad buscan mucho José José, Rocío Durcal o Camilo Sesto. Tengo tres años acá, y apenas termine de vender los más de 900 discos que me quedan me retiro del negocio. La cuestión de las memorias nos está tumbando el negocio, ahorita con el internet todo es más fácil y no cuesta nada bajar una canción. Recuerdo la época en donde era mucho más complicado tener las canciones y estos negocios sí daban más lana, pero ahora ya no. El internet desplazó también al negocio de la piratería, no sólo al de los discos originales.
Jorge Luis, 51 años
Para esta semana lo que hago es poner al frente todos los discos que tienen portadas referentes al amor, así las gente los ve más fácil y me los compra de una. Roberto Carlos, uno que se llama ''4 románticos'', Los Ángeles Negros, son los que más andan pidiendo por estas fechas. Pero nunca faltan las rancheras, esos se venden así estemos en navidad o día de muertos, así que siempre me mantengo con buena cantidad de discos rancheros, esos son los que más vendo y mantienen esto. Últimamente se anda vendiendo mucho disco de Romeo Santos, así que también siempre tengo que estar surtido de su música. No me voy a pasar a las memorias USB, si en algún momento se dejan de vender los discos me dedicaré a otra cosa, pero no voy a perder el tiempo vendiendo eso, ya llevo cinco años con discos y no me veo cambiándome a las memorias.
Alexander, 60 años
Aunque no lo creas la música cristiana también se vende en san Valentín, muchos de los cristianos que vienen acá solamente oyen este tipo de música, incluso, hay un par que son mis clientes fijos y me pasan por whatsapp los artistas y canciones que quieren que les consiga. Estos me compran unos 10-20 discos al mes y al menos sé que tengo esa lana fija con ellos. Son mejores clientes que las personas que escuchan otro tipo de música, por eso ves que puse un cartel bien grande que dice ''música cristiana'', ya que también hasta me envían clientes ya que quedan satisfechos con la calidad de los discos. Yo me preocupo mucho por esto y trato de bajarlas siempre en la mejor calidad de audio posible, tú sabes el dicho: ''cliente satisfecho siempre vuelve''. También le meto a la venta de guitarritas, muchos de estos señores cristianos son gente de lana y las compran para que sus hijos toquen. Ahí esa guitarra que vez de los Beatles ya está apartada.
Marina, 50 años
Se está vendiendo mucho uno que se llama ''Sólo para borrachas'' y ''Gruperos Enamorados''. Al parecer lo andan colocando mucho en algún bar cerca de Tepito o algo así. Incluso tuvimos que mandar a hacer más copias ya que la semana pasada se agotaron. Ya estoy pasándome a las memorias USB, uno gasta menos lana y te ahorras más tiempo. Tengo 7 años vendiendo acá y tengo que evolucionar, porque de acá comen mis hijos y las USB se lo van a llevar todo. También es que la policía a los de las memorias no les dice nada, en cambio a nosotros ya nos han sacado dos veces de donde estábamos antes. Lo cual es bastante raro porque varias veces he visto a los mismos policías comprando discos, entonces no los entiendo, es medio irónico el asunto. Yo sé que esto es piratería, pero no estoy haciéndole mal a nadie, más bien con estos discos la gente se distrae un poco y se olvida de sus problemas.
Siempre recordaremos aqueñ día de San Valentín que no nos hizo sentir como basura. O los primeros, cuando tú y tus amigos hacían tarjetas y se regalaban juguetitos baratos entre sí y los presentaban en el salón de clases. Era todo platónico, en realidad, pero de todos modos una proclama del entendimiento básico del amor: la progresión de un "Hola, ¿quieres ser mi amigx?" en el patio, a correr juntos siete minutos más tarde, riéndose.
Luego estuvieron las personas que sí te gustaban. Los crushes de primaria, que comunicabas con el uso de notas intercambiadas debajo de los pupitres o con uno de tus amigos como mensajero, cruzando ante la mirada de todos el patio de recreo para transmitir la información pertinente: "sí, que sí le gustas". En la pubertad, el día de San Valentín adquiere ya su peso específico de estrés y preocupación: '¿Qué pasa si nadie me pide ser su San Valentín este año?' En la secundaria y más allá, llega ese entendimiento crucial de estar ante día forjado con dulzura pegajosa o con el eco resonante de la soledad sin sexo.
