Marco y Gabo son justo el tipo de vatos que, sin saber exactamente qué es lo que están haciendo, saben hacerlo muy bien. Hace un año (aproximadamente) los descubrimos aquí en Noisey gracias a un video casero que el dueto primerizo puso en internet para una de sus primeras canciones, titulada “De día”. Justo después de ver el clip grabado con iPhone 4s, y pensar que Jesús con Corte Militar no era del todo un buen nombre para una banda, pero que al final les quedaba muy bien, fue claro que los chicos ruidosos detrás de la guitarra y la batería eran un par de mocosos que iban a romperla como se debe. 

Ahora, un año después, Jesús con Corte Militar acaba de sacar El problema es que Pepe no me hace caso, su álbum debut, el cual que trae una buena dotación de fuzz de guitarra mareador y una batería llena de ira. El disco cuenta con ocho temas con títulos increíbles y una portada abstracta en colores chillantes que tiene un significado mucho más simple que cualquier interpretación minimalista que sus cabezas intelectuales pueden formular. Luego de escuchar su rock/punk enamoradizo, contacté a las mentes jóvenes y frescas (provenientes de Costa Rica) que están detrás de este proyecto, para preguntarles sobre su nuevo material, la genialidad de sus letras, el nombre sin sentido de la banda (y el disco) y cosas tristes de amor. Lean lo que esta nueva banda tiene que decir al respecto y dejen que su sonido los saque de onda aquí abajo. 

Este es su primer disco, ¿qué creen que fue lo más difícil de armar este material? 
Gabo: uno de los puntos más difíciles quizás fue madurar en todo sentido. Con la palabra madurez me refiero que a la hora de ejecutar, escribir, cantar y  tocar se viera reflejada la relación de amistad que existe entre Marco y yo. Creo que fue lo mas difícil de lograr y la mejor experiencia.

¿Y las canciones? ¿Cómo fue el proceso creativo? 
Gabo: Con respecto a su escritura, lo único que hay para saber es que son experiencias personales. Son experiencias personales, conflictos emocionales y alegrías. Marco es mi mejor amigo, puedo compartir todo lo que pasa por mi cabeza con él y a parte de recibir sus palabras de apoyo, su sucia y potente batería me dice: "Tranquilo Gabriel, todo estará bien".  Por otro lado la melodía viene de la emoción que resulta de todo lo anterior.

Los títulos de sus tracks son una joya, ¿los eligen entre los dos o quién se encarga de armarlos?
Gabo: La mayoría del tiempo los armamos entre los dos, otras veces Marco y otras veces lo hago yo cuando termino de escribir la canción. Los nombres muchas veces están armados de la siguiente manera: "Leche con chocolate" se llama así ya que el día en que la tocamos por primera vez tomamos leche con chocolate para tomar energía y la canción habla de alcanzar el amor, sentíamos que era muy parecida a la sensación del ingerir leche con chocolate. Salen de conversaciones o situaciones especificas.

Marco y Gabo, por si no les había quedado claro quién era quién.​

“Capricho Adolescente”, a diferencia de las otras canciones en el disco tiene menos fuzz de guitarra y suena mucho más a balada. Cuando se me atravesó a la mitad del álbum sentí que fue como un pequeño descanso entre tanto desmadre. Estuvo bien reposar antes de seguir agitando la cabeza ¿Por qué decidieron incluirla? ¿Su intención era esa? 
Marco y Gabo: “Capricho Adolescente” es estar enamorado o simplemente gustar de alguien sin tener que darle tantas vueltas al asunto. Más que un descanso, es cantar el amor como merece ser cantado, de una manera verdadera e intensa, bien cursi. “Capricho Adolescente” es una de las canciones que más sobresale del disco, ya que representa el sentimiento principal del disco.

Detrás de todas esas figuras abstractas que hay en el arte de su disco, ¿hay algún significado oculto? Si, sí, ¿cuál es? 
Marco y Gabo: El significado oculto tal vez sería que es un pastel de cumpleaños. Cumplimos años el mismo día, el 25 de septiembre. Es pastel con helado. 

¿Qué va a pasar cuando Pepe sí les haga caso? 
Marco y Gabo: Sí Pepe nos hiciera caso, no sería Pepe. Queremos a Pepe tal y como es. No obedeciendo es feliz. Pepe es como el disco: desobediente por naturaleza.

Marco: Pepe es uno de mis perros, un boxer, en veces se metía al cuarto de ensayo y no quería salir, lo queremos mucho. Saludos a Pepe. 

Tal vez esta es la pregunta más cliché pero no me importa, quiero saber. ¿Por qué decidieron ponerle a la banda Jesús con Corte Militar? 

Marco y Gabo: un día íbamos caminando hacia la parada del bus por la casa donde ensayamos (casa de Marco) caminando. 

          -Gabriel: Hey me tengo que ir a cortar el cabello ya crece y se ve deforme. (Gabriel se había rapado un mes atrás).
          - Marco: ¿En tu escuela no los dejan llevar el pelo largo ?
          -Gabo: No... Pero es algo imbécil que en un colegio católico no dejen llevar el cabello largo, las imágenes de Jesús siempre tienen pelo largo. 
          -Marco: Es verdad. Sería gracioso que no representen a personajes así tan guapos. De hecho imaginemos a Jesús con corte militar... Hey! Me gusta ese nombre para la banda.
          -Gabo: Voy pensarlo y te digo... 

Por lo que pude ver en sus fotos de Facebook la pasan bien, ¿qué creen que es lo mejor de tener una banda?
Marco y Gabo: Definitivamente lo mejor de todo es poder ser uno mismo, expresar ternura con la violencia y agresividad del punk rock. Por otro lado, por el hecho de usar la amistad como instrumento de destrucción o como una avalancha de volumen. 

Su influencia es el amor; cuéntenme su peor decepción amorosa. 
Gabo: Siempre tengo decepciones de ese tipo, y escribo canciones acerca de eso, y muchas de estas me sirven para darme cuenta de que ninguna de las personas era mala o buena necesariamente, a través de eso puedo ver cuán equivocado estaba. 

Mis decepciones en el campo son constantes, pero nunca dejo de creer en la posibilidad. La peor experiencia fue cuando encontré a una chica con la que salía besando a otro tipo...

Marco: Yo en mi inocencia le dije que una chica que me gustaba mientras íbamos en el taxi de regreso a su casa, yo estaba enfermo y en verdad no tenía voz, de esa manera tuve que explicarle las cosas, al final, la cita fue un desastre.

¿Cuál es el último disco del que se enamoraron?
Gabo: Tengo dos, Empty Sky de Elton John y The Stone Roses de The Stone Roses.

Marco: Al igual que Gabriel, Empty Sky de Elton John, y es para mi uno de los mejores álbumes que he escuchado, la composición de la música, las letras y todo lo que tenga que ver con la personalidad propia del álbum. Y un segundo álbum llamado Y,  de la banda francesa Daïtro, suena sólido y fresco.

Díganme con un gif lo que va a sentir la gente cuando escuche su disco.

¿Qué viene para ustedes? Tocadas, etc.
Gabo: No sé en realidad que nos traerá el futuro, pero creo que nos irá bien. 

Marco: Seguir componiendo y experimentando, y seguir disfrutando el simple hecho de tocar en vivo.

Incluso las bandas más legendarias tienen porquerías dentro de su repertorio, y algunas veces, desafortunadamente, esas son las primeras cosas que descubres de ellos. Esto era especialmente común en la época pre-internet, en donde no existía el poder omnipresente del streaming y tenías que tomar un riesgo y comprar el disco. Usualmente la decisión de la compra estaba basada en la portada, las cosas positivas que tus jóvenes e impresionables oídos habían escuchado sobre la banda, o la recomendación que te daba el empleado cacarizo de Mixup o Tower Records.

Pero las cosas no siempre salían bien. Tal vez era la primera probada que le dabas Metallica y era con el St. Anger, algo que seguramente te llevó a vomitar toda la noche. No es tu culpa, la verdad. ¿Cómo ibas a saber que Sandinista! fue la manera en que The Clash trató de safarse de su contrato discográfico y que no era para nada la manera de entrarle a la icónica banda de punk? Aún así, no hay nada de que avergonzarse, porque tal vez fue esa basura la que te llevó a escuchar algún disco clásico de la banda. Tal vez te abrió la puerta a todo un mundo nuevo de música que no sabías que existía.

Hay una extraña conexión que puedes desarrollar con el álbum que te introdujo a una banda, sea o no, “su disco correcto”. Algo de ese primer amor a un disco se queda contigo, sin importar lo vergonzoso que resulte en retrospectiva. Dicho esto, estos son los primeros álbums que el staff de Noisey escuchó para bien o para mal. ¿Cuáles son los suyos? Esta es una zona libre de prejuicios. 

Weezer – The Green Album

Me gustaría decir que el disco que impulsó mi despertar musical fue uno icónico como Dookie de Green Day o London Calling de The Clash. Pero la realidad es que era la típica niña tímida y rara que tenía un papá que había dejado de escuchar todo lo que salió después de 1974 y no fuera de Bruce Springsteen y que contaba con una madre de Europa del Este bastante dura que no podía ser molestada con frivolidades. Así que, mis días de juventud estuvieron en Napster en donde mi propia y bastante boba educación musical servía como guía en el proceso de encontrar música nueva. A mis 13 años, mi cartera de discos ya contaba con clásicos como Third Eye Blind y No Strings Attached, y, con el dinero de pasear perros quemando mi bolsillo, me dirigí una tarde a Wherehouse Music  para añadir Writing on the Wall de Destiny’s Child a mi colección. En vez de eso, me encontré cara a cara con un poster en color neón. Weezer. Había visto el video de “Hash Pipe” en MTV, pero además de eso no tenía idea de quiénes eran. Decidí comprarlo, y luego las cosas no volvieron a ser igual. Si Beyoncé y compañía satisfacían mi deseos de bailar música pop en pijamadas, Weezer le habló directamente a la inadaptada que vivía en mí y que tenía muy pocas invitaciones a ese tipo de reuniones nocturnas. Sin el más remoto marco de referencia en la música, el álbum verde que les produjo Ric Ocasek se convirtió en mi puerta de entrada al mundo del rock and roll: crujiente, pegajoso y manejable, pero decididamente sin complicaciones. Estaba intimidadamente y obsesivamente enamorada. Olviden los coros soso y a veces sin sentido de River; a esa edad no podía relacionar las letras con ningún significado real de todos modos. Era la emoción directa y sencilla de las melodías lo que me movía. Pronto me mudé a los más tempranos y complejos discos de Weezer, el Blue y el Pinkerton, que más adelante me volaron la cabeza. Eso me llevó a los Pixies, que me llevaron al punk, que me llevaron al blues y así, mi colección de música y yo pudimos vivir felices para siempre. 
—Andrea Domanick

The Misfits – American Psycho

Como la mayoría de los niños de 13 años lo suficientemente tetos para encontrar el punk rock durante su adolescencia, salí al mundo y compré los discos de las bandas que oficialmente sabía que eran bandas punks: Dead Kennedys, Minor Threat, The Misfits. Minor Threat fue fácil, debido al hecho de que solo tienen un disco. Quedé bloqueado cuando compré Fresh Fruit de los Dead Kennedys, pero con Misfits, compré sum más reciente álbum en ese momento American Psycho. Y lo “entendí”. Un poco. Incluso colgué en mi pared el poster desdoblable que venía incluido. El disco estuvo…. Bastante bien, creo. Deeeeefinitivamente disfrute de esta banda icónica que hacía valer el peso de los punks con los cinturones llenos de estoperoles que estaban obligados a adorar, totalmente. Yo era uno de los punks en onda. Pero una parte en mi interior reconocía que era un poco tonto — todo este sonido harmonizado de Metallica— pero, oigan, ¡eso eran los Misfits! Los parches de la mochila del vato con el mohawk no podían estar mal. Pero estaban mal, por supuesto. American Psycho fue durante AÑOS  lo que cualquier fan respetado de los Misfits consideraba como su canon. No recuerdo de donde saqué 50 dólares en ese tiempo, pero compré el set completo con todo lo que traía adentro inmediatamente. ¡Earth A.D, Static Age, Evilive, Fucking Dazing! Eso eran los verdaderos Misfits. Después de eso, me adentré hasta el fondo y no mire hacia atrás.  Voy a seguir burlándome de American Psycho hasta el día de hoy,  aunque me avergüence aceptar que sé mucho más de esas canciones que lo que me gustaría aceptar. 
—Dan Ozzi

Liz Phair – Liz Phair

Distintivamente recuerdo haberme quedado en el cine hasta que terminaron los créditos de Win A Date with Tad Hamilton para ver quién había escrito, “Why Can´t I?, una canción que era parte de ese horrible disco homónimo que Liz Phair lanzó en 2003, el cual fue producido por el mismo equipo que había trabajado con Britney Spears y Avril Lavigne. Por mucho tiempo los fans y críticos lo odiaron. Incluso el New York Times dijo que Phair había cometido un “embarazoso suicidio profesional”. Como si yo hubiera tenido una idea. Yo venía saliendo de un circulo de rock de chicas donde en el centro había cosas como Y2K, Fe Fe Dobson, Avril, etc. pero una vez que me adentré en el lado izquierdo del grunge-pop con cosas como Juliana Hatfield, That Dog, y por supuesto, Exile in Guyville-era de Liz Phair, que es uno de mis discos favoritos de todos los tiempos. Pero todavía escucho “Why Can't I” cuando los vatos que me gustan me ignoran. 
—Bryn Lovitt

The Stone Roses – The Second Coming

En 1994, todo era acerca de Wu-Tang, Snapcase, Fugazi y cualquier  cosa vagamente punk o mugrienta. Yo en ese tiempo estaba en la clásica fase “alternativa”, y aunque todavía amo bandas como The Cure, New Order, y otras, ahora me clavo con otras cosas mas allá de lo que Dave Kendall diga en 120 Minutes o WHFS que está en onda. Dentro de todo ese ruido, yo había oído algunas cosas sobre lo increíbles que eran los Stone Roses y como tenía que escucharlo. Cuando The Second Coming salió después de la curva de cinco años del lanzamiento de su homónimo, tuvieron un empujón masivo con “Love Spreads”, un sencillo que incluía una guitarra en llamas. El track se escuchó en la radio, también hubo un video, y después finalmente “los encontré” (o eso pensaba) así que me dirigí directamente a Tower Records. Pero estaba en un error. Unos meses después, como era obvio, una amiga mía vio la copia de The Second Coming y me dijo, “¿Compraste eso? Deberías checar el primero, ese es la onda”. Y en efecto, definitivamente era, mucho mejor que su famoso refrito en una de las mejores escenas de Shaun of the Dead.
—Fred Pessaro

Ryan Adams – Rock n Roll

Mis primeros meses de regreso a casa después de la universidad fueron un martirio. El mercado laboral después del 11 de septiembre en mi ciudad era un desastre, y yo era uno de esos explotados y mal pagados que no podía darse el lujo de tener una vida social fuera de la comodidad de los personajes intangibles en los videojuegos. Estaba triste y dramático, y me gustaba la música triste y dramática. Dentro de esa nostalgia, empecé a pedalear hacia atrás en toda esa buena música bastarda que los amigos de mi universidad me habían puesto durante los cuatro años anteriores que yo, como un buen hermano indie, bastante firme en ese momento, se había negado a darle importancia. Esto significaba mucho Wilco y Ryan Adams. En 2003, Adams se convirtió en un proxeneta que sonreía de manera irónica y con mucho glam rock en la portada de su muy inteligentemente titulado disco Rock n Roll, y yo, por alguna razón lo compré. Cave en la falsa felicidad que en realidad es bastante triste de “So Alive”, que suena en retrospectiva como Rufus Wainwright haciendo karaoke de U2, simplemente una mala idea de pies a cabeza. Fueron días negros. Afortunadamente, los años que siguieron, conseguí mucho más filo para escoger mi música depresiva (¡pornografía, baby!), y Ryan cortó la mierda y regresó a experimentar. Bueno, casi toda.
—Craig Jenkins

Slipknot – Iowa

En 2001, tenía 14 años y estaba muy, pero muy enojado. Viendo hacia atrás, no puedo explicar qué es lo que me tenía lo suficientemente rabioso como para golpear paredes, meter gente a sus lockers, y ser arrojado a una clase para el manejo de ira. Lo probable es que simplemente estaba pasando por el jardín de la angustia adolescente, en donde se filtraron mis tendencias agresivas heredadas (¡Gracias papá!). Lo que se que haya sido, necesitaba de un soundtrack, y gracias a mis amigos más grandes y obsesionados con Hot Topic, descubrí el perfecto acompañamiento aural para mi mierdera actitud puberta: Slipknot. Fui específicamente hundido en su segundo álbum, Iowa, con su portada azul y plateada y sus tracks brillantemente titulados con cosas como “People = Shit” y “The Heretic Anthem”. Suena rancio y cursi para mí ahora que he pasado los siguientes 13 años escuchando metal grotesco de guerra, pero en ese tiempo, eso era para mí la cosa más extrema que había oído— un directo precursor en el florecimiento de mi interés por el death metal, que me llego al grind, que luego me llevó al black metal, y luego al crust punk. Mi etapa de nu-metal fue benditamente corta, pero no puedo negar que ayudó a alumbrar mi camino hacia el sendero de la izquierda. 
—Kim Kelly

Bob Dylan – Self Portrait

Lanzado en 1970 entre los clásicos de piedra Nashville Skyline y New Morning, Self Portrait de Bob Dylan no fue bien recibido por los críticos. Seriamente, no hay otra forma de ponerlo: ¡Todo el mundo pensó que apestaba! El consenso general hacia ver que había algo detrás  — el concepto de verse a uno mismo (o lo que sea) y lo que esa expresión significaba y cómo lidiábamos con eso siendo seres humanos— y esa idea fue la que hizo valer la pena examinar y explorar (era un nuevo disco de Bob Dylan, al final de todo).  Pero al mismo tiempo, el odio hacia el disco era universal. Algunos escritores de rock (probablemente hombres blancos) declararon este álbum, como el top de muestra en la separación de los The Beatles, el verdadero final de los 60. De hecho, la reseña del legendario Greil Marcus en Rolling Stone abre con la simple frase “¿Qué mierda es esto?” No fue un buen tiempo para ser Bob Dylan y estar vivo. Esta respuesta negativa, me imagino, se debe probablemente a que la principal preocupación acerca de la música es tener la Opinión Correcta™. Y, miren, no voy argumentar el valor de Self Portrait en comparación con toda la demás música fantástica que Bob Dylan produjo durante toda su carrera. Yo también era un adolescente negativo de 17 años cuando este disco se lanzó. Pero en mi opinión de experto en retrospectiva, para mí, siento, que las criticas sobreactuaron porque Dylan no les dio el disco que ellos estaban esperando. Self Portrait es un álbum divertido, desordenado e incompleto. No hay nada limpio — sus vocales encogidas (y esto fue cuando aún podía cantar) son apretadas y jadeantes, los riffs de la guitarra son torpes, su escritura desenfocada. Pero eso fue lo que hizo de este disco algo pop cuando lo escuché por primera vez de chico. Ya había escuchado a Bob Dylan antes— es casi imposible nacer en el medio oeste y no tener “Rambling Man” empujando tu garganta— pero este fue el primer álbum que me introdujo en el mundo de Dylan, uno que está más enfocado en la autoexploración y la reflexión sobre cómo encajar en este mundo. A mí me pareció que estaba bien que no fuera perfecto. Nadie es perfecto. La música que es perfecta es aburrida. Self Portrait no intentaba ser perfecto — simplemente trataba de ser humano. ¿No es nada divertido ver nuestros defectos, o sí? 