Con esto en mente, les presentamos una canción que celebra esa sensación de anti- San Valentín que comienzas a plenitud cuando llegas a los veinte y te pones a coger con más holgura y a gritar "dinero por sobre todas las cosas," o cualquier eslogan que encapsule el hecho de que te sientes a gusto estando solo. Tiger Lion es un grupo de dream-pop de Londres que comenzó en Francia, liderado por la cantante, compositora y bajista Clémentine Blue. Ella y su banda, completada por el guitarrista Geoffrey Papin y el baterista Dan Breaden, le hicieron un cover a "Heart of Glass", original de Blondie, en un homenaje de niña triste y susurrante, que cabalga sobre guitarras crujientes como si fueran olas del mar.
"Escuchamos 'Heart of Glass' poco antes del amanecer en un club en París", nos contó Clémentine, recordando el origen de su cover. "Es una canción que he conocido toda mi vida, pero las letras tristes rondaban en mi cabeza en el camino de regreso a casa, y cuando llegamos comenzamos a tocar una versión como en Valium del tema". Clémentine canalizó a su "chica parisina indiferente interior, cantando muy bajito a través de un micrófono con la ganancia al máximo, y durante una mañana de invierno oscuro".
Clémentine ha crecido sabiendo que el resto del mundo considera que ella y sus compatriotas son expertos en el amor. Pero el día de San Valentín y toda su fanfarria alrededor, no se siente natural. "Los parisinos no son necesariamente románticos, pero la ciudad en sí, definitivamente es romántica", dice. "Estoy obsesionada con el romanticismo en el arte y guía mis emociones cuando escribo ¿Tal vez eso me hace una persona romántica? Pero aún odio el concepto de tener que escoger un solo día de amor cursi de entre 365".
Es una historia tan vieja como el tiempo: un compa se clava de lleno a los video juegos, el compa pierde su capacidad para socializar en cualquier manera más allá de guerras en foros web, el compa se vuelve medio asqueroso y totalmente incapaz de conseguir novias y se haya absorbido en la idea de ser un "Pagafantas", gracias a sus compañeros geeks. Esta misoginia condicionada puede llevar a lugares muy oscuros, pero Thundercat aborda el concepto, como lo hace siempre, con "Friend Zone," otra nueva rola extraída de su próximo disco Drunk.
La canción es el típico atasque de electro-funk súper ágil al que nos tiene acostumbrados el buen Thundercat, con él cantando "nadie quiere estar en la Friend Zone" antes de decir que está chido con Mortal Kombat, gritando en modo peleador à la Johnny Cage ¿Dónde están las colaboraciones de yatch rock? ¿Está Thundercat verdaderamente en la Friend Zone? No sabemos pero dale play abajo a "Friend Zone".
Welcome to our new heavy metal series Noisey Shreds, where our resident metal head Kim Kelly will be traveling the globe to interview and hang out with some of our favorite bands.
For our first episode we’re heading to San Diego, California to hang out with the almighty gods of Thrash themselves, Slayer. We’re gonna catch up with them at Comic Con, where they’re debuting a new comic book through Dark Horse comics, and also playing a special one off show at the House of Blues, a venue much smaller than they are used to playing these days.
¿Tuviste novio en la preparatoria? Entonces seguramente tú también fuiste a la papelería más cercana para comprar diez paquetes de post its y un plumón indeleble para forrar el carro de tu novio con mensajitos de amor que terminaron en el tambo de basura de tu suegra en turno. En la pubertad, pegar papeles de colores en el carro de tu chavo es el equivalente a mearlo encima para marcar territorio y dejar claro que lo tuyo con él va en serio.
Para presentar su nuevo sencillo, Los Blenders utilizaron el mismo recurso: atascaron un vehículo con cuadritos de papel en donde escribieron las letras de la canción. Al igual que la estética, el track titulado "Ya no te quiero" habla sobre cómo es querer cuando aún no entiendes ni la mínima parte de lo que significa el amor. ¿O en serio crees que todas esas chick flicks están basadas en la vida real?
"Ya no te quiero" se desprende de Ha Sido, el nuevo disco de Los Blenders que aún no tiene fecha de lanzamiento pero que promete bastante—la banda ha estado experimentando con chelos y guitarras de doble cuello en el estudio. Además el video salió en el día internacional de sufrimiento para todos aquellos que no tienen novi@.
Deja que tus inseguridades te invadan y recuerda tus relaciones inmaduras con lo que hay aquí abajo:
Para hacer bien el amor hay que venir al sur, cantaba Rafaella Carrá. Y hasta el momento nadie ha puesto en duda este postulado sobre el Cono Sur. Esto ocurre porque –al menos en Chile- el amor lo vivimos como latinos: muy apasionados, pero también aislados en nuestras formas: la Cordillera de los Andes, el Océano Pacífico, la Antártida, el Desierto de Atacama, los incendios forestales y las playas plagadas de tangas sueltas; justo ahí, los amores de verano se nos vuelven nostalgia.