—Eric Sundermann

Nine Inch Nails – With Teeth

En sexto grado, por alguna razón, pensé que ser gótico sería algo increíble. Marilyn Manson, Jeff Hardy, comprar libros raros sobre cómo evocar espíritus, todo estaba de huevos. Así que era casi natural que escuchara hablar sobre Nine Inch Nails luego de el recién lanzamiento de su disco en 2005, With Teeth. Realmente no los había entendido antes, pero sí sabía que era su primer lanzamiento de larga duración desde 1999.  Escuchándolo ahora, además de darme cuenta del realmente obvio y horrible juego de palabras, también noté que este disco realmente no tenía dientes. Cada disco previo carga con lo que hizo a Nine Inch Nails una banda genial, y Trent Reznor es un muy buen músico. No había miedo detrás de los instrumentos electrónicos y el hardware con el que tocaban. Pero con With Teeth simplemente se sentía como si hubiera sido escrito por una banda de rock alternativo para un mal episodio de La Ley y el Orden. Las canciones eran aburridísimas, no había reflexión y eran dolorosamente básicas.Todo parecía como si Trent hubiera tratado de averiguar que tan bueno era escribiendo pop, o si podía escribir otra canción como “Hurt”. Por lo menos su DVD en vivo estuvo bien, creo. 
—John Hill

Green Day – American Idiot

Antes de meterme en esto, quiero decirles que era una chica de 13 años viviendo en un pueblo bastante rural, sí, tenía internet, pero no sabía cómo usarlo. Yo sólo había escuchado de Green Day por la playera de Dookie que mi primo (el popular) logró que su mamá le comprara, e incluso en ese momento no era lo suficientemente inteligente como para buscarlos. Ni siquiera sé qué fue lo que me llevó hacia ellos o que fue lo que me convenció de comprar este álbum pero, como ya lo dije, no era lista. Así que el primer disco que compré de ellos fue American Idiot. La peor parte de todo es que realmente me gustó este álbum; probablemente lo escuché unas cien veces. El coro ininterrumpido acompañado de acordes rápidos y pesados en la transición de “Are We the Waiting/ St. Jimmy” se sentían bien al escucharlas y, claro como una #adolescente deprimida “Are We Up When Septembre Ends”, simplemente me atrapó. Nunca voy a olvidar el día que el chico cool de la escuela que, además me gustaba, volteó a verme cuando puse el CD en mi Walkman o como se llame esa cosa (para aquellos que quieran saber, era demasiado pobre para comprar un iPod) y me preguntó qué disco era el que estaba escuchando. Orgullosamente contesté “el nuevo de Green Day” a lo que inmediatamente contestó que apestaba y que la banda no había hecho un buen álbum desde Nimrod. Rápidamente mentí y le dije que era de una amiga y que además era la primera vez que lo escuchaba. En el segundo que llegué a casa hice que mi mamá me llevara a Wal-Mart y dios sabe por qué razón, tenían una copia de Nimrod.
—Annalise Domenighini

Bruce Springsteen – The Rising

The Rising fue el álbum con el que Bruce Springsteen regresó, su primero en siete años desde el relativo fracaso que fue The Ghost of Tom Joad y su primero con la banda E Street en más de  diez años. Fue su disco “11 de septiembre”, el cual toda la nación podía, en extrema necesidad de una pieza apolítica de expresión patriótica que los hiciera reunirse otra vez, compartir. Fue un disco que aplastó las listas de popularidad siendo el número uno, y es casi seguro que introdujo a The Boss a una totalmente nueva generación de fans en un tiempo donde sus discos clásicos de los 70 y 80 podrían haber arriesgado que se cayera el pensamiento colectivo del momento. En los años que siguieron, Springsteen se convirtió en una piedra inamovible dentro del pensamiento del indie rock del 2000,  que lo embarcaron en una serie de tours masivos que renovaron su condición de ícono político dentro del mundo de la música.

Pero mientras que The Rising fue de muchas maneras el disco correcto para Springsteen en ese momento, no es el correcto de todos los tiempos. Es terriblemente aburrido. Muchas de las canciones se arrastran excesivamente a  coros que carecen de la tensión y complejidad que hace la escritura de Springsteen tan grande. Simplemente voy a seguir con esto y decirlo así: todo el mundo tenía tanto miedo de ser anti-americano por el hecho de admitir que realmente no querían escuchar este disco. Por lo menos no tantas veces como para recordar que estaban en el país de Bruce Srpingsteen. Hay que admitir que regresó a América al redil de Springsteen, y por eso siempre merecerá de reconocimiento, pero es una entrada rara para entender a uno de los mejores músicos del país.
—Kyle Kramer

Jay Z / Linkin Park – Collision Course

Nadie es muy inteligente a los 14 años. Por ejemplo, era fan de Linkin Park. Su mezcla de rap con guitarras y anime apelaba a lo "únicos" que yo creía que eran, y por eso devoré sus álbums durante mis maratones nocturnos en Neopets. Un día, después de bajar un fresco y nuevo lote de canciones de Bearshare, me topé con una canción de Linkin Park donde el rap no solamente era pasable, si no excelente. Chequé la información de la canción y me sorprendí de encontrar el nombre de alguien que no renocía: Jay Z. Acababa de descargar Collision Course, y mi introducción al mejor rapero de todos los tiempos acababa accidentalmente de empezar. Di un vistazo rápido al álbum y eventualmente terminé por preferir el líquido que le daba Jay Z mucho más que lo que hacia Chester y  cuando porfin me cansé de Collision Course escuché The Black Album. Linkin Park  me permitía pretender que las personas en mis audífonos eran como yo, pero Jay Z me abrió un nuevo mundo con sus propios mitos que me hicieron gravitar hacia el hecho de que podía saber todo sobre el personaje central. Eventualmente dejé mi viejo amor hacia Linkin Park y me adentré en la historia de Jay Z, siguiendo las ramas del árbol de sus colaboraciones en todas las direcciones hasta que las historias que escuché se expandieron más allá de los proyectos de Marcy y hasta todos los rincones de América.  sí que gracias, Linkin Park, por ser la droga de entrada que me permitió engancharme con Jay Z. Finalmente hicieron algo bien. 

—Slava Pastuk

Guns N' Roses – Use Your Illusion I & II

Cuando Guns N’ Roses lanzaron su ambicioso disco doble en septiembre de 1991, yo estaba escuchando sin parar “I Love your Smile” de Shanice y “Around the Way Girl” de LL Coll J. Acababa de dejar San Francisco y me había mudado a Holanda y yo  deseaba muchísimo mi dosis diaria de música nueva de la Bahía de San Francisco que transmitían en la estación de R&B y hip hop, KMEL. En ese entonces honestamente creía que Bon Jovi era heavy metal.  

Un año más tarde mi mamá, mi padrastro y yo nos mudamos a Southampton en Inglaterra y me topé con un grupo de niños en la escuela que eran despectivamente etiquetados como "los hippies". Usábamos botas Dr. Martens y franela. Las mujeres usaban colores psicodélicos y los hombres tenían una aversión al shampoo porque hacía que su melena a la Kurt Cobain se viera muy limpia. Me olvidé de Boys II Men y empecé a escuchar a Nirvana, claro, pero también oía a Ugly Kid Joe, Metallica y Blind Melon. Por el contrario, dado que Guns N 'Roses apoyó todo lo que Nirvana arremetió y despreció, siempre escuchábamos el disco de Use Your Illusion— dos discos chonchos que habían sido lanzados el mismo día por separado, que, para la época que nos adentramos a ellos, ya tenían un año de haber salido.

Recordando, eran los 151 minutos de sentencia de muerte de Axl y su flamante sequito de lagartijas rockeras borrachas. Los excesos de la última década han ido informado sobre su decisión artística—el espiral sin fin en sus canciones, los millones que derrocharon en crear esos grandiosos videos, su sed de dominación mundial que se manifiesta  a través de rock suave, sus coros amigables en la radio. Una canción de diez minutos que sólo  lleva un solo coro. Eran apenas y difícilmente  una banda rebelde, pero gracias a la brisa de coca, los jacuzzis de Jack Daniels y sí, la heroína también, que cada idea debía de haberse visto genial en sus cabezas. ¡No descarte nada! Y, sin embargo, en ese momento, amaba los solos sobreexcitados de Slash ( y todo lo demás que salía de esa masa de cabello de poodle), le pegué un puñetazo  a Axl y a sus maullidos estridentes. Me dediqué a inhalar toda la auto indulgencia que salía de los 30 tracks en un solo día, en aquel entonces eso era un tesoro que debía de ser estudiado minuciosamente. “November Rain”, “Civil War”, los riffs bomásticos de “You Could Be Mine”, y algunos otros, estos dos álbums fueron amurallados con sonidos serpenteantes que podrían y deberían ser parte de una colección magra. Sin embargo, como yo en 1987 escuchaba a Madonna y Salt N Pepa, mi primera probada de Guns N’ Roses vía UYI, del cuál me brinqué a Appetite for Destruction,  mi debut comenzó como un perro que echa rabia en el calor. Uno de los mejores discos de rock de los años 80,  y uno que Guns N' Roses nunca pudo superar.
—Kim Taylor Bennett

Foto vía Wiki Commons. 

ACTUALIZACIÓN: Pese a la lluvia de declaraciones que hubo anteriormente, el co-fundador de DFA, Jonathan Galkin, le dijo a Pitchfork que los rumores de que James Murphy estaba reuniendo a la banda eran falsos. Pueden ver esa nota aquí. James Murphy, sin embargo, sigue sin pronunciarse al respecto.

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¡LCD SOUNDSYSTEM ESTA DE REGRESO! Ya está, lo solté, no voy a morir de un paro cardiaco mientras intentaba escribir una introducción digna de lo que acaba de suceder. De todos modos no hay palabras para describir todo lo que está pasando por mi cabeza ahorita. Respiren. Ahora, que ya todos estamos más calmados, le doy sentido a todo:

Hace apenas unos años James Murphy anunció que LCD Soundsystem iba a desaparecer porque no era una banda “sustentable”. Así, sin que Murphy siquiera nos diera una palmadita en la espalda, el grupo terminó en abril del 2011. Pero gracias a que el sol sale todos los días, y con él viene la oportunidad de que todo no sea tan miserable, el día de hoy estamos iluminados con un gran rayo de luz: nos enteramos por medio de Consequence of Sound que LCD Soundsystem está planeando un regreso para el 2016. Por lo que se dice, la banda va a estar en el top de los carteles de tres festivales de música bastante chonchos en Inglaterra y Estados Unidos. Dentro de todo el chismorreo también se habla de que la banda está preparando un nuevo álbum. ¿Mucho que asimilar no? Si todo esto es cierto, la cosa va muy en serio. 

A principios de este año, Will Butler de Arcade Fire publicó un disco en solitario llamado Policy. Fue una lanzamiento bastante sólido, y sirve bien para aplacar a cualquier fan de Arcade Fire en cualquier nivel. Pero él no tiene pensado detenerse ahí, y por eso llamó a Emma Stone para que lo ayudara con su video para “Anna”. En el video podemos ver a Stone deambulando sobre el barco Queen Mary mientras coquetea con el elenco con un elenco de soldados dramáticos  y bailarines. En resumen, Emma girando toda la noche.

Vean el video aquí abajo.

A la mejor no conocen a Renato del Real, pero quizá sí topan a su hermano, que tiene una bandita que ha tenido algunos éxitos modestos, llamada Café Tacvba. ¿No? No se preocupen. No se puede saber todo en este mundo.

En fin. Renato publicó hoy su primer video como solista, para su canción “Hoy te vi”, la cual muestra a una pareja haciendo un viaje por el desierto de México, mientras que Renato canta una balada suavemente, con una textura similar, aunque tono distinto, al de su hermano Meme.

Pero dejemos a un lado las comparaciones. “Hoy te vi” es parte de Servicio de viaje, el álbum debut de Renato, un álbum tranquilo, con bastantes baladas melancólicas y algunos toques de psicodelia. Según cuenta la historia, el disco nació cuando Renato y Yamil Rezc decidieron crear un estudio de grabación, y ya dentro de él empezaron a palomear canciones que Renato tenía desde hace tiempo. De ahí, Yamil pasó a tocar y producir en el disco, y próximamente formará parte de la banda en vivo que Renato está preparando, junto a Rodolfo Samperio y Paulina Lasa.

Dense “Hoy te vi” aquí abajo, y si quieren escuchar el disco entero, ya se lo pueden dar en Spotify o iTunes. 

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Es 2015 y The Darkness sigue existiendo. La banda que comenzó en el 2000 (¡!) como una especie de parodia al glam metal superó las expectativas de cualquiera y ahora, 15 años después de su formación —están leyendo bien— siguen en activo, girando por el mundo, llenando foros y publicando música nueva (una historia que ya hemos visto antes, pero que nos sigue impresionando). Anoche, el cuarteto británico llevó su gira al Plaza Condesa, a un público que estaba ávido de escuchar sus canciones, viejas y nuevas (especialmente las viejas), demostrando sus grandes habilidades técnicas, aunque eso no le quitó el sentimiento surreal a todo el asunto.

Daniel Patlán fue testigo de todo, y aquí están algunas imágenes que logró capturar.

Este artículo apareció originalmente en Thump Colombia

Beats ancestrales, Andes step y grooves ecuatorianos llenos de alma. Son rótulos que perfectamente te pueden remitir a la música del ecuatoriano Nicola Cruz, quien con cada expresión musical busca rendirle homenaje a su tierra natal, un mágico lugar rodeado por la selva amazónica y la cordillera de los Andes. Sus exploraciones y eclecticismo andino lo han convertido en uno de los músicos con más proyección en Latinoamérica, razón por la cual sellos como ZZK no dudaron en abrirle las puertas para lanzar sus creaciones sonoras.

Prender el alma es el álbum debut de Nicola, en el que las raíces folclóricas y las nuevas tecnologías digitales mezcladas con la herencia local, llevan a un rastreo de sonidos nativos entrelazados con un entorno moderno. Un fiel reflejo de esto es el video para el sencillo "Colibria", dirigido por Camilo Coba Riofrio, y en el que se habla de los orígenes primitivos, el agua y la supervivencia, los elementos básicos de los cuales estamos hechos. "‘Colibria’ nació cuando vivía al borde de un volcán activo, el cual veíamos diariamente sangrar. Este track significa una búsqueda interior y el viaje al renacer", dice Huaira, la cantante e inseparable colaboradora de Nicola. Les dejamos entonces el video para que disfruten de una producción impecable y bien brutal, Made in Ecuador.

En esta era en donde las estrellas de pop ya no necesitan publicistas, sino sólo un montón de memes, es difícil ser un cantante popular sin que los paparazzi te estén persiguiendo las 24 horas del día, buscando el momento en el que tengas un desliz y, si tienen suerte, te puedan tomar una foto desnudo. Y hace unos días, lo consiguieron (una vez más) con Justin Bieber, tomándole y publicando unas fotos en donde sale paseándose por un balcón de Bora Bora con el salchichón de fuera. Como era de esperarse, el internet se colapsó del morbo, e igual que como pasó aquella vez que Bieber modeló en calzones para Calvin Klein, empezaron a debatir si Bieber tenía el pene chico o grande, si era deplorable o increíble lo que había ocurrido, etc. Todo el mundo tenía una opinión. 

Es por eso que decidí crear el mural de pensamientos, reflexiones, declaraciones de amor y opiniones sobre Justin y su chorizo, en donde junté algunos de los pensamientos que la gente lanzó al internet. Espero que en un futuro esto fucione como documentación para lo único que ha importado (o eso parece) en la web durante estos dos días: el pellejo de Justin y sus pelotas. 

Primero, un buen resumen de los hechos. 

Luego, la pregunta obligada

Los que lo amaron 

Y los que no se aguantan

Los escépticos

Los que no lo toleran (desde antes de verlo)

Y los que ya lo vieron y aún así lo odian

Como estos (probables) diseñadores gráficos 

Y por si no lo sabían, había gente que llevaba esperando esto toda la vida

Foto tomada del Facebook de Dinocore. 

Queridísimo nerd, aprovecha que no estás jugando Dungeons & Dragons y tómate unos minutos para descubrir tu nueva música favorita. El dueto de paleontólogos de la electrónica bajo el nombre de Dinocore hacen música de tu talla para convertirte en el teto más caliente de la fiesta.

Crees que bailar reggaetón con el culo de una chica es imposible para ti? Escucha esto, ñoño. Ahora puedes twerkear mientras escuchas el tema principal de Jurassic Park como todo un nerdocirraptor. 

O, mejor aún, ya es legal bailar sucio mientras te imaginas una victoria épica en un torneo de Street Fighter en maquinitas ochenteras. 

Es más, ponte tu casco de Darth Vader y date el rol por el lado más oscurito de la fiesta con la que tenga mejores piernas porque ya no importa si tu vida es casi igual a una convención de Star Wars.

Engrásate las nalgas y trapea el suelo con la versión original de “Vuela vuela”. 

Dinocore es un dueto de DJs basados en la Ciudad de México que experimentan con sampleos de videojuegos clásicos, pedazos de hits de los ochenta, y canciones de películas y series de tele viejitas. Hoy estrenaron “Rack To The Future” que se traduce a algo así como “Volver a las tetas del futuro”. El track es el resultado brutal de un beat oscuro con cornetas de reggaetonero de sonidero, el tema de Back To The Future y un bikini rojo. Trépale…

No es cierto que sólo tienen referencias de tío. También se saben la nueva de Justin Bieber: 

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El viernes 9 de octubre van a tocar en el Bajo Circuito. Checa la info aquí.

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James Blake lleva todo el año teniendo una residencia en la estación Radio 1, y anoche, durante su programa, puso al aire un cover inédito que le había hecho a "Sound of Silence" de Simon & Garfunkel. Blake también invitó a Bon Iver a su show anoche, quien hizo una increíble imitación de Bob Dylan.

¿Alguna vez habían tenido en mente una escena tan tierna como la de James Blake y Bon Iver sentados en silencio en un estudio, escuchando un cover de "Sound of Silence" de Simon & Garfunkel, probablemente con las manos unidas y en sus barbillas? La respuesta es no. Nunca. Agarra una caja de Kleenex por si te sale alguna lágrima, y luego ponle play aquí abajo. O escucha su programa entero acá.

Suze Webb es originaria de Bristol, y después de estudiar la universidad en Londres, se mudó a Nueva York para trabajar en un proyecto llamado Mixpak. Este sello (muy) independiente en ese entonces tenía la única intención de ayudar a promover a talentosos artistas de dancehall que nadie estaba apoyando. Desde entonces, The Large se encarga de todo tipo de proyectos en Mixpak: A&R, arreglar contratos, o asuntos como la dirección creativa y estrategia para el nuevo álbum de Popcaan, uno de los artistas del sello (a quien tal vez recuerden por su colaboración con Jamie xx).

Y como si eso no fuera suficiente, a últimas fechas The Large trabajó en un corto, un zine para Popcaan y éste mix que preparó para Noisey antes de llegar al D.F., en donde dará una probada de Mixpak en una fiesta organizada por N·A·A·F·I este viernes 9 de octubre.

Escuchen, descarguen y conozcan a una divertida mujer apasionada por los ritmos caribeños.

NOISEY: ¿Cómo fue que te apasionaste por el reggae y dancehall?
Recuerdo que desde muy chica me gustó el reggae. Me acuerdo que escuchaba muchísimo Legend en el tocadiscos de un amigo, pero nunca escaló hasta mi adolescencia: Estaba escuchando mucho hip hop y rastreando los sampleos. Así que al mismo tiempo que con el soul y el disco, me empecé a clavar más en el reggae de los 70 como The Congos y Lee Perry, y despúes creo que naturalmente gravité hacia cosas más fuertes como el dancehall noventero, y de ahí empecé a escuchar dancehall más contemporáneo.

¿Cómo nació Mixpak?
Mixpak es el bebé de Dre Skull, en realidad. Lo empezó en el 2009 básicamente para editar música que para él nadie estaba apoyando, y definitivamente, al día de hoy, ha sido un recorrido loquísimo.