Así es como para este 14 de febrero, la plataforma digital Archivo Amoroso, junto a Estación Local y Picnic, compilaron 8 covers de música cebolla; es decir, clásicos románticos con los que puedes hacer el aseo, cocinar, bañarte y dormir solo. Sabemos que quienes pasan San Valentín en pareja, tendrán muchos panoramas y temas por los cuales desatar la rabia amatoria, como los peluches, los boletos del cine, la chica que pasó al lado o los misteriosos saludos que recibirá tu novix por Whatsapp.
En los tracks encontraremos el estremecedor cover de "Cuando estoy con él" de Jeannete, "Burbujas de amor" de Juan Luis Guerra, "Aire soy" de Miguel Bosé, "Uno los dos" de Miranda! y el clásico de clásicos "Sinceridad" de Riccardo Cocciante, entre otros. Dale play abajo y que el amor no termine nunca.
También puedes escucharlo como playlist de YouTube aquí.
Rey, el disco debut que Elsa y Elmar publicó en septiembre del año pasado, está compuesto en un 100% por historias de amores hermosos, problemáticos, frágiles y sinceros—por no decir muy reales. Por la misma razón, cuando pensamos en alguien que pudiera ayudarnos con un playlist con canciones para echar novi@, el primer nombre que vino a nuestra cabeza fue el de Elsa Carvajal.
Ahora, gracias a la ayuda que nos brindó Elsa, aquí abajo hay una selección de tracks románticos que te van a servir para encender las cosas en tu cita de hoy en la noche. El playlist tiene desde Frank Ocean hasta Alicia Keys, así que te recomendamos que compres unas velas y busques una buena botella de vino porque gracias a esto vas a recibir miles de besos.
De nada.
"Self Control" — Frank Ocean
La considero una de las canciones más sexis del 2016. La letra es bastante sugestiva y aún así romántica aunque también es triste. Eso está divino. AMO la frase "wish we'd grown up on the same advice".
"In common" — Alicia Keys
Gran canción. No sólo el ritmo acompaña una buena sesión de besos, sino la letra acepta que dos personas "rotas" se atraen por estar algo locos. Me gusta el concepto y creo que complementa la pasión.
"Recreational Love" — The Bird and The Bee
Esta canción habla de cómo sólo buscamos el amor como "recreación"… Hoy está cool darnos besos solo por pasarla bien.
"Tormenta" - Alex Anwandter
Me encanta esta canción. El ritmo y los sintetizadores son perfectos para unos primeros besos.
"Pink + White" — Frank Ocean
En verdad todo su disco (Blonde) da para una larga sesión de besos de san valentín. No le he puesto mucho cuidado a las letras, porque la música me dice muchísimo. En este caso que es un buen momento para besar.
"Don't touch my hair" — Solange
Solange y Sampha tienen una química divina. Que se nota en esta canción. Creo que esta canción hace primero bailar y luego ponerse romántico.
La fiebre del vinilo sigue viva, en algunos países más que en otros. Discos nuevos y viejos se siguen vendiendo, y muchos artistas lanzan sus grabaciones en este formato. Pero hay un tema del que no se habla en los medios: la calidad de los vinilos que nos venden.
He recibido comentarios, principalmente de audiófilos y gente muy clavada en el tema, sobre que los vinilos que se fabrican actualmente están hechos con base en archivos digitales, en lugar de análogos, como solía hacerse en la época dorada del formato. En otras palabras: nos están vendiendo una especie de discos compactos, pero en formato de vinilo.
¿Esto es malo? No necesariamente. Es más bien una cuestión de gustos y presupuestos. A diferencia del audio digital, que actualmente es accesible para todos, el sonido análogo requiere de una inversión considerable (tornamesa, aguja de buena calidad, sistema de amplificación y preamplificación, etcétera) para explotar al máximo sus cualidades.
No voy a enfocarme en la vieja discusión de qué formato es mejor, porque ambos tienen cualidades claras y ampliamente probadas, sino en la calidad de los discos de vinilo que nos está vendiendo –o volviendo a vender, en el caso de las reediciones– la industria.
#LatinoaméricaEnVinil
Para ejemplificar este fenómeno me centraré en la camada de discos que Sony Music lanzó con la etiqueta #LatinoaméricaEnVinil, y que incluye todo el catálogo de Soda Stereo y Gustavo Cerati, más algunos discos de Los Tres, Babasonicos, Charly García, Luis Alberto Spinetta y Pescado Rabioso, entre otros.