El dancehall siempre ha tenido muchos fans en Estados Unidos, pero últimamente siento que está teniendo un segundo (o tercer) aire. ¿Tú como lo percibes?
Creo que siempre ha estado ahí, burbujeando en las sombras, pero este género siempre está dando hits a pesar de que la radio comercial en Estados Unidos no los detecte. Pero definitivamente nombres de mucho peso han estado apoyando a artistas jamaiquinos a últimas fechas como Drake y Popcaan o Kanye y Kendrick con Assassin.

Ultimamente se ha estado generando conciencia sobre la falta de visibilidad de mujeres en la industria musical. ¿Pasa lo mismo con la música jamaiquina?
Me imagino que es un problema practicamente en todas partes del mundo. Jamaica es un lugar interesante para eso y también complicado, pero, si lo miras de cerca, las mujeres tienen mucho poder en el danceall, tanto en los bailes como en los papeles protagónicos del negocio. He conocido a muchísimas mujeres poderosas en la industria jamaiquina. Desde ingenieros a managers y agentes de booking, así como artistas. Creo que si trabajas ahí es algo evidente, pero definitivamente es más dificil de percibir desde afuera.

¿Quienes son algunas de tus artistas o productoras favoritas en el mundo del dancehall?

Realmente no estoy familiarizada con productoras jamaiquinas a excepción de The Wizard, ¡pero sería increíble conocer a más! Por otro lado, pueden escuchar a Spice, Lady Saw, Gaza Slim, Tifa y otros nombres con peso histórico como Carlene the Dancehall Queen, o Sharon Burke una jefa de los negocios.

¿Cuales son algunos de los planes para The Large y/o Mixpak en el 2016?
Tenmos muchísimos proyectos: Acabamos de firmar a Palmistry para sacar un LP y también estamos trabajando en el nuevo álbum de Popcaan. Tanto Jubilee como Dre Skull están preparando material muy emocionante, ¡y estamos estrenando un estudio en Nueva York al que queremos invitar toda la gente que nos sea posible para seguir haciendo música!

Tracklist

Immortal Instruments - “Serenity Riddim” 

Konshens - “Tell Mi”

Alkaline - “Bedroom Fantasy”

Cedaa - “Drop A Number”

Tinashe - “All Hands on Deck” (Celestial Trax Remix)

Leftside - “Instagram Pic”

Dinamarca - “Libro”

CYPHR - “Lone Peak”

Agent Sasco - “Hustle”

MM & Kid Antoine - “Final Repose Riddim”

Florentino - “Mamasota”

Beenie Man - “Wine & Boom”

Popcaan - “Inna Di Lobby”

Popcaan - “Weed is My Best Friend”

Lutan Fyah - “She Want”

Stylezz - “Baddest Whine”

Cocotaxi - “Sueños De Marimba” ( Joelito & Copia Doble Sistema Remix) 

MM - “Charly Tek”

Busy Signal - “On & On”

Murlo - “Lanced”

Kwamz & Flava - “Wo Onane No” remix feat R2 Bees

Con todos los conciertos que hay a la semana, y especialmente en este mes, a veces se vuelve difícil decidir a cuál ir pero, sobre todo, en el futuro se vuelve duro recordar qué fue lo que hiciste, a quién viste, y si estuvo bueno o no. Justo anoche, estaba platicando con unos amigos que me preguntaron “¿Cuál fue el último concierto al que fui?” Obviamente les contesté que yo qué iba a saber, pero de ahí me entró la duda de cuál fue el último al que yo había ido. No sé si sea la edad, el efecto que el abuso de sustancias ha dejado en mi cerebro, o algo más, pero aún sigo sin recordarlo :(. Sin embargo, sí sé una cosa: que el concierto de anoche no se le va a olvidar nunca a la mayoría de los que lo presenciaron.

Unknown Mortal Orchestra demostró ayer en la gran banda que se han convertido, algo que honestamente les tomó mucho tiempo para conseguirlo. Recuerdo haber visto a UMO unas tres o cuatro veces en años pasados y honestamente, pese a que sus discos siempre me han parecidos, en directo simplemente no rifaban: eran demasiado ruidosos, descoordinados, y simplemente no se sentían como un conjunto cohesivo. Anoche, sin embargo, y tras varios cambios de alineación, Ruban Nielsen y compañía mostraron lo lejos que han llegado, y los increíbles músicos que son. Ruban, en especial, demolió por completo con su guitarra, mientras que el resto de la banda trataba de seguirle el paso (hasta solo de batería hubo —aunque la verdad duró de más, jaja).

Daniel Patlán estuvo ahí para presenciar esta gran noche, y abajo pueden ver algunos retratos que le tomó al cuarteto en acción.

Ya solo quedan unos meses para que termine el año, y Wildheart de Miguel es uno de los contendientes (por no decir el único) a mejor álbum de R&B de 2015. Con The Weekend cruzándose hacia el pop, y sin ningún proyecto completo a la vista de Frank Ocean o Jeremih, Miguel ha estado montado en su nube morada del sexo sin ser molestado desde el lanzamiento de su álbum a principios de este año. Aún así, y para recordarnos que él sigue siendo gran parte de la conversación, Miguel recientemente hizo un remix para “Simple Things”, que es algo así como el regreso del buen contenido del disco Honest, de Future, en donde el rapero expresa su amor de la única forma en como sabe hacerlo.

Los versos de Future empezaban lo suficientemente inocentes, él cantando sobre su deseo de encontrar alguien que se la chupara sin necesidad de que se quitara sus zapatos de lujo. Pero conforme la canción avanza, el track se convierte en algo más triste que sexy con Future decidiendo a último momento que lo único que simplemente quiere es alguien que lo abrace mientras se desvanece. A todos nos gustan las cosas simples: para Miguel eso significa que alguien se recueste, fume y ría con él. Para Future, ese "alguien" debe poder echarle un ojo mientras se le pasa su última sobredosis.

Además, en el remix también participa Chris Brown, así que escúchenlo aquí abajo. 

Paul Thomas Anderson es, quizá, el mejor director de cine de su generación. Jonny Greenwood pertenece, quizá, a la mejor banda de rock de su generación. Así que obviamente su unión sólo podría dar algo increíble. Después de que Anderson escuchó los arreglos musicales que Greenwood hizo para Bodysong, un documental que salió en 2003, estos genios no han hecho más que unir fuerzas para hacer cosas fuera de órbita. Jonny ha estado a cargo de la banda sonora de las tres últimas joyas cinematográficas de PTA: There Will Be Blood, The Master e Inherent Vice. Y ahora, su unión es más fuerte que nunca gracias a Junun, un documental que hicieron en conjunto en el que cuentan la historia detrás de los procesos creativos del próximo álbum del integrante de Radiohead.

Junun tiene como eje central un viaje a la India que Jonny hizo para conocer y trabajar con Shye Ben Tzur, un compositor y productor israelí pasadísimo que se dedica a hacer música con sonidos indios. Si ya la materia prima de este film es algo que vale la pena ver, imagínense lo impresionante que se vuelve con el simple plus de que fue dirigido por PTA. Ver esta película es como darse un clavado en la mente de Greenwood para escarbar, disfrutar y conocer procesos de construcción de sonidos que ni siquiera sabias que existían.

Junun no va a estrenarse hasta mediados de noviembre en cines alrededor del mundo, pero si neta no se aguantan las ganas, les tenemos una sorpresa: ustedes la pueden ver HOY, gratis, cortesía de MUBI, un nuevo servicio de suscripción para ver películas en línea. Y además, habrá una premiere en la Ciudad de México, en el Cine Tonalá. Como sabemos que seguramente se mueren de ganas de verla, tenemos cinco pases dobles para que vayan a la premiere o, si están en otra parte de México o del mundo, tenemos también 10 códigos VIP de MUBI para que puedan verla y usar MUBI por un mes.  

¿Les late? Aquí abajo las instrucciones:

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Dinos cuál es tu canción favorita de nuestro playlist “40 canciones para creer en Radiohead para siempre”.

Dinos cómo se llama el evento en el que Thom Yorke hizo un DJ set secreto.

Las dos respuestas las pueden encontrar dentro de Noisey.

¡Suerte!

Este cómic se lee mejor escuchando Too Many Humans de No Trend

Hay cosas que son muy buenas, pero que si las consumes demasiado te pueden acabar hastiando, incluso, por años. Eso pasa muchas veces en casa, cuando preparan el mismo platillo demasiado, pero también cuando escuchas tanto una canción que te encanta, que abusas de ella y terminas necesitando un largo descanso. Algo así pasó en el mundo con el grunge: de ser el género por excelencia a principios y mediados de los noventa, el mundo pareció suplicar pasar a algo más, y desde entonces pocas bandas son las que se han atrevido a retomarlo, a diferencia de otros géneros como el shoegaze, que sí han recibido un revival importante en años recientes. Y los de Adelaida son de esos pocos valientes.

Desde que salió Monolito, su álbum debut, el año pasado, hemos dejado bastante claro que nos gusta mucho lo que hace el grupo de Valparaíso, hecho que se confirmó hoy con su nuevo LP, el increíble Madre Culebra. A través de 10 canciones, Jurel Sónico, Gabriel Holzapfel y Natalia Adelina refrescan el género que cambió el panorama del rock hace 25 años, fusionándolo en ocasiones con el shoegaze (especialmente en “Adormidera”, uno de los mejores temas de todo el álbum, el cual grabaron con Jack Endino) y en general logrando que recordemos por qué este alguna vez fue uno de los géneros más populares del mundo. 

Escuchen el disco completo aquí abajo, y prepárense para que su sed de grunge sólo se incremente. Y, si son de los primeros afortunados, podrán descargarlo de manera gratuita a través de su Bandcamp.

 Todas las fotos son de Melissa Castro

Los metaleros son muy buenos vistiéndose en verano (vean la foto de arriba), y por lo mismo decidimos armar esta pequeña guía antes de mi travesía este año en el Motörboat, el crucero de Motörhead. Pero en resumen, el articulo aconsejaba “usar bloqueador y comprar un traje de baño”, sin embargo, ya arriba del barco, descubrí que eso era únicamente la punta del iceberg. Me metí en este viaje con el pleno conocimiento que los metaleros (incluyéndome) son básicamente incapaces de lucir como cualquier otra cosa, y los tripulantes a bordo del Mötorboat no fueron una excepción, ya sea que estuviéramos engutiéndonos un corte de carne en el lujoso restaurante de alta cocina del barco o vagando por las calles de Nassau como una tropa de niños aturdidos, lo que siempre predomina es el negro. Había más playeras de Slayer que cualquier otra cosa, a pesar que Motörhead hizo un show bastante respetable, y una de cada cuatro personas llevaba un sombrero estilo Suicidal Tendencies. Yo fui la única idiota que llevó una playera de Drowned.

Ahora que he regresado, a salvo y muy quemada, quiero compartir con ustedes algunas de mis observaciones sobre las tendencias de moda que pude ver mientras navegaba hacia el atardecer con Lemmy y los chicos— es decir, por si quieren copiar esos preocupantes, y con mucho estilo, tennis/sandalias que cubren los pies valientes de este héroe americano.

LOS MANICURES TAMBIÉN SON METALEROS

Ver esto fue tan increíble que me quedé sin palabras. Alguien no solamente hizo el esfuerzo de asegurarse que sus uñas lucieran bien durante el viaje, si no que hizo el extra-extra esfuerzo para conseguir que sus bandas favoritas fueran incluidas en el diseño; ¡los logos son idénticos y todo! Negro y rosa es, obviamente, la mejor elección de color aquí. El pequeño as de espadas en el dedo meñique es mi parte favorita.

PINTURA CORPORAL

Porque los logotipos de la bandas en las camisetas, los pantalones cortos, las sandalias, los trajes de baño, las toallas y las sombrillas no son suficiente para probar la profundidad de su adoración, ¿por qué no además adherirse los nombres de las malditas bandas con pintura por todo el cuerpo?

LOS SOMBREROS SON CRUCIALES

La mayoría de la gente que me topé optó por la clásica gorra de béisbol (adornada, obviamente, con un logotipo de alguna banda) o, para los más atrevidos, la opción sombrero de vaquero. Pero también  había algunos otros pocos sombreros en forma de cubo paseando alrededor de la cubierta. Protegerse del sol es importante después de todo, y la cantidad de pieles pálidas caminando por el barco era de verdad un poco espeluznante. ¡Todo lo que sirve para taparse ayuda!

LA COORDINACIÓN ES LA CLAVE 

Estas dos morras lograron superar cualquier otro estilo posible de heavy metal. De lado izquierdo, tenemos un bellísimo y magnificamente complejo vestuario temático de Motörhead — fíjense en el la irónica cruz de hierro que adorna ese sombrero de marinero, la camisa Lemmy, el cuero y el collar con una cruz. A la derecha, una interpretación un poco más laxa de Megadeth,  vean cómo esta chica complementa el look con un sombrero vaquero, pantalones de talle alto de Megadeth, y un chaleco de mezclilla parchado; en la parte superior, un bikini con la bandera americana la cual le da un toque astuto de patriotismo frenético muy a la Dave Mustaine. Es mucho que digerir, son pocos los fans que pueden llegar a este nivel de obsesión, y aún así lucir tan bien. 

NO TENGAS MIEDO DE HACER UN STATEMENT

Nunca tengas miedo de defender lo que crees, no importa si esa creencia gira en torno a tu propia interpretación matizada de lo que es el acuerdo de Irán o si tu labor abordo es la promoción del glorioso sexo oral. 

ALGUNAS VECES ESTÁ BIEN SER "ESE TIPO"

Suele ser muy mal visto (o al menos muy cursi) que las bandas usen su propia mercancía, pero en este caso,  esto fue una genialidad de maniobra. ¿Por qué cargar con una maleta enorme alrededor cuando puedes tomar una playera de tu propia mesa de vendimia todas las noches? De esta manera puedes viajar ligero y volar alto, tanto en el escenario ... 

...como fuera de el.

NO TENGAS MIEDO DE VESTIRTE IGUAL

No había nada de recepción de celular en el barco, y casi nadie se daba el lujo de gastar $ 0.95 centavos de dólar por minuto de WIFI, por lo que encontrar a tus amigos tomaba mucho más esfuerzo de lo habitual. Pero todo se puso mucho más fácil cuando toda una banda inteligentemente se uniformó, pero ya sabíamos que las mamás de Ántrax no habían criado tontos. 

LA COMODIDAD LO ES TODO 

Cuando sabes que lo único que vas hacer en el día (y la noche) es estar en un barco o en una isla tropical comiendo, bebiendo y viendo a bandas tocar, lo menos que puedes hacer por ti mismo es vestirte cómodo. Para algunos, esa zona de confort incluye vestidos muy coloridos y vaporosos y sandalias; para otros, eso es piel, shorts y botas de vaquero. En un crucero de metal, uno espera encontrarse con looks más elaborados, pero sorprendentemente, la mayoría de la gente abordo optó  por vestimentas más relajadas. Son tus jodidas vacaciones, usa una maldita bata si quieres. 

Y POR ÚLTIMO... 

La cosa más importante que aprendí de estilo en el crucero es que, sin importar nada, nadie nunca se verá ni siquiera la mitad de cool de lo que se ve Lemmy. Larga vida para el Rey. 

 Sigan a Kim Kelly en Twitter.

Ya habíamos escuchado algunos sencillos, y ya habíamos platicado con el hombre detrás del proyecto, así que lo único que faltaba era que esucháramos VEGA INTL. Night School, el nuevo álbum de Neon Indian, algo que pueden hacer ahora vía NPR. Su tercer álbum de estudio es quizá el más orientado a la pista de baile y la vida nocturna, así que es una buena manera de empezar la semana y hacer que este lunes sea menos tortuoso de lo normal. 

VEGA INTL. Night School estará disponible este viernes 16 de octubre a través de Arts & Crafts México, y lo pueden pedir por adelantado aquí. Escúchenlo abajo.

Foto tomada del Facebook de Planeta No

La primera vez que supe de Planeta No fue por un afiche pegado en las escaleras de Balmaceda Arte Joven, hace años, cuando daba un taller de escritura y fanzine. Pensaba que era un buen nombre para una publicación a contracorriente. Años después me vine a México; entonces me he mantenido escuchando radios locales por Internet, pillando lo que difícilmente se pilla desde el otro hemisferio. Un día, entre el secado de pelo y el encremado sonó “Señorita” en Radio Uno una frase: “y luego cada fin de semana, hacemos lo que quieras de mí y no nos parecemos en nada”. Googleé la letra, supe quienes eran, los busqué y, después del lanzamiento de su primer álbum de estudio, Odio (el cual pueden escuchar aquí abajo) coordinamos esta entrevista.

NOISEY: Hola chicos. Cuéntenme, ¿de qué se trata Planeta No?
Juan Pablo (JP): Planeta No nace más menos hace 5 años. Nosotros venimos de Concepción, del sur de Chile, y nos vinimos por separado a estudiar música a distintas universidades. Con el Camilo nos conocíamos y con el Gonzalo teníamos amigos en común.

Camilo: Los primeros tres años de la banda comenzamos a participar de cuanto concurso había. En esas cuestiones que se llamaban Escuelas de Rock, el festival de Balmaceda Arte Joven, no sé… teníamos canciones nomás, pero no teníamos las canciones grabadas. Y con eso chamulleábamos, tocábamos en bares y eso. En Concepción como que todos tocábamos en diferentes bandas. Gonzalo, a pesar de que lo conocimos en Santiago, es de Chillán, pero su banda tocaba en Conce y de alguna manera nos cachábamos. Con JP nos habíamos conocido tocando en bandas tributos. Él fue el que me contó esto de venir a estudiar música a Santiago. Y fue como “ya poh, vamos”. Estudiamos en la Escuela Moderna de Música. Y cuando pasaron como 6 meses más o menos, llegó el Gonzalo que también quería estudiar música. Se pusieron en contacto por el Messenger y ahí nos juntamos a ensayar. Empezamos a tocar canciones que tenía el grupo anterior del Gonzalo (Transandinos). Y ya después, con el tiempo, desechamos todo ese material y comenzamos a hacer canciones nuevas.

En ese sentido, ¿cómo ha evolucionado su sonido?
Gonzalo: El sonido a todas luces no es el mismo, fue cambiando en un proceso semiconsciente. Al principio, nos juntamos sin imponer un estilo particular a lo que estábamos haciendo. Después estuvimos harto rato en algo que se le podría definir como indie, y ahora que se parece a algo así como pop chileno. Pronto tendrá otra sazón que se irá construyendo con el tiempo, una sazón más propia.

JP: Al comienzo la banda era mucho más garage, más guitarra, y ahora como que conocimos un poco el electro-pop, los sintetizadores y las secuencias. Sin querer, la forma de componer del Gonzalo cambió y, ahora, como que las canciones son mucho más livianas y fáciles de escucharlas. Yo diría que no es algo forzado, porque no pensamos en hacer canciones para la radio, pero el tema es que sí nos salen canciones para la radio.

Continúa abajo...

¿Ese tránsito les ha dejado un sonido o tono característico?
JP: Creo que ese sonido todavía está en búsqueda. A mí me alegra que, ahora que ya sacamos el disco, la gente vea algo distintivo en la banda. Es difícil para nosotros verlo porque estamos muy de cerca, pero sí siento que se está perfilando un estilo que es como pop chileno, onda Dënver, pero con un agregado nuestro que viene a ser la música latina. La influencia de cantautores como Camilo Sesto, Emmanuel, además de la visión política que el Gonzalo pone en sus letras. Ahí está nuestra diferencia.

Gonzalo, ¿en qué piensas cuando compones?
Gonzalo: Es como si escribiera cuentos de realismo no-mágico, sobre cosas cotidianas. No es como que le escriba a alguien, no en segunda persona; más bien siempre pienso en historias con personajes. Son historias pequeñas que tienen una relación tangente con un problema general de la sociedad que a mí me interesa. Hay un montón de cosas que me obsesionan en lo personal, como la tensión que siente un adolescente para amoldarse a las normas que le están imponiendo y cómo expresa su rabia de manera muy desordenada y muy bonita, a mi parecer. De eso, por ejemplo, se trata la canción “Odio” que da inicio y el nombre del disco.