Desde que se pusieron a la venta los primeros títulos, aficionados de varias latitudes empezaron a comentar en diversos foros su desilusión por la calidad de estas nuevas ediciones, cuyo sonido encontraron carente de brillo y en algunos casos demasiado frío.
La explicación que encuentran melómanos como Óscar Rodríguez, es precisamente que en la fabricación de estos productos se utilizaron fuentes digitales.
"La virtud del LP es el sonido analógico, más natural, contrario al del CD, que es digital, además de que ahora no sabemos qué fuente usan como master para un LP", me explica.
"No sabría decirte si suena mejor o peor…"
Una de las reediciones que me han comentado que se escucha bien, pero no tanto como la original de 1987, es la del disco homónimo de Bon y Los Enemigos del Silencio. El ingeniero del estudio de Sony Music, Rodolfo Vázquez, quien trabajó en varias de estas reediciones, me dice que más bien son puntos de vista.
"En el caso de Bon, nosotros tomamos las cintas originales, y te puedo decir que la única diferencia que hay entre el vinilo original y el nuevo (2016) es la masterización que se hizo, porque ya existen aparatos que tienen un rango dinámico mucho más alto, entonces sí podemos hacer una masterización para mejorar la calidad del sonido".
"Ahora bien, no va a sonar igual, porque tenemos un gramaje diferente, tenemos una pasta diferente, entonces sí, no va a sonar igual, pero no sabría decirte si suena mejor o peor, tratamos de que suene mejor, ese fue el objetivo", asegura.
Comentarios de otros aficionados apuntan una situación similar en discos como Signos, de Soda Stereo. Sin embargo, también han destacado que títulos como Sueño Stéreo tienen un sonido excepcional, incluso superior al del CD editado en 1995, y que esto probablemente se deba a que se le hizo una masterización a 48.000 khz, sobre una tasa de 24 bits.
Como parte de una segunda camada de discos de #LatinoaméricaEnVinil, Sony reeditó varios discos mexicanos como En Esta Ciudad, de Cecilia Toussant y El Circo, de La Maldita Vecindad, además de otros que nunca fueron editados en este formato, debido a que su lanzamiento original fue solo en CD, como es el caso de títulos de Santa Sabina, Cuca y Julieta Venegas.
Sobre estos discos –los que solo se editaron en CD durante los noventa– el ingeniero de Sony admite que la fuente sí fueron archivos digitales, pero asegura que se tomaron las mezclas originales, y que a partir de ellas se hizo la masterización especial para vinilo.
Ediciones económicas
Ricardo Aguilar es parte del equipo de Resistencia Modulada en Radio UNAM y ha adquirido algunas de estas reediciones. Me dice que para él tienen un costo-beneficio, pues aunque su factura no es la mejor, su precio sí es competitivo en comparación con las cifras que llegan a alcanzar ediciones originales.
"No me hubiera molestado pagar 100 pesitos más por una edición más cabrona de un rework más trabajado de Spinetta o del disco Miami, de Babasonicos", asegura.
Finalmente, agrega que para él, toda esta movida de las reediciones "es más archivo y nostalgia oportunista, que entender una reeedición en vinil digna".
También los empaques dejan qué desear
Juan de la Serna es otro melómano que consume discos de vinilo y dice que el sonido de estas reediciones es aceptable para él. Sin embargo, lo que califica como "terribles" son sus empaques.
Juan, quien algo sabe de esto, porque además es diseñador gráfico, considera que no hubo control de calidad en los insertos de estos vinilos, y que eso se hace evidente hasta que intentas sacarlos o meterlos de la funda, porque no están bien calculados sus tamaños, y esto hace que se maltraten (como en la imagen arriba).
Otro aficionado llamado Diego Chacón, agrega: "Se nota que solamente escanearon los artes originales y que no se les dio una manita de gato con PhotoShop para restaurarlos y tener una buena calidad de imagen".
Aunque prácticamente todas las ediciones de vinilos que se maquilan actualmente tienen calidad de 180 gramos —lo que los hace más gruesos, y por tanto más resistentes que los LP delgadísimos que se fabricaban anteriormente en países como México, el audio y los empaques son otras características que los fabricantes tampoco deberían descuidar.
Hay melómanos y coleccionistas que sugieren que se proporcione mayor información en el empaque de los vinilos, como se hizo en su momento con los CD, en donde se especifique si se trata de una edición económica, como aparentemente son las de #LatinoaméricaEnVinil y de qué fuente provienen la grabación, mezcla y transfer de cada disco (análoga y digital, solo digital, etcétera).
Ya sean clavados, nostálgicos o curiosos, quienes adquieren un disco de vinilo en el siglo XXI tienen derecho a saber lo que están comprando.