¿Y cuánto de tu experiencia personal tiene esta, llamémosla, “inspiración social”?
Gonzalo: Todo. Lo que yo he vivido y aprendido. No existe una inspiración que no tenga relación con lo que he recibido del compendio de culturas que es este país del tercer mundo. Yo sólo lo vomito de un modo natural. Tengo referentes, son muchos. Hay problemas específicamente musicales como de estructuras o arreglos, en los cuales puedo enlistar con mayor precisión a los gringos modernos por su producción, básicament, así como los compositores mayores de la canción popular latinoamericana como Manuel Alejandro, Ana Magdalena. Y para las letras, ahí me es mucho más difuso. Porque yo leo mucho y no me acuerdo ni siquiera de los títulos de los libros que leo. Si hay una persona que he leído mucho es Marx pero no es ficción, no es novela.

Camilo: Creo que una de las influencias más grandes que tenemos es la música que nos rodea actualmente, que tiene una estructura muy determinada. Pero en cuanto a sonido sí ha estado influenciada por las bandas en las que hemos estado. El JP era el baterista de los Ases Falsos y yo tocaba bajo con los Dënver. Dentro de esas influencias podemos rescatar una visión de cómo trabajar, de cómo hacer canciones, además de cómo montar un show y todas esas cosas que son extra musicales.

Gonzalo: Los tres hemos trabajado —sobre todo Camilo y yo— de roadies en distintas bandas, ahí sí que la lista se hace larga. Así conocimos el tras bambalinas de cómo trabajaban una inmensa cantidad de cantantes pop chilenos. Nosotros trabajamos con ellos cuando éramos mas chicos (no hace mucho) y pudimos aprender de ellos sin que ellos quisieran enseñarnos, pero aprendimos. Trabajamos con Astro, con Gepe, con el Pedro Piedra, con el Fernando Milagros… y de todos pudimos rescatar algo.

Camilo: Lo principal fue lo extra musical, onda: la preocupación que tenían, los mismos músicos, por gestionar su propia fecha, de estar pendientes si la gente va o no va a los eventos. De mandar mails a medios para que puedan escribir sobre el disco, cosas así.

Gonzalo: Aprendimos a trabajar como perros y aprendimos que las estrellas de rock tales como las leíamos en las revistas de niños no existen hoy en día; no se condice con la situación actual de la música. Las empresas y todos los pasos de la industria discográficas son distintas, el publico es distinto, los músicos son distintos, las productoras de eventos y la sociedad es distinta.

Camilo: Acá ya no quedan grandes sellos discográficos que trabajen a un artista y que puedan tener a una persona y decirle: “vamos a hacer esto y eso; tú no te preocupes de nada”. Al contario: los sellos que son los que están reviviendo la música independiente en Chile, son personas como nosotros, donde el jefe y el Community Manager es uno mismo. La forma de trabajar es muy cercana.

Planeta No presentando Odio. Foto por Carlos Molina

¿La participación en Ases Falsos, como en Dënver, ya es pasado?
JP: Sí, pasado pisado. Fue un lindo episodio pero culminó. Los planetas se alinearon y terminó justo en el momento cuando la banda se perfila como una “nueva promesa”, o no sé qué.

Camilo: Hubiéramos estado pal’ hoyo si estuviéramos trabajando para los chiquillos y también para nosotros. Siempre va a salir uno desfavorecido, así que creo que los líderes de los otros grupos vieron eso y no sé, nos hicieron el favor de dejarnos libres.

¿Hubo algún momento en el que  dijeran “esto no vamos a ser”? ¿Un momento en el que definieran sus límites?
Gonzalo: Sí poh’, es habitual cuando uno empieza definirse en base a negación. Yo me acuerdo de haber hecho una lista de 10 reglas que debía tener mi nueva banda, cuando empecé con Planeta No. Y tenía cosas como: “No usar teclados o sintetizadores”, jajaja. “No ocupar guitarra acústica”. Y resulta que un año después me enamoré de los sintetizadores. No los conocía, entonces todo lo que planeé no era. Tuvimos a la vista un límite que después cruzamos.

¿Qué bandas consideras cercanas a su estilo?
Gonzalo: Nuestras bandas más cercanas son las del sello Beast Discos, con el cual comenzamos y seguimos trabajando. Por ejemplo, con la banda Mantarraya nos conocemos desde los 12 años, porque son de Concepción. Los Niño Cohete son más grandes que nosotros…. en realidad, no es tan cercana, pero sí los vimos tocar de muy chicos. Los Julia Smith también, incluso vivieron con nosotros acá en Santiago. Con Aldo Benicassa de The Ganjas, también. Yo considero que es una especie de mentor para mí, porque me enseñó a trabajar en muchísimas cosas que no tenía idea.

¿Qué piensan ustedes sobre el prejuicio hacia música pop onda “es basura”?
Camilo: No sé, creo que igual es malo tener prejuicios sobre algo. Nosotros crecimos escuchando esa música. Quizá las personas que digan eso sean de una generación mayor, pero en mi casa —por ejemplo— era súper normal ver a mi mamá o a mi tía escuchar los Bee Gees, Michael Jackson o a cantantes cebolleros. Y esos son mis recuerdos. Al final estamos reviviendo lo que nosotros somos desde la crianza.

Gonzalo: Me parece importante lo que dijo el Camilo. Me parece que es casi una cita de lo que dice el productor chileno Cristián Heyne, que no se le puede poner coto a la creación. No se le puede poner límite, menos desde el prejuicio. Es prejuicio es normal, nace del gusto; sin embargo, no podemos hacer de eso una acción limitadora en la producción cultural. No podemos decir que el reggaetón es peor que el pop, que el pop es peor que la otra cosa, que hay una dualidad entre rock y pop, y que hoy ganaría el pop… mañana ganaría el rock. Para mí eso no tiene mayor sentido.

¿Podrías decir que tus canciones tienen sentido político?
Gonzalo: Creo que todas las canciones lo tienen, quiéranlo o no. Todos tenemos origen y final, y lo que hace uno está apoyando algo. Uno verá cual es sentido que se pone en eso. Si yo no veo con visión critica lo que está pasando en este país estoy apoyando por omisión las cosas malas que tiene la sociedad. No es que quiera hacer una canción sobre tal o cual tema —porque creo que somos muy poco geniales para hacer canciones, entonces lo que sale bueno tenemos que usarlo nomás—, es sólo que no podemos filtrar mucho. Sin embargo, lo que sí es consciente es decir cómo es uno. Yo adhiero al feminismo, soy de izquierda y muy critico de los partidos de izquierda, más bien cercano a lo libertario. Eso sí lo he elegido ser, he elegido pensar en lo colectivo, estudiar humanidades para entender por qué me molestan tantas cosas de la sociedad y eso se manifiesta en las canciones, sin querer. Yo estudié y estudio humanidades de modo autodidacta. Mi hermano estudia sociología y me pasa los libros que él ya entendió y me explica cuando no lo entiendo, que es la mayoría de las veces.

Presentación de Odio en el Cine Arte Alameda. Foto por Carlos Molina

Entonces, ¿el pop podría ser de izquierda?
Gonzalo: Es una pregunta súper interesante; yo también me la estoy haciendo en este tiempo. Me pasan cosas muy raras: pegar afiches para nuestros conciertos en comunas que yo no recorro. Y yo no soy particularmente de clase baja, pero las comunas donde las pegaron eran de clase alta, comunas que yo no frecuento. El single de nuestra banda “Sol a sol” salió durante una semana exclusivamente en la plataforma digital Spotify y yo no la pude escuchar porque no tengo teléfono inteligente. Siento en carne propia esa contradicción. Recorro el camino de la sociedad capitalista y el camino de las canciones. Sin embargo, eso es lo que me gusta jugar, así que voy a explorar esa pregunta tuya por mucho, mucho tiempo más. No sé cuando tendré la respuesta.

Oye, ¿y la ideología de izquierda o tus posiciones libertarias, podrían valerse de la música para incidir en la transformación social de una manera más inmediata?
Gonzalo: No me hice músico para difundir ideas, pero obvio que una canción puede hacerlo. Pero yo no pongo la música en pos de una idea particular, porque después la música queda teñida de esa idea o le puede hacer daño a esa idea. Es rara esa relación utilitaria del trabajo musical del que se hicieron cargo, por ejemplo y durante mucho tiempo, en la Unidad Popular.

JP: Mmm… estaba escuchando atentamente las respuestas maestras de Gonzalo y, últimamente, nos han preguntado harto si puede haber una banda pop con sentido político y social, y blablabla. Yo creo que la música, por el hecho ser música, tiene un sentido social o político, pero no por eso hay que casarse con una idea, con una sola forma de hacer una canción. Si ahora es el momento de criticar a través de la banda está bien, pero eso no quiere decir que lo vaya a hacer siempre.

Gonzalo: Además hacer una canción no es más valioso que hablar con los vecinos y hacer una actividad colectiva como un partido de futbol. Eso es tan político como una canción. En realidad, nuestro disco nunca fue pensado como político y tampoco hemos querido hacer canciones políticas. Entonces, que nos salgan así, es porque somos parados de raja nomás. Es pura cuea [suerte].

En verdad, evitamos mucho, muchísimo proyectarnos en una suerte de lugar en la escena, porque no nos gusta hacer reverberancia de nosotros mismos. Lo que tiene que hacer recambio es la sociedad completa, no sólo los músicos tienen que ponerse críticos y pensar lo que pasa. Sino que todas las personas que trabajan, en todas las áreas, todos tienen que dejar de ver televisión y ponerse a trabajar siendo conscientes de la sociedad en que viven.  Igual, nosotros somos hijos de nuestro tiempo. Por edad nos tocó la Revolución Pingüina cuando estábamos en tercero medio. En el 2012 yo era mechón en la universidad. En el 2013 era dirigente de mi universidad y hasta estos años siguen habiendo protestas. Y nosotros seguimos asistiendo, sobretodo yo.

Foto por Mila Belén, tomada del Facebook de la banda

En ese contexto, ¿qué formas de opresión les ha tocado trabajar a la hora de crear?
Gonzalo: Bueno, desde la ventana de la pieza de Camilo, acá en Santiago, se puede ver el lugar donde mataron a Daniel Zamudio. Estamos acá en las torres de San Borja.

Camilo: Puta igual, a mí personalmente una de las cosas que mas me marcaron fue que vine de Concepción, ¿cachai’? Una ciudad puta más al sur, y muy distinta a lo que es Santiago. Los últimos 5 años, los he vivido en el centro mismo de Santiago —donde pasan cosas—, estudiando una carrera que es artística y todo, junto con compañeros de danza. Ahí te empezai’ a encontrar con gente gay, lesbianas, transexuales que te fijai’ son personas común y corrientes; gente que sufre acoso en la calle y que no debería sufrirlo. No deberían sentirse discriminados o abusados.

Gonzalo: Eso nos pasa a todos, pero lo normalizamos. A ti también te debe haber pasado. Mira, nosotros tres somos negros, así que de partida hay puertas que tenemos cerradas y vivimos lo mismo que vive el resto todos los días. A mí me pueden pasar por el frente cuatro micros (buses) y no me paran porque tengo una tabla de skate en la mano. Noto también cómo acosan a todas las minas, simplemente con la mirada. A mí me ha tocado, no sé cuando, pero un par de veces, que una mujer me jotee [coquetee] de manera pesada y agresiva…. y pienso “Uy, qué lata esta persona ¿por qué hace eso?”. Pero al tiro pienso “y eso es lo que vive una mujer toda su vida, poh hueón”.

¿Cómo llegaron al EP Matucana? ¿Cómo fue ese proceso?
JP: Ese proceso fue súper apresurado. Estábamos trabajando un disco que se demoraba años. Ya era ridículo, onda, causa de burla de los amigos cercanos “¡Oye, ya poh saquen el disco luego!” y hueás así. Y estábamos grabando el disco y dijimos: “Oye, sabí que tenemos para rato con el disco y nos van a matar si no sacamos nada”. Así que decidimos sacar el EP con cuatro canciones que no habían pasado la prueba para el disco. Lo grabamos paralelamente en nuestro estudio con ayuda del Milton Mahan y Pablo Muñoz, que tienen una dupla que se llama De Janeiros. Al final, terminó siendo nuestro trampolín, nos ha dado todo hasta este momento.

Gonzalo: En el EP y en disco, me tocó ejercer como productor. Y hago una mejor evaluación en el EP que en el disco, respecto de las condiciones en que fue hecho y de los objetivos que tenían.

¿Y qué tipo de expectativas tienen con Odio?

JP: Yo tengo todas las expectativas. Si este disco no me da de comer, yo disuelvo la banda. Es mi ultima esperanza de ser mús…. Jajaja, no.

Camilo: No sé. Yo no tengo punto fijo donde quiera llegar, pero sí es un trabajo constante que tenemos que realizar y es súper raro porque hace dos meses estábamos planificando el lanzamiento. Y yo decía: “ya, después del lanzamiento vamos a poder descansar” y resulta que no es así, porque después del lanzamiento tengo que seguir planificando la gira a México y después de la gira quizá qué voy a estar planificando. Tenemos de estar pendientes sobre el trabajo y no dejarlo estar nomás, cacha’. Como que si nosotros no hacemos nada, nadie lo va a hacer por nosotros.

¿Cuáles son sus canciones más queridas del disco?
Gonzalo: Mi canción favorita del disco es “Vacaciones de invierno”. No me gusta mucho la producción, pero creo que es muy puro el camino que tiene, desde que fue compuesta y hasta que llegó a publicarse con la banda. Eso quiere decir que fue una buena propuesta inicial. La producción no está tan bien lograda. Quería una grabación muy lo fi, muy indie; sin embargo, no lo realicé bien y el resto de personas tenían una opinión contraria a la mía, así que quedó en un punto medio entre esos dos polos. Y cuando algo queda en un punto medio, uno tiene el peor resultado, porque ya no tiene personalidad. Para más vía crucis es mi canción favorita.

Camilo: La que más me gusta…

Gonzalo: No mintái hueón, no te gusta ninguna.

JP: Jajaja, ya vamos a decir la verdad: el Camilo no se sabe los nombres de las canciones.

Camilo: Jajaja, la que más me gusta es la primera canción ¿Cómo se llama? No… la que me gusta es “Odio”. Fue una de las que menos escuché y debe ser por eso. Gonzalo llegó con la idea bastante hecha y la realizó entera. De hecho, cuando terminaron de grabar esa canción yo no estaba acá. Relata una historia de principio a fin y no te dan ganas de cortarla entre medio, que es lo que puede matar una canción.

JP: A pesar de que considero que hay muchas canciones buenas en el disco como “El Campo”, que son muy pegotes, “Vacaciones de invierno” es una de mis favoritas porque quedó tal cual Gonzalo la compuso. Es una canción muy honesta, es un tema redondo, perfecto. Y otro tema muy similar a ese es el que cierra el disco: “Zapatillas con luces de color” y es uno de los más experimentales. Quizá nadie lo escuche porque es muy pegado, pero si uno le pone atención a la letra y la música, se da cuenta que va creciendo y creciendo. La letra es una de las mejores que ha hecho Gonzalo.

Una duda: cuando Gonzalo habla políticamente, ¿ustedes se sienten identificados con lo que él propone, o solamente se suman al discurso y su composición?
Gonzalo: ¡Qué! ¡Si los cabros son hijos de militares!

Camilo: Jejeje.

Gonzalo: ¡Esto se llama durmiendo con el enemigo!

Camilo: Esta es una banda muy poco consecuente en realidad, porque Gonzalo es hijo de papá millonario.

Gonzalo: ¡Ooooohhhhh!

JP: Pero reniega de eso. Yo soy hijo de militar, pero no comparto ninguno de los hechos que ocurrieron bajo la Dictadura Militar. Camilo es hijo de uno de la Armada, entonces uno podría decir que la banda es nada que ver. Gonzalo me molesta cuando habla por la banda y dice cosas, pensamientos de él como si fueran de la banda, porque una banda no puede tener un mismo pensamiento. De hecho, me recuerda a lo mismo que pasa con los Ases Falsos que, de repente Cristóbal (Briceño) decía algo y nadie opinaba así. Pero sí hay cosas que tenemos en común; si no, no estaríamos trabajando juntos, compartiendo música. Pero con el Camilo somos un poco más suaves en las cosas que pensamos.

Camilo: Personalmente, pienso que pasa un poco por un tema de ignorancia frente al tema, porque yo no soy estudioso, no soy bueno para leer. No me he instruido tanto como Gonzalo sobre los temas, pero sí comparto muchas de las temáticas que él presenta. Igual soy uno de los que tiene que andar subiéndose sin pagar a la micro porque no tiene plata para la Bip [tarjeta]. Apoyo caleta a los estudiantes, pero no puedo ir a las marchas porque tengo que trabajar, porque tengo que pagar el arriendo de donde estoy viviendo, ¿cachai’?

Gonzalo: Yo creo que sólo nos separa la teoría, más que nada.

JP: Sí poh y, en realidad, Gonzalo es súper extremista. No sé, si un día el loco se da vuelta y quiere ser facho, va a ser el loco más facho del mundo. Y yo no soy así, siempre estoy en un consenso.

Camilo: Pero mira, esto tenemos en común. Si puedo ir a comprarle un cafecito a la señora del carrito, que te cuesta 200 pesos, entre ir a un Starbucks… voy a preferir el carrito mil veces, por apoyar a la señora y porque es más barato.

Próximas fechas de Planeta No:

14 oct / Casa Ballantines / Santiago, Chile
17 oct / La Bodeguita de Nicanor / Concepción, Chile (+ info)
14 nov / IztaFest / Puebla, México (Boletos aquí)
19 mar, 2016 / Lollapalooza Chile / Santiago, Chile (Boletos aquí)

Andrea Ocampo también se expresa sin filtro, sólo que a través de su Twitter – @andreiii

Todas las fotos son de Petra Niemeier.

Tal vez alguna vez en tu vida te hayas preguntado, ¿qué pasa cuando los grandes dioses de la música bajan del escenario?, ¿viven como cualquier otro normal? Probablemente sí, pero a diferencia de hace más de una década, ahora puedes abrir Instagram, Twitter o Facebook y darte una idea de qué está haciendo tu artista favorito cuando no está parado frente a una multitud con su música amplificada en bocinas enormes. Antes de que las redes sociales se convirtieran en lo que son ahora, había que esperar el especial de alguna revista  o algún programa documental en la tele que mostrara un cacho de la vida detrás de la fama de tu cantante o músico predilecto. Estoy hablando de épocas como los 60, donde los Beatles eran hombres endiosados y la información no corría tan rápido como ahora.

Hoy en día, Jimi Hendrix es percibido como un dios de la guitarra, un músico increíble que desafortunadamente dejó este mundo a una edad muy temprana. Sin embargo, aunque es fácil idealizar la vida de los músicos de otra era, hay que recordar que la mayoría de las estrellas de rock en algún momento estuvieron muy jodidas, y que básicamente viven de la bondad de los demás para poder subsistir en lo que consiguen la fama. Ese definitivamente fue el caso de Hendrix, quien en 1966 le rentaba un departamento a Ringo Starr, en el número 34 de Montagu Square, en Londres (lugar donde también vivieron los Beatles y donde Hendrix compuso “The Wind Cries Mary”), junto con su novia, Kathy Etchingham. Starr le cobraba tan sólo £30 al mes, hasta que un día, en un viaje de ácidos, Hendrix decidió pintar todo el departamento de blanco, algo que obviamente le cagó a Starr, quien terminó echándolo.

Petra Niemeier (una fotógrafa musical que se dedicó a retratar a varios de los músicos más existosos de esa época) tuvo la oportunidad de pasar un rato con Jimi Hendrix antes de que eso sucediera, y le tomó algunos retratos al genio de la psicodelia. Vean aquí abajo, con toda la facilidad que les ofrece su conexión Wi Fi, a Jimi en un traje azul rey de terciopelo a Hendrix hablar por teléfono, pararse frente a una estufa y fritear sobre un colchón. O sea, ser un completo ente normal.